Antes de ponerme a escribir este texto se me ocurrió la brillante idea, aprovechando la coyuntura, de realizar un post en el que listar las diez mejores películas sobre viajes en el tiempo, a mi juicio evidentemente. Pero tras pensar un rato --no demasiado, que uno ya tiene una edad y la neurona se desgasta-- he llegado a la conclusión de que tampoco hay demasiadas maravillas en esta especie de subgénero. Todos nos acordamos de películas como ‘El tiempo en sus manos’ (‘The Time Machine’, George Pal, 1960), la trilogía de ‘Regreso al futuro’ (‘Back to the Future’, Robert Zemeckis, 1985) --probablemente la película que más se divierte especulando con los viajes temporales--, o la casi olvidada ‘Los pasajeros del tiempo’ (‘Time After Time’, Nicholas Meyer, 1979) que junta en el mismo espacio temporal a H.G. Wells y Jack, el destripador.

‘Más allá del tiempo’ (‘The Time Traveler´s Wife’, Robert Schwentke, 2009) se suma a este tipo de películas con una particularidad que le aparta del resto. Aquí no nos encontramos con un científico que investiga con los viajes en el tiempo, y tampoco se saben las causas por las cuales el protagonista puede saltar de una época a otra. Para todos los que sigáis ese entretenidísimo engañabobos llamado ‘Lost’, el film protagonizado por Eric Bana semeja una de las fascinantes aventuras de Desmond Hume, otro viajero del tiempo que entra en los anales del audiovisual por derecho propio.

‘Más allá del tiempo’, tal y como dice mi compañero Juan Luis Caviaro en su crítica de la película, empieza de forma impactante. Tomando como regla una de las máximas de Cecil B. DeMille --toda película debe empezar con un terremoto y de ahí hacia arriba--, un niño que va con su madre en coche desaparece justo antes de que tengan un accidente. La madre muere en el accidente, y él asustado y desnudo es ayudado por su yo adulto que ha regresado en el tiempo a ese crucial momento de su vida. No hay efectismos ni filigranas en esta secuencia, todo está expuesto con sencillez y buena mano. El interés del espectador ha sido captado sin ningún esfuerzo. La pena es que el film, aún conservando su atractivo durante todo el metraje, no aumenta su encanto a niveles mayores. Su capacidad de riesgo es limitada.

Robert Schwentke, director alemán afincado en Hollywood desde hace algunos años --suyo es aquel ejercicio Hitchcokiano titulado ‘Flightplan’ (id, 2005), con Jodie Foster-- firma una historia que intenta en todo momento caer en los tópicos más conocidos de las películas sobre viajes temporales. Pero el riesgo que corre en ello se ve limitado precisamente por su escasa personalidad en la puesta en escena. De hecho, ‘Más allá del tiempo’ es una de esas películas en las que la mano del director no se nota en absoluto, la firma Schwentke como muy bien la podría haber firmado otro director de idéntico talante. Su trabajo, falto de inspiración, no pasa de correcto, y aunque eso ya es bastante en estos tiempos no llega para elevar la calidad de la película a una cota en la que pide a gritos estar.

Bruce Joel Rubin, autor del libreto del film, ha estado siempre interesado por dos cosas. Una, las historias de amor inmortales y otra, la vida más allá de la muerte. Empezó su carrera siendo el autor de la historia de ‘Proyecto Brainstorm’ (‘Brainstorm’, 1983), una de las maravillas de Douglas Trumbull que tanto ha influido en el cine moderno. El guión de dicha película no fue realizado por él y se nota, porque reconozcámoslo, Rubin es más bien un escritor mediocre como bien lo demuestran esos dos insultos titulados ‘Ghost’ (id, Jerry Zucker, 1990) --que le reportó un Oscar-- y ‘La escalera de Jacob’ (‘Jacob´s Ladder’, Adrian Lyne, 1990). Sólo en dos ocasiones ha demostrado estar más inspirado que de costumbre, una en su única película como director, la muy interesante ‘Mi vida’ (‘My Life’, 1993) y en la película que nos ocupa, cuyos mayores alicientes se encuentran precisamente en el libreto de Rubin; ¿o lo están verdaderamente en la obra original en la que se basa el film y cuya autora es Audrey Niffenegger?

‘Más allá del tiempo’ es una muy creíble historia de amor entre dos seres que se conocen gracias a que uno de ellos puede viajar en el tiempo. Precisamente será esa cualidad la única traba en la relación, planteada como un típico problema de pareja más. Clare Abshire (Rachel McAdams) es la sufrida y entregada esposa --a la que hace referencia el título original del film-- que ama sin contemplaciones al hombre de su vida, de su tiempo, aún a pesar de pasar semanas sin saber nada de su marido, pues éste no controla el momento en el que viajará ni la duración de sus ausencias. Esta premisa está llena de apuntes muy interesantes que tiene que ver con todas las idas y venidas de Henry DeTamble (Eric Bana) aunque llega un momento en el que todo se hace muy repetitivo.

Como en todo género o subgénero, éstos poseen ciertas reglas o bases que sólo los más atrevidos se atreven a romper. Siempre me ha resultado muy gracioso que en muchas de las películas sobre viajes temporales no se pudiese cambiar el destino final de las personas. Es evidente que todos morirán algún día, pero si partimos de la base de que algo tan absolutamente imposible --al que sostenga lo contrario, mis más sentidas condolencias, necesita ayuda-- como los viajes en el tiempo pudieran ser posibles, está muy claro que sí se podría cambiar el destino de cualquier ser o cosa. Pero curiosamente en ‘Más allá del tiempo’ esta especie de regla o norma se burla de forma muy inteligente en su tramo final tomando como base las eternas paradojas temporales. De esta forma, la historia de amor del film, lo más interesante del relato, se convierte en intemporal, porque no importan el cómo y el dónde, sino el cuándo.

Puede que no nos guste, pero el 3D está funcionando en taquilla y eso es lo único que parece importar. Se va a repetir el caso de ‘Furia de Titanes’ (rodada en 2D y convertida a 3D en post-producción), tras demostrarse que el público demanda este nuevo formato, independientemente de la calidad del film, e incluso de la imagen. Así que Sony Pictures ha decidido dar este paso con una de sus producciones, ‘The Green Hornet’, la comedia de acción que ha dirigido Michel Gondry con Seth Rogen y Cameron Diaz al frente del reparto. Esta decisión ha llevado a retrasar (otra vez) la fecha del estreno, pasando del próximo 22 de diciembre al 14 de enero de 2011.

Y prácticamente al mismo tiempo, Paramount Pictures ha anunciado que la esperada ‘Airbender: El último guerrero’, lo nuevo de M. Night Shyamalan, también será en 3D. Lo más extraño es que en este caso no hay cambio de fecha, sigue en pie que la película estará en los cines el próximo 2 de julio. ¿Chapuza en camino? Al parecer, Paramount lleva cerca de un año probando la conversión en 3D con Stereo D, una compañía que trabajó en ‘Avatar’, y hace tres meses realizaron pruebas con algunas escenas del film de Shyamalan, dando unos resultados tan satisfactorios que han decidido aplicar el cambio a todo el metraje. A ver si el director dice algo sobre este asunto, si le dejan.

PD: Y habrá quien ya sabiendo todo esto, pagará una salvajada por verlas en 3D… y se quejará de que se ven mal. Somos así.

Vía | ComingSoon

La edición número 13 del Festival de Málaga ha premiado con la Biznaga de Oro a la película ‘Rabia’, del realizador ecuatoriano Sebastián Cordero. Una historia de inmigración, amor imposible y claustrofobia. Según los comentarios que ha vertido, se trata de un thriller opresivo y asfixiante narrado desde el punto de vista de un asesino escondido en una mansión que observa a sus habitantes, sin ser visto.

‘Rabia’ (tercera película del director que llega apadrinada por Guillermo del Toro) se postulaba como una de las favoritas y sonaba en todas las quinielas, así que parece no ha existido demasiado espacio a la sorpresa. Además de la mejor película, también se ha alzado con los premios de mejor fotografía, mejor actor de reparto para Álex Brendemühl y mención especial para Gustavo Sánchez.

En el resto de premios cabe destacar la cinta ‘Bon appétit’ de David Pinillos que se ha alzado con el Premio Especial del Jurado, el de mejor actor para Unax Ugalde y el del mejor guión. Marisa Paredes ha sido la mejor actriz por ‘El dios de madera’, el premio del público a la mejor película ha recaído en ‘Héroes’ y el de la crítica para ‘La vida empieza hoy’.

Vía | Festival de Málaga

Sin duda, uno de los títulos más sorprendentes del año está siendo ‘Cómo entrenar a tu dragón’ (‘How To Train Your Dragon’), dirigida por Dean DeBlois y Chris Sanders para DreamWorks. Basada en el libro infantil de Cressida Cowell, la película está cosechando buenas críticas y una excelente recaudación en taquilla, que van más allá del atractivo gancho que supone el formato 3D. Sencillamente, se han cuidado la historia y los personajes tanto como la animación, pensando en un público para todas las edades, y eso siempre da buenos resultados.

Gracias a la mediación de nuestro amigo Antonio Toca, Blogdecine ha podido conversar con el animador Igor Lodeiro, uno de los responsables de la impecable factura técnica de la película. Su nombre aparece en los (kilométricos) títulos de crédito bajo la categoría de “Lead Lighter”, pero ya os explicará él mismo qué significa exactamente eso. A través de once preguntas, hacemos un repaso al film, a su trabajo, a la animación y al 3D, entre otras cosas. Sin más, espero que os resulte una lectura entretenida.

• Hola Igor, ante todo muchas gracias por atendernos para realizar esta entrevista. Y en segundo lugar, enhorabuena, la película es un éxito de público y está teniendo buenas críticas, ¿hasta qué punto os esperabais esto?

Desde varios meses antes de que se estrenara la película, en los screenings internos ya notábamos que estábamos trabajando en un proyecto diferente. El clima entre los artistas que trabajaban en la película, que normalmente son muy autocríticos, era diferente al de otras películas, la plantilla estaba muy satisfecha con el trabajo que veíamos en la pantalla.

Animando una de las películas del momento

• ¿Puedes decirnos cuál fue exactamente tu trabajo en ‘Cómo entrenar a tu dragón’?

En la película yo trabaje como “Lead Lighter” en el departamento de iluminación, recibimos la información de todos los departamentos que trabajan en la película, los modelos finales, animación, texturas. El director de arte nos explica la visión que tiene para la secuencia en la que vamos a trabajar, por ejemplo, en las secuencias en las yo desarrolle el "look" la playa de roca negra tenia que tener una atmósfera opresiva, rodeada de niebla que bloqueaba la luz del sol, con esa información en mente diseñamos en el ordenador la iluminación que produce el efecto que ellos buscan, ajustamos las lentes de la cámara y generamos las imágenes finales que serán vistas en los cines.

* ¿Los personajes y el lugar donde transcurre venían muy marcados por guión o los diseñasteis los animadores?

La película esta adaptada de un libro que describe a muchos de los personajes y localización que aparecen en la pelicula. El libro no fue literalmente adaptado, y prácticamente se creó una historia nueva usando esos personajes y el universo en el que vivían. El diseñador de personajes Nico Marlet hizo un trabajo excepcional imprimiendo una gran personalidad a los personajes que aparecen en la película. Como anécdota cabe señalar que Astrid no existe en los libros, pero los directores decidieron que necesitaban a una contrapartida femenina para Hiccup, o como se llame en la versión española… :D

• ¿Os habéis inspirado en arte preexistente: cuadros, ilustraciones?

Creo que siempre existe influencia de otros materiales relacionados que se han creando anteriormente pero creo que no existe una influencia clara de un estilo anterior. Personalmente desde el principio a mi los diseños de los personajes me recordaba enormemente a una serie de televisión que veía cuando era pequeño, se llamaba ‘Vicky el vikingo’.

• ¿Qué otros films (de animación o de imagen real) os han influido?

La critica señala que "Dragon" les recuerda a otras películas como ‘E.T.’ o ‘Black Stallion’, creo que emocionalmente intenta ser algo parecido a ellas, pero en cualquier caso no creo que haya sido una decisión consciente sino un fruto del trabajo en la pelicula y del desarrollo e interacción de los personajes.

• ¿Cómo ha sido la acogida en Estados Unidos y en España de la película en el sentido técnico, el 3D…?

En Estados unidos comparan los aspectos técnicos con ‘Avatar’, dicen que es como esa película pero para niños. Concretamente la crítica está muy impresionada con las secuencias donde los protagonistas viajan a lomos del dragón, que produce un resultado espectacular en 3D.

• ¿Qué fue lo más complicado o lo que más trabajo tuvo de toda la película?

La película en su conjunto fue un gran reto, se disponía de un plazo muy estrecho para producirla y la calidad que se esperaba era muy grande. Desde el primer día en el que empecé a trabajar en esta producción el ritmo de trabajo fue bastante fuerte.

• Una pregunta inevitable, ¿existe la opción de sacar una segunda parte?

La película está teniendo un gran éxito de taquilla en USA, aunque no tuvimos un fin de semana de apertura tan fuerte como se esperaba, el boca a boca esta funcionando y la pelicula sigue recaudando fuertemente a pesar de haber sido lanzada hace 4 semanas, en un mercado tan competitivo con tantas películas estrenándose cada fin de semana es todo un logro. Concretamente este fin de semana nos hemos quedado a nada de volver a ser la película mas taquillera. Con todas estas consideraciones en mente estoy casi seguro, aunque no puedo confirmarlo oficialmente porque no tengo esa información, de que habrá segunda parte.

Sobre el cine de animación y el 3D

• ¿Crees que el cine de animación está en su mejor momento?

El cine de animación esta evolucionando muchísimo y se están aprendiendo a contar historias y a usar el medio de una manera mucho mas interesante que cuando comenzó la explosión de peliculas post disney. Viendo ‘Cómo entrenar a tu dragón’ y otras películas como ‘Ratatouille’ uno se olvida que el medio es animación y disfruta la película por su valor global y por la historia que cuenta. Además el publico sigue siendo infantil pero se pone mucho mas cuidado en que la película pueda ser disfrutada también por audiencia mas adulta.

• Otra inevitable, ¿crees que el 3D es el futuro?

Creo que a día de hoy todavía no lo sabe nadie, ‘Avatar’ fue uno de los primeros impulsos serios de esta plataforma para enseñar lo que puede aportar el 3D al cine, creo que "Dragón" ha seguido sus pasos y ver la película en formato 3D le da una espectacularidad añadida, yo personalmente desde hace tiempo siempre elijo películas en formato 3D cuando voy al cine porque me parece mucho mas interesante. El problema viene con la gente que usa el 3D post-producido (convertido después de que la película se filme en 2D) esta llevando contenido a las salas 3D que le dan una mala imagen del producto al espectador, creo que la clave esta en que se produzca contenido de calidad que aproveche el medio al máximo, si se logra esto creo que el 3D es una opción viable para el futuro.

• Por último, y si no hay riesgo para tu integridad física, ¿puedes contarnos en qué estás trabajando actualmente?

Jeje, comentar me dejan comentar, después de ‘Dragón’ fui ascendido como CG supervisor y ahora mismo estoy al cargo de desarrollar el contenido adicional para el DVD/Blu-ray de la película, que incluye un corto contando otras historias de la isla de Berk y sus habitantes.

Bueno Igor eso es todo, muchas gracias por tu tiempo y enhorabuena de nuevo.

En este especial de vampiros, en el que no hay orden aparente, intentaremos tratar aquellas películas que no sólo destacan en un subgénero que ha sido siempre del agrado del público de todas las épocas. También lo haremos de títulos que están en la memoria del cinéfilo, rarezas, algunas de ellas convertidas hoy en títulos de culto. Algo así le pasa a la que hoy nos ocupa y que tiene el original título de ‘Drácula’, dirigida por el neoyorquino George Melford y que responde a una necesidad que había en los años 30 con determinadas películas. Por aquel entonces no existía el doblaje y ¿cuál era la forma de hacer llegar una película a la comunidad hispana que no entendía ni jota de inglés? Muy sencillo, se filmaba de nuevo la película en español.

Así pues, la mítica ‘Dracula’ de Tod Bronwning, primer exitazo de la Universal dentro de un género que explotaría hasta la saciedad, se filmaba de día, mientras que la versión hispana lo hacía de noche utilizando los mismos decorados. Lo llamativo del asunto es que no nos encontramos ante una copia exacta del film de Browning como cabría esperar. Sí es cierto que toma como base la misma obra teatral con los mismos diálogos porque tampoco se trata de ofrecer al público una obra totalmente distinta. El Drácula hispano posee algunas novedades de interés aunque es restado por otros elementos que chirrían lo suyo.

Llama la atención el hecho de que Melford no entendiese ni hablase español pero debió alucinar lo suyo dirigiendo a actores con distintos y marcados acentos. Entre el reparto había españoles, mexicanos, centroamericanos y sudamericanos. Llega a ser bastante molesto el escuchar tantos acentos distintos del mismo idioma para una película en la que el habla de los personajes no tiene especial importancia. Chirría sobre todo esa manía, procedente del teatro, de articular las palabras para que se entiendan, pareciendo que los actores recitan el texto como si de un discurso para las audiencias se tratase.

Así pues, actores como Eduardo Arozamena, que da vida al profesor Van Helshing, o Lupita Tovar, que interpreta a Eva Seward, resultan totalmente histriónicos al igual que muchos de los secundarios en pequeños papeles. Anótese la secuencia en la posada antes de que Renfield llegue al castillo de Dracula; todos los actores que por la escena circulan hacen gala de una exageración interpretativa que hace que los personajes resulten falsos. Sólo dos actores se salvan de la quema: Carlos Villarías, que da vida al milenario vampiro, y que sustituye su marcada articulación vocal por una presencia fascinante y por momentos aterradora. Y Pablo Álvarez Rubio, que interpreta Renfield y a cuyo personaje --un loco-- le queda de maravilla cierto histrionismo. Lo bueno es que Rubio logra controlar en todo momento una interpretación que podría haber sido el colmo de la exageración.

Ver este contraste entre los actores del reparto desconcierta lo suyo, pero si el espectador logra dejar todo esto a un lado --y eso no quiere decir que se obvie-- se puede disfrutar de una película que estando a la sombra del clásico de Browning logra tener vida propia gracias a una excelente utilización de los decorados, de la cámara y a la creación de una atmósfera irreal absolutamente terrorífica. Podríamos decir que todos estos elementos ya se encuentran en el film original, pero Melford no se limita a realizar una copia exacta de ellos, sino que arriesga con atrevidos travellings --la primera aparición de Drácula-- o el filmar en primer plano los ojos del Conde. Incluso se permite el lujo de ir más lejos que Browning cuando éste filmaba la salida del ataúd de Drácula; lo hacía utilizando muy sabiamente el fuera de campo. Melford realiza una curiosa combinación de truco de cámara y efectos visuales. El ataúd comienza a abrirse, un misterios humo llena el lugar y Dracula aparece como por arte de magia. Sencillo y totalmente efectivo.

Este ‘Drácula’ dura casi media hora más que el de Browning porque se alargan ciertos tramos del relato, dando más importancia a determinados personajes. La irrupción de Van Helshing no resulta tan repentina, y Renfield cobra más protagonismo que el film original. Esto permite a Melford no sólo el dejar que el actor realice todo un tour de force del que sale airoso, sino que además se adentra en el intrincado mundo de la locura a través de un personaje que sostiene él solo buena parte de la función. La pena es que al alargar la película también se cae en el error de tiempos muertos que alcanzan su cenit en las secuencias en las que los actores se quedan mirando los unos a los otros.

Sin llegar a la maestría de Browning, Melford logra una buena e interesante película que intenta apartarse de la teatralidad de la obra. Es una pena que la fama del film protagonizado por Bela Lugosi sea tan grande pues hace que muchos aficionados no quieran acercarse a este ejemplo de reciclaje en unos años en los que el Cine prácticamente estaba empezando y sus códigos narrativos eran totalmente distintos a los de hoy.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’, de Tod Browning

• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’

Grandes noticias, amigos de la oscuridad y crepusculocas de todo el mundo. Tras un primer teaser y un cartel, hoy ha aparecido ya el nuevo tráiler de la película más esperada de este año, ‘Eclipse’, el tercer capítulo de la mejor saga de la Historia del ser humano (¡por lo menos!). Como sabéis de sobra, en esta nueva entrega Bella se verá obligada a elegir entre su amor por Edward y su amistad con Jacob, sabiendo que su decisión puede provocar el resurgir de la guerra entre los vampiros y los hombres lobo… ¡¿¿Qué pasará??!

Basada en la novela de Stephenie Meyer, ‘La saga Crepúsculo: Eclipse’ (‘The Twilight Saga: Eclipse’) está protagonizada por Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, a quienes acompañan Ashley Greene, Billy Burke, Peter Facinelli, Nikki Reed, Kellan Lutz, Dakota Fanning, Catalina Sandino Moreno, Jodelle Ferland y Bryce Dallas Howard. El guión es de Melissa Rosenberg y tras las cámaras se ha sentado el director David Slade (‘30 días de oscuridad’). La fecha del estreno es el próximo 30 de junio, tanto en cines convencionales como en salas IMAX.

PD: Se rumoreaba que a Summit Entertainment no le había gustado lo que había hecho Slade y que habían tenido que rodar nuevas escenas. Al parecer no es del todo cierto, les ha gustado, pero aún así han filmado más cosas.

En la crítica de mi compañero Adrián Massanet sobre ‘Alicia en el país de las maravillas’ (‘Alice in Wonderland’, Tim Burton, 2010) señalaba el autor el paralelismo que existe entre dicho film y ‘Hook’ (id, Steven Spielberg, 1991) por cuanto ambas cogen un clásico de Disney, a su vez basados en obras famosas de Lewis Carroll y J.M. Barrie, y les aplican un tratamiento más adulto al de la obra original. Cuando estaba viendo la película no podía dar crédito a que ésta es casi punto por punto el film del Rey Midas pasado por el filtro de un director que con sus dos últimas películas ha bajado el listón de forma alarmante. Con esto no quiero decir que la última obra de Tim Burton me haya parecido un pestiño, pero desde luego no estamos ante el autor que nos regaló maravillas como ‘Eduardo manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’, 1990), ‘Ed Wood’ (id, 1994) o ‘Big Fish’ (id, 2003).

Afortunadamente tampoco estamos ante un bodrio del calibre de ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’, 2001), pero casi hubiera preferido salir del cine con la sensación de haber visto una solemne tontería y no lamentarme por lo que pudo haber sido y no fue. Curiosamente se trata del film más taquillero de Burton, mientras que el de Spielberg --infinitamente superior-- permanece como uno de los menos rentables en la carrera del director de ‘E.T.’, una prueba quizá de que los gustos del público han cambiado irremediablemente.

‘Alicia en el país de las marvillas’ toma como base no sólo la obra homónima de Lewis Carroll, sino también la que está considerada como su continuación --a pesar de que en ella no se hace referencia al libro anterior en ningún momento--, ‘A través del espejo y lo que Alicia encontró allí’, y lo adapta a estos tiempos de falta de sutileza y exceso de lo grueso y tosco. Linda Wooveltorn, guionista que parece estar en la nómina de la Disney --ha participado en los libretos de ‘La bella y la bestia’, ‘El rey león’ y ‘Mulan‘-- actualiza una historia que en realidad no tiene edad. Junto a Tim Burton, el mayor artífice del film, sucumben a las demandas de un público que con los años se ha vuelto menos exigente y mucho más fácil de contentar.

Hoy en día lo mejor que puede hacer una cineasta, si quiere tener éxito, es poner en imágenes con todo lujo de medios una historia fácilmente entendible y llenarla de todo un collage de secuencias impactantes que dejen boquiabierto al adolescente de turno. Pero esto no supondría problema alguno si al menos se narrase con fuerza, tratando de transmitir una cosa que se llama emoción. Esto es precisamente todo lo que le falta a una película como ‘Alicia en el país de las maravillas’, desprovista ya no sólo de la magia que la historia necesita --y que sí posee el film de animación de 1951--, sino de todo atisbo de emoción. Los impresionantes efectos visuales del film, repito, impresionantes, se quedan en nada precisamente porque el espectador --al menos el que esto suscribe-- no siente absolutamente nada cuando ve un excelente gato que se evapora, dos encantadores hermanos gemelos --lo más cercano al universo Burton que conocemos--, una pérfida Reina o un dragón al que hay que liquidar. Perfección técnica sin alma.

Pero nada de eso tiene importancia al lado del plagio cometido en su guión, que retoma el film mencionado de Spielberg, e intenta adaptarlo al estilo de un director que ha demostrado que puede hacerlo mucho mejor pero que esta vez no le ha dado la gana. Supongo que por una única y muy válida razón: los cheques de la Disney dan para vivir a cuerpo de Rey durante un buen período de tiempo Esta bajada de pantalones por parte de Burton causa vergüenza ajena cuando el ‘Hook’ de 1991 asalta nuestra mente en el visionado. En aquélla, Spielberg se tomaba su tiempo al principio para crear cierta atmósfera irreal y de cuento; Peter Pan era ya un padre de familia con responsabilidades que le ahogaban y le hacían olvidar lo verdaderamente importante. Burton lo narra en muy poco tiempo de forma atropellada presentándonos a una Alicia cuya mano será pedida en matrimonio por un inútil de mucho cuidado. No hay interés, no hay conflicto, sólo es un prólogo resuelto con mediocridad para dar paso al país de las maravillas.

Al igual que en ‘Hook’, Alicia no recuerda nada de su visita anterior al mágico mundo en el que se encuentra y al que parece pertenecer por derecho propio. Pero allí, en compañía de sus nuevos/viejos amigos recordará todo aquello que es importante y verdadero, y hasta Burton tendrá la desfachatez de sugerir una historia de amor entre El Sombrerero (Johnny Depp) y Alicia (insoportable Linda Woolverton Mia Wasikowska) que recuerda a la de Campanilla y Peter Pan, casi con la misma despedida y todo. Pero aún hay más; ‘Alicia en el país de las maravillas’ no renuncia a mostrar momentos ridículos que dan ganas de salir de la sala de cine para no volver nunca más. Si en el film de Spielberg teníamos que aguantar memeces como la de la cancha de baloncesto, aquí tenemos que mirar con nuestros pobre ojos un baile de breakdance que no sólo es mortal para la inteligencia de cualquier ser viviente, sino que además infiere instintos asesinos. El cine no puede caer tan bajo, por Dios. Que su parte final parezca sacado de algún descarte de la trilogía del anillo de Peter Jackson responde más a la actual moda de cierto tipo de cine y que aquí resulta forzado y fuera de lugar.

Voy a defender toda la parafernalia visual del señor Burton y el hecho de que algunos de los personajes secundarios parecen creados por él, una prueba de la asimilación por parte del director de una historia más oscura de lo que siempre se dijo y en la que Burton no llega a penetrar del todo. Una pena que personajes más importantes estén semitrazados o simplemente carezcan de personalidad. También voy a defender a Johnny Depp, muy criticado por su papel de El Sombrerero. Creo que es el mejor de todo el reparto, logrando entender un personaje difícil y demostrando una vez más que su relación con Burton es de las mejores que ha dado el cine reciente. Que como castigo tengamos que sobrevivir a esa bochornosa secuencia del baile es un precio demasiado alto, pero así están las cosas en el actual cine comercial.

Muchos atacan ‘Hook’ --película que posee una primera media hora absolutamente magistral--, pero comparen el trabajo de Spielberg con el de Burton. El que no vea que el cine ha cambiado a peor es que está ciego.

Hoy contamos con nueva información sobre la próxima película de Woody Allen, del que todavía nos tiene que llegar la última, ‘You Will Meet a Tall Dark Stranger’ (con Josh Brolin, Naomi Watts, Anthony Hopkins y Antonio Banderas al frente del reparto). Como sabréis, el veterano cineasta que idolatra el jazz, el cine de Bergman y Nueva York, no para de trabajar y es costumbre que empiece a rodar sin tener un título oficial. Sin embargo, esta vez ya sabemos que su nuevo trabajo se va a llamar ‘Midnight in Paris’ (en castellano, ‘Medianoche en París’).

Ya habíamos hablado anteriormente sobre este proyecto, cuando se hicieron públicos los fichajes de Owen Wilson, Marion Cotillard y Rachel McAdams, y también sabíamos que se rodaría este verano en la capital francesa (de ahí el título). Ahora, el propio Allen ha anunciado los demás nombres que integran el reparto protagonista: Michael Sheen, Kathy Bates, Tom Hiddleston, Nina Arianda, Corey Stoll, Mimi Kennedy, Kurt Fuller y Carla Bruni-Sarkozy (confirmándose un rumor de hace meses), que se suman a los ya mencionados Wilson, Cotillard y McAdams, confirmados definitivamente por el director. ¿Qué os parece?

La cosa no se queda aquí, Woody Allen también ha desvelado parte de la trama, algo que tampoco suele hacer tan pronto y que seguramente (como lo del título) se debe a las negociaciones que se habrán llevado a cabo para permitirle rodar en París. Tampoco ha revelado demasiado, lo que ha dicho es que será una comedia romántica que girará en torno a una familia que viaja a esa ciudad por negocios; en medio, una joven pareja a punto de casarse se enfrenta a la idea de abandonar su plan y elegir una vida diferente que parece mejor.

PD: Un comentario en ComingSoon, de donde he sacado la noticia: “¿¿Este hombre hace alguna película buena u original?? Debería salir de su burbuja y hacer un gran blockbuster veraniego. Eso sí que sería interesante”.

Si bien es raro que se citen orígenes del cine que no se correspondan con la proyección de los hermanos Lumière de la salida de la fábrica de Lyon en 1895, se conocen otros descubrimientos que arrojan polémica sobre quién fue el verdadero padre del invento: Thomas A. Edison ya había traído los quinetoscopios a Europa un año antes. Se trataba de máquinas unipersonales, que habían sido diseñadas por William Kennedy Laurie Dickson, en las que se podían ver las peliculitas a través de dos agujeros, como se observa en la imagen superior. La ventaja del cinematógrafo de los Lumière con respecto a estos aparatos era su carácter masivo y comunitario, más la comodidad de la pantalla que nos permite contemplarla desde la butaca. Y ya que es en estas condiciones como hemos vivido el séptimo arte a lo largo de este siglo y pico, se establece esta proyección como la primera vez que se vio cine.

Zanjada esa discusión, parece no tener cabida cuestionar que la película pionera en ser acompañada de sonido fuese ‘El cantor de jazz’, de 1927, ya que fue la primera para cinematógrafo. Se olvida, quizá, que para llegar hasta ella hubieron de cristalizar una serie de experimentos anteriores, ya que tales avances técnicos rara vez salen de la nada. Treinta y dos años antes del primer sonoro, el mismo año que se considera que nació el cine, se rodaba para el quinetoscopio un cortometraje de 17 segundos titulado ‘Dickson Experimental Sound Film’, donde, por primera vez, se ensayaba la reproducción de imagen y sonido de forma perfectamente sincrónica.

A continuación puede verse la película en cuestión. Antes de que comience, se escucha «The rest of you fellows ready? Go ahead!» («¿Los demás estáis preparados? ¡Adelante!»), lo que produce la genuina emoción y vértigo del salto a lo desconocido. Es la primera vez que se registra - en este caso, en un cilindro de cera - el primer, digamos, «Motor, cámara acción» de la historia del cine.

El personaje que toca el violín es el propio Dickson, el inventor del quinetoscopio que, en palabras de Edison era «la máquina que podría hacer para los ojos aquello que el fonógrafo hace para los oídos», y que ya estaba teniendo una repercusión comercial relevante en su época. Mientras dos empleados de Edison bailan un vals, Dickson toca la melodía y ésta es registrada a través del cono que se ve en la imagen.

El cilindro en el que se grabó la melodía fue hallado en un pésimo estado de conservación en los archivos de Edison y, hasta el 2003, nadie fue capaz de establecer la correlación entre la película de 17 segundos y el cilindro con la música del violín, de unos dos minutos de duración. El diseñador de sonido y montador Walter Murch procedió a le restauración del sonido y, gracias a las modernas tecnologías digitales, pudo establecer una sincronía entre dos fuentes grabadas a muy diferentes velocidades --la película se rodó a 40 fotogramas por segundo--.

Al parecer, dicha sincronía se lograba a través de una correa que lograba que el quinetoscopio y el gramófono se moviesen a la misma velocidad. De esta manera, los espectadores podrían ver la imagen a través de dos agujeros mientras que, gracias a dos tubos de goma, se podría oír el sonido grabado asociado a esas imágenes. Y así nació el quinetófono --y quién sabe si también los auriculares--. Evidentemente, esta invención no pudo competir con la proyección de imágenes en pantalla. Por ello, con el abandono de Dickson de la compañía de Edison, este último no volvió a experimentar con la imagen y sonido sincrónicos hasta 1913.

Ese año, hizo acto de presencia una nueva versión del quinetófono: el sonido, grabado en un enorme cilindro de más de metro y medio de diámetro se sincronizaba con el proyector a través de un sistema de poleas. Sin embargo, los problemas evidentes terminaron por ocurrir: los proyeccionistas - no adiestrados en el manejo del quinetófono - no eran capaces de hacer funcionar las dos máquinas exactamente a la vez. Si, además, añadimos problemas normales en una proyección - principalmente cortes y parones en la imagen -, el resultado es que la asincronía de las películas que produjo Edison entre 1913 y 1915 era tremenda. Así que Edison abandonó las películas sonoras.

Por ese motivo, toda la relevancia técnica de ‘El cantor de jazz’ es más que merecida. Pero, de alguna forma, en ningún fotograma de esa película puedo encontrar la emoción de ver a estos señores lanzándose, desconocedores de lo que vendría después, a tal innovación. Además, la forma de ejecutar el experimento - con dos hombres bailando un vals para demostrar que estábamos presenciando imágenes en movimiento - es tan peregrina que no es de extrañar que, en el libro ‘El celuloide oculto’ dijesen que este corto se titulaba ‘The Gay Brothers’. Por mucho que, en el 2010, el título nos suene plausible, en realidad ‘The Gay Brothers’ era otro corto de Dickson - éste sin sonido - donde “gay” sólo tenía el sentido de “alegre”.

Vía | Inventors.