Todavía haces tu trabajo en 8 segundos

En algunos de los libros dedicados a la figura de Sam Peckinpah, a excepción de la maravilla escrita por Garner Simmons --lectura que recomiendo a todo cinéfilo-- se suele hablar poco de una película como ‘Junior Bonner’ (id, 1972) tal vez porque en su momento tuvo una pobre recepción crítica, y tampoco fue un éxito de taquilla. Con el paso del tiempo --esa cosa que dicen pone todo en su sitio aunque no siempre sea así-- la película ha ido ganando en apreciación sobre todo por parte del sector crítico, pero aún así creo que no se le ha hecho la justicia que merece. Parece como si no se le perdonara a su autor el salirse de los límites de todo aquello a lo que nos tenía acostumbrados, pero lo cierto es que hay mucho de Peckinpah en una película en la que, por primera vez en su carrera, no incidía en la violencia, al menos en una violencia física visual.

Sam Peckinpah se encontraba en Inglaterra montando ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs, 1971) cuando recibió la oferta de dirigir ‘Junior Bonner’, basada en un guión de Jeb Rosebrook, y que según su productor, Joe Wizan, respondía exactamente a lo que tanto Peckinpah como Steve McQueen demandaban en ese momento de sus respectivas carreras. McQueen buscaba una película diferente y Peckinpah un film más tranquilo. ‘Junior Bonner’ es precisamente ambas cosas y también la película que algunos pensaban Peckinpah no era capaz de hacer.

El argumento es prácticamente inexistente, y parte de un breve y sencilla premisa que viste las andanzas de un experimentado cowboy (JR. Bonner) de rodeo en su pueblo natal. Allí volverá a encontrarse con su desintegrada familia, un hermano que sólo piensa en hacerse rico, un padre perdedor siempre en busca de grandes oportunidades y perdiendo dinero en todos lados, y en medio una madre resignada a perder a los hombres de su vida. Bonner participará en el festival de rodeo de su pueblo en el que intentará hacer una última proeza por la que ser recordado.

El personaje de Bonner es el típico dentro del universo de Sam Peckinpah, un perdedor nato que sólo vive para hacer lo único que ama, montar, lo demás son meras experiencias externas a una forma de vida por la que lo daría todo. El rodeo ha marcado su existencia desde su nacimiento, pasión heredada de su padre ahora perdido en sueños de grandeza prácticamente imposibles de alcanzar. Bonner asiste en su propio lugar natal a la muerte de una época que no volverá, todo ello reflejado en la figura de su padre, cuya casa es destruida por el progreso, secuencia filmada por Peckinpah en ralenti que añade unas gotas de amargura que se extienden al resto del metraje.

Así pues, el director de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch, 1969) evoca viejos y mejores tiempos, los del western, género que él manejó tan bien y sobre el que volvería al año siguiente con ‘Pat Garret y Billy the Kid’ en la que terminaría de plasmar todo lo propuesto aquí pero desde dentro del género propiamente dicho. Y es que ‘Junior Bonner’ parece una antecedente de dicho film, una especie de borrador del mismo, aunque por supuesto tiene vida propia al margen de ello. Peckinpah se muestra esta vez más melancólico y poético que en otras ocasiones. Lo que a ratos se veía en su magistral ‘La balada de Cable Hogue’ impregna aquí todo un relato en el que como siempre apenas hay lugar para la esperanza.

El mundo del rodeo que muestra Peckinpah, el cual llegaron a tildar de estar apartado de lo que de verdad era, no es más que una excusa para narrar la historia de unos personajes que aguantan los golpes de la vida tal como Bonner se enfrenta a los de su propio trabajo, los cuales probablemente duelen menos. Pero Junior Bonner es el único que permanece fiel a sus principios, mientras su hermano se adapta y su padre se pierde en recuerdos de gloria alimentados finalmente por un hijo no compasivo --que es lo que es el otro--, sino por un hijo que acepta y comprende la forma de ser de su padre, aquel que le dio la vida y su pasión.

‘Junior Bonner’ contó con un excelente reparto encabezado por Steve McQueen en el que es, sin duda alguna, uno de sus mejores trabajos interpretativos. Como anécdota cabe señalar que el actor era famoso por reescribir las frases de su personaje para que tuvieran más importancia en la trama; esto enfadaba a Peckinpah, famoso por llevarse mal con todo el mundo --llegaba a despedir a más de 20 personas por rodaje, incluida su propia hija--, pero tanto estrella como director querían terminar una película en la que creían firmemente y llegaron a llevarse bien. Ben Johnson, actor Fordiano por excelencia y ex-campeón mundial de rodeo, tiene un personaje más bien breve y quizá poco aprovechado, pero quienes brillan con luz propia son Robert Preston e Ida Lupino, que interpretan a los padres del personaje principal. Su conversación final y esa última noche juntos en fuera de campo forman parte de los muchos sensibles momentos que la película tiene y en los que Peckinpah hace gala de un contenido lirismo.

La película no fue bien recibida entre otras cosas porque muchos esperaban ver un film de Sam Peckinpah con Steve McQueen lleno de tiros y violencia. Y lo recibieron, pero en su siguiente película, que es una excelente respuesta a esa demanda.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’

• ‘Perros de paja’

Tras una pausa en nuestro Top de Blogdecine, retomamos el ritmo y aprovechamos para observar los nuevos movimientos que se han producido en la clasificación. Polanski se ha instalado en el número uno a la espera de que alguien le haga sombra. De momento, sólo dos cintas de animación consiguen hacerle ligera sombra. El Sr. Fox y un dragón en 3D son las cintas que le siguen. Del resto de títulos señalar como ‘El concierto’ se cuela en el top, cinta que está causando grata sensación a pesar de ser minoritaria pero aún sobrevive en cartelera. Cierra el top, ‘Iron Man 2’ que demuestra parcialmente ese tópico de segundas partes nunca fueron buenas. Aquí el Top de Blogdecine:

• 1. ‘El escritor’
• 2. ‘Fantástico Sr. Fox’
• 3. ‘Cómo entrenar a tu dragón’
• 4. ‘Más allá del tiempo’
• 5. ‘Sólo ellos’
• 6. ‘El concierto’
• 7. ‘Increíble pero falso’
• 8. ‘Cinco minutos de gloria’
• 9. ‘Nadie sabe nada de gatos persas’
• 10. ‘Iron Man 2’

Como contraste y siempre punto esencial de comparación, tenemos vuestro top. El que hacéis cuando votáis a vuestas películas y que suelen ser significativo del gusto del gran público. Bueno, al menos de los usuarios de Blogdecine. Y mirando detenidamente nos encontramos al popular Dragón tridimensional en lo alto. Alas que le han dado vuestros votos. También como contraste, nos encontramos a Tony Stark en el cuarto lugar, demostrando que el superhéroe de Marvel es muy querido. Aquí vuestro top:

Top Usuarios

• 1. ‘Cómo entrenar a tu dragón’ (8,6)
• 2. ‘Más allá del tiempo’ (7,7)
• 3. ‘Fantástico Sr. Fox’ (7,6)
• 4. ‘Iron Man 2’ (6,6)
• 5. ‘Increíble pero falso’ (6,4)
• 6. ‘El escritor’ (6,2)
• 7. ‘Alicia en el país de las maravillas’ (6,2)
• 8. ‘Acantilado rojo’ (5,5)
• 9. ‘Los hombres que miran fijamente a las cabras’ (4,8)
• 10. ‘Furia de Titantes’ (3,1)

A pesar de que el cine español no cuenta con demasiados ejemplos del cine carcelario, si es que las historias que se desarrollan entre rejas pueden calificarse con este subgénero, ‘Celda 211’ consigue elevarse como un magnífico título que se apoya en una sólida historia, narrada de forma visceral, con pulso, garra, acierto y un tono atrapante de principio a fin.

Además, la película de Daniel Monzón consigue convertirse en casi un hito en el cine español. Más allá de ser un taquillazo a tener en cuenta o de que su salida hoy mismo en DVD y Blu-ray se convierta en un acontecimiento esperado por muchos cinéfilos, fans y coleccionistas varios, ‘Celda 211’ logra demostrar que nuestra cinematografía no está exenta de talento y que, cuando se conjugan la inspiración, un excelente guión adaptado y unos actores bien dirigidos y sobresalientes, se pueden lograr películas de semejante talla.

La soberbia puesta en escena, sin duda el mayor acierto del realizador, sabe sumergir al espectador con la suficiente fuerza, brío y tensión en este retrato penitenciario que no se arruga al utilizar elementos que brillan por su elección y descaro. Y tampoco está exento de dura crítica al sistema carcelario, del que consigue un retrato, más allá de la historia de fondo, muy realista y creíble.

Monzón logra imponer la tensión necesaria, a base de excelentes diálogos, de grandes escenas y de unos personajes con enorme carácter. Maneja el suspense de esta historia de atrapados, infiltrados, de traiciones, amistades, de supervivencia y de adaptación con bastante coherencia y dosificación.

‘Celda 211’ es valiente

‘Celda 211’ es valiente, no oculta su dureza. Muy al contrario, y ya desde los primeros minutos a modo de prólogo brillantísimo, nos delata que no se va a visionar una película fácil. Pero tampoco utiliza la escenas de sangre y violentas como leit motiv típico de una historia de presos rebeldes. Cada trama, cada secuencia está hábilmente arrastrada por un suspense adictivo. Su protagonista nos lleva de la mano en su personal calvario, en su durísimo recorrido por un capítulo casual que acaba extrayendo las entrañas de su personalidad, por necesidad y porque en situaciones así, no hay más remedio que desprenderse de cualquier artificio, de todo atisbo de superficialidad, para dejar que el interior humano aflore y consiga sobrevivir como único y definitivo fin.

Mención especial hay que dedicarle a Malamadre. Un personaje antológico que lo es no sólo en el cariño y dedicación de, la novela primero y del guión después, sino también por el enorme, brutal y explosivo Luis Tosar, que compone a su preso, en un líder carismático, duro, castigado pero también inteligente y vulnerable. Tosar exhibe un potencial como actor que todos conocemos por su trayectoria, pero que logra alcanzar en cotas elevadísimas de lección interpretativa, algo sólo disponible a los verdaderamente grandes. Y Tosar lo es.

Y ‘Celda 211’ es grande hasta en sus puntos débiles. Contiene momentos de inevitable bajada, de momentos más o menos prescidibles, de cierto abuso de tópicos del género, pero todos contenidos, bien dosificados y que no desmerecen en un conjunto muy notable. Aquí, nuevamente, hay que aplaudir al trabajo de Monzón que consigue una película inolvidable, sorprendente y llena de fuerza y valentía.

Esperemos que el cine español pueda deparar más trabajos de este nivel, porque es lo que necesitan los espectadores patrios para reconciliarse con el buen cine hecho aquí.

Críticas en Blogdecine:

• ‘Celda 211’, fuerza bruta
• ‘Celda 211’, el corazón de la bestia

• Goya 2010: ‘Celda 211’, qué grata sorpresa

“¡Voy a chupar tu cerebro hasta dejarlo seco!”

(Darryl Revok)

Seguimos con el especial dedicado a la filmografía de David Cronenberg. El fiasco comercial de ‘Fast Company’ (1979) pasó prácticamente desapercibido gracias a la rapidez con la que el cineasta pudo emprender el rodaje de su siguiente largometraje, ‘The Brood’ (‘Cromosoma 3’, 1979), que recordemos había escrito dos años antes, mientras atravesaba por un difícil momento personal. Los buenos resultados en taquilla del film, y las generosas ayudas públicas canadienses para la producción de películas, permitieron al director ponerse enseguida manos a la obra con un nuevo proyecto. A los productores de su anterior trabajo (la empresa Filmplan) les gustó un argumento en el que Cronenberg había estado trabajando durante años, se titulaba ‘The Sensitives’ y giraba en torno a la telepatía, el mismo tema sobre el que se centraba su primer trabajo audiovisual, ‘Stereo’ (1969).

El borrador, que al parecer había sido descartado por la productora de serie B de Roger Corman, resultaba apetitoso en aquel momento porque el tema parecía haberse puesto de moda gracias al éxito de ‘Carrie’ (Brian de Palma, 1976), en la que, como sabéis, Sissy Spacek interpreta a una tímida joven con poderes telekinéticos (su rostro desencajado y empapado en sangre es ya un icono de la Historia del cine). Tras el estreno de ‘Cromosoma 3’ Cronenberg había dejado atrás la peor época de su vida; se había vuelto a casar y volvía a ser padre otra vez, se encontraba feliz, confiado y lleno de energía, así que aceptó el reto de los productores de rodar cuanto antes su nueva película, que ahora se llamaba ‘Scanners’, sin tener siquiera el guión terminado. Fue un error, como reconocería más tarde, y dio lugar al rodaje más difícil con el que se había enfrentado hasta entonces, llegando a calificar de milagro el montaje final. Pero sin riesgo no hay gloria, ¿verdad?

En la mente del mutante

Para este film, Cronenberg recupera algunas ideas con las que ya había jugado en ‘Stereo’ (el paciente que se intenta taladrar el cráneo o la armonía de la comunidad telepática) y las inserta en una trama convencional, con buenos y malos, misterios y explosiones, dando como resultado una película accesible y entretenida, igualmente inquietante y personal. Como en sus anteriores trabajos, el cineasta apuesta de nuevo por incluir lo extraño, los elementos fantásticos y de terror, dentro de lo cotidiano; por perturbar al público en los sitios donde se siente seguro. Así, ‘Scanners’ arranca en un centro comercial un día cualquiera, en el que no hay demasiada gente y la que hay va de un lado para otro tranquilamente pensando en sus cosas. Por ahí camina un solitario vagabundo, tambaleándose, probablemente borracho; representa lo opuesto al clásico héroe.

El hombre encuentra restos de comida en una mesa de un burger y se sienta, intentando pasar desapercibido; no lo consigue, su aspecto y su olor le delatan. Pronto oye los comentarios de dos señoras que están un poco más lejos, y una de ellas se refiere a él de manera despectiva. El vagabundo mira a la mujer fijamente, quien a los pocos segundos empieza a sentirse mal (nosotros oímos un sonido que se va agudizando poco a poco, dando la sensación de que estamos quedándonos sordos, un efecto muy acertado). La mujer entra en estado de shock, cae al suelo y su cuerpo empieza a sufrir convulsiones; hay que destacar cómo Cronenberg se limita a mostrar un plano de las piernas agitándose furiosamente (algo que rodaría posteriormente porque hay un despiste en la continuidad), del mismo modo que ha evitado escenas desagradables en el pasado (por ejemplo, la escena del vómito del parásito en la bañera de ‘Shivers’). Véase también una ejecución fuera de plano que hay al final, cuando la imagen no es relevante, cuando no importa que exista, se prefiere sugerir.

Es interesante que durante el ataque el agresor parece estar sufriendo tanto como la agredida, incapaz de controlar lo que ocurre; en realidad, no desea hacer ese daño. Entonces, dos hombres lo descubren y se lanzan a por él; tras una fugaz persecución (ágil, muy bien montada), terminan cazándolo como si fuera un animal, disparando un tranquilizante. El individuo es llevado a una extraña clínica (con pinta de local abandonado) dirigida por el doctor Paul Ruth, el habitual científico de las películas de Cronenberg, un hombre solitario de teorías extraordinarias cuyos experimentos acaban provocando todo tipo de mutaciones físicas y psicológicas en sus pacientes. Nada más recibir a su nuevo huésped, Ruth lo somete a una prueba con la que confirma sus habilidades, obligándole a procesar toda la información mental de un grupo de voluntarios (es una escena larga y repetitiva que se podría haber recortado, e incluso eliminado, pues no añade nada nuevo).

En poco tiempo se resuelven las primeras incógnitas de la película. El vagabundo se llama Cameron Vale y es lo que se conoce como un “scanner”, un monstruo o accidente de la naturaleza, según uno de los personajes; un mutante con poderes telepáticos que puede penetrar en la mente de los demás. Gracias a una medicina creada por el propio doctor, llamada “ephemerol” (de “efímero”, como sus efectos), Cameron deja de oír las voces de su cabeza y puede relajarse, pensar por sí mismo. El nuevo paciente de Ruth descubre que puede controlar sus habilidades (más rápidamente de lo normal) y que hay otros como él ahí fuera. A través de una vieja grabación (que parece un extracto de ‘Stereo’), Cameron conoce a un “scanner” especialmente poderoso, violento y demente, llamado Darryl Revok; su némesis.

Búsqueda, aprendizaje y destrucción

Ruth explica que la idea inicial era convertir a los “scanners” en poco menos que armas definitivas, al servicio de una gran empresa dedicada a la seguridad, ConSec, que es la costea los experimentos (es la típica corporación secreta que suele aparecer en las películas del director). Revok logró escapar y durante años ha estado reclutando “scanners” para crear un grupo clandestino que aspira a dominar el mundo; a los que se le resisten simplemente los va eliminando. Así que la misión, la finalidad de Cameron, una vez que logre dominar las facultades de su mente, será encontrar y derrotar al segundo, antes de que sea demasiado tarde. La trama se complica como si de un film de espionaje se tratase cuando uno de los ejecutivos de ConSec trabaja en realidad para Revok, revelándole las intenciones de Ruth (en una escena muy elegante pero absurda, pues es obvio con quién habla aunque no nos muestren su rostro).

Apuntaba antes de comenzar este especial, que a lo largo de su carrera David Cronenberg nos ha dejado imágenes realmente poderosas. La de arriba es sin duda una de ellas. Treinta años después, aún sigue resultando tan efectiva e impactante como cuando se vio por primera vez. Fabricada artesanalmente, sin arreglos informáticos, sigue funcionando por cómo está planificada dentro de una escena realmente ingeniosa. Comienza como si nada fuera a suceder, con un personaje hablando de manera monótona, progresa con extrañeza, aumenta la tensión hasta llegar a resultar incómodo seguir mirando, y en el momento apropiado… ¡explota! Es un instante, sin repetición ni cambio de ángulo. Como cuando filma accidentes de coche, Cronenberg prefiere recrearse en el suspense previo al impacto, el cual queda reflejado de manera natural, inmediata, como un accidente que has presenciado in situ.

La escena sirve para presentar al público a Revok, el personaje más interesante de la película y uno de los más fascinantes creados por Cronenberg, a lo que contribuye desde luego la elección y el fantástico trabajo de Michael Ironside (que en algunos planos llega a recordar al Jack Nicholson más perturbado) en uno de sus primeros y más destacados papeles en el cine. Menos acertado esté el hierático Stephen Lack en la piel de Cameron, dando vida al clásico personaje de la filmografía del director que lucha contra sí mismo, que se resiste a admitir los cambios que está sufriendo; resulta curioso que Cronenberg acostumbre a elegir actores tan parecidos físicamente para estos roles (incluyendo el peinado), y es que Lack parece el hermano de Allan Kolman en ‘Shivers’ (1975) o de Jeff Goldblum en ‘La mosca’ (‘The Fly’, 1983). Por otro lado, no se saca mucho partido al personaje que interpreta Jennifer O’Neill (que no se llevó muy bien con el director) y que prácticamente se limita a correr de un lado para otro siguiendo a Cameron, y Patrick McGoohan tampoco tiene un personaje muy jugoso, a diferencia del de Oliver Reed en ‘The Brood’.

Sí que resulta muy suculenta la breve participación de Robert A. Silverman como un “scanner” particularmente excéntrico (casi repite el mismo papel que en ‘The Brood’) que se ha dedicado al arte para lograr permanecer cuerdo, compartiendo con Cameron una escena en la que llegan a mantener una conversación sentados en el interior de una gigantesca cabeza, una imagen simbólica extraordinaria; por otro lado, uno no puede evitar preguntarse si el propio Cronenberg no está sirviendo en bandeja (para su propia diversión) una falsa representación de sí mismo dirigida a todos los que pensaban que no era más que un desequilibrado al que le dejaban hacer películas. No menos sugerente es el clímax y el desenlace de la película, que aún hoy compruebo que genera dudas sobre quién derrota a quién. Al margen de los espectaculares efectos especiales que dan pie a algunos momentos realmente poderosos, sobresale el comportamiento y la transformación de Cameron, entregándose a la destrucción para lograr la trascendencia.

Viendo ‘Scanners’ es inevitable acordarse de los ‘X-Men’ de Bryan Singer (Cronenberg habría sido un director perfecto para rodar una película sobre esos personajes) e incluso de ‘El imperio contraataca’ (‘Star Wars: The Empire Strikes Back’, 1980) en lo referente al aprendizaje de Cameron y su duelo final con Revok (no es su padre, pero casi). La película no es redonda, desde luego, hay fallos de ritmo y escenas que no aportan nada, se nota la improvisación en algunos momentos de la trama (que da vueltas sobre sí misma sin avanzar demasiado), pero no es menos cierto que hay fotogramas que se te graban en la memoria (sobresaliente el acompañamiento musical de Howard Shore) y que en definitiva resulta una gozosa mezcla de géneros en la que cabe terror, ciencia ficción, suspense, acción, drama e incluso una pizca de romance. En este sentido, es posiblemente la película más divertida de Cronenberg hasta entonces, aunque que no llegue al nivel de ‘Cromosoma 3’, más sólida y compensada que ésta.

Económicamente, ‘Scanners’ (titulada en nuestro país como ‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’) fue otro éxito para Cronenberg convirtiéndose en su película más taquillera, dando pie a varias secuelas (en concreto, ‘Scanners II: El nuevo orden’, ‘Scanners III: El poder de la mente’, ‘Scanner Cop’ y ‘Scanner Cop 2’), en las que el cineasta no tuvo nada que ver. También le reportó premios en certámenes dedicados al género de fantástico, si bien la crítica especializada seguía en general negando cualquier valor a su trabajo, atacando especialmente las escenas gore del film (cuando en realidad sólo hay dos escenas que pueden considerarse desagradables, y están plenamente justificadas). Al parecer, el cineasta estuvo muy interesado en filmar a continuación una nueva versión de ‘Frankenstein’ pero finalmente no se llevó a cabo, y aunque es de lamentar, esto posibilitó que Cronenberg se lanzase a filmar uno de sus títulos más recordados: ‘Videodrome’.

Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

Cuando queda menos de dos meses para el estreno en EE.UU., Paramount Pictures ha lanzado tres nuevos carteles de ‘Airbender: El último guerrero’, lo nuevo de M. Night Shyamalan. Como podéis comprobar, la principal novedad es que ya se indica claramente (tanto que parece formar parte del título) que la película se podrá ver en 3D, una decisión tan polémica (adaptarla ahora con la fecha de estreno tan cerca no suena nada bien) como lógica si tenemos en cuenta los resultados en taquilla de todo lo que se estrena en este formato que ha puesto de moda James Cameron. Mientras que las masas paguen, en Hollywood meterán el 3D como sea.

No sé si serán los últimos pósteres del film, pero por mi parte sí lo son, menudo bombardeo, se nota que es la película más cara en la que ha trabajado el realizador de Philadelphia, ninguna de las anteriores se anunció con tanta intensidad. Personalmente creo que es un error, ‘Origen’ de Nolan es una de las películas más esperadas del año y apenas se sabe nada sobre ella, con abrir el apetito y mostrar lo mínimo ya puedes enganchar a mucha gente; que le pregunten a Abrams. A fin de cuentas, tienes a Shyamalan y se basa en una serie de animación muy conocida, ¿para qué insistir tanto? Además, dos de estos carteles son casi iguales a los primeros, ya podían haber diseñado algo diferente con el dineral que se gastan.

Recordemos que ‘Airbender: El último guerrero’ (‘The Last Airbender’) está protagonizada por el desconocido Noah Ringer, a quien acompañan Dev Patel, Cliff Curtis, Nicola Peltz, Jackson Rathbone y Shaun Toub, entre otros; se estrena en España el próximo 6 de agosto.

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PD: ¿No parece que el primero está anunciando ‘Dragon Ball 2’?

Vía | Impawards

La opera prima de Hayao Miyazaki, ‘Nausicaä del valle del viento’ (‘Kaze no Tani no Nausicaä’, 1984), se reestrena mañana viernes, 7 de mayo, en cines. Por el momento, se podrá ver sólo en Madrid y Barcelona --donde se le ha hecho coincidir con Salón del Cómic-- y, posteriormente, la copia se proyectará en cines en otras ciudades. Además, a partir del 30 de junio, estará a la venta en DVD y, cuando Ghibli dé su luz verde, aparecerá también en BR. El reestreno está motivado, no sólo porque en nuestro país no hubiese sido distribuida en salas en su momento; sino también porque era imprescindible, por varios motivos, ofrecer al público una versión restaurada.

El más importante era que las copias que aparecieron para vídeo doméstico a mediados de los ’80 contenían un remontaje sensiblemente más corto y que modificaba la historia original. En las oficinas de New World Video, en EE. UU., el guionista y productor Carl Macek recortó la película e inventó un doblaje para convertir la compleja propuesta de Miyazaki en una historia más infantil y accesible. Sus intenciones podían ser buenas, sin embargo, la pretensión de aligerar una película como ‘Nausicaä’ era desmesurada, ya que, por mucho cambio que se hubiese hecho, no se habría convertido jamás en un film fácil para los niños. Y porque, en su duración normal de 116, ‘Nausicaä’ es, de por sí, una pura condensación de contenidos, al tratarse de una adaptación de un manga de mayor extensión. A esta versión reducida se le dio el nombre de ‘Warriors of the Wind’, del cual surgió el título ‘Los guerreros del viento’ que llevó la edición en VHS para España, cuyo doblaje partía ya de las modificaciones estadounidenses.

Si estáis maldiciendo a Macek, guardad vuestras energías, pues dejó este mundo el 17 de abril de 2010 a causa de un paro cardíaco, a los 58 años de edad. Su labor ha sido tan controvertida que los dos apodos que recibía eran «El padrino del anime» y «El anticristo del anime». Se le hace responsable de que comenzasen a popularizarse los animes en Estados Unidos y eso es como decir en el mundo entero, por lo que, visto así, habría que decir que le debemos mucho. Pero su labor con respecto a la animación japonesa consistió siempre en hacer remontajes de películas y capítulos y modificar los guiones para adaptarlos a las costumbres audiovisuales occidentales.

Tanto atrevimiento motivó la indignación de Miyazaki, quien comenzó una férrea política de distribución que hizo imposible la exportación de sus películas durante décadas. Cuando ‘La princesa Mononoke’ llegó a Disney, venía acompañada de una advertencia muy clara: «nada de recortes». Sólo las distribuidoras dispuestas a respetar por completo la obra del japonés obtendrán licencia para comercializar sus productos. A mediados de los 2000, la Disney compró los derechos para algunas áreas geográficas y comenzó a reeditar las películas en DVD. En España, como ya os comuniqué, la distribuidora Aurum es quien ha conseguido la confianza de Miyazaki y se está encargando, por fin, de restablecer el respeto que merecían estos animes.

Se rumorea, además, que la versión de ‘Nausicaä del valle del viento’ que se distribuyó en España en VHS --o de ‘Los guerreros del viento’, mejor dicho-- técnicamente también había sido un desastre. Al parecer, existieron problemas con el paso del sistema de vídeo que se utiliza en Japón: el NTSC, al que tenemos en España: PAL. El primero tiene un ratio de 30 fotogramas por segundo, mientras el segundo se acerca más al ratio cinematográfico, con 25. Al hacer la conversión, no se modificó el ratio y se produjo una ralentización casi imperceptible, pero que deslucía la calidad del sonido. Se especula que el telecine --paso de cine a vídeo-- tampoco había sido el idóneo, por lo que la imagen se había visto igualmente deteriorada.

Ghibli se fundó gracias a ‘Nausicaä’

Desde 1963, Hayao Miyazaki estuvo trabajando como animador en productoras como Toei Animation, A-Pro o Zuiyo Pictures, una filial de Nippon Estudio, donde participó en ‘Heidi’ y ‘Marco’. A finales de los ’70, debutó como director en las series ‘Conan, el niño del futuro’ y ‘Lupin III: El Castillo de Cagliostro’.

A comienzos de la década de los ochenta, Miyazaki ya tenía en la cabeza hacer sus propias películas y a lo grande, pero no le resultaba fácil lograr financiación. Tenía muchas ideas, que ya desde aquella época tocaban los temas que hoy consideramos como sus constantes: la ecología, el amor por todos los seres vivientes... Uno de los personajes que tenía en mente era el de una princesa, valiente y sensible, que se inspiraba ligeramente en la mitología griega y cuyo nombre proviene de un personaje secundario de ‘La odisea’.

Cuando la revista Animage le encargó que crease el manga ‘Nausicaä del valle del viento’, lo curioso es que su primera reacción fue la de firmar un contrato en el que dejase bien claro que, si le surgían proyectos como animador, abandonaría la serie --el trabajo de mangaka no era su vocación principal--. Asimismo, establecía que su creación para el papel nunca se adaptaría a cine o televisión. Más adelatne confesaba que «cuando la productora Animage me propuso hacer el manga, decidí escribir la historia de mi Nausicaä. Estaba a punto de retirarme del mundo del manga ya que no me consideraba muy buen creador; pero la tentación de hacer una Nausicaä a mi gusto fue demasiado fuerte. Desgraciadamente, me di cuenta de mis limitaciones a medida que avanzaba el trabajo, y me está costando muchos sufrimientos desarrollarlo…».

El manga comenzó a publicarse en 1982 y tuvo tal éxito que, en seguida, le ofrecieron convertirlo en un cortometraje, a lo cual se negó en un principio, como establecía su contrario y porque consideraba que no sería nada fácil adaptarlo. Tras mucha insistencia, cedió, ya que aquella era su oportunidad para dedicarse a lo que le gustaba, pero siempre con sus condiciones: tendría total libertad creadora. De esta forma, el proyecto fue aumentando y acabó por convertirse en el largometraje que ahora alcanza nuestras pantallas.

El guión de la película se aleja sobremanera del libreto del manga, ya que, por un lado, éste no estaba terminado --siquiera en la mente de su creador-- cuando se realizó el film, pues siguió publicándose hasta 1994. Y, por otro lado, debido a que el material no se ajustaba igual a un largometraje tan cómodamente como a historietas seriadas, como Miyazaki se temía. Fue una dura tarea, que el japonés recuerda como un auténtico sufrimiento, y es que ya conocemos su afán perfeccionista.

El estudio Ghibli nació gracias a ‘Nausicaä’: Miyazaki había conocido a Isao Takahata, director y productor, ya en Toei Animation y desde entonces habían seguido trabajando juntos. En estos momentos, ambos buscaban un proyecto para dirigir y producir, respectivamente. Se embarcaron en ‘Nausicaä’ y, de esta colaboración, surgió el ímpetu para forma una productora, a pesar de que esta producción no fue muy rentable y estuvo plagada de obstáculos.

Concluiríamos, por lo tanto, que ‘Nausicaä del valle del viento’ merecía un nuevo estreno por el maltrato que había recibido en su momento y también por lo que significa históricamente: sin ella, quizá no habríamos podido disfrutar de ninguna película Ghibli.

Vía | Anime News Network, Hernán J. González web, entre otros.

Muy pocas veces el cine está a la altura de la música o la literatura, por no decir casi ninguna. Ocupado generalmente, además, en asuntos menores, cuando el cine, como el resto de las artes, tiene la misión de encargarse de asuntos mayores. En humillante desventaja frente al arte más perfecto de todos (la música), y dependiendo generalmente de otro al que ya debería haber superado (como el teatro), pese a todo siguen apareciendo, año tras año, hitos del cine. Uno de ellos es ‘J.F.K.: caso abierto’, dirigido en 1991 por Oliver Stone.

Sin ningún género de dudas, la película más completa y más perfecta filmada por Oliver Stone hasta la fecha (y que ya parece muy improbable que pueda superar), ‘J.F.K.’ se erige, además, como el más apasionante y complejo thriller político de la historia del cine, al mismo tiempo documento y aventura, denuncia y parábola del hundimiendo social y moral de un país, que en la década de los sesenta comenzó la labor de desguace político y económico en que ahora se ve inmerso. Una cruzada, además, de un hombre bueno y valiente, capaz de enfrentarse al fascismo y la escalofriante indiferencia conque los gobiernos tratan a los gobernados. Y teniendo en cuenta el momento en que estamos, parece más necesaria que nunca.

Stone, obsesionado por las grandes figuras políticas de la historia (a las que ha ido ofreciendo importantes trabajos, como ‘Comandante’, ‘Alejandro’, o la misma ‘Nixon’), encuentra en la figura del fiscal Jim Garrison y el mártir John Fitzgerald Kennedy, los faros para acercarse a una época crucial de la historia americana. Esto es: el principio del fin. El asesinato de Kennedy como expresión máxima de la transformación de un país en un gran negocio de guerra, con Vietnam y Laos como máximos exponentes de un imperialismo voraz.

El coraje de un fiscal

Comenzamos de manera insuperable, con un prólogo que mezcla, como en numerosas partes de la película, imágenes documentales con ficticias, color y blanco y negro, escuchando el discurso de despedida del presidente Dwight D. Eisenhower, y dando paso a las palabras de su predecesor, John F. Kennedy. Ya en estos discursos si prestamos atención, está la semilla del futuro devenir de Estados Unidos, de las razones fundamentales del asesinato de Kennedy, y el espíritu de una época de cambio que, en lugar de ir a mejor, como se esperaba, fue de la peor manera imaginable.

Y tras la magnífica presentación del personaje protagonista, Jim Garrison (Kevin Costner), al que vemos por primera vez cuando le avisan de que han disparado al presidente, y de otros personajes importantes como el de David Ferrie (Joe Pesci), Garrison “dormirá” (según sus propias palabras) durante tres años, para a continuación darse cuenta de que la Comisión Warren sólo había llegado a conclusiones absurdas acerca del atentado mortal. Y al escarbar un poco, encuentra tal cantidad de porquería, que acaba llegando a los tribunales con un caso que, hace más de cuarenta años, demostró una conspiración en torno a Kennedy.

Y en un caso tan complejo (a pesar de que las barbaridades de la Comisión Warren las desmontaría un colegial, tan torpes son los mentirosos que ocupan el poder en Estados Unidos y en cualquier otra parte del mundo) Oliver Stone no se pierde en ningún momento, ni pierde al espectador. Principalmente por escribir, al alimón con Zachary Sklar (periodista y profesor de periodismo, y que había trabajado con Jim Garrison en un manuscrito acerca del asesinato de Kennedy), uno de los guiones más perfectos de los últimos años, en el que nada falta y nada sobra, y que da lugar, luego en la pantalla, a un trenzado de agilidad e intensidad, a una épica verbal y argumental realmente excepcional.

En esa épica seremos testigos del ilimitado coraje de un fiscal, de cómo casi pierde a su familia, de la manera en que el gobierno intenta desacreditarle y emponzoñarle (a un fiscal de Nueva Orleans…), de como se zambulle en una espiral de mentiras e intereses económicos, de cómo asiste estupefacto a otros asesinatos, como los de Robert Kennedy o Martin Luther King. En definitiva, de cómo se derrumba un país, la mayor potencia económica del mundo, de cómo lo venden, lo exprimen, lo usan y lo tiran.

Un reparto y un equipo de antología

Para encontrar algo similar a la colección de rostros de ‘J.F.K.’, tenemos que buscar ejemplos parecidos a ‘La delgada línea roja’. Se citan aquí varios actores portentosos, y es un grupo de intérpretes que firma, quizá, el mejor trabajo de sus vidas. Por encima de todos ellos, posiblemente, el gran Tommy Lee Jones, en un papel complejísimo y muy desagradecido, que debió darle el Oscar. Pero también Joe Pesci, el fallecido John Candy (que borda un papel abyecto), Kevin Costner en el mejor papel de su carrera, la maravillosa Sissy Spacek, un Gary Oldman alucinante que se hizo famoso por su papel de mártir, Michael Rooker, Laurie Metcalf, un sensacional Kevin Bacon, un imperial Donald Sutherland, Vincent D’Onofrio, las apariciones estelares de Jack Lemmon (que está increíble) o Walter Matthau...

Y no sólo eso, sino que Stone se rodeó de un equipo de primerísima línea, como el director de fotografía Robert Richardson (con el que ya había trabajado en varias ocasiones y que aquí firma uno de los mejores trabajos de su dilatada carrera), el músico John Williams (que compone un score inolvidable, íntimo y épico a un tiempo, oscuro y esperanzador), o los montadores Joe Hutshing y Pietro Scalia, que ganaron el Oscar por un montaje que, para muchos, es uno de los más perfectos de la historia del cine.

Stone se apoya en estos gigantes y construye una puesta en escena sobria y percutante. Narra a lo grande, a lo Welles, a lo Huston, a lo Ford, mezcla estilos visuales y genéricos (documental, suspense, thriller, melodrama), inspira y seduce en tres horas de interrogatorios y juicios, es capaz de crear una vida absolutamente veraz (la mujer que saluda y canta con Garrison a la entrada del restaurante, los flirteos del homosexual de Bacon, la camaradería de los ayudantes del fiscal…). Nos arroja un rayo de luz (de esperanza y de conocimiento) mientras certifica las tinieblas que se han apoderado de un país ya enfermo, y ahora muerto y enterrado.

Palabras mayores, Cine con mayúsculas, complejo y grande, universal, definitivo, cine que es música en su continuo secuencial, tragedia y verdad. Una excepcional obra maestra.

“Dedicado a la juventud, cuyo espíritu por la búsqueda de la verdad sigue vivo”

-Oliver Stone