Mi hermano siempre dice que el miedo es la mayor vergüenza, y que sólo los cobardes huyen.

Es curioso cómo la nacionalidad de una película, acompañada por el género, puede marcar tanto al púbico, inducirle tanto a pensar en cómo será y si le va a gustar o le parecerá una tontería o un aburrimiento, como si se tratase de una fórmula prácticamente infalible. Si se trata de un drama de producción israelí, me juego una deliciosa bolsa de palomitas dulces recién hechas a que la gran mayoría pensará que puede emplear el tiempo en mil cosas mejores que en ir a verla, que será un rollo sobre unos cansinos problemas cotidianos. ¿Cierto? Bueno, aquí tenéis otra excepción a la fórmula.

‘Ajami’ es el título de una película que ha pasado desapercibida por nuestras carteleras (se estrenó el pasado 26 de marzo), y no debería. Recibió la Cámara de oro en el festival de Cannes y fue una de las cinco candidatas que compitió por el preciado Oscar a la mejor película de habla no inglesa de la pasada edición, que como sabéis acabó siendo para la argentina ‘El secreto de sus ojos’ (la que precisamente tenía un sabor estadounidense). Cuando se hablaba sobre estas películas antes de la ceremonia, en busca de la ganadora, se decía, con todo desconocimiento, que ‘Ajami’ estaba ahí porque venía de Israel, y no por sus cualidades artísticas. Una vez vista, sólo se puede concluir que la nominación era totalmente justa, y que se trata de un film muy valioso, un crudo y valiente retrato de un infierno camuflado en la Tierra.

Piezas del horror cotidiano

Escrita y dirigida por Scandar Copti y Yaron Shani, ‘Ajami’ es un interesante mosaico de historias entrelazadas marcadas por la violencia, que recuerda inevitablemente a ‘Amores perros’ (o a ‘Ciudad de Dios’) tanto por su estructura como por su tono áspero, sucio y realista, lejos de las habituales propuestas estadounidenses, como la premiada y blandita ‘Crash’. El trabajo de Copti y Shani posee una contundencia natural, la cámara capta la vida de una forma directa, desprovista de falsedades ni licencias (tampoco música extradiegética), de una manera imparcial, tratando sencillamente de mostrar lo que hay, como si fuera un documental.

Y lo que hay, lo que se respira y se vive, no es más que un horror asfixiante, una existencia miserable rodeada de tristeza, opresión y violencia, en la que no hay lugar para la esperanza. Ha debido contribuir sin duda, para lograr un fresco tan auténtico, la osadía y la naturaleza de dos realizadores de origen tan conflictivo, uno palestino y otro judío, pero cuya colaboración ha dado estupendos frutos cinematográficos (además de los reconocimientos ya mencionados, fue la película más premiada de Israel en 2009). Ellos hablan de milagro, y eso parece si tenemos en cuenta que ninguno de los dos había dirigido nada antes; Copti ni siquiera estudió cine.

A través de varios capítulos claramente separados vamos conociendo a los protagonistas (sus puntos de vista, sus circunstancias) de una historia coral cuyas piezas se muestran desordenadas, revelándose una vez resuelto el puzzle que todas sus existencias están conectadas, aunque cada uno crea vivir en un mundo aparte (¿acaso no lo creemos todos?); la jugada del azar, válida en este tipo de relatos, está bien resuelta, no resulta forzada. Pero también puede verse este montaje no lineal, aparentemente anárquico, como una metáfora del caos reinante en la zona, y es que realmente cuesta entender cómo logran sobrevivir estas gentes, de creencias tan firmes y diferentes, en lo que parece ser un campo de batalla diario, absurdo y despiadado.

Lo que capta la intrépida cámara de estos dos realizadores debutantes es un mosaico de vidas al límite en Ajami, un barrio pobre de la ciudad de Jaffa, al sur de Tel Aviv, en Israel. La mezcla cultural, religiosa, lingüístisca y étnica es pura dinamita; judíos, musulmanes y cristianos viven en constante tensión, y las explosiones de violencia son el pan de cada día. Esto lo representan estupendamente unos actores que son en realidad vecinos de la zona que da título al film, un gran acierto por parte de los directores, quienes ensayaron con ellos durante diez meses para tratar de recrear el escenario de la manera más fiel posible; tanto lo viven que a veces parece que se peguen realmente.

Como suele ocurrir en este tipo de relatos, unas historias son más jugosas que otras, y puede que alguna llegue a provocar un bajón de interés en el espectador. En este sentido, una solución podría haber sido ajustar un poco más la duración, realizando un montaje más severo y útil, omitiendo por ejemplo una escena demasiado larga en la que sólo vemos a una familia llorando, algo obvio y que no aporta gran cosa. Por otro lado, y esto sólo es un error indirecto, también resulta complicado para el público occidental adentrarse plenamente en el complejo universo de ‘Ajami’, pues se le lanza a uno sin aviso y no hay ningún tipo de aclaración, nunca, todo lo debes ir procesando a la velocidad a la que se suceden los hechos, por lo es posible que el film se le atragante a quien necesite entenderlo todo constantemente, en lugar de observar y sentir. Una película notable, diferente y arriesgada que merece, al menos, un visionado.

Esta semana se producen muy pocos lanzamientos en DVD o Blu-ray y no quiero con ello decir que sea escaso lo que apetecería comprar, sino que apenas han salido títulos a la venta, ni interesantes ni insignificantes, en ninguno de los dos formatos. De lo reciente, no encontraréis nada nuevo en las estanterías y entre lo que ya tiene unos años, cabría destacar una obra de un gran director, Martin Scorsese, pero que no es precisamente su película mejor considerada: ‘Kundun’. También se presenta la ocasión de recuperar ‘El león en invierno’, la adaptación de una galardonada obra teatral en la que destaca principalmente un reparto encabezado por Katharine Hepburn, Peter O’Toole y Anthony Hopkins. Para comprar cualquiera de las dos, deberéis esperar hasta el jueves, día 13.

‘Kundun’ (1997)

Martin Scorsese nos acerca la infancia, juventud y edad adulta del decimocuarto Dalai Lama, a quien sus súbditos tibetanos denominan «La presencia» (kundun). En 1937, un niño tibetano es señalado por un grupo de monjes como «el elegido» para representar a su pueblo y convertirse en el decimocuarto Dalai Lama, la más alta figura del budismo en el Tíbet. El sistema es expeditivo: el niño, de dos años, es arrebatado a su familia y llevado al palacio de Potala para ser educado y preparado para asumir el liderazgo político y espiritual. A los catorce años, cuando su país es invadido por China, debe viajar al encuentro de Mao para firmar una coalición. En 1959, sitiado y enfermo, huye y se refugia en India, sin poder, por ello, escapar de las visiones que le producen los genocidios del pueblo tibetano.

Las más de dos horas de duración de ‘Kundun’ fueron recibidas, en el momento de su estreno, de forma poco cálida entre los seguidores de Scorsese, que las tacharon poco menos que de peñazo infumable. Y es que, cuando un director al que se considera un gran creador entrega algo que no es lo esperado, el daño es mucho mayor que si lo hubiese realizado un desconocido. Aunque el film también tiene sus defensores, como Adrián Massanet, quien la incluye entre las tres mejores películas de Scorsese.

Características técnicas de la edición en Blu-ray:

Contenido: 1 Disco.
Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés, Alemán. DTS-HD Master Audio 2.0 Castellano, Alemán, Francés.
Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés.
Contenido extra: “En busca de Kundun.” y tráiler.

‘El león en invierno’ (‘The Lion in Winter’, 1968)

En este drama histórico, dirigido por Anthony Harvey y basado en la obra teatral de James Goldman, se retoma la figura de Enrique II, a quien da vida Peter O’Toole, para narrar uno de los últimos momentos de su reinado cuando una Navidad, consciente del poco tiempo que le resta, reúne a la familia real para decidir quién será su sucesor. Katharine Hepburn interpreta a Leonor de Aquitania, mientras Anthony Hopkins encarna a Ricardo Corazón de León, el más ambicioso de los tres hijos del rey. Por su parte, Timothy Dalton se mete en la piel del rey Felipe, de Francia.

Se ha alabado de esta película el inteligente diálogo y el astuto juego de intrigas políticas que asemeja una partida de ajedrez. Está claro que, con un elenco de este calibre, la disputa por el trono se puede disfrutar enormemente.

Hepburn obtuvo el Oscar y el BAFTA a la mejor actriz protagonista por ‘El león en invierno’. Goldman escribió el guión, adaptando su propia obra teatral, lo que le valió también su correspondiente galardón de la Academia de Hollywood. El film obtuvo, asimismo, el Oscar a la mejor banda sonora para John Barry, y otras cuatro nominaciones, así como numerosos premios y nominaciones en los Bafta, Globos de Oro y otros certámenes.

Características técnicas de la edición:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.35:1.
Audio: Dolby Digital Mono Inglés, Castellano, Alemán, Italiano.
Subtítulos: Castellano, Alemán, Italiano, Portugués, Holandés, Danés, Sueco, Noruego, Finlandés.
Contenido extra: audiocomentario.

‘El ojo mentiroso’ (‘Eyewitness’, 1981)

Un espectacular reparto compuesto por William Hurt, Sigourney Weaver, James Woods, Christopher Plummer, Morgan Freeman, Irene Worth y Pamela Reed protagoniza este thriller dirigido por Peter Yates y escrito por Steve Tesich.

En ‘El ojo mentiroso’, un tipo extraño y retraído finge ser el testigo ocular de un asesinato para atraer la atención de una periodista con la que se ha obsesionado. Su falso testimonio contaminará las pruebas y dificultará la investigación del crimen. Este asunto se mezcla con una trama de inmigración ilegal de judíos en EE. UU. en la que la presentadora está involucrada a causa de su procedencia.

Se ha criticado por carecer de ilación entre las dos historias centrales y por contar con secuencias que no quedan resueltas, pero al mismo tiempo se comenta sobre ella que contiene grandes escenas de intriga, buenos diálogos y, claro está, encomiables interpretaciones.

Características técnicas de la edición:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 1.78:1 16/9 anamórfica.
Audio: Dolby Digital 2.0 Inglés, Castellano.
Subtítulos: Castellano.
Contenido extra: Ficha artística, ficha técnica y galería fotográfica.

‘Sierra Barón’ (‘Sierra Baron’, 1958)

James B. Clark dirige a Rick Jason, Brian Keith, Steve Brodie y Mala Powers, en el Western titulado ‘Sierra Baron’, en el que Miguel Delmonte tendrá que luchar por los derechos de su rancho, en el cual se ha encontrado un yacimiento de oro muy codiciado por los yanquis.

Me temo que la traducción del título, que se ha limitado a añadir una tilde a «barón», como si fuese el nombre de la sierra en la que transcurre, estará equivocada. Es probable que el término inglés se refiriese a un «magnate» o un «terrateniente», así que lo mínimo que tenía que hacer el título en español es invertir el orden de las palabras y añadir alguna preposición y artículo. Y, si no, que lo dejen en inglés.

Características técnicas de la edición:

Contenido: 1 Disco.
Imagen: 1.33:1 4/3.
Audio: Dolby Digital 2.0 Inglés, Castellano.
Subtítulos: Castellano.
Contenido extra: Ficha artística, ficha técnica y galería fotográfica.

Vía | Zona DVD.

Conociendo el cine de Iñárritu no es de extrañar que las primeras imágenes oficiales y cartel de su nuevo trabajo ‘Biutiful’ nos muestren a un Javier Bardem con cara de extrema preocupación. Aprovechando que el Festival de Cannes anda calentando motores y que el trabajo del mexicano Alejandro González Iñárritu optará por la Palma de Oro, han salido a la luz estas primeras imágenes con Javier Bardem como gran y único protagonista.

Además de participar en el reparto Blanca Portillo, Rubén Ochandiano, Eduard Fernández, Karra Elejalde o Manolo Solo, que esperamos ver en un inminente tráiler, descubrimos algo más de la sinopsis. Y parece que Iñárritu nos adentrará en un nuevo drama de tono existencialista a través de la vida de su protagonista Uxbal, un padre devoto, amante atormentado, sensible, espiritual que siente el peligro de la muerte y busca reconciliación.

Esperemos a ver qué tal es la acogida en Cannes, aunque parece que el sello de Iñárritu queda bien impregnado por esto poquito que se deja ver hasta ahora. Y a ver qué tal Javier Bardem, porque será de lo poco español que pasee por La Croisette. Esperamos que luzca un careto más agradable que el cartel de ‘Biutiful’.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Tío Oscar

Tarantino sigue de moda en el entorno festivalero de Europa. Bueno, si es que alguna vez no lo ha estado. Quentin siempre ha mantenido una excelente relación y afinidad al Festival de Cannes, pero este año le han elegido para ser el presidente del Jurado en otro festival de relumbrón, la Mostra de Venecia.

Así que, la próxima edición, la número 67, del Festival de Venecia, que se celebrará del 1 al 11 de septiembre tendrá a el señor Quentin Tarantino como presidente del jurado de la Sección Oficial. No nos olvidemos que el cineasta estadounidense es un buen conocedor del cine de género italiano, y que su última obra ‘Malditos Bastardos’ es un remake libre de una cinta italiana dirigida por Enzo G. Castellari. Además, Quentin fue padrino de las retrospectivas Italian Kings of the B’s en 2004 (sobre cintas muy desconocidas de la cinematografía italiana) y sobre el spaguetti western que se llevó a cabo en 2007.

La elección de director de ‘Pulp Fiction’ ha sido, según se ha explicado en la nota oficial, por ser uno de los “cineastas más sorprendentes del cine de hoy” y ser un director “de referencia, estudiado e imitado y quizá el único amado como una estrella de rock”.

Desde luego que con estos piropos Tarantino no ha declinado, de momento, su elección, así que le tocará entregar el León de Oro. Veremos qué títulos participan y sigue consigue, seguro que sí, despertar más interés si cabe en este festival.

Vía | Fotogramas

Una de las novedades más apetecibles del próximo viernes 14 de mayo es sin duda el drama romántico ‘Two Lovers’, otra de esas películas que llegan a nuestro país con demasiado retraso, habiéndose estrenado en EE.UU. en febrero de 2009. Es un título interesante porque en primer lugar está dirigido por James Gray, cuyo anterior trabajo fue la infravalorada ‘La noche es nuestra’ (un estupendo drama criminal con algunas escenas fantásticas), y porque además el reparto está encabezado por Joaquin Phoenix (la última película que hizo antes de su famosa y al parecer falsa retirada), Isabella Rossellini, Vinessa Shaw, Elias Koteas, John Ortiz y Gwyneth Paltrow (que pasará de desaparecida a estar en dos películas de nuestra cartelera, ésta y ‘Iron Man 2’).

Escrita por Gray y Richard Menello, ‘Two Lovers’ (¿por qué no traducirlo por ‘Dos amantes’?) gira en torno a Leonard (Phoenix), un soltero que se debatirá entre una amiga de la familia (Shaw), con quien sus padres desean que se case, y su atractiva pero voluble vecina (Paltrow). Suena un poco a la trama de un capítulo de alguna serie para adolescentes, estando ya Phoenix un poco mayor para que sus padres decidan con quién debe liarse, pero bueno, en el portal Metacritic tiene una media de 7,4 sobre 10, y ahí arriba tenéis el tráiler, echadle un vistazo que seguro que salís de dudas sobre si os puede gustar o no la película. A continuación, los cuatro carteles que he encontrado en la red, por orden de mejor a peor bajo mi humilde punto de vista:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Por el tráiler parece claro que lo mejor será Phoenix, y lo peor Paltrow.

Vía | LaButaca

Con el fenómeno sin precedentes en la industria que había supuesto ‘Star Wars’, George Lucas se preparó para independizarse completamente de dicha industria con la inevitable secuela, para la que optó por no sentarse en la silla del director, mientras controlaba de manera férrea todo el aparato de producción desde la sombra. Como director, convenció a un antiguo profesor suyo de la escuela de cine y televisión USC, Irvin Kershner, mientras que para las labores de guión, que debía escribirse sobre la historia que él ya había elaborado, contrató nada menos que a Leigh Brackett, famosa por sus legendarios libretos para ‘El sueño eterno’ o ‘Río Bravo’, ambas de Howard Hawks.

Brackett murió de cáncer justo cuando acabó el primer borrador del guión, y Lucas llamó a un guionista en alza en Hollywood, que le había impresionado por su trabajo en ‘En busca del arca perdida’, y que pronto debutaría como director, el hoy olvidado Lawrence Kasdan. Entre los tres construirían un guión con la precisión de un diamante, primer logro mayor de lo que sería una de las más perfectas, emocionantes y hermosas películas de aventuras jamás realizadas, la cual tendría, además, el enorme mérito de superar, en cuanto a los aspectos más formales y técnicos, el asombro de la primera parte.

Lucas lo definiría como el paso de la juventud a la madurez, o de la libertad de la infancia a la oscuridad del mundo. Y está perfectamente definido. A menudo, en las trilogías, la segunda parte, que vendría a ser el nudo de la historia, suele ser el más prolijo y el más apasionante. Y esta no es una excepción. El tono vitalista de la primera parte, con esa conclusión tan jovial, se ve reemplazado por otro mucho más fatalista, en el que apenas hay resquicio para la esperanza, narrado por Kershner con una maestría inusual en este tipo de producciones tan magnificadas.

Sálvese quien pueda

No es casualidad que empecemos en Hoth, un planeta gélido y rocoso. Allí la resistencia rebelde se esconde como puede de un Imperio dispuesto a no concederles tregua, y de un Vader que lanza sondas por todo el espacio, obsesionado con encontrar al joven que destruyó la Estrella de la Muerte. Mark Hamill sufrió un accidente en el rostro que obligó a añadir el ataque del wampa al guión. La escena es seca y magnífica como toda la película, y les sirve a Kasdan, Lucas y Kershner para mostrar que Luke, aunque se ha iniciado en la fuerza, todavía tiene mucho que aprender, sobre todo cuando es casi incapaz de recuperar con la mente su sable de luz.

La escena en la que Han Solo salva a Luke de morir congelado en medio de un desierto de hielo está directamente inspirada en aquella magistral de la inolvidable ‘Dersu Uzala’ (Kurosawa, 1975) en la que Dersu y el capitán luchan, desesperados, por construir un refugio para guarecerse durante la noche. Esta, por supuesto, es menos dramática y mucho más jocosa (de nuevo Solo tiene los mejores diálogos de la película). Como jocoso es el regreso de ambos, con Solo vacilando a Leia, y haciéndose el duro con ella. La escena es divertidísima, con Chewbacca ofreciendo un sinfin de registros sonoros para acompañar las fanfarronadas de Solo, silenciadas por el furtivo beso que Leia le da a un sorprendido Luke en la boca. Pero hay poco tiempo para las risas. Llega el Imperio, y no va a dejar otra solución que la huida desesperada.

La presentación de la flota imperial, con el ya mítico tema “The imperial march”, que puede oirse en el link de más arriba, es impresionante. Los caracteres dibujados en la primera película son ahora mucho más rotundos y definidos, como una tragedia mitológica. Vader, observando las estrellas en los amplísimos ventanales, parece capaz de atravesar toda la galaxia con su mirada. Y también parece que ha subido de rango, tres años después, pues ya no hay oficial que se atreva a chotearse de él. De hecho, los errores suelen pagarse caros entre sus generales. Pero Vader va a ser, además, un personaje mucho más siniestro, brutal y complejo en esta segunda parte.

Y más misterioso. Al contrario que en la tercera, Kershner tiene el buen gusto y la inteligencia de no mostrar su rostro, tan solo un poco de su cabeza, antes de colocarse de nuevo el casco. Luctuoso y de motivaciones ocultas, que pronto serán reveladas, Vader es, junto con Solo, la estrella de la función. En el ataque a la base rebelde, hay poca oposición, por cierto. Con los enormes AT-AT’s, da la impresión de que el imperio les pasa, literalmente, por encima. Las victorias pírricas de los pequeños speeders atando las patas de las enormes moles de metal apenas dan un respiro, y la resistencia ha de contentarse con un sálvese quien pueda. Por un azar del destino, además, Leia ha de huir con Han, quien junto con Chewie tiene serios problemas para lograr que el Halcón Milenario funcione correctamente. Se salvan ‘in extremis’.

De este modo, se establecen dos líneas narrativas paralelas, muy diferentes entre sí, que tienen la gran virtud de no molestarse mutuamente, sino que se alimentan mutuamente y ofrecen un crescendo imparable hasta el desolador, e impredecible, final. Por un lado el Halcón Milenario escapando como puede del acoso de la flota imperial, y por otro Luke buscando al maestro Jedi de Obi-Wan, un tal Yoda. No se le puede pedir más al cine de aventuras, sencillamente.

Asteroides y barro

La dirección artística (recuerdo haber oído a Alberto Abuín alucinar al respecto cuando la vimos juntos) de Dagobah es toda una maravilla, obra de Norman Reynolds, quien no brillará tanto en ‘El retorno del jedi’. Rodado enteramente en estudio, da gusto observar una creación tan realista, en contraste con el regreso al mismo planeta en la sexta película (el episodio III), mucho menos denso y atmosférico que aquí. Y la presentación de Yoda es mucho mejor que la, un tanto torpe, presentación que tuvimos de Kenobi en la primera película. Yoda pasa de ser una simpática criatura con aspecto de rana a aparentar mucho más sabio y poderoso cuando por fin revela su identidad, y tan solo con una gestualidad limitada, y un tratamiento genial de la expresión de los ojos.

Pero ya el animatronic, o marioneta, creada para dar vida a este personaje fundamental, es una verdadera joya artesanal, con la portentosa voz de Frank Oz. Él y Mark Hamill (que está sensacional, el chaval) inician una aventura común, una especie de curso intensivo jedi de pocos días o semanas, que es una de las cosas más hermosas que le han pasado al cine de aventuras y fantasía. Mientras, Han y compañía se las ven y se las desean para eludir a los soldados del imperio, sobre todo porque la tan cacareada y genial velocidad de la luz no funciona en su nave, por mucho que intenten repararla, de modo que se ve obligado, como medida de emergencia, a introducirse en un campo de asteroides, lo que da lugar a una de las persecuciones más espectaculares de la saga.

Parece mentira que algunos de los asteroides sean patatas colgadas de alambres, porque la sensación de introducirnos en una nube de asteroides es casi superior a la de las escena homóloga de ‘El ataque de los clones‘, echa con muchos más medios y mucho más modernos. Esta secuencia supone un adelanto ostensible respecto a las secuencias de naves de la primera parte, así como todo el look de la película ha envejecido mucho mejor que la primera, a pesar de ser sólo tres años más moderna.

Gran parte del mérito de esto es de Irvin Kershner, que es mucho mejor director de actores que Lucas, y que en la planificación y el montaje no le anda a la zaga a su pupilo. Por otra parte, la magnífica dirección de fotografía de Peter Suschitzky, que tanto alabó David Cronenberg (no en vano ambos trabajarían juntos en numerosas películas) supera con mucho a la de la primera parte, con un magnífico uso del scope (qué bien se llenan los espacios en esta aventura) y una luz suave (mayormente blanca o azul) que le da al filme un aspecto inmejorable.

Y para no hacer esta entrada demasiado larga, concluiremos el análisis en breves días.

Especial ‘La guerra de las galaxias’ en Blogdecine

• ‘Star Wars’, la película más importante de la historia del cine

• ‘La guerra de las galaxias: Una nueva esperanza’ (1)

• ‘La guerra de las galaxias: Una nueva esperanza’ (y 2)