Habrá secuela de ’8 millas’ (‘8 Mile’, 2002), aquel drama dirigido por Curtis Hanson inspirado en la vida de Eminem, que él mismo protagonizó (y haciéndolo muy bien, por cierto). Esta semana se ha sabido que DreamWorks Pictures se ha hecho con los derechos de un proyecto titulado ‘Southpaw’, que va a escribir Kurt Sutter, el creador de la serie ‘Sons of Anarchy’.

Marshall Bruce Mathers III, más conocido como Eminem, se encargará de dar vida al personaje principal, un boxeador de peso ligero que emprende con éxito su camino hacia el campeonato, hasta que todo su mundo se viene abajo debido a una tragedia, por lo que deberá luchar con mayor esfuerzo para recuperar la antigua gloria. Superficialmente no estará relacionada con ’8 millas’ (centrada en el rap) pero temáticamente es una segunda parte, ya que continuará la aventura del personaje en otra profesión, partiendo de esos primeros pasos dados en Detroit; y metafóricamente será el segundo capítulo del relato de la vida de Eminem. Por el momento no hay fecha para el inicio del rodaje, Sutter se ha comprometido a entregar el guión definitivo en febrero. Será entonces cuando empezarán a buscar un director.

PD: Hanson está realizando una película para la televisión titulada ‘Too Big to Fail’, sobre la crisis financiera. Topher Grace, Paul Giamatti, Billy Crudup, William Hurt, James Woods y Bill Pullman, entre otros, la protagonizan.

Vía | Deadline

Nacido en el seno de una familia trabajadora de Hammersmith, Londres, en 1946, nuestro hombre, nacido Alan Sidney Patrick Rickman, no pudo debutar de mejor manera en el cine: con el Hans Gruber de la mítica ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, John McTiernan, 1987), aunque ya por entonces había participado en innumerables representaciones teatrales (como actor y como director) y en no pocos espectáculos televisivos de su país, que le acreditaban como un grandísimo profesional y una futura referencia inexcusable para las futuras generaciones de su oficio en su país, porque estamos hablando de un superdotado que consigue con un parpadeo o un mínimo gesto lo que otros no consiguen ni con cien líneas de diálogo y la sobreactuación. Hablamos, en definitiva, de un gigante de su oficio.

Rickman, como Anthony Hopkins o Daniel Day-Lewis en sus papeles más contenidos, tiene el don de que su rostro, o más exactamente sus ojos, transmiten todo lo que pasa por su mente. Incluso aunque su rostro se encuentre en una actitud distinta o directamente opuesta. Como si la mirada lo reinterpretase todo. Y a lo mejor no por entero. A lo mejor hay en su mirada una duda, o el reflejo de una duda. No tiene nada que ver con el ‘efecto Kuleshov’, sino más bien con una economía narrativa extrema, casi asceta, que confía en que la cámara tenga la capacidad (de hecho, la tiene) de registrar lo que ni se dice ni se ve, pero sí se siente. Y como un Marlon Brando o un Al Pacino, sabe violentar y alterar su cuerpo como un hombre común de pronto transfigurado en una fiera herida, ya sea de vanidad, odio o venganza, pero sin perder jamás una elegancia congénita.

Y cuando hablo de ojos, no creo exagerar, porque su Hans Gruber, que da unos discursos espléndidos en ‘Jungla de cristal’, dice incluso más con unas miradas que parecen penetrar los infinitos muros del edificio Nakatomi, y que cuando trata de ser amable y hasta amigable, causa un pavor frío porque sabes que está tramando dejarte sin defensas para luego liquidarte. Es imposible imaginar un casting más perfecto, y es el villano ideal para el gran Bruce Willis, que físicamente y de personalidad es tan opuesto a él. Este debut es uno de los más fulgurantes y asombrosos en muchos años de cine mainstream norteamericano, y creo que esa obra maestra del cine de aventuras, y del cine en general, de todos los tiempos, no habría sido ni por asomo tan grande sin su talento. ¿Qué más da que unos pocos años más tarde fuera un pésimo Sheriff de Nottingham en la deleznable ‘Robin Hood, príncipe de los ladrones’ (‘Robin Hood: Prince of Thieves’, Kevin Reynolds, 1991)? A fin de cuentas, era una película para chavales, y él se nota que se lo pasó bomba.

Además, ya estaba haciendo filmes bastante más decentes como ‘El asesino del calendario’ (‘The January Man’, Pat O’Connor, 1989) o ‘Ciudadano Bob Roberts’ (‘Bob Roberts’, Tim Robbins, 1992), y no faltaba mucho para su precioso personaje de la estupenda ‘Sentido y sensibilidad’ (‘Sense and Sensibility’, Ang Lee, 1995), en la que tenía el papel más difícil y menos agradecido de todos, ya que su personaje, enamorado del de Kate Winslet, apenas tiene la oportunidad de decir o hacer nada en toda la película (de hecho, esa es su tragedia), salvo un breve y bellísimo momento, casi al final, cuando ella le deja entrar en la habitación, y Lee, que es uno de los directores más profundos y precisos de la actualidad, encuadra su rostro surgiendo de las sombras del quicio de la puerta, y vemos renacer en el alma de un hombre torturado la ilusión y la esperanza, y nos quedamos de piedra asistiendo a un prodigio de interpretación y de dignidad, que en manos de muchos actores solventes sería una verdadera hazaña, y Rickman lo hace como si respirase, tan tranquilo.

Pero claro, bien sabe él que va a ser recordado sobre todo por su memorable papel de Severus Snape en la ya larga serie cinematográfica sobre los libros de fantasía de J. K. Rowling. Snape es uno de los personajes más complejos y bellos creados por la escritora, y uno de los que mejor y más certeramente han sido trasladados a la pantalla. La caracterización de Rickman es soberbia, en una luctuosa y apasionada creación, pero además es perfecto para un personaje tan retraído y tan huraño, pero tan importante en el devenir de la trama. Sólo él podía darle a Snape esa curiosa y decadente elegancia, y esa sensibilidad tan acomplejada de un solitario incurable, enamorado de quien no debía, pero fiel a sus principios. Por supuesto, no sabemos nunca (y no lo voy a destripar para quienes no se hayan leído la última novela, no se preocupen) a qué bando pertenecen esos principios, pero si ya lo sabemos es impagable observar bien sus ojos en los pocos minutos en que aparece en la estupenda primera parte de la séptima película, pues es tremendamente complejo decir tanto sólo con unas miradas, y establecer tantos estratos a sus sentimientos.

Supongo que cada uno tendrá su momento preferido de este gran hombre de cine, y más abajo puede dejarlo por escrito. El mío pertenece a ‘Jungla de cristal’, y es aquél en el que su alemán Hans Gruber se hace pasar por un oficinista del Nakatomi cuando por casualidad se encuentra de bruces con su enemigo McClane. De pronto, y sin tenerlo previsto, ha de improvisar un acento que no es el suyo y ha de borrar la luz de malignidad de sus pupilas. Es un alucine: un actor inglés que interpreta a un alemán que se hace pasar por un americanito medio, despojándose de su rol de villano supremo como si fuera una manta invisible. También tiene un diálogo genial en ‘El beso de Judas’ (‘Judas Kiss’, Sebastián Gutiérrez, 1998), pero ese me lo guardo para mí. Es increíble que jamás haya sido nominado al Oscar el señor Alan Rickman.

De entre todas las novedades de las últimas semanas, con la cartelera inundada de propuestas de todo tipo (diferentes al menos superficialmente), yo os recomiendo buscar y apostar por un drama coreano titulado ‘Poesía’ (‘Shi’, 2010), que por fortuna se ha estrenado en las salas de nuestro país tras proyectarse en los festivales de Cannes (donde se llevó el premio al mejor guion) y San Sebastián. Se trata del último trabajo de Lee Chang-dong, del que el año pasado pudimos ver, tras dos años de retraso, ‘Secret Sunshine’ (sus otras tres películas permanecen inéditas en España). Licenciado en lengua y literatura, Lee empezó escribiendo y dirigiendo obras de teatro, luego se dedicó a la novela, fue profesor y ministro de cultura (durante un año), y ahora enseña dirección y guion en la universidad; actualmente, es uno de los creadores más interesantes de Corea del sur y, sin ninguna duda, del panorama internacional actual.

Para su quinto largometraje, el segundo tras su aventura política, Lee quiso contar con Yun Jung-hee, una veterana intérprete con más de trescientas películas a sus espaldas que se retiró hace quince años para vivir plácidamente en París con su marido. Considerada la mejor actriz en la historia de Corea del Sur, Yun ha confesado que seguían enviándole guiones pero que ninguno le entusiasmaba lo suficiente como para salir de su cómoda existencia, hasta que leyó ‘Poesía’. Dice mucho del compromiso de esta mujer con la historia, y de Lee como cineasta, que se llevaran toda una noche rodando (más de treinta tomas) una escena en la que la protagonista juega al bádminton en la calle. El esfuerzo, la vida, la experiencia, la pasión, el talento y el sentimiento, tanto de la actriz como del director, quedan impresos en los fotogramas de una película sensacional, de una contundencia y un lirismo que traspasan la pantalla hasta llegar directamente al corazón.

‘Poesía’ gira en torno a Mija Yang (Yun se llama realmente Son Mi-Ja), una señora elegante y curiosa de sesenta años; trabaja cuidando a un hombre mayor, discapacitado, y vive junto a su nieto adolescente en un miserable apartamento de una pequeña localidad cercana al río Han. Allí, flotando en sus aguas, descubren unos niños el cadáver de una chica que se ha quitado la vida. Esta tragedia la vivirá intensamente Mija, incluso desde antes de saber que está vinculada en cierta manera con lo sucedido, a través de su nieto (no conviene revelar más detalles). Otro dramático acontecimiento que afectará y transformará a la mujer será hallar que sus constantes y extraños olvidos se deben a que sufre el mal de Alzheimer; esto es, que su tiempo, su vida, se consume rápida e inevitablemente. Con todo, Mija mantiene la ilusión gracias a un taller de poesía y los recitales de un club de aficionados.

La protagonista de ‘Poesía’, como tantas personas, vive en su propio mundo, se diferencia de los demás y le gusta ser así; le resulta útil además, pues de esa manera es capaz de aguantar los sinsabores que le han tocado vivir, y puede seguir adelante con una sonrisa en el rostro. Siempre ha sido una mujer excéntrica, soñadora, que ve las cosas a su modo, así que cuando tiene la oportunidad de aprender y escribir su primer poema, se lanza a ello con gran determinación, con un entusiasmo más propio de una niña que acaba de descubrir a qué se quiere dedicar de mayor. Pero se da contra un muro. Por más que lo intenta, siguiendo todos los consejos que le dan, no encuentra la inspiración y no logra arrancar. Puede que su incipiente enfermedad tenga parte de la culpa, pero lo cierto es que la mujer empieza a mirar lo que le rodea con otros ojos, en busca de algo que la ilumine, y entonces se enfrenta a la tristeza, la miseria, el dolor, la indiferencia, la muerte. ¿Queda sitio para la poesía, queda belleza en este mundo?

A menudo, cuando se habla y discute sobre cine, y se dice que una película aburre o entretiene, creo que muy pocas veces se tiene en cuenta lo que diferencia a un buen director de otro: la puesta en escena. Y esto se está convirtiendo en algo demasiado común, quizá porque es difícil determinar dónde está concretamente la fuerza, el valor de la película. Me sorprende mucho que el único premio importante que ha recibido ‘Poesía’ haya sido por el guion, cuando (al menos a mí) me parece evidente que los dos aspectos más destacables de la película son otros; la inspirada puesta en escena de Lee y la impresionante interpretación de Yun. Desde luego, el cineasta coreano ha escrito un estupendo relato que retrata verdades y habla de temas interesantes (la educación, el machismo, la felicidad, la belleza, el arte, el sacrificio), que posibilita mucha lecturas, y lo hace de forma honesta y cruda, contando con la participación del espectador, pero por encima de eso, a mi parecer, está su visión como realizador, su forma de presentarnos ese relato en imágenes, y su capacidad para sacar el máximo rendimiento al elenco, destacando en especial a su inmensa protagonista.

De sus más de dos horas de metraje (el mayor defecto, no haber sido más preciso recortando la película, y no es la primera vez que le ocurre a este director), quiero destacar tres escenas, en las que Lee demuestra su talento para captar la realidad, y lograr que la ficción parezca espontánea, de maneras muy diferentes. La primera sucede en la puerta del hospital; la cámara sigue a Mija, pero algo ocurre a su alrededor, se abre el plano y vemos a una mujer tirada en el suelo, desolada, mientras los demás la miran con extrañeza, como algo curioso que no va con ellos. La segunda, la que más me afectó, sucede durante un almuerzo, están Mija y los padres de los amigos de su nieto; la forma en la que se desarrolla la escena, cómo responden esos hombres ante los hechos ocurridos, impacta como un puñetazo en el estómago, y es un simple plano-contraplano que da prioridad a los diálogos y las reacciones de los actores. La última tiene lugar en la clase de poesía, los alumnos confiesan y recuerdan, frente una cámara estática, momentos de felicidad en sus vidas. Demoledor y sin embargo también esperanzador, es imposible no sentirse implicado, herido y conmovido por este relato, esta joya titulada ‘Poesía’.

La amenaza se ha cumplido. Santiago Segura regresa con ‘Torrente 4. Lethal Crisis’ --título totalmente oportunista-- y además lo hace en 3D. Al parecer la anécdota de Segura con James Cameron fue de lo más divertida cuando el primero fue a pedirle las cámaras para el rodaje, y se ha puesto manos a la obra de cara a estrenar la película en algún fatídico momento del 2011. Reconozcamos que la primera entrega de la saga era un producto pasable, mínimamente entretenido y después del visionado, olvidable. Las otras dos entregas claman al cielo, por decirlo suavemente, aunque gracias a ellas el cine español puede vivir unos cuantos años más.

No tengo la más mínima duda de que esta cuarta entrega también arrasará en taquilla --nosotros lo buscamos, nosotros lo encontramos--, y para ello Segura se ha rodeado de un montón de caras conocidas, al igual que en las otras entregas. Apuntemos: Ana Obregón, David Bisbal, Andreu Buenafuente, Andrés Pajares, Cesc Fàbregas, Belén Esteban, Fernando Esteso, Kiko Matamoros y Risto Mejide entre otros. Con esto reparto, ¿a quién le importa el argumento? Lo que yo me pregunto es, ¿tendremos algún lugar seguro para escondernos? ¿Alguien me da asilo?

Y habrá quien diga que los teaser tráileres tienen gracia y todo.

Vía | Las horas perdidas

El cineasta chino Zhang Yimou (‘Hero’, ‘A Woman, a Gun and a Noodle Shoop’) está preparando ya su nuevo trabajo, y ha anunciado que contará con el galés Christian Bale al frente del reparto. La proyecto lleva por título ‘Nanjing Heroes’ y cuenta con un elevado presupuesto: noventa millones de dólares. Está previsto que el rodaje, hablado en inglés y mandarín, comience a mediados de enero.

Bale, cuyo siguiente trabajo será encarnar por tercera y última vez a Bruce Wayne/Batman, interpretará para Yimou a un sacerdote católico norteamericano que presencia con horror la masacre de Nanjing (o Nanking) ocurrida en 1937, cuando las invasoras tropas de Japón asesinaron a miles de ciudadanos chinos; el hombre tratará de usar su influencia para evitar que la matanza sea mayor, protegiendo en su iglesia a todos los que puede. Al parecer, el film adapta una novela de Yan Geling titulada ‘Las 13 mujeres de Nanjing’, sobre trece prostitutas que se hacen pasar por estudiantes universitarias para servir como , ayudando a escapar a sus compatriotas (se calcula que cerca de veinte mil mujeres y jóvenes chinas fueron violadas y asesinadas por los soldados japoneses). Si todo marcha bien, la película podría estar en los cines en diciembre de 2011.

PD: El pasado mes de septiembre se estrenó en China la última película de Yimou, ‘Shan zha shu zhi lian’ (‘Under the Hawthorn Tree’), un drama romántico sobre dos jóvenes durante la revolución cultural de los 60 y 70.

Vía | EntertainmentWeekly

‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’) es un film de Tom Hooper, protagonizado por Colin Firth, en el papel del rey Jorge VI, al que preocupa su tartamudeo --«speech», en inglés, no sólo significa «discurso», sino también «habla»-- y Geoffrey Rush, quien se convertirá en su logopeda. Helena Bonham Carter, como su mujer; Guy Pearce, como el rey Eduardo VIII; Derek Jacobi, como el obispo, y Timothy Spall, en el papel de Churchill, completan el reparto.

En su apariencia externa, ‘El discurso del rey’ resulta una buena película. El trabajo de ambientación de época es impecable y tampoco se le puede encontrar tacha a la fotografía o a la realización de Hooper. Contiene algunas escenas sumamente curiosas, como la del inicio con la preparación del locutor y sus ejercicios de dicción. Por todo ello, diría que se trata de un film bien hecho, solvente y agradable de ver, a pesar de que su duración no se justifica, ya que contiene muchos momentos muertos que se podrían haber aligerado. Pero, ni mucho menos, es el peliculón del que se viene hablando desde hace tiempo.

‘El discurso del rey’ se basa en una mera anécdota que se produjo dentro de un mundo convulso y lleno de auténticos conflictos. Precisamente porque deja de lado cuestiones tan candentes como la política de entonces, la película tendría que haber optado por otro acercamiento, el de profundizar en los personajes y en la historia individual. No es que sea imposible lograr una trama personal de auténtica fuerza dramática partiendo de una nimiedad. Pero el guion de David Seidler no hace ni lo uno ni lo otro, sino que se queda en la superficie de ambas posibilidades.

Los actores se lucen y deslumbran

En lugar de interés por contar una historia, los creadores parece que hubiesen tenido ganas de crear un vehículo para que los actores pudiesen demostrar de lo que son capaces. Colin Firth logra un creíble tartamudeo en la representación de de Jorge VI, pero hacer un papel significa mucho más que pronunciar de una determinada manera --porque, si consiste solo en eso, que llenen de premios a Puigcorbé--.

Más allá del defecto en el habla, no estoy viendo nada: no veo al ser humano, no empatizo con él, no siento su necesidad de ser comprendido, de tener una amistad... se me dice en diálogos, sí, pero tendría que percibirse por las situaciones y las interpretaciones. Si lo estudio es aún peor, pues veo a un hombre maduro con una preocupación infantil --se desata la II Guerra Mundial y a él le quita el sueño el qué dirán-- y muy convencional en la forma de juzgar la vida íntima de su hermano --Guy Pearce--, y así me cuesta aún más sentir alguna identificación.

Geoffrey Rush, una vez más en su carrera, está espléndido como ser excéntrico, pero vuelve a faltar una profundización en su personaje. Esa amistad que surge entre ambos y que podría suponer la espina dorsal de un gran film, al servir al futuro monarca de acicate para sufrir una evolución psicológica, no se percibiría, si no fuese por la obviedad de los diálogos --que, por otro lado, está presente en toda la película--. Como consecuencia de la poca cercanía de los personajes, se diluye la emotividad final, que debería constituir el mayor aliciente de este relato.

Un film para premios

En los Oscar ya estamos acostumbrados a que el galardón al mejor actor se entregue por encarnar a una persona con problemas, retrasada o aquejada de alguna peculiaridad. Ya que Colin Firth interpreta a un tartamudo, podemos pensar que esta película tenga un hueco en los premios de la Academia, además de porque está nominada en los Globos de Oro, que se suelen denominar «la antesala de los Oscar». Pero gustar a los jurados de los grandes premios no siempre es síntoma de una auténtica calidad.

Entre estas nominaciones y premios anteriores, llevamos tiempo oyendo hablar de ‘El discurso del rey’ como si fuese a entrar directamente en las listas de lo mejor del 2010. Es cierto que el año ha dado tan poco que no era necesario una obra maestra para hacerlo remontar en los últimos días, pero en mi opinión, este título no remienda nada.

Nos encontramos ante un ejemplo claro de película sobrevalorada.‘El discurso del rey’ (‘The King’s Speech’) es un film correcto, pero también muy ligero, comercial y poco memorable. No es que recomiende que se prescinda de verla, pues seguro que constituye una de las opciones más válidas de la cartelera, pero creo que es necesario relajar las expectativas.

Mi puntuación: