Uno tiene sus pasiones. De hecho, reescribiría esa afirmación que le suelta Max Cady a Sam Bowden en ‘El cabo del miedo’ (‘Cape Fear’, Martin Scorsese, 1991), en la que le dice algo así como que hay que tener algún vicio para saber que sigues siendo humano. Yo diría que hay que tener alguna pasión, o algunas. Y sí, Marisa Tomei es una de las mías. Desde hace mucho, y supongo que hasta dentro de mucho tiempo más. Lo atestigua mi estupenda colección de películas protagonizadas por otros, pero en las que participa ella, muchas de las cuales las tengo por la simple razón de que Tomei deja ahí su rostro, su cuerpo y su voz, porque además de estar muy buena, que lo está, y de ser muy elegante, es una de las mejores actrices de su generación, o quizá la mejor. Esa calidad, y ese atractivo, no se traducen seguramente en un alto grado de fama fuera de su país. Pero casi mejor, algunos regalos se disfrutan más en soledad.

A sus 46 años recién cumplidos, entra ahora en una magnífica madurez, como se suele decir, tanto física como artística, y cada día parece más bella y más rebosante de talento, aunque probablemente su carrera siga gozando de escasos grandes títulos. Las cosas como son: las actrices de Estados Unidos obtienen menos posibilidades, menos papeles importantes, que los hombres. Y cuanto más mayores se hacen, lógicamente, la cosa empeora mucho más. Pero ella sigue al pie del cañón, imperturbable. Hace poco la veíamos en ‘Cyrus’, y la chica atractiva y luminosa ya ha dado paso a una mujer atractiva y luminosa, pero también más serena, más sabia, mejor actriz. Y ya prepara tres películas más para el 2011: el drama ‘The Lincoln Lawyer’, que tiene muy buena pinta, y las comedias ‘Salvation Boulevard’, junto a Jennifer Connelly, y ‘Crazy, Stupid, Love’. No para. Tiene luz, Marisa Tomei.

La Tomei es pura raza de Brooklyn: por su acento, por sus maneras. Pero también late en ella la sangre italiana con gran fuerza. Ya cuando era una cría se quedó alucinada de las luces y la vida bohemia y artística de Broadway. No cabe duda de que sus primeros papeles los consiguió porque era una chica muy fotogénica, pero también porque de muy joven vieron en ella un talento natural que se fue confirmando en teleseries como ‘As the World Turns’ (una de las series más longevas de la televisión norteamericana) o ‘Un mundo muy diferente’ (spin-off de ‘La hora de Bill Cosby’), pero en los noventa iba a llevar a cabo la hazaña de arrebatarles el Oscar a la mejor secundaria nada menos que a Vanessa Redgrave, Miranda Richardson, Joan Plowright y Judy Davis, gracias a su formidable trabajo en ‘Mi primo Vinny’ (‘My Cousin Vinny’, Jonathan Lynn, 1992), con tan solo veintiocho años. Durante un tiempo, el crítico de cine Rex Reed sostuvo que Jack Palance (que ciertamente, subió a anunciar a la ganadora bastante mamado) leyó lo que le dio la gana, y que Tomei no era la verdadera ganadora, algo que perturbó mucho a la actriz. De hecho, en 1997, Reed volvía a afirmar que todo era un encubrimiento para no saber la verdad. Sobran comentarios.

Ya había aparecido en la floja comedia ‘Oscar, quita las manos’ (‘Oscar’, John Landis, 1991), y su carrera en los noventa la verdad es que fue bastante irregular. Pero supongo que hacía lo mejor de lo que le iban ofreciendo. Sus papeles en ‘Chaplin’ (id, Richard Attemborough, 1992), ‘The paper: detrás de la noticia’ (‘The Paper’, Ron Howard, 1994) o ‘Sólo tú’ (‘Only You’, Norman Jewison, 1994), eran poca cosa, la verdad, como los proyectos en sí. Pero pudo hacer un par de películas muy dignas, con personajes interesantes y fuertes: la entrañable ‘Corazón indomable’ (‘Untamed Heart’, Tony Bill, 1993) o la digna ‘Welcome to Sarajevo’ (id, Michael Winterbottom, 1997), pero a grandes rasgos lo cierto es que sus buenos papeles se cuentan con los dedos de una mano. No importa, porque su frescura y su vitalidad inundan la pantalla como un soplo de vida, aún en productos mediocres, o en papeles minúsculos.

No cabe duda de que su fenomenal trabajo para la muy notable ‘En la habitación’ (‘In the Bedroom’, Todd Field, 2001) es el más completo, el mejor escrito para ella, desde ‘Mi primo Vinny’. Y es un papel muy duro de interpretar, muy poco agradecido, rodeada además de grandes actores como Sissy Spacek o Tom Wilkinson. Pero Field la dirigió con mano maestra y ella dio lo mejor de sí, que es mucho. Al final, es esencial en el triángulo trágico de la película, que no hubiera sido tan grande con una actriz menos dotada que ella, a pesar de aparecer en cinco o seis secuencias. Un año antes, ella y la gran Helen Hunt habían aportado su talento a la mediocre comedia ‘Lo que piensan las mujeres’ (‘What Women Want’, Nancy Meyers, 2000), donde apenas tenía papel u oportunidad de hacer algo decente. Pero de comedias románticas insulsas, en las que suele tener un papel secundario, debe estar ya bien cansada: ‘Siempre a tu lado’ (‘Someone Like You’, Tony Goldwyn, 2001), ‘Beso en Manhattan’ (‘Just a Kiss’, Fisher Stevens, 2002), ‘El gurú del sexo’ (‘The Guru’, Daisy von Scherler Mayer, 2003) o el remake ‘Alfie’ (id, Charles Shyer, 2004).

Por suerte, contó con dos buenos papeles en la estupenda ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ (‘Before the Devil Knows You’re Dead’, Sidney Lumet, 2007) y en la deleznable ‘El luchador’ (‘The Wrestler’, Darren Aronofsky, 2008). En la primera era algo así como una revisión del mito de la mujer fatal, y algunas míticas deberían reencarnarse varias veces para ser como ella. Y en la segunda, a pesar de que su papel es insignificante, impostado y falso, en pocas palabras que apenas hay nada, ella le da una dignidad, una belleza y una verdad que son, de lejos, lo mejor de la película, lo más hermoso y emocionante. De hecho, la película no debería llamarse ‘El luchador’, si no ‘La bailarina’, al menos para quien esto suscribe. Pero era un papel de lucimiento para Mickey Rourke, y ella se ve completamente relegada. Que la nominasen a mejor secundaria, cuando es un papel protagonista, es otra de las muchas estupideces que la excelsa academia de Hollywood perpetra de cuando en cuando….o casi todos los años.

Pero, en definitiva, casi da igual que su carrera haya dado menos de lo que se esperaba, al menos de momento (si hubiera nacido cuarenta años antes, creo que las cosas habrían sido muy diferentes, o no…). Lo importante es que Marisa Tomei es una razón para soportar un poco más este mundo, y un poco más el cada vez más desangelado cine norteamericano, huérfano de grandes actrices desde hace demasiado tiempo.

En Blogdecine:

• Marisa Tomei, la reivindicación de una actriz a los cuarenta y tantos (por Jesús León)

De haberla visto unos días antes, me habría planteado muy seriamente incluir ‘The Tourist’ entre las diez peores películas de 2010. Sigue resultándome incomprensible, pese a todos los lujosos subproductos que me he tragado a lo largo de los años, que se pueda fabricar una película tan lamentable como la que nos ocupa, que ha costado en torno a cien millones de dólares, que está protagonizada por dos de las mayores estrellas de Hollywood (que además han demostrado ser dos intérpretes muy capaces) y dirigida por un señor que hace solamente cinco años firmó un relato tan notable como ‘La vida de los otros’ (‘Das Leben der Anderen’). Hay quien dice que la industria del cine sigue funcionando igual, que no se ha empeorado, pero yo estoy convencido de lo contrario, en las peores películas de las grandes estrellas de antes, a pesar de todo, siempre nos podíamos quedar con el carisma, la magia, de los actores; ahora ni eso.

Porque lo que más llama la atención de ‘The Tourist’, el primer gran problema de la película, es la escandalosa falta de química entre la pareja protagonista. Angelina Jolie y Johnny Depp no encajan. Quizá en otro relato, en otras condiciones, pero definitivamente no en ‘The Tourist’, donde cada uno va por su lado, como si les diera igual el resultado final, como si en lugar de ayudarse, quisieran perjudicar al otro; he leído (en sitios de dudosa credibilidad) que las dos estrellas se llevaron mal durante el rodaje, y esto podría ser una razón, pero me parece demasiado común, ha ocurrido a menudo y seguirá ocurriendo, y en la mayoría de las ocasiones no llega a afectar a lo que se ve en la pantalla, por algo son profesionales. Teniendo en cuenta que Jolie hace de gélida y bella mujer de acción, y Depp de patoso pero irresistible héroe, lo más probable es que ninguno de los dos tuviera confianza alguna en la película, y se tomaran el trabajo como unas vacaciones pagadas en Venecia.

‘The Tourist’ (2010) es un remake estadounidense de la francesa ‘El secreto de Anthony Zimmer’ (‘Anthony Zimmer’, 2005). La historia se centra en dos personajes que se conocen en un tren que va de París a la citada romántica ciudad italiana; Frank Tupelo (no es broma) es un turista norteamericano que fuma un cigarro eléctrico y lee un barato best-seller, Elise es una enigmática y sofisticada británica que ha elegido sentarse frente a él cuando tenía muchos otros asientos disponibles. Se presentan, cenan y flirtean un poco (o lo intentan, pues no parecen tener nada que decirse, ni estar realmente interesado el uno en el otro). Al llegar a Venecia, Elise decide invitar al sorprendido Frank a la suite más impresionante de un lujoso hotel, en cuyo balcón, y tras tomar unas copas, se besan. Pero todo forma parte de un plan. Ella sabe que la están vigilando con la esperanza de encontrar a su amado, Alexander Pearce, un escurridizo ladrón a quien busca la policía y un peligroso mafioso que se rodea de matones rusos.

Así que todo gira en torno a ese intento de engaño, y los líos que ocasiona a Frank mientras todos buscan a Alexander. Una trama con falso culpable en constante peligro que nos recuerda inevitablemente a las elegantes películas de acción e intriga que solía firmar Alfred Hitchcock; ciertamente, hay un intento por parte de los responsables de ‘The Tourist’ de entregar al espectador un tipo de producto que recuerda a otra época, con altas dosis de misterio, seducción y humor, y escasas de violencia y sexo, dos de las dos notas dominantes en el cine actual. La propuesta atrae, desde luego, y es de agradecer el toque nostálgico, pero el resultado está muy alejado de las intenciones, pues ninguna de sus armas están adecuadamente afiladas. La película fracasa en todo lo que se propone, y es tal el despropósito que incluso la música compuesta por un grande como James Newton Howard resulta insufrible, está demasiado presente y nunca ayuda al relato.

Tampoco ayuda el mediocre guion escrito por el propio director junto a Christopher McQuarrie (‘Sospechosos habituales’, ‘Valkiria’), un libreto extremadamente vago y artificioso, lleno de situaciones inverosímiles, y nefasto cada vez que se centra en el (en teoría) irresistible coqueteo de Elise y los torpes intentos de conquista por parte de Frank, con una de las peores presentaciones que he visto en mucho tiempo; dan ganas de levantarse de la butaca desde el mismo instante en el que la conversación gira en torno a un cigarro eléctrico, pero, no sé muy bien por qué, uno tiene la esperanza de que todo mejore en algún momento. No lo hace, va a peor. La labor de Florian Henckel von Donnersmarck a la hora de plantear la escasa acción de la película es absolutamente bochornosa. Da pena ver esa secuencia nocturna con tiroteo y persecución por los canales de Venecia, sin ninguna tensión ni emoción, planos vacíos sucediéndose uno detrás de otro sin que nos importe lo más mínimo cómo va a acabar todo.

Como dije, ni siquiera los actores salvan este desastre, y eso que son buenos. Jolie repite el papel de heroína inexpresiva y maravillosa que hace siempre en las películas del género (‘Wanted’, ‘Salt’), Depp hace otra vez de Jack Sparrow (la secuencia por los tejados parece sacada de ‘Piratas del Caribe’), y ninguno de los estupendos secundarios aporta nada, siendo especialmente lamentable ver a Paul Bettany en uno de los peores papeles que ha interpretado jamás. Decía Von Donnersmarck, durante su visita a España, que había pretendido entregar un regalo de navidad, un producto ligero para entretener; una vez vista, o el realizador alemán odia la navidad, o no le han dejado hacer lo que quería, porque ‘The Tourist’ es de lo más tedioso que hay ahora mismo en la cartelera. Imposible ver venir esta película tan mala cuando contaba con tantos ingredientes atractivos, pero tanto el público como la crítica están hablando, rápida y contundemente, de ahí que no esté recaudando tantos millones como se esperaba. La trampa ha quedado al descubierto.

• Otra crítica en Blogdecine:

‘The Tourist’, bellos paisajes y guapos actores

De todos es conocida la manera que tiene Quentin Tarantino de crear un extrañamiento con respecto a lo que sucede en pantalla --la tortura, en este caso-- gracias al empleo de música diegética de tono opuesto. Como se ve en este fragmento de ‘Reservoir Dogs’, Mr. Blonde (Michael Madsen) declara que el programa ‘Los supersonidos de los setenta, de K-Billy’ (‘K-Billy’s Supersounds of the Seventies’) --a cuyo locutor presta la voz Steven Wright-- es su favorito y lo deja sonar mientras ponen ‘Stuck in the Middle With You’ (1974).

Hoy esta canción vuelve a ser noticia, porque Gerry Rafferty falleció ayer, 4 de enero, a la edad de 63 años, a causa de una larga enfermedad y de complicaciones con el alcohol. Aunque no se dedicase al cine, la presencia de una de sus composiciones en esta película merece este pequeño homenaje, ya que pocas veces una canción ha causado un efecto tan poderoso como el que causa en esta escena y pocas bandas sonoras han sido tan célebres como la del primer film de Tarantino.

Tras cantar con los Humblebums, Rafferty sacó un disco en solitario. En 1972 formó un nuevo grupo, Stealer’s Wheel, junto a Joe Egan, que duró solo hasta 1975. Más tarde, el cantante y compositor escocés continuó su carrera en solitario, durante la que compuso su canción más conocida --aparte de la que nos ocupa--, ‘Baker Street’, que se incluye en el disco ‘City to city’, de 1978. Su último álbum, ‘Another World’, apareció en 2000

Vía | DailyMotion.

Desde ese momento, realmente terrorífico, ‘Chantaje contra una mujer’ mantiene el mismo nivel de intensidad, y poco a poco va mostrando su cartas. Edwards se adentra de lleno en el universo del cine negro, esquivando con inteligencia algunas de las características del género. Por ejemplo la relación entre Kelly y Ripley --sensacionales Lee Remick y Glenn Ford, éste en un papel lleno de matices-- es de un profundo respeto y casi admiración, pero jamás llega a relación amorosa, algo que hubiera sido muy posible y lógico. Además, el director dota de cierto realismo todo el conjunto, en la línea de lo que hicieron Henry Hathaway o Jules Dassin en los años 40 en cintas como ‘La casa de la calle 92’ (‘The House on 92nd Street’, 1945) o ‘La ciudad desnuda’ (‘The Naked City’, 1948). Con ésta última guarda cierto parecido argumental, pues toda la parte final es una enorme persecución, llena de ritmo y suspense que finaliza con un impresionante travelling, años más tarde rescatado por Don Siegel para su imprescindible ‘Harry el sucio’ (‘Dirty Harry’, 1971) aunque con intenciones bien diferentes.

Dejando a un lado el subrayado sobre la eficacia del FBI, a los que ponen como poco menos que ángeles de la guardia del ciudadano americano, ‘Chantaje contra una mujer’ es una espléndida muestra del hacer de un realizador que podía hacer mucho más de lo que realmente vimos en sus films más populares. Un thriller que se sumerge por instantes en el mismo centro del terror, creando momentos antológicos, como el asesinato en el estudio de maniquíes, o la impactante secuencia en la que el asesino --excelente, por muy creíblemente amenazador, Ross Martin-- se aparece ante Kelly en un lavabo público vestido de mujer. Influencia de cierto film de Hitchcock que se acababa de estrenar hacía relativamente poco. Como apunte final, atención a las coincidencias entre el film de Edwards y ‘El silencio de los corderos’ (‘The Silence of the Lambs’, Jonathan Demme, 1990), o la influencia que tuvo en un cineasta como David Lynch, en concreto para su serie de televisión ‘Twin Peaks’ y su insoportable ‘Corazón salvaje’ (‘Wild at Heart’, 1990).

La verdad es que si atendemos a su guión, la trama es bastante simplona, y hasta llega a preguntarse uno cómo es que Shane Black, que ese mismo año tendría un papel bastante importane en ‘Depredador’ (‘Predator’, John McTiernan, 1987), llegó a ser un guionista tan cotizado. A los quince minutos te da exactamente igual la investigación criminal, pues lo más importante es el choque entre dos personalidades bien distintas: la del “pirado-encantador” Martin Riggs, interpretado por un Mel Gibson asalvajado por completo, y la del “maduro-responsable” Roger Murtaugh, al que da vida un estupendo (como casi siempre) Danny Glover. No pueden ser más opuestos, y deberán trabajar juntos en un supuestamente complicado caso, que luego de complicado no tiene nada, con unos mercenarios que se han pasado a traficantes, y que asesinaron a la hija de uno de sus compinches, casualmente colega de Murtaugh en Vietnam. Al final todo eso, a parte de sostenerse bastante mal, es lo de menos, y con lo que más nos quedamos, creo, es con ciertos momentos aislados que elevan un poco una película que avanza como a trompicones.

Tiros y amistad

Más allá de Murtaugh y Riggs, me parece indiscutible que hay poca cosa, y es una suerte que Gibson y Glover hagan una pareja con tanta chispa. Hay tensión, pero también hay humor, y en sus diálogos y desencuentros está lo mejor de la película. En el plano de la acción, lo cierto es que no hay demasiada, salvo un par de secuencias que están bastante bien, como la del intercambio de la hija secuestrada, y el climax final. La pena es que toda historia podría haber dado bastante más de sí, y todo queda muy superficial, muy conservador, cine para adolescentes en fin de semana. El torturado personaje de Riggs, la oscura trama de mercenarios traficantes de heroína, la sombra del Vietnam detrás de todo. Ahí había puro cine negro, una historia realmente dura. Pero hubiera dado mucho menos dinero, seguramente, que un espectacular blockbuster de polis. Lo malo es que viéndola ahora, su acción no impresiona demasiado, y no hay nada en esta película verdaderamente notable.

Era cuestión de tiempo, claro, que Mel Gibson triunfase en Estados Unidos, una vez terminada su trilogía de Mad Max (1979-81-85) y después de haber triunfado con Peter Weir en la estupenda ‘Gallipoli’ (id, 1981). Le sirvieron un bandeja un papel a su medida exacta, y pocas veces se le ha visto tan desatado. Su papel pierde fuelle en algunos momentos, y queda poco creíble cuando pasa de ser un suicida en potencia a un pirado de gatillo fácil. A su desastrosa vida familiar, su mujer murió y vive en una caravana, se opone la confortable de Murtaugh, que vive en una casa enorme (vaya sueldos tienen los policías americanos, ejem…), con una mujer siempre dispuesta a cocinar la cena, y tres hijos estupendos, guapos y sonrientes. El terrible tigre Riggs se convierte en un gatito una vez entra en esa casa, y los violentos encontronazos entre los dos polis desaparecen como por arte de magia, y se convierten en chistes de humor grueso.

Pero lo que más llama la atención es que con ésta película el cine americano cristaliza por fin su querencia de policías que son casi superhéroes, o sin el casi. Luego, claro, llegarían títulos imprescindibles como la sublime serie ‘The Wire’ (id, David Simon, 2002-2008), que se encargarían de mostrarnos a policías de verdad. Pero aquí Riggs, ex-miembro de las fuerzas especiales del ejército, chuleta, melenas, que igual dispara a un helicóptero que se lía a tiros en una carretera atestada de coches, está más cerca de un Chuck Norris que del Glenn Ford de la obra maestra ‘Los sobornados’ (‘The Big Heat’, Fritz Lang, 1953), por nombrar a un personaje que también perdía a su mujer en trágicas circunstancias. Pero durante casi veinte años hemos visto docenas de policiacos, con agentes improbables, y a un paso del fascismo puro. Antológica la frase de Riggs: “esta vez lo haremos a mi manera: a matar, a matar a todos los que podamos”.

El director, Donner, no es un cualquiera, y se nota. A sus cincuenta y siete años, y con una larga experiencia en cine y televisión, estaba ya pertrechado con buenas herramientas de su oficio. Filma con mucha inteligencia y hasta con buen gusto, y en colaboración con el excelente operador Stephen Goldblatt obtenemos una uso dinámico y hábil de la cámara. Por supuesto, está a años luz del McTiernan de ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), en la que el uso de los espacios y del movimiento es algo magistral (y con un guión muchísimo más elaborado, y con un policía muchísimo más creíble…), pero Donner es contenido (en las sucesivas secuelas ya no lo será) y sobrio, y se agradece. También es astuto como pocos, y sabe que con un poco de morbo en la historia criminal (la joven asesinada, sus vídeos eróticos…), y con la música del mítico Eric Clapton y del tristemente fallecido Michael Kamen (que también pondría música para ‘Jungla de cristal’), además de la pareja de protagonistas, tiene ya bastante a su favor.

Conclusión

Ha envejecido bastante, ‘Arma letal’, aunque se ve mucho mejor que sus tres secuelas, aún con más años a sus espaldas. Divierte y crea tensión, pero no es gran cine, bajo mi punto de vista. Tampoco malo, desde luego. Su tercio final está bastante bien, si aceptamos a un poli liquidando a los malos y vanagloriando la violencia como un juego lúdico, pero de vez en cuando tampoco pasa nada. Películas de acción hay cientos muy superiores a esta, y películas de humor para qué decir nada. Pero, para bien o para mal, su visionado es obligado si se quiere entender el devenir de Hollywood en las últimas décadas, y teniendo en cuenta muchos títulos posteriores a ella, hasta parece mejor de lo que es.

¿Qué podemos esperar? Del regreso de Weir, ocho años después de la excelente ‘Master & Commander’, solo podemos esperar un gran drama. Y ojo al reparto: Harris, Farrell, Strong, Sturgess, Ronan. Para mí no hay duda que es el estreno más importante de la semana.

‘También la lluvia’

Dirección: Icíar Bollaín. Países: España, Francia y México. Año: 2010. Duración: 104 min. Género: Drama. Interpretación: Luis Tosar (Costa), Gael García Bernal (Sebastián), Juan Carlos Aduviri (Daniel/Hetuey), Karra Elejalde (Antón/Cristóbal Colón), Carlos Santos (Alberto/Bartolomé de las Casas), Raúl Arévalo (Juan/Antonio de Montesinos). Guion: Paul Laverty. Producción: Juan Gordon. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Alex Catalán. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Dirección artística: Juan Pedro Gaspar. Vestuario: Sonia Grande.

Sinopsis: Costa, un descreído productor de cine, y Sebastián, joven e idealista realizador, trabajan juntos en un proyecto ambicioso que van a rodar en Bolivia. La cinta que van a filmar tratará sobre la llegada de los españoles a América poniendo el acento en la brutalidad de su empresa y en el coraje de varios miembros de la Iglesia que se enfrentaron con palabras a las espadas y las cadenas. Pero Costa y Sebastián no pueden imaginar que en Bolivia, donde han decidido instalar su Santo Domingo cinematográfico, les espera un desafío que les hará tambalearse hasta lo más profundo. Tan pronto como estalla la Guerra del Agua (abril de 2000) las convicciones de uno y el desapego del otro comienzan a resquebrajarse, obligándoles a hacer un viaje emocional en sentidos opuestos.

¿Qué podemos esperar? De la candidata de nuestro país para lograr el Oscar a la mejor película extranjera, solo podemos esperar un emocionante relato. Además, al frente del reparto está Tosar, uno de nuestros mejores intérpretes, y Bernal, que cuando está inspirado, también ha demostrado ser muy capaz. Espero que Bollaín dé la primera alegría del año para el cine español.

‘Los próximos tres días’

Título original: ‘The Next Three Days’. Dirección: Paul Haggis. Países: USA y Francia. Año: 2010. Género: Drama, thriller. Interpretación: Russell Crowe (John Brennan), Elizabeth Banks (Lara Brennan), Liam Neeson (Damon), Olivia Wilde (Nicole), Brian Dennehy (George Brennan), RZA (Mouss), Moran Atias (Erit), Lennie James (Nabulsi), Allan Steele (sargento Harris), Ty Simpkins, Jonathan Tucker (David). Guión: Paul Haggis; basado en un argumento de Fred Cavayé y Guillaume Lemans para la película "Pour elle" (2008). Producción: Paul Haggis, Marc Missonier, Michael Nozik y Olivier Delbosc. Fotografía: Stephane Fontaine. Montaje: Jo Francis. Diseño de producción: Laurence Bennett. Vestuario: Abigail Murray.

Sinopsis: Remake de la película francesa "Pour elle" (2008), "Los próximos tres días" nos contará la historia de una mujer que es arrestada (Elizabeth Banks) por un delito que asegura no haber cometido, de ahí que su marido (Russell Crowe) esté dispuesto a hacer todo lo posible para liberarla.

¿Qué podemos esperar? Un gran entretenimiento, esperemos. La tercera película de Haggis, tras ‘Crash’ y ‘En el valle de Elah’, cuenta con el atractivo de un elenco encabezado por Crowe, Banks, Neeson y Wilde, pero el retraso de su estreno, y que sea un título del que no se está hablando nada, cuando incluso ‘The Tourist’ ha logrado nominaciones a los Globos de Oro, es desde luego una mala señal. Habrá que arriesgarse.

‘Como la vida misma’

Título original: ‘Life As We Know It’. Dirección: Greg Berlanti. País: USA. Año: 2010. Duración: 114 min. Género: Comedia dramática, romance. Interpretación: Katherine Heigl (Holly Berenson), Josh Duhamel (Eric Messer), Josh Lucas (Sam), Christina Hendricks (Alison), Hayes MacArthur (Peter). Guión: Ian Deitchman y Kristin Rusk Robinson. Producción: Barry Josephson y Paul Brooks. Música: Blake Neely. Fotografía: Andrew Dunn. Montaje: Jim Page. Diseño de producción: Maher Armad. Vestuario: Debra McGuire.

Sinopsis: En esta comedia romántica, Holly Berenson es la responsable de un prometedor servicio de catering, y Eric Messer es un prometedor director televisivo en el campo de deportes. Después de una primera cita que sólo se puede calificar como desastrosa, lo único que tienen en común es la antipatía que el uno siente hacia el otro y el amor que ambos tienen por Sophie, su ahijada. Pero cuando de repente ellos son lo único que le queda a Sophie, Holly y Messer se ven obligados a dejar de un lado sus diferencias. Haciendo malabarismos con sus ambiciones profesionales y sus agendas sociales, tendrán que buscar cosas en común mientras vivan bajo el mismo techo.

¿Qué podemos esperar? La comedia tonta de la semana. Y con eso no pretendo menospreciar a nadie, yo veo muchas tonterías a lo largo del año, pero es evidente que este producto diseñado para el lucimiento cómico de Heigl y físico de Duhamel no quedará en la memoria del público. Al contrario, estoy seguro de que sus responsables desean que uno se olvide de la existencia del film tras haberlo consumido, como si de una borrachera se tratase.

‘No controles’

Dirección: Borja Cobeaga. País: España. Año: 2010. Duración: 96 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Unax Ugalde (Sergio), Alexandra Jiménez (Bea), Julián López (Juancarlitros), Miguel Ángel Muñoz (Ernesto), Secun de la Rosa (Juanan), Mariví Bilbao (abuela de Sergio), Alfredo Silva (Jimmy), Ramón Barea (padre de Sergio). Guion: Borja Cobeaga y Diego San José. Producción: Tomás Cimadevilla y Mercedes Gamero. Música: Aranzazu Calleja. Fotografía: Aitor Mantxola. Montaje: Raúl de Torres. Dirección artística: Julio Torrecilla. Vestuario: Mónica Cristofoletti.

Sinopsis: Sergio no podía acabar peor el 2010. Es Nochevieja, cae la mayor nevada en treinta años, todos los vuelos están cancelados y encima tiene que tomarse las uvas con el resto de pasajeros en un hotel de carretera. Pero eso no es lo peor. Sergio tendrá que ingeniárselas para conseguir en una sola noche lo que no ha conseguido en varios meses: recuperar a su ex novia Bea antes de que se vaya a trabajar a Alemania. Todo ello con la ayuda de un grupo improvisado de viajeros que forman el peor equipo del mundo: un amigo de la infancia que quiere ser humorista, un separado que viene cabreado de Punta Cana y un empleado del hotel que no tiene con quién celebrar la Nochevieja.

¿Qué podemos esperar? La otra comedia tonta de la semana… ¿o no? No he visto ‘Pagafantas’, así que no sé cómo se las gasta el Borja, lo que sí puedo decir es que el cartel me parece horrible y no me anima a ver la película. Os recuerdo que Javier, el editor más fugaz de Blogdecine, tuvo la oportunidad de verla y nos dejó su opinión (la puso bastante bien).

‘Cartas al padre Jacob’

Título original: ‘Postia pappi Jaakobille’. Dirección: Klaus Härö. Países: Finlandia y Suecia. Año: 2009. Duración: 74 min. Género: Drama. Interpretación: Kaarina Hazard (Leila), Heikki Nousiainen (padre Jacob), Jukka Keinonen (cartero), Esko Roine (Vankilan). Guión: Klaus Härö y Jaana Makkonen. Producción: Lasse Saarinen y Ristro Salomaaa. Música: Dani Strömback. Fotografía: Tuomo Hutri. Montaje: Samu Heikkilä. Dirección artística: Kaisa Mäkinen. Vestuario: Sari Suominen.

Sinopsis: Leila es una asesina condenada a cadena perpetua que, tras doce años de cárcel, recibe el indulto. Antes de dejar la prisión, un funcionario le explica que Jacob, un cura rural anciano y ciego, ha solicitado su ayuda como asistente. Leila acepta esta labor, que consiste en ayudar al párroco a responder las cartas de los fieles solicitando ayuda espiritual. Dos mundos radicalmente opuestos se entrelazan en esta emotiva historia sobre el perdón, la amistad, el cuidado del día a día, las dificultades de hacerse mayor y el inmenso poder de la redención.

¿Qué podemos esperar? Un interesante drama europeo, seco y reflexivo. La película se ha paseado por multitud de festivales, cosechando algunos premios en certámenes menores. La opción de la semana para el espectador cansado de la producción estadounidense.

‘Las aventuras de Sammy: Un viaje extraordinario’

Título original: ‘Sammy´s avonturen: De geheime doorgang’. Dirección: Ben Stassen. País: Bélgica. Año: 2010. Duración: 88 min. Género: Animación, aventuras, familiar. Guion: Domonic Paris; basado en un argumento de Ben Stassen y Domonic Paris. Producción: Ben Stassen, Caroline Van Iseghem, Domonic Paris, Gina Gallo y Mimi Maynard. Música: Ramin Djawadi.

Sinopsis: Sammy es una pequeña tortuga que vive dejándose arrastrar por las corrientes en compañía de su amigo Ray. Un buen día, tiene un percance con unos pescadores, siendo recogido por un niño que lo cuidará durante varios meses. Pasado un tiempo, decide reanudar su periplo, viviendo un sinfín de aventuras con fabulosos compañeros de viaje.

¿Qué podemos esperar? La propuesta infantil de la semana. Película animada (sin mucho esfuerzo, al parecer) con tortuguillas que recuerdan a las de ‘Buscando a Nemo’ y el 3D de moda para sacar el máximo dinero posible a los padres. Que os sea leve.

Vía | Labutaca

Los primeros resultados de taquilla de este recién estrenado 2011 nos traen dos sorprendentes éxitos. Durante sus primeros días en la cartelera, ‘The Tourist’ se ha convertido en la película más vista en España, logrando unas cifras bastante altas en comparación con lo que recaudaron otros números uno de nuestra taquilla durante los últimos meses. La comedia de acción con Johnny Depp y Angelina Jolie, que ha sido un fiasco en Estados Unidos, se llevó casi dos millones y medio de euros el pasado fin de semana en nuestro país, sumando ya un total de más de tres millones (se estrenó el miércoles 29). Parece que la visita de las dos estrellas y las nominaciones a los Globos de Oro han tenido el efecto deseado en el público.

El otro hecho que llama poderosamente la atención es lo bien que está funcionando en nuestro país la comedia ‘Los viajes de Gulliver’ (‘Gulliver´s Travel’), uno de los mayores fracasos comerciales de la industria norteamericana (costó más de cien millones de dólares y apenas lleva veinte al otro lado del Atlántico). La película, con Jack Black y el 3D como principales reclamos, se mantiene en un sorprendente segundo puesto, habiendo descendido apenas un 15% su recaudación. Bastante peor le han ido las cosas al título que lideraba la taquilla la semana pasada, y que todavía es número uno en EE.UU., ‘Ahora los padres son ellos’ (‘Little Fockers’); la tercera parte de ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’) baja del uno al tres tras perder casi la mitad de espectadores en su segunda semana. Por lo demás, cabe destacar el flojo resultado de los títulos españoles; ‘La posesión de Emma Evans’ se estrena en novena posición con unas cifras mediocres para sus 150 copias, ‘Bruc, el desafío’ pasa sin pena ni gloria por nuestras salas y ‘Balada triste de trompeta’ desaparece del “top ten”. ¿Para cuándo una reflexión profunda sobre la rentabilidad de nuestro cine, en lugar de hablar tanto de piratería?

PD: Hoy es día de estrenos, llegan a nuestra cartelera películas como ‘Los próximos tres días’, ‘Camino a la libertad’, ‘También la lluvia’ y ‘No controles’, entre otras.

Vía | TioOscar

Retomamos la sección de Críticas a la carta en Blogdecine con la última petición mayoritaria de nuestros usuarios. ‘Zombis Party (Una noche... de muerte)’ es la elegida y bien podría formar parte de una antología de despropósitos en la adaptación de títulos. Y es que, esta cinta dirigida en 2004 por el ingenioso Edgar Wright, tiene como título original ‘Shaun of the Dead’, en claro homenaje a la secuela ‘Dawn of the Dead’ (‘Amanecer de los muertos’ en España) filmada por George A. Romero diez años después de su exitosa revisión del género de los muertos vivientes.

Este título tan absurdo (no menos que el elegido para el mercado latinoamericano: ‘Muertos de risa’) no debió hacerle ningún bien en su exhibición allá por 2004 porque apenas consiguió repercusión. Un título que, por desgracia, pasó desapercibido y que, una vez más, gracias a Internet se ha recuperado y ganado fans por todo el mundo. No es para menos. Se trata de una película honesta, sin muchas pretensiones y muy divertida. Y, a pesar de lo que pudiera parecer, bastante original en su planteamiento lo que le otorga un resultado altamente recomendable.

‘Shaun of the Dead’ no esconde sus referencias y las integra a la perfección

‘Zombis Party (Una noche... de muerte)’ es una curiosa mezcla de géneros cuyo principal acierto es, precisamente, la fusión de comedia romántica con el subgénero de terror con muertos vivientes. Aunque se ha afrontado en innumerables ocasiones desde la perspectiva de parodia, pocas veces se ha logrado tan buena simbiosis a la hora de usar zombis, humor y no caer en lo fácil. Aunque también es cierto, que esta historia ideada por Edgar Wright y el protagonista y también guionista Simon Pegg (los dos principales artífices de esta interesante y divertida película) huye de la parodia, intentando contar una historia simple, una comedia romántica con un humor muy negro y sin mayores pretensiones. Busca más divertirse con el espectador que parodiar a los muertos vivientes. Y esto es de agradecer.

Como es lógico, la aproximación a los muertos vivientes destila guiños, más que homenaje puro y duro, a directores como el mencionado George A. Romero y también a John Carpenter, Peter Jackson y con más claridad a Sam Raimi (con sus respectivos y populares trabajos de hace dos décadas en el género).

La historia es bien conocida. Shaun un joven vendedor en la frontera de los treinta años, lleva una vida apática, acomodada y conformista sin querer dar el paso de madurez, ya que vive con Ed (Nick Frost), su mejor amigo, que es precisamente el mejor ejemplo de niño adulto que no quiere crecer. En este escenario, su novia decide romper su relación porque ve que no hay forma de cambiarle de su irresponsabilidad y monotonía (su lugar preferido es el Winchester, típico pub inglés, escenario clave en el desarrollo final del relato). Ante esta situación y con Shaun destrozado, abatido decide hacer todo lo posible para recuperarla. Aquí es cuando entran en liza los zombis. Una invasión de muertos vivientes en segundo plano que será la prueba que tendrá que superar con su inseparable amigo para rescatar a su novia y de paso a su propia madre.

‘Zombis Party’, el apocalipsis integrado en el medio de la cotidianidad

A partir de este momento es cuando la película ofrece su mejor cara. Comienzan a ganar presencia los zombis, la película gana en diversión, en humor y son los muertos vivientes los que hacen aflorar los sentimientos más sinceros de los personajes, a la par que generan las situaciones más absurdas y divertidas. Con diálogos ingeniosos y un ritmo más trepidante en un escenario de apocalipsis y de caos que va tomando protagonismo, pero que, ingeniosamente, la película ya nos ha ido mostrando en segundo plano, dejando que el espectador lo intuya mucho antes que los inadvertidos protagonistas. Y serán los zombis los que consigan, en una situación cómica, divertida y con gags bien dosificados, mostrar el camino de la madurez (siempre relativa) a Shaun, a la par que la vía para conseguir su objetivo: recuperar a su novia y darle un cambio de rumbo definitivo a su vida. Un apocalipsis en medio de una manifestación de cotidianidad.

Por supuesto, tanto Wright como Pegg sacan a relucir su universo multirreferencial. Con la música (discos de vinilo como armas arrojadizas entre discusiones sobre grupos) y, por supuesto, con el subgénero zombi en el cine, pero siempre destilando “buen rollo” y guiños simpáticos (sublime la imitación de Hal en ‘2001: una odisea del espacio’) . Y es que tanto el director como su protagonista consiguen plasmar en ‘Shaun of the Dead’ la historia de unos perdedores, unos adultos atrapados -conscientemente- en un comportamiento infantil, que les cuesta cambiar. Prefieren aislarse en la cerveza y en los videojuegos como evasión a la vida cotidiana.

Precisamente, este argumento de fondo (y con la cultura popular bien presente: música, videojuegos, cine...) es con el que ambos triunfaron años antes en la televisión británica con la serie ‘Spaced’ que fue la que los encumbró. Y consiguieron repetir la fórmula con este trabajo cinematográfico que repite ese espíritu además de lograr incluir a los zombis con notable ingenio para darle ese aire grotesco que contiene. Y ese tono grotesco se evidencia en el doble plano que nos presenta, el enfrentamiento de dos tipos de descerebrados, los vivos y los muertos.

‘Zombis Party (Una noche... de muerte)’ es, a pesar de su pésimo título en España, una película muy querida, bien recordada y que ha sembrado un hito cinematográfico de los que permanecen en el tiempo. Y eso que ha encontrado ciertas similitudes (o malas imitaciones) en ejemplos recientes (como ‘Bienvenidos a Zombieland’), lo que la convierte más si cabe en una pieza muy valiosa. La pareja formada por Wright y Pegg logró ofrecer una pequeña joya de la comedia británica que aún hoy sigue muy vigente. Y por suerte consiguieron repetir fórmula e inspiración en su siguiente trabajo: ‘Arma fatal’ (‘Hot Fuzz’, 2007), otra película muy meritoria.

Se lo han currado, ¿eh? Aquí os dejo el cartel definitivo para España de la última entrega de la saga ‘Saw’, que como podéis comprobar llegará a los cines con el título de ‘Saw VII 3D’ (parece que la primera opción era ‘Saw VII 3D-2D No-X ZAS’). A diferencia de que ocurrió con la sexta parte, esta vez no se ha producido polémica alguna con la violencia de la película y se estrenará en nuestro país sin la calificación “X” en salas convencionales, como cualquier otra. Será a partir del miércoles 16 de febrero.

Anunciada como el esperadísimo final de la saga de terror más rentable de la historia del cine, ‘Saw VII 3D’ ha sido dirigida por Kevin Greutert (‘Saw VI’) y escrita por Patrick Melton y Marcus Dunstan (responsables de la serie desde la cuarta entrega). Cómo no, repite al frente del reparto el incansable Tobin Bell, convertido ya en un rostro popular gracias a estas películas, que en esta nueva entrega está acompañado por Cary Elwes, Costas Mandylor, Betsy Russell, Sean Patrick Flannery, Gina Holden y Dean Armstrong, entre otros. Os dejo por último con la sinopsis oficial del film: Mientras se libra una mortal lucha en torno al legado de Jigsaw, un grupo de supervivientes de sus juegos se reúne para buscar el apoyo de Bobby Dagen, gurú de la autoayuda y también superviviente de Jigsaw; sin embargo, los oscuros secretos de Dagen desencadenarán una nueva oleada de terror…

PD: La película se estrenó el pasado 29 octubre en Estados Unidos, logrando el primer puesto de la taquilla con una recaudación de 22 millones de dólares (dos más de lo que costó hacerla).

La actriz y cineasta es noticia hoy porque acaba de incorporarse al reparto de uno de los proyectos más interesantes del momento, ‘Elysium’, lo nuevo de Neill Blomkamp (‘District 9’). Con el fichaje de Foster, el director sudafricano dispone ya de tres rostros para su segundo largometraje, tras confirmarse que Matt Damon y Sharlto Copley están a bordo. No se han querido dar detalles de la historia de ‘Elysium’, apenas se sabe que la acción transcurre en un lejano planeta y que la película abarcará temas sociopolíticos. Todavía no hay fecha para el inicio del rodaje, y obviamente tampoco para el estreno.

PD: Lo próximo que veremos de (y con) Foster es ‘The Beaver’, con Mel Gibson.

Vía | Deadline

‘El último mohicano’ es, seguramente, una de las películas de aventuras más famosas de los últimos veinte años. Su música ha sido utilizada hasta el hartazgo, sobre todo el tema principal, que no fue creado para la película. En realidad es una versión del tema ‘The Gael’, de Dougie MacLean, incluido en su álbum ‘The Search’. Ahora, la adaptación de ese tema a cargo de Trevor Jones, es uno de los que cualquiera puede identificar a las pocas notas. La película ganó un muy meritorio Oscar al mejor sonido, que es realmente formidable, aunque no optó a ningún premio importante. Era el año de un western mucho más puro, situado más de cien años después de estos acontecimientos, el genial ‘Sin Perdón’ (‘Unforgiven’, Clint Eastwood, 1992). ‘El último mohicano’ conoció bastante éxito y una recepción mayormente positiva, y evidencia que el gran cine de aventuras es todavía posible, dentro de la basura infantiloide que nos llega todos los años. Mi imagen favorita es la de Ojo de Halcón entrando en el poblado Mohawk, recibiendo insultos y golpes por todos lados, pero levantándose y continuando a pesar de todo, para hablar con el jefe Mohawk. Sólo Day-Lewis puede hacer eso y quedar creíble.

‘The Mechanic’ es el remake del film homónimo de 1972 protagonizado por Charles Bronson y dirigido por Michael Winner, que aquí se tituló ‘Fríamente… sin motivos personales’. Esta nueva versión la dirige Simon West (‘Con Air’, ‘Tomb Raider’) y cuenta en su reparto, además de con Jason Statham, con Donald Sutherland, Tony Goldwyn y Christa Campbell.

‘The Mechanic’ trata de Arthur Bishop, un matón a sueldo (Bronson-Statham) que acoge a un joven aprendiz, que está interpretado por Ben Foster en esta nueva versión, en el lugar de Jan-Michael Vincent, y le explica en qué consiste su trabajo. Por ejemplo, le cuenta que algunos de los asesinatos deben parecer accidentes, ya que los mejores trabajos son aquellos que la gente no sabe que has hecho.

El trailer, a pesar de que parece que cuenta la película entera, tiene una pinta bastante buena. Por lo menos, parece que hay mucha acción y que no está mal rodada. En EE. UU. y R. U. se estrenará el 28 de enero y en España el 25 de febrero.

Vía |Film Junk.

Antes de que acabara el año, os planteaba un cuestionario sobre lo mejor y lo peor que nos ha dejado el cine de 2010; mejor y peor película, mejor y peor interpretación. Aquí os traigo ya los resultados, vuestro veredicto, con dos claros vencedores, cada uno en un extremo:

• Mejor película de 2010: ‘Origen’ (‘Inception’) de Christopher Nolan. El thriller de ciencia-ficción situado en la arquitectura de la mente (tal como la definió Nolan en un primer momento) es el título favorito de los lectores con cerca del 50% de los votos; en segundo lugar ha quedado ‘Toy Story 3’ con un 21%, las demás están ya bastante lejos.

• Peor película de 2010: ‘La saga Crepúsculo: Eclipse’ (‘The Twilight Saga: Eclipse’) de David Slade. La tercera parte de la saga vampírica más popular del momento, y según parece también la más odiada, ha sido la más votada en esta competitiva categoría, por un 28% de los lectores; detrás quedaron ‘Sexo en Nueva York 2’ (‘Sex and the City 2’) y ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’), ambas con un 11% de votos.

• Mejor interpretación de 2010: Leonardo DiCaprio en ‘Origen’. Sorprendente victoria de DiCaprio, si bien es el protagonista de la considerada como mejor película del año, por lo que es lógico que se haya llevado tantos votos (el 20% del total). Parece improbable que resulte nominado a los Oscars, y es que este actor sigue sin estar justamente valorado. Jesse Eisenberg por ‘La red social’ (‘The Social Network’) ha quedado en segunda posición con un 14% de votos.

• Peor interpretación de 2010: Robert Pattinson en ‘La saga Crepúsculo: Eclipse’. Otro resultado que me ha llamado mucho la atención, aunque viendo que ‘Eclipse’ ha sido elegida la peor película de 2010, resulta en cierto modo comprensible. Dicho esto, Pattinson se ha llevado el 22% de los votos, superando a sus dos compañeros de reparto, Taylor Lautner y Kristen Stewart, autora de la segunda peor interpretación del año en opinión de los lectores, empatada con Megan Fox por ‘Jonah Hex’ (12% de votos).

Así ha quedado la cosa, ¿qué os parece? Algunos me preguntasteis por qué no incluí la tercera entrega de ‘Crepúsculo’ en mi lista de los diez bodrios del año (aun siendo mi lista, curiosamente muchos insisten en querer cambiarla) y la verdad es que, como ya dije en su momento, ‘Eclipse’ me parece la película menos mala de la saga, con algunas fases entretenidas, así que no considero que esté entre los peores estrenos de 2010, claro que eso depende de cada uno, de tu punto de vista y de las películas que hayan pasado por tus retinas. En cualquier caso, la encuesta era para vosotros, y los resultados me parecen son totalmente respetables.

PD: Mañana tendréis en portada un nuevo cuestionario, os recuerdo que apunto vuestras sugerencias.

Además de las típicas promesas que se suelen hacer cuando el nuevo año comienza, aquí vuestro humilde servidor se ha propuesto que este 2011 terminará todos los especiales que tiene en marcha --Clint Eastwood, Stanley Kubrick, John McTiernan, y los vampiros--, pero también empezaremos alguno que otro nuevo. El primero de ellos es el de Sergio Leone, especial pedido por muchos de vosotros. Sin embargo, éste será un especial centrado únicamente en las tres últimas películas del director italiano. Obviaremos ‘El coloso de Rodas’ (‘Il colosso di Rodi’, 1961), ópera prima del realizador y sin duda su peor trabajo, film del que se hizo cargo tras pasar años de experiencia como asistente de director en films tan importantes como ‘Ladrón de bicicletas’ (‘Ladri di biciclette’, Vittorio De Sica, 1948) o ‘Ben-Hur’ (id, William Wyler, 1959) y que pudo haber sido mucho mejor de lo que fue.

Ya hablamos en su momento de la conocida Trilogía del dólar, formada por las inolvidables ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per un pugni di dollari’, 1964), ‘La muerte tenía un precio’ (‘Per calche dollare in più’, 1965) y ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966), cuya influencia en el cine posterior es mayor de la que se cree. Otra trilogía siguió a la mencionada. A Leone la llevó mucho más tiempo terminarla, y mediante ella se propuso hablar de América desde una perspectiva pocas veces vista, pues Leone, siendo italiano, pareció entender mucho mejor un país y un cine que muchos cineastas norteamericanos. ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il West’, 1968) ‘¡Agáchate maldito!’ (‘Giù la testa’, 1971) y ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’, 1984) forman un tríptico tan fascinante como complejo.

El western y el cine de gangsters, géneros puramente norteamericanos, reinventados por un cineasta europeo que aunó estilos americanos, japoneses e italianos, atreviéndose a romper las reglas en el uso del tempo narrativo o la música, creando un estilo único que sirvió de inspiración a muchos cineastas posteriores. Tres fábulas inolvidables que evidencian los dos temas predilectos de Leone: el paso del tiempo y la muerte.

La etapa navideña no ha llevado demasiadas sorpresas a las carteleras norteamericanas. ‘Ahora los padres son ellos’ (‘Little Fockers’, Paul Weitz, 2010) sigue liderando triunfante el top ten, en el que la única novedad ha sido la incursión en el décimo puesto de ‘El discurso del rey’ (‘The King´s Speech’, Tom Hooper, 2010). La película con más nominaciones a los globos de oro se abre poco a poco paso entre el gran público, algo que irá en aumento a partir del anuncio de las candidatas a los Oscars, entre las que no hay ninguna duda de que estará el film de Hooper.

Vía | IMDb