‘¡Agáchate, maldito‘ (‘Giù la testa’, 1971) supone la segunda fábula de Sergio Leone en su trilogía sobre América tras la impresionante ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C'era una volta il West’, 1968) y completada en 1983 con ‘Érase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’). Desde antes de iniciar la filmación del film protagonizado por Charles Bronson, Leone ya tenía la intención de adaptar la novela ‘The Hoods’, que irónicamente fue su última película dirigida, y el presente film no entraba ni de lejos en los planes del director. Intentó evitar el dirigirla por todos los medios ofreciendo primero su realización a Peter Bogdanovich, a quien admiraba por dos razones: su ópera prima ‘El héroe anda suelto’ (‘Targets’, 1968) y la amistad que mantenía con John Ford y Howard Hawks. Ambos realizadores no se entendieron desde el principio por lo que Bogdanovich fue despedido y Leone ofreció la dirección del film a Sam Peckinpah, más que adecuado para el proyecto.

Tras la negativa de Peckinpah el director italiano no tuvo más remedio que acceder a dirigirla, firmando la que probablemente sea su peor película desde ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per un pugni di dollari, 1964). La magnitud del proyecto --gran presupuesto, gran cantidad de extras, enorme duración-- sobrepasó los ánimos de Leone, quien aquí elevaba a la máxima potencia todo su estilo dando a veces la impresión de que nos encontramos ante una broma exagerada. No obstante, el carácter de fábula sigue latente en algunos pasajes y su segunda mitad posee una sobriedad que anula en cierto modo los excesos vistos en su primer tercio. Los mayores aciertos de ‘¡Agáchate, maldito!’ se encuentran en el guión del propio Leone, Sergio Donati y Luciano Vicenzoni, ambientado en la revolución mexicana, tan de moda en el género durante aquellos años.

Precisamente el hecho de ser una historia ambientada en la revolución hizo que Leone se plantease por primera vez la famosa trilogía, que jamás fue preparada, sino que surgió al dirigir el film. El director pretendía que ‘Hasta que llegó su hora’ y ‘¡Agáchate, maldito!’ suponían un excelente precedente temático para su proyecto más querido, ‘Érase una vez en América’. Incluso intenta que lleve por título ‘Érase una vez la revolución’ pero debido a la presión de los distribuidores, que no gustaban de dicho título lo cambia por ‘Giù la testa’, una expresión romana que viene a significar “humilla la cabeza”. Para los actores principales se vuelve a pensar lógicamente en Clint Eastwood --en aquellos años la relación entre Eastwood y Leone era poco menos que mala-- pero Leone se decanta por Malcolm McDowell en el papel que acabaría haciendo James Coburn --cumpliéndose con ello el dicho de a la tercera va la vencida, pues Leone había intentado contar con él en ‘Por un puñado de dólares’ y ‘Hasta que llegó su hora‘--, y por Eli Walach en el papel que acabaría haciendo el impuesto por la United Artist Rod Steiger.

Ambos actores dan vida a personaje totalmente opuestos. Coburn es John, un experto en explosivos de pasado tormentoso --proviene de Irlanda, donde perteneció al IRA--, culto y con educación, mientras que Steiger es Juan, mezquino, analfabeto y delincuente. Leone quiso con ello darle la vuelta al mito de Pygmalion itentando que el tonto diese una lección de humanidad al listo. Así lo muestra el excelente diálogo en el que el primero intentando convencer al segundo del valor de la revolución obtiene por respuesta:

- Sé lo que digo cuando hablo de revoluciones. La gente que lee libros va a la gente que no sabe leer, la gente pobre, y dicen “tenemos que hacer un cambio”. Así que la gente pobre hace el cambio, ah?Y entonces, la gente que lee libros, siguen sentados alrededor de sus mesas, y hablan y hablan y hablan, y comen y comen y comen, eh? ¿Pero qué sucede con la gente pobre? ¡Están muertos! Esa es tu revolución. Shhh… Así que por favor, no me hables de revoluciones. ¿Y qué ocurre después? ¡Las misma jodidas cosas empiezan otra vez!

Ambos personajes y su relación tienen ecos de Peckinpah y en la película es un precedente de temas mejor desarrolados en su siguiente film. La amistad traicionada o el paso del tiempo, y que corresponden al pasado de John, visto en eternos flashbacks, que rememoran el cine de John Ford, pero a todas luces excesivos y algo ridículos, como es el caso del último flashback en el que se completa la visión del pasado de John, dando a entender que la traición sufrida en Irlanda pudo ser debida a celos amorosos, algo que enlaza directamente con uno de los temas predilectos de Leone: la mujer como un problema. Pero esto es simplemente una pincelada en una película de dos horas y media --el montaje inicial fue de cuatro y media-- que tarda bastante en arrancar y remonta el vuelo en su segunda mitad, mucho más seria que la primera.

El primer plano de la película parece una parodia del inico de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, Sam Peckinpah, 1969) en el que unos niños jugueteaban sádicamente con un escorpión y hormigas. Aquí una colonia de hormigas es arrasada por una meada, que no es otro que Juan haciendo sus necesidades mientras espera la diligencia. El carácter paródico continúa dentro de la diligencia en la que Leone describe a la clase rica de la forma más vulgar posible y cargando las tintas. Primeros planos desesperantes, música machacona --el gran Ennio Morricone, sin hacer un mal trabajo, no está a la altura de sus otras colaboraciones con Leone-- y la dilatación del tiempo hasta extremos inimaginables bañan dicha secuencia, que sólo sirve para presentar a Juan y su banda, casi toda formada por sus hijos. Un humor zafio y de escaso gusto es lo que parece poseer Leone en esos instantes, mejorando un poco en ese aspecto cuando entra en escena John (Coburn) y debido a un carácter totalmente opuesto al de Juan.

La presencia de James Coburn --que participó en la película por recomendación de Heny Fonda-- mejor bastante el film, que durante sus primeros veinte minutos soportan la histriónica composición de Rod Steiger, a quien Leone tuvo que soportarle muchos caprichos sin ser capaz de controlarle en sus tics interpretativos, bien visibles en el film. Coburn realiza una hierática composición, llena de matices y profundidad, en las antípodas de lo que Steiger ofrece y su personaje es más atractivo y agradecido. La relación de ambos personajes está bien desarrollada, a pesar de cierta elipsis abruptas, y los actores demuestran cierto entendimiento aunque Steiger resulte a ratos insoportable. Al lado de ellos destaca el secundario Romolo Valli dando vida a un doctor simpatizante de la revolución y que termina traicionando a sus compatriotras debido a que es torturado.

En su segunda mitad ya metidos de lleno en la revolución, ‘¡Agáchate, maldito!’ se vuelve más seria, deja de lado la comedia entrando de lleno en el drama, la acción y la aventura. Escenas como la del puente, con el posterior descubrimiento de una matanza, o todo el tiroteo final poseen la fuerza del mejor Leone. Cierta épica aparece en las escenas de acción finales, en las que el eco de ‘Tres hombres malos’ (‘Three Bad Men’, John Ford, 1926) está presente en el destino de John, mientras que imágenes como las de Juan portando una gran ametralladora que porta a pie disparando sobre el enemigo se quedan grabadas en la memoria, y tuvieron su influencia en ciertas cintas bélicas de los años 80 muy del gusto popular.

La película no fue muy bien recibida en Italia aunque fue un bombazo en España y Francia, donde llevó el título tan ansiado por su director. En Estados Unidos decidieron titularla ‘Duck You, Sucker’ convencido Leone de que era una expresión típicamente yanqui. El film fracasó estrepitosamente y James Coburn le echó la culpa al título. Doce años tardaría Leone en volver a dirigir --aunque dirigó partes de ‘Mi nombre es ninguno’ (‘Il mio nome è Nessuno’, Tonino Valerri, 1973) y ‘El genio’ (‘Un genio, due compari, un pollo’, Damiano Damiani, 1975)-- pero la espera merecería mucho la pena.

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• ‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

Así resumen ‘Carmina o revienta’, el debut en la dirección del actor cómico Paco León, que está haciendo estragos en los pases que ha tenido previos a su proyección a competición en la sección oficial del Festival de Cine Español de Málaga, donde se podrá ver a partir de mañana.

Se trata de un falso documental familiar, en el que las protagonistas son la madre del intérprete, Carmina Barrios, y su hermana, María León, que recibió el pasado año el Goya a la Mejor Actriz Revelación por ‘La voz dormida’, de Benito Zambrano. En la cinta, que también está escrita por León, se mezclan recuerdos de su infancia con declaraciones reales actuales de parientes y vecinos. Realidad y ficción tienen cabida en esta opera prima que, para quienes la han podido ver, descubre a un futuro cineasta al que tener en cuenta. El título es un claro juego de palabras con el subtítulo que acompañaba a ‘El Lute’: “camina o revienta”.

Por el momento, ‘Carmina o revienta’ no cuenta con fecha de estreno y no sabemos si será un formato destinado a ver la luz en cines comerciales o si, con sus 70 minutos de duración, padecerá una distribución más reducida. Quien se quede con ganas, tiene más abajo tres dosis más de la gracia de doña Carmina.

Vía | Festival de Málaga.

Una vez dada por buena una versión del guion, se encargó de dirigirla Gary Sherman -Gary A. Sherman en los títulos de crédito-, quien había debutado con ‘Raw Meat’, también conocida como ‘Death Line’ (1973), y que más adelante dirigió ‘La jauría del vicio’ (‘Vice Squad’, 1982), ‘Se busca vivo o muerto’ (‘Wanted: Dead or Alive’, 1987), ‘Poltergeist III (Fenómenos extraños III)’ (‘Poltergeist III ‘, 1988) o ‘Lisa’ (1990), entre otras. El film que nos ocupa no tuvo éxito inmediato ya que, por culpa de los recortes y enmiendas al guion, la productora no quedó por completo convencida y rebajó sus expectativas en la promoción y distribución, y es poco conocido en nuestro país. Sin embargo, se convirtió en título de culto, debido a un enfoque más fiel que el habitual a las leyendas sobre zombis y a ciertas pinceladas, como la inclusión de las cintas de Super 8 o el personaje del científico chiflado, que nos retrotrae al terror de los años cuarenta.

La llegada de un forastero al pequeño pueblo costero de Nueva Inglaterra, llamado Potter´s Bluff (“el farol de los porreros”), desencadena una serie de fallecimientos. Dan Gillis (James Farentino, quien nos dejó este año), el sheriff, investiga lo que parecen accidentes o muertes fortuitas y, cuando le asolan las sospechas de que pueda tratarse de asesinatos, lo que no vislumbra es el móvil. Además de tener que resolver esta intriga en su trabajo, uno de los interrogatorios le crea una nueva duda en su vida personal: la posible infidelidad de su esposa, una guapa profesora de primaria (Melody Anderson), que había ido a visitar al primero de los muertos a su habitación de hotel. Por otra parte, Dan se plantea lo extraño que resulta el comportamiento de los lugareños (entre ellos Robert Englund y Barry Corbin), especialmente el del enterrador (Jack Albertson, que murió seis meses después del estreno), un anciano que se vanagloria de las reconstrucciones de los cadáveres hasta el punto de preferir que los “clientes” le lleguen cuanto más desfigurados mejor.

De esta serie B, de escasa duración y que se rodó con un presupuesto reducido, no podemos esperar un gran lucimiento en la fotografía, que firma Steven B. Poster, y en la que predominan los planos tan oscuros que pueden verse solo en una sala en tinieblas. A pesar de que la inclusión de la violencia es muy escasa en minutos, cuando aparece no se escatima la truculencia en los efectos de maquillaje, que firmó Stan Winston, o en la actitud atacante de los asesinos. La banda sonora de Joe Renzetti subraya las apariciones de personajes clave y las concesiones a lo escabroso con tal contundencia que quizá tenga un efecto contrario al buscado. Estos altibajos en el tono y las entradas repentinas del horror pueden devolverle involuntariamente humor que se descartó en las rescrituras del guion.

Las interpretaciones adolecen de un cierto aire envarado y anticuado. Si bien esto choca en la turbadora escena inicial -que sigue a unos títulos de crédito acompañados de música e imágenes más dignas de un melancólico drama que de un thriller- o en ciertos momentos pretendidamente cotidianos, a la larga aumentan el tono de rareza y juegan a su favor. Y es que, con todo lo dicho, Sherman logra dotar a la película de una atmósfera estremecedora y desconcertante que se convierte en lo mejor del conjunto y que torna todo lo mencionado en valores positivos para dar como resultado una cinta diferente y valiosa.

Utilizando los espacios reducidos y colocando la cámara en angulaciones sugerentes, el cineasta carga de tensión algunas de las secuencias -por ejemplo, la de la familia en el caserón abandonado-, en las que el suspense se ve favorecido por la incógnita de una narración valiente en la que no solo se guardan revelaciones para la conclusión, sino que se dilata el descubrimiento del nudo hasta mucho más allá de lo esperable. La sorpresa final hoy en día se torna previsible en demasía, pero en su momento es probable que tuviese la capacidad de poner los pelos de punta.

‘Muertos y enterrados’ es, en conclusión, un film de culto, que enfoca su punto de partida con singularidad y cuya realización garantiza una envolvente atmósfera no exenta de rareza. Elementos que parecen caprichos para los amantes del terror de serie B, personajes cuyo diseño derrocha imaginación y detalles inusitados completan un total que deleitará a cualquier seguidor del género.

A continuación, podéis votar cuál queréis que sea la siguiente película que se someta a una crítica a la carta en Blogdecine.

Cayó ‘Los juegos del hambre’ (‘The Hunger Games’), curiosamente el fin de semana que ha llegado a España. Tras cuatro semanas en el número uno, la adaptación del best-seller de Suzanne Collins desciende hasta el tercer puesto en la taquilla de Estados Unidos, con una recaudación cercana a los 15 millones de dólares. Su total es de 356 millones y ya es uno de los 20 títulos más taquilleros de todos los tiempos. La película que, sorprendentemente, ha alcanzado el primer puesto es ‘Think Like A Man’ (“Piensa como un hombre”), el nuevo trabajo de Tim Story, el director de las dos entregas de ‘Los 4 Fantásticos’. Se trata de una comedia romántica enfocada a la comunidad negra que parte de una novela escrita por Steve Harvey (‘Actúa como una señorita, piensa como un hombre’); la trama se centra en cuatro amigos que descubren que sus respectivas novias están intentando controlar sus relaciones basándose en los consejos del libro de Harvey, por lo que deciden contraatacar. Michael Ealy, Regina Hall, Meagan Good, Kevin Hart y Taraji P. Henson encabezan el reparto de una producción que durante su primeros días en cartelera ha recaudado 20 millones más de lo que costó. En IMDb tiene una valoración de 4,3 y en Metacritic alcanza el aprobado. De momento no hay fecha de estreno para nuestro país.

En el segundo puesto encontramos una nueva adaptación de un libro de Nicholas Sparks, cuyas historias románticas (todas cortadas por el mismo patrón) están dando mucho dinero. Protagonizada por Zac Efron (un gran actor según bastantes quinceañeras) y Taylor Schilling, ‘The Lucky One’ está dirigida por Scott Hicks (‘Shine’, ‘Sin reservas’) y cuenta cómo un marine que vuelve a casa tras su tercera misión en Irak decide buscar a una mujer cuya fotografía cree que le ha dado suerte en el campo de batalla (excusa tonta donde las haya pero le sirve al chaval). En IMDb tiene un 5,5 y en Metacritic no llega al 4; en España la podréis ver a partir del 25 de mayo con el título ‘Cuando te encuentre’. La tercera novedad de la semana que ha conseguido colarse en el top 10 es un documental narrado por Tim Allen y distribuido por Disney (aprovechando el día de la Tierra) titulado ‘Chimpanzee’. Creo que os podéis imaginar de qué va. En IMDb llega al notable y en Metacritic se queda cerca del 6. No hay fecha aún para nuestras salas pero os dejo el tráiler a continuación por si tenéis curiosidad.

PD: ‘¡Piratas!’ (la nueva producción del estudio Aardman; tráiler), ‘El enigma del cuervo’ (John Cusack como un “moderno” Edgar Allan Poe; tráiler) y ‘The Five-Year Engagement’ (comedia producida por Judd Apatow) son los estrenos más destacados del próximo viernes.

Datos | IMDb