Paralelamente al ciclo Western, que será tratado con asiduidad en estas páginas, empezamos hoy un repaso a casi la mitad de la obra de unos de los cineastas más originales e influyentes que ha tenido el séptimo arte en toda su existencia, y eso que hablamos de alguien que sólo dirigió siete películas. Sergio Leone es su nombre, e imagino que no necesita presentación para muchos de vosotros. ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il West’, 1968) supone una de las cotas más altas alcanzadas en su cine, la primera entrega de una trilogía, no intencionada en principio, que habla sobre la historia de los Estados Unidos. Tres películas, conformadas por las posteriores ‘Agáchate, maldito’ (‘Giù la testa’, 1971) y ‘Erase una vez en América’ (‘Once Upon a Time in America’), y que tardaría la friolera de 16 años en ver completada en contraposición a la previa Trilogía del dólar, que le llevaría tres años de su vida, reportándole fama, dinero y prestigio.

Resulta cuanto menos curioso la evolución de Leone, teniendo en cuenta el éxito de sus tres spaghetti westerns con Clint Eastwood. De ‘Por un puñado de dólares’ (‘Per a pugni di dollari’, 1964), por la que cobró mal y tarde, a la opulencia del presente film, en el que tuvo libertad absoluta. Sin embargo, hay que señalar que Leone no quería hacer un western, pues consideraba que ya lo había dicho todo sobre el género --prácticamente lo había reinventado--; su proyecto más querido era realizar la adaptación de una novela titulada ‘The Hoods’, que años más tarde se convertiría en el mítico film protagonizado por Robert De Niro. La Paramount le prometió a Leone financiar la filmación del ansiado film a cambio de que aquél rodase otro western. Por supuesto, y ya con dinero americano, la presencia de Clint Eastwood, era otra de las condiciones.

Así pues, el personaje apodado Harmónica fue en principio ofrecido a Eastwood, debido al éxito que sus tres colaboraciones con Loene tuvieron en los USA, cuando fueron estrenadas en bloque en 1967. Lamentablemente la relación entre el actor y el director no estaba precisamente en su etapa más fructífera. Ambos se habían enfadado varias veces, y se atribuían cada uno el mérito de la Trilogía del dólar. A Eastwood no le gustó nada el personaje de Harmónica y lo rechazó tajantemente, saboreaba las mieles del éxito y no necesitaba a Leone, quien se sintió muy molesto por la negativa del actor. Con todo el director de ‘La muerte tenía un precio’ (‘Per qualche dollaro in più’, 1965) insistió una vez más, y le ofreció a Eastwood un cameo compartido con Eli Wallach y Lee Van Cleef. Se trataba de abrir la película con tres personajes que recordarían a los de ‘El bueno, el feo y el malo’ (‘Il buono, il brutto, il cattivo’, 1966) para ser abatidos por el personaje principal. Una especie de guiño, que además resultaría muy coherente con el discurso de Leone en esta película.

Una vez más, en un acto que denota un total egocentrismo, Eastwood rechazó la oferta indignado. No se le ocurriría jamás aparecer en una película y ser abatido al inicio de la misma por otro personaje. Wallach y Van Cleef estaban encantados con la idea, a modo de homenaje al anterior y exitoso film de Leone, pero ante la negativa de Eastwood, el director italiano tuvo que echar mano de otros tres actores, también ligados al western: Jack Elam, Woody Strode y Al Mulock. Este último se suicidó --el único inconveniente del rodaje, además de los problemas con el alcohol de Jason Robards-- en el rodaje de la famosa secuencia que abre el film, toda una declaración de intenciones por parte del director. Más de diez minutos en los que Leone suspende el tiempo, uno de los personajes pone música al instante --tres pistoleros que han ido a esperar a la estación de tren a un hombre para matarlo, se enfrentan al mismo en un duelo injusto--, y queda claro que lo que vemos es una exageración intencionada. La fábula hace acto de presencia en el western como nunca, y el carácter operístico de la película --algo de lo que siempre renegó Leone-- queda claro en su desarrollo.

Érase una vez en el Oeste

Es indudable que el título original del film es mucho mejor que el que recibió en nuestro país, en el que, por impactar al espectador con los títulos, tenemos perlas como la presente. En cualquier caso es lo de menos, ‘Hasta que llegó su hora’ resume a lo grande todo lo que Sergio Leone sentía por el western de un modo distinto a lo que hizo en su Trilogía del dólar. Hombre de cine como pocos --recordemos que ya desde niño siempre vivió en ambiente cinematográfico debido a la labor de su padre, director de cine--, a muchos les sorprendió el enorme conocimiento que un italiano tenía de un género propiamente estadounidense. A través de ese conocimiento, Leone hace una declaración de amor absoluta hacia un tipo de cine del que estaba enamorado --con John Ford a la cabeza--, y lo más importante es que que consigue hacernos partícipes de esa emoción. ‘Hasta que llegó su hora’ es un film visceral en todo su esplendor, y el gran acierto es Leone al respecto fue sortear lo fácilmente emotivo y adentrarse en un profundo y arrebatador lirismo.

Miremos a donde miremos en la película existe una referencia de lo más sentida y sincera. La breve aparición de Woody Strode rememora al John Ford más otoñal, y el hecho de convertir al buenazo de Henry Fonda --también actor Fordiano-- en un asesino implacable es uno de los mayores aciertos de casting que mis ojos han visto nunca. Al respecto cabe señalar la anécdota en la que Fonda, no muy convencido de aceptar el papel, se le presentó a Leone con lentillas oscuras y un gran mostacho. El director le ordenó deshacerse de ello, pues quería que el público reconociese al gran Henry Fonda en la piel de un asesino. Su aparición en escena representa un shock para todo aficionado. Tras asesinar a tres miembros de una familia, varios pistoleros con amplias gabardinas parece surgir como por arte de magia. Leone se acerca por detrás de ellos con un sugerente travelling que da la vuelta cuando llega a Fonda y nos descubre su rostro. Acto seguido mata a un niño ante el estupor de la audiencia. Leone no sólo indaga en nuestros recuerdos del western, sino que los sacude violentamente.

Charles Bronson, recogiendo el testigo dejado por Eastwood, también es una referencia dentro del género. Su pétreo rostro es el más indicado para dar vida a Harmónica, ese pistolero sin nombre y de oscuro pasado que representa la venganza pura y dura --a través de un flashback, marca de la casa, sabremos qué relación tiene con Frank (Fonda), al que en sus encuentros sólo le recuerda los nombres de hombres a los que aquél mató--. Un genial Jason Robards --para el que suscribe, realiza la mejor interpretación del film, o al menos la más sentida-- da vida a Cheyenne, ese peculiar bandido que se resiste al progreso, y se alía con Harmónica para enfrentarse al dueño del ferrocarril, que utiliza métodos violentos --Frank-- para el avance del mismo. Y en medio de este triángulo mortal, Jill, una prostituta de Nueva Orleans que quiere abrirse camino en su nuevo hogar. Una sensacional Claudia Cardinale interpreta dicho personaje --por primera vez en el cine de Leone, una mujer tiene protagonismo--, invención de Bernardo Bertolucci, que es autor de la historia al lado de Leone y Dario Argento, aunque el guión está firmado por el director y Sergio Donati.

A través de esos cuatro personajes Leone narra un cuento enmarcado en un período muy concreto de la historia de los Estados Unidos. Salvo Jill, los otros tres pertenecen a un mundo que ya expira, el de los pistoleros, que ven su forma de vida invadida por el progreso y la política. Frank intenta adaptarse a ello viendo que en el futuro cambiará las pistolas por un despacho desde el que tendrá un mayor poder, por lo que en cierto modo traiciona ese pasado evocador. Harmónica, Cheyenne y Frank ya no pertenecen a este nuevo mundo, al que Jill es la única que se agarra con todas sus fuerzas. Su historia de amor a tres bandas es una continua lucha entre deseo y razón. Estoicamente, con esa fuerza femenina tan característica, vive el amor mudo de Harmónica, el platónico de Cheyenne y el físico de Frank. La escena de amor entre ella y el último encierra todo lo que es ella --Frank lo ha descubierto, y el espectador se entera del pasado de Jill--, y todo lo que un hombre como él podría ser al lado de una mujer así. La influencia femenina en las acciones de los tres hombres es clara y contundente, mientras que al revés sólo es un episodio más, tal y como demuestra ese emocionante final en el que Jill, como olvidando los recientes hechos, da de beber a los cansados trabajadores que ayudan al avance del país.

Con claros ecos de Peckinpah, Leone dice adiós a la época dorada del western, dando no sólo paso a una nueva etapa crepuscular, y que el director de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969) se encargó de asentar, sino también a un lugar intermedio, suspendido en el tiempo y que le pertenece por derecho propio, gracias a su tono de fábula. Sirva como ejemplo la impresionante secuencia que da comienzo con la llegada de Jill a la estación, su posterior paso a la ciudad que crece, y antes de llagar a su destino, atraviesa Monument Valley, escenario de varios de los westerns más conocidos de John Ford. La puesta en escena de Leone es de tal precisión que logra un instante de emoción única, que hurga en el pasado, sobre todo cinéfilo. Pasado, presente y futuro en la marcha de un carruaje al son de la no menos impresionante banda sonora compuesta por Ennio Morricone, quien se superó a sí mismo creando para cada personaje una melodía perfectamente reconocible, vistiendo psicológicamente a cada uno de ellos, sobre todo en el caso de Harmónica. Confieso que mi favorito es el destinado a Jill, una bella melodía que alcanza su esplendor en la voz de Edda Dell’Orso.

El western parecería incompleto sin ‘Hasta que llegó su hora’. Épica, lírica, violenta, bella como pocas, reúne a lo grande todos los elementos del cine de Sergio Leone --miradas eternas, tiempos muertos, elipsis que fluyen armoniosamente, violencia, y sobre todo el paso del tiempo y la muerte--, que visten su peculiar universo. La película fue un éxito en Europa, no así en los Estados Unidos, donde se estrenó recortada. En cualquier caso su influencia en el cine posterior fue de tal calibre que justifica prácticamente la existencia de varios cineastas cuyos nombres me niego a citar. El más grande western jamás rodado, sensación que queda tras sus visionado, es una de esas películas que quieren volver a verse justo después de verlas. ¿Qué tipo de películas dejan ese poso? Las obras maestras.

Ya tenemos aquí el teaser póster de la adaptación a la gran pantalla de las aventuras de Capitán América. Lo habitual; pose solemne, rostro serio (pero seductor, a lo Zoolander) y tono oscuro para un primer cartel que no incluye el nombre del protagonista ni el título. Alguno puede pensar que la película se titula ahora ‘Avenge’, pero no, sigue siendo ‘Captain America: The First Avenger’. Al menos en Estados Unidos, porque el director, Joe Johnston (‘Jumanji’, ‘El hombre lobo’), ha asegurado que para evitar posibles polémicas o boicots, el film se distribuirá en algunos países sin el nombre del personaje principal en el título. Pero esto no nos afectará, lo cual en el fondo es una pena, habría sido interesante comprobar el ingenio de los chicos de la distribuidora a la hora de rebautizar este film (‘¿Más allá de la libertad?’).

Escrita por Joss Whedon (director de ‘The Avengers’, estreno en 2012), Stephen McFeely y Christopher Markus, ‘Captain America: The First Avenger’ gira en torno a Steve Rogers, que desea alistarse en el ejército al descubrir el horror que están provocando los nazis en Europa, pero su solicitud es rechazada; escuchando las súplicas del chico, el General Chester Phillips ofrece a Rogers la oportunidad de formar parte de un experimento especial, el suero del ‘súper-soldado’, lo que le transformará en el Capitán América. Chris Evans, Hayley Atwell, Hugo Weaving, Sebastian Stan, Toby Jones, Richard Armitage, Dominic Cooper, Tommy Lee Jones, Stanley Tucci, Neal McDonough y Samuel L. Jackson encabezan el reparto de la película, que estará en los cines el próximo 22 de julio, en salas convencionales y 3D. Os dejo a continuación las últimas imágenes del film que circulan por la red.

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PD: Michael Giacchino firma la música.

Vía | Marvel y Empire

María Schneider falleció ayer en París a los 58 años, tras una infructuosa batalla contra el cáncer. Como queda de manifiesto al echar un vistazo a los titulares de los medios que han publicado la noticia, la actriz francesa es y será siempre recordada por haber protagonizado ‘El último tango en París’ (‘Ultimo tango a Parigi’, 1972). A su pesar, ya que es sabido que el rodaje resultó traumático para Schneider, que por aquel entonces solo tenia 19 años. La actriz se mostraría arrepentida de haber accedido a rodar la polémica escena de la mantequilla (que fue improvisada), llegando a manifestar que se sintió violada; nunca más volvió a aparecer desnuda en una película.

Cosas del cine, la mujer lo pasó fatal y ‘El último tango en París’ es una obra de culto, por esa escena, por el momento en que se estrenó, porque la dirigió Bernardo Bertolucci y porque el otro protagonista era ni más ni menos que Marlon Brando. Aun así, como ella no dejó de reivindicar (en vano), no fue ni mucho menos la única película en la que intervino. La actriz, nacida el 27 de marzo de 1952 (en la misma ciudad donde murió) con el nombre de Marie Christine Gélin, debutó en el teatro siendo apenas una adolescente y su primer papel en el cine le llegó pronto, a las órdenes de Terence Young en ‘Vidas truncadas’ (‘L´arbre de Noël’, 1969). Pese a abandonar la profesión por depresiones y problemas con las drogas, pudo trabajar a las órdenes de (además de Bertolucci) Michelangelo Antonioni en ‘El reportero’ (‘Professione: reporter’, 1975), René Clément en ‘La baby sitter’ (1975) o Franco Zeffirelli en ‘Jane Eyre’ (1996). Recibió un César en 1980 por su trabajo en ‘Toda una mujer’ (‘La dérobade’) de Daniel Duval, y su última aparición en la gran pantalla fue en ‘La clienta’ (‘Cliente’, 2008) de Josiane Balasko.

Hasta siempre, Maria.

PD: Extracto del comentario de un lector de La Razón: “y que se encuentre tranquila y bien preparada en el Cielo, para grabar la última y definitiva película de su vida: la de su encuentro total con Jesús, donde también ella se interpretaría a sí misma”.

Vía | larazon.es | Gracias a Armadamaister por el enlace.

Ya circulan por la red las primeras imágenes de ‘On the Road’, el nuevo trabajo del brasileño Walter Salles. Se trata de la esperada adaptación cinematográfica de la famosa novela homónima de Jack Kerouac, editada en España con el título de ‘En el camino’. Como podéis ver en la foto de arriba, la película está protagonizada por tres de los jóvenes actores más solicitados del momento, Sam Riley (‘Control’, ‘Franklyn’), Kristen Stewart (creo que la conocéis de sobra) y Garrett Hedlund (‘Troya’, ‘Tron: Legacy’); dan vida a Sal Paradise, Marylou y Dean Moriarty, respectivamente. Están ocupando y van a ocupar muchos carteles y portadas de revistas estos tres mozos.

Cabe destacar que también figuran en el reparto Viggo Mortensen, Kirsten Dunst, Amy Adams, Terrence Howard y Steve Buscemi, entre otros, lo que supone un plus importante. Escrita y dirigida por Salles (‘Estación central de Brasil’, ‘Diarios de motocicleta’ o el remake de ‘Dark Water’), ‘On the Road’ narra el viaje de Salvatore “Sal” Paradise, que recorre Estados Unidos de punta a punta; en su camino conoce a personas de naturalezas diversas y extrañas, entre los cuales se encuentran Dean Moriarty y su mujer, Marylou. Ahora mismo la película todavía se encuentra en fase de post-producción y por el momento no dispone de fecha de estreno.

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PD: La música del film la compone Gustavo Santaolalla.

Vía | Commeaucinema

En comparación con Daniel Craig, hasta el gran Sean Connery parece una nenaza. Simple y llanamente, no se puede ser más animal. Pero, al mismo tiempo, este Bond tiene mucha clase. Para ejemplo, la secuencia de apertura, montada en paralelo con dos acciones: en la primera una salvaje pelea, en la segunda una tensa conversación. Craig, que ya nos deslumbró en ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, Sam Mendes, 2002), tiene unos alucinantes ojos azules, afilados como navajas, mucho estilo vistiendo el esmoquin y me creo mucho más sus peleas que las de Matt Damon, Tom Cruise y Jason Statham juntos. Es un rasgo que comparte con otros actores que se pasan la película recibiendo palizas y no aparecen cinco minutos después como si nada hubiera pasado. Bruce Willis o Harrison Ford son de esa clase de actores, y Craig también. No solamente se perciben las secuelas físicas en su cuerpo, también en su ánimo. Así deberían ser todas las películas de aventuras, creo yo.

Al lado de Craig, Eva Green da vida a una de las más elegantes y enigmáticas “chicas Bond”. Y la química entre los dos, como se suele decir, es vibrante. En su corta carrera de actriz, desde luego es lo que mejor ha hecho. El villano de la función, Le Chiffre, interpretado con gran presencia por el actor danés Mads Mikkelsen, no es tan caricaturesco y exagerado como otros enemigos del agente secreto, y en su peripecia también hay patetismo y fragilidad. Judi Dench, en su quinta aparición como M, creo que está mejor que nunca, con más mala leche y mucha más fuerza en sus diálogos. Otros rostros secundarios, como los de Jesper Christensen, Giancarlo Giannini o Jeffrey Wright cumplen muy bien con sus roles, ofreciendo un mosaico de rostros, actitudes, réplicas y contrarréplicas de puro cine de aventuras: folletinesco, impredecible, con un punto gamberro, sensual, cínico, ultraviolento, ultrarromántico.

En esta historia hay espacio para financiación de terrorismo internacional, especulación bursátil, paraísos financieros, y en general ambientes de alto prestigio cuya fauna no goza precisamente de grandes escrúpulos. La siguiente película, que ya comenté aquí y que me pareció todavía mejor, hablaba de temas actuales aún más importantes (las reservas de agua potable, por ejemplo). Creo que una gran aventura cinematográfica puede, y debe, hablar de cuestiones importantes. En caso contrario se trata de hueso sin médula espinal, no hay nada que rascar. Por supuesto que todo está un poco exagerado, pero el juego de verosimilitud con el espectador es algo asumido en esta clase de sagas. Sentimos, porque nos lo muestran, la precariedad de los aeropuertos internacionales, de las embajadas de países en vías de desarrollo, así como el poder y el lujo que se respira en ambientes como Montenegro, la localización donde tiene lugar la densa y apasionante partida de cartas.

Todo está cuidado hasta el detalle. El aspecto puramente plástico de la película es soberbio, con el operador Phil Meheux y el diseñador de producción Peter Lamont llevando a cabo trabajos sensacionales. Hasta la secuencia de créditos me parece la mejor de toda la saga (y la canción de Chris Cornell, un temazo). Para rematar, grandes set-pieces como la extrema persecución inicial, o el clímax final en Venecia, forman parte no ya de lo mejor de la saga entera, también de lo más antológico del cine de acción de los últimos años. Para pasarlo en grande.

Hace poquito presentábamos los candidatos a los premios Razzie, lo que se suele llamar los anti-Oscar. Y nos estábamos dejando el equivalente español de estos galardones, los YoGA, de los que os hemos informado en años anteriores. Se trata de elegir las peores películas españolas en cada una de las categorías. Y lo cierto es que, con la popularidad que tiene nuestro cine, seguro que todos tenéis clarísimo que son premios que no deberían quedar desiertos.

Los premios YoGa los conceden críticos de cine. Lo organiza el colectivo CataCric, es decir, críticos de Catalunya, pero incluye entre sus votantes a profesionales del resto de España. Como diferencia con respecto a las votaciones que ejercen los académicos de cualquier país, por lo menos aquí sabemos que esta gente sí se ha visto las películas.

Más que con los premios en sí, la gracia que tienen estas concesiones está en los juegos de palabras que inventan para otorgarlos. El año pasado, por ejemplo, crearon la cachonda categoría ministerial: YoGa ‘La chica con una cerilla y un bidón de gasolina’, a la ministra de Cultura Ángeles González Sinde. O el YoGa El cobrador del Frac ‘Arráncame la vida’ y ‘arrástrame al infierno’, ‘donde viven los monstruos’, ¡malditos bastardos!, a la SGAE. Lo cierto es que las ocurrencias de este año tampoco son nada desdeñables.

Cine español:

• Peor película: YoGa ‘Putty woman’, a ‘DiDi Hollywood’, de Bigas Luna.
• Peor director: YoGa ‘Muerte entre las flores’, a Fernando León de Aranoa, por ‘Amador’.
• Peor actor: YoGa ‘Que se mueran los feos’, a Mario Casas, por ‘Tres metros sobre el cielo’.

• Peor actriz: YoGa ‘La teta y la trompeta’, a Elsa Pataky y Carolina Bang (ex aequo).

Cine extranjero:

• Peor película: YoGa ‘Los antojos de Julia’ a ‘Come, reza, ama’, de Ryan Murphy.
• Peor director: YoGa ‘Vuelve a Alemania, Pepe’, a Florian Henckel von Donnersmarck, por ‘The tourist’.
• Peor actor: YoGa ’3D (desenfocados, desorientados y desubicados)’ a Liam Neeson, Gerard Butler y Ralph Fiennes, por sus trabajos del 2010 (‘Furia de titanes’, ‘El equipo A’, ‘Ex-posados’, ‘Un ciudadano ejemplar’)

• Peor actriz: YoGa ‘Copias certificadas’ a Jennifer Aniston, por ‘Love happens’, ‘Ex-posados’ y ‘Un pequeño cambio’.

Premios especiales

• YoGa ‘Con De la Iglesia hemos topado’, a la ley Sinde.
• YoGa ‘Dónde estará Mi-Ñarro’, al productor de ‘El tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas’, ‘O estranho caso de Angelica’, ‘La mosquitera’, ‘Aita’, ‘Blow Horn’ y ‘Familystrip’, entre otras.
• YoGa ‘Chorizos Kaplan: el Gaudí tenía un precio’.

• YoGa ‘Moco deluxe’, al tráiler de ‘Torrente 4’.

Uno de los nuestros:

• YoGa ‘Infiltrado’, a Pere Vall (redactor jefe de la revista Fotogramas), por sus trabajos como actor en las películas ‘La leyenda del innombrable’, ‘Felipe y Letizia’, ‘L'edèn’, ‘El asesino a sueldo’, ‘Spanish Movie’ y ‘E.S.O (entidad sobrenatural oculta)’, entre otras.

Vía Catacric. Gracias, Penitenciagite.

¿Qué podemos esperar? Un drama que aspira a 7 Oscars (mejor película, director, actor de reparto, actriz de reparto…) es algo que no nos podemos perder. Incluso cuando vaya del enésimo boxeador que supera todas las adversidades posibles para ganar un campeonato. Seguramente ya la hemos visto, pero hay que tener un poco de fe, y por lo menos, tenemos la seguridad de que al menos tres de los actores (Bale, Leo, Adams) realizan estupendos trabajos.

‘127 horas’

Título original: ’127 hours’. Dirección: Danny Boyle. Países: USA y Reino Unido. Año: 2010. Duración: 96 min. Género: Drama. Interpretación: James Franco (Aron Ralston), Amber Tamblyn (Megan), Kate Mara (Kristi), Clémence Poésy (Rana), Kate Burton (madre de Aron), Lizzy Caplan (Sonja). Guión: Danny Boyle y Simon Beaufoy; basada en el libro "Between a rock and a hard place", de Aron Ralston. Producción: Christian Colson, Danny Boyle y John Smithson. Música: A.R. Rahman. Fotografía: Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak. Montaje: Jon Harris. Diseño de producción y vestuario: Suttirat Larlarb. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 12 Noviembre 2010. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Es la verdadera historia del alpinista Aron Ralston, una extraordinaria aventura de supervivencia donde el protagonista debe salvarse a sí mismo después de quedarse con un brazo inmovilizado por el desprendimiento de una roca en un cañón aislado de Utah. Durante los próximos cinco días, Ralston examina su vida y sobrevive a las adversidades para descubrir finalmente que tiene el coraje y los medios suficientes para liberarse a sí mismo.

Crítica en Blogdecine:

‘127 horas’, filigrana pornográfica de Danny Boyle

‘La trampa del mal’

Título original: ‘Devil’. Dirección: John Erick Dowdle. País: USA. Año: 2010. Duración: 82 min. Género: Terror. Interpretación: Geoffrey Arend (comercial), Bojana Novakovic (mujer joven), Chris Messina (detective Bowden), Logan Marshall-Green (mecánico), Jenny O'Hara (mujer madura), Caroline Dhavernas (Elsa), Bokeem Woodbine (guardia), Jacob Vargas (Ramírez), Matt Craven (Lustig). Guión: Brian Nelson; basado en un argumento de M. Night Shyamalan. Producción: M. Night Shyamalan y Sam Mercer. Música: Fernando Velázquez. Fotografía: Tak Fujimoto. Montaje: Elliot Greenberg. Diseño de producción: Martin Whist. Vestuario: Erin Benach. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en USA: 17 Septiembre 2010. No recomendada para menores de 16 años.

Sinopsis: Cinco extraños empiezan el día con la rutina habitual. Van a un edificio de oficinas, entran en un ascensor y se ven obligados a compartir un espacio reducido con desconocidos. Nadie mira a nadie, sólo estarán juntos unos momentos. Pero lo que hasta ahora parece un hecho casual, no tiene nada de coincidencia. El ascensor se detiene, el destino acaba de llamar. Lenta y metódicamente, los cinco extraños pasan de estar en una situación molesta a sentirse impotentes y sufrir el terror más profundo. A cada uno de ellos le empiezan a ocurrir cosas terribles y la sospecha pasa de uno a otro, ¿quién es el culpable de todo esto? Ninguno se imagina lo que van a descubrir… ‘La trampa del mal’ es la primera entrega de The Night Chronicles, una serie de historias de terror concebidas por M. Night Shyamalan.

Crítica en Blogdecine:

‘La trampa del mal’, creo en Shyamalan cuando dirige él

‘Primos’

Dirección y guion: Daniel Sánchez Arévalo. País: España. Año: 2011. Duración: 97 min. Género: Comedia. Interpretación: Quim Gutiérrez (Diego), Raúl Arévalo (Julián), Adrián Lastra (Miguel), Inma Cuesta (Martina), Antonio de la Torre (Bachi), Clara Lago (Clara), Nuria Gago (Yolanda), Alicia Rubio (Toña), Marcos Ruiz (Dani). Producción: Fernando Bovaira y José Antonio Félez. Música: Julio de la Rosa. Fotografía: Juan Carlos Gómez. Montaje: David Pinillos. Dirección artística: Curru Garabal y Satur Idarreta. Vestuario: Fernando García. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: A Diego le ha dejado su novia plantado en el altar. Sus primos, Julián y José Miguel, deciden llevárselo a las fiestas del pueblo donde veraneaban de pequeños. Un fin de semana de juerga para olvidar, y sobre todo intentar recuperar a su amor de adolescencia, Martina. A grandes males, grandes borracheras. Un plan infalible, ¿no?

¿Qué podemos esperar? Una comedia entre lo gamberro y lo romántico, que su realizador ha confesado que está inspirada en ‘Resacón en Las Vegas’ (‘The Hangover’). Tal como está el panorama, tanto en el género (dominado por los golpes, los chistes fáciles y lo escatológico) como en lo que respecta a nuestro cine (hundido en taquilla, enloquecido por la Ley Sinde), deseo que esto valga la pena, que Arévalo haya estado inspirado, y sea un éxito.

‘Huevo’

Título original: ‘Yumurta’. Dirección y guión: Semih Kaplano?lu. País: Turquía. Año: 2007. Duración: 97 min. Género: Drama. Interpretación: Nejat I?ler (Yusuf), Saadet I?il Aksoy (Ayla), Ufuk Bayraktar (Haluk), Tülin Özen, Gül?in Santircio?lu (Gül), Kaan Karabacak. Producción: Semih Kaplano?lu. Fotografía: Özgür Eken. Montaje: Semih Kaplano?lu, Ayhan Ergürsel y Suzan Hande Güneri. Dirección artística: Naz Erayda. Distribuidora: Golem. Estreno en Turquía: 9 Noviembre 2007.

Sinopsis: Al morir su madre, y después de años de ausencia, el poeta Yusuf regresa a la ciudad donde creció. Una joven llamada Ayla le espera en una casa medio derruida. Yusuf no estaba enterado de que una prima lejana llevaba cinco años viviendo con su madre. La presencia de Ayla le ayuda a canalizar, en parte, las emociones provocadas por la muerte de su madre. Pero ¿podrá Yusuf enfrentarse al sentimiento de culpabilidad que le invade después del entierro? Los objetos, los muebles de la casa materna, la cotidianidad, el ritmo sosegado de la provincia, los rincones llenos de recuerdos, la ciudad misma, todo lo que Yusuf quiso dejar atrás hace años, de pronto le parece maravilloso. El día que debe regresar a Estambul, Ayla le pide a Yusuf que realice el sacrificio que su madre no pudo llevar a cabo antes de morir.

¿Qué podemos esperar? Primera parte de la trilogía de Yusuf que culminó con ‘Miel’ (‘Bal’), estrenada hace una semana en nuestro país. No os alarméis, aunque lo lógico es verlas por orden, y la mayoría de nuestros distribuidores no están acostumbrados a respetar el cine, en este caso no creo que importe haber visto ‘Miel’ antes que ‘Huevo’, ya que el turco Kaplanoglu ideó una trilogía que va de la madurez a la infancia. No creo que tenga la oportunidad de ver ninguna de las tres películas en los cines (ahora mismo resido en Cartagena y es raro que lleguen cosas de este tipo), pero le daré una oportunidad en cuanto salga en DVD, parece un relato fascinante.

‘Leche’

Título original: ‘Süt’. Dirección y guión: Semih Kaplano?lu. Países: Turquía, Francia, Alemania. Año: 2008. Duración: 102 min. Género: Drama. Interpretación: Melih Sel?uk (Yusuf), Ba?ak Köklükaya (Zehra), Riza Akin (Ali Hoca), Saadet I?il Aksoy (Semra), Alev U?arer (Kemal), Serif Erol (jefe de estación), Or?un Köksal (Alpay), Sahra Özdag. Producción: Semih Kaplano?lu y Or?un Köksal. Fotografía: Özgur Eken. Montaje: François Quiqueré. Dirección artística: Naz Erayda. Distribuidora: Golem. Estreno en Turquía: 2 Enero 2009.

Sinopsis: Yusuf acaba de graduarse en el instituto y su futuro en una pequeña ciudad de provincias es incierto. Su mayor pasión es escribir poesía, y ha empezado a publicar algunos poemas en revistas literarias. De momento, sigue trabajando en la lechería que regenta su madre viuda, cuyo futuro tampoco está muy claro. Hasta ahora, la madre de Yusuf había volcado todas las atenciones en su hijo único. Zehra aún es joven y guapa, y tiene una discreta relación amorosa con el jefe de estación de la ciudad. El hecho de que su madre tenga un amante y de que le hayan declarado no apto para hacer el servicio militar, debido a una enfermedad que padeció de niño, hace que Yusuf tenga aún más ganas de dar el salto a la vida adulta. ¿Podrá el joven Yusuf con los cambios que sacudirán su tranquila vida?

¿Qué podemos esperar? La segunda parte de la mencionada trilogía. Lo razonable habría sido estrenarla mucho antes, o en todo caso esperar a la semana que viene, a que unos pocos hayan visto ‘Huevo’. Pero no. A los de Golem les da igual, las lanzan y se acabó, a ver si cae algo.

‘La vida sublime’

Dirección: Daniel V. Villamediana. País: España. Año: 2011. Duración: 90 min. Género: Drama. Interpretación: Víctor Vázquez, Minke Wang, Emiliana Minguela, Álvaro Arroba, Pepe Grosso, Fernando de la Fuente. Guión: Víctor Vázquez y Daniel V. Villamediana. Producción: Israel Diego Aragón y Jorge Raquejo. Música: Alejandro Castillo. Fotografía: Fabio Bobbio y Daniel Belza. Montaje: Fabio Bobbio y Daniel V. Villamediana.

Sinopsis: Cuenta la historia de Víctor, quien encuentra la pasión vital que estaba buscando en la figura de su abuelo, el Cuco, y en un viaje que éste hizo al sur de España a comienzos de los años cuarenta y que ha permanecido como un misterio familiar. El sur y el abuelo se convierten en objeto de fascinación, un espacio donde rescribir la memoria familiar para poder inmortalizar al Cuco. El periplo de Víctor deviene un personal homenaje a la generación perdida del franquismo que no pudo realizar sus sueños. Una búsqueda del mito y de lo sublime. Una película sobre fronteras, entre el norte y el sur, la imaginación y la realidad, presente y pasado, abuelos y nietos, España y América, la lucidez y la locura…

¿Qué podemos esperar? Segundo trabajo del vallisoletano Villamediana (‘El toro azul’), seguramente un relato interesante sobre un pasado que aún sigue muy presente, envuelto en un producto que llegará a cuatro salas y verán cuatro gatos. ¿Merece la pena el gasto de un estreno en cine? Ah, bueno, la subvención, claro. En fin, mucha suerte a los responsables y los escasos espectadores.

Vía | Labutaca