Hoy nos miramos el ombligo (solo un poco) para comentar que Blogdecine ha recibido un premio. Algo que siempre se agradece y estimula para seguir mejorando. Se trata del Premio ACE a medios de comunicación, en concreto la 3ª mención como medio de Internet. Y es que la Agencia del Cortometraje Español (ACE) ha fallado sus premios anuales que coinciden con el “Día del Cortometraje” que es hoy y que en su quinta edición ha tenido la gentileza de incluirnos entre los galardonados.

Estos premios intentan reconocer el apoyo y promoción del cortometraje en distintos medios de comunicación, entidades, empresas y personas que destaquen por su trabajo en este género, así que nos sentimos orgullosos desde Blogdecine de haber sido uno de los elegidos en el palmarés de estos Premios ACE.

Más info | ACE

Y sin embargo, no encuentro a menudo propuestas que lleguen a esos mínimos, resultándome imposible seguir con interés supuestos relatos de horror con estética y ritmo de videoclip, protagonizado por pijas de silicona y niños de gimnasio que se dedican a posar ante la cámara y ser bañados con litros de sangre. Más que asustarme, me causa bochorno. Sin ser ninguna joya, ni tampoco merecedora de ser recordada en los próximos años, ‘El rito’ (‘The Rite’, 2011) es una película de claras intenciones que cumple su objetivo, que satisface la demanda inmediata de un público que desee pasar un mal rato con una historia sobrenatural (algunos más que otros, pero reconozcamos que a veces nos gusta pasarlo mal). A eso hay que sumar el siempre estimulante protagonismo de Anthony Hopkins, que aunque se empeñe en ensuciar su carrera con mediocridades, posiblemente por una mezcla de necesidad y diversión, sigue siendo uno de los intérpretes más carismáticos del planeta.

Oh sí, también aparece Rutger Hauer. Y Toby Jones y Ciarán Hinds. Gente con una experiencia y un saber estar impagables. Por su parte, el joven Colin O´Donoghue apenas había hecho cine, teniendo aquí su primer papel protagonista, y debo destacar que hace un trabajo estupendo, es la mayor sorpresa de ‘El rito’. Menos acertada está Alice Braga, pero no por juventud o falta de talento, sino porque le toca el personaje más desdibujado y prescindible del guion de Michael Petroni, al parecer inspirado en hechos reales. Sé que esta etiqueta resulta atractiva en términos comerciales, hay un público al que le emociona saber que la historia tiene un fondo de realidad, pero a veces resulta un tanto perjudicial, pues uno no puede evitar pensar que le están tomando por tonto, cuando por ejemplo una chica vomita enormes clavos como si nada. Así que un consejo si tienes una historia de terror entre manos: pasa de investigar la realidad y céntrate en la puesta en escena, es donde fracasa la gran mayoría de cineastas actuales.

‘El rito’ se basa en un libro del periodista Matt Baglio que narra la historia de Michael Kovak, un joven norteamericano que viaja a Roma para asistir a un curso de exorcismo que se imparte en el Vaticano. No le convencen las clases, cree que todo es una patraña, así que le envían a conocer al padre Lucas, un experto exorcista. Lo más interesante de la película (y dudo que esto sea solo cosa mía) tiene lugar con esos dos personajes en pantalla, el muchacho expresando su escepticismo y el viejo respondiendo con su experiencia, lo que permite no solo comprender a ambos y tener la sensación de realidad que no aporta ningún letrero de “basado en hechos reales”, sino también implicarse uno más en lo que está pasando, para descubrir quién se equivoca, si de verdad existen las posesiones demoníacas. Por eso el primer caso resulta muy entretenido, pues se mantiene un conflicto entre las dos visiones, se mantiene la duda y cabe la posibilidad de que Michael tenga razón y Lucas sea un maldito chalado. Por desgracia, se siente la necesidad de incluir un personaje femenino que subraye la falta de fe de Michael, además de posibilitar un sugerente romance; una mala idea, O´Donoghue y Braga no funcionan juntos, no hay química.

Mikael Hafström hace bien en mantenerse pegado al texto y dejar el peso del relato a los actores, a veces con planos estáticos donde simplemente los vemos reflexionar o expresarse, en lugar de recurrir a llamativos movimientos de cámara o una realización dinámica para agilizar la narración, lo que en estos tiempos, en el cine comercial, es poco habitual. Y se agradece, por momentos uno tiene la impresión de estar viendo un film de otra época. Pero, quizá por presiones de los productores, quizá porque no estamos ante un director brillante (ni mucho menos), no tardan en surgir las prisas y los efectismos baratos, recurriendo a desafortunados arreglos digitales para intentar dotar de espectacularidad al último tramo. En una escena, Lucas dice que el demonio intenta pasar desapercibido, que es como un ladrón que entra en una casa y no enciende las luces; sin embargo, no hay ningún caso en la película en la que no se nos enseñe que realmente están sufriendo una posesión, contradiciendo esas palabras y haciendo más obvio el viaje de Michael.

‘El rito’ es un film vacilante que despega cuando se entrega a los actores, al conflicto interno y la emoción, como el accidente bajo la lluvia, el derrumbe psicológico de Lucas o el flashback de la madre de Michael, y se va al suelo cuando recurre a explicaciones o busca el susto, en tramos muy corrientes y artificiales. Se equivocan los responsables buscando el más difícil todavía y el lucimiento de los efectos especiales, cuando tenían en sus manos una historia pequeña pero muy interesante, con el aprendizaje de Michael, desde su complicada niñez a su búsqueda de fe, y la relación con un mentor cada vez más hundido en la oscuridad, mientras intentan solucionar el extraño caso de la muchacha embarazada que dice estar poseída. No hacía falta estirar el chicle ni pintar digitalmente los rostros de los actores para hacerlos más terribles. Lo cotidiano ya es suficientemente terrible.

Muy llamativa la información que ha publicado en exclusiva Deadline. Según la fiable web, Warner Bros. y Legendary Pictures ya tienen una lista de actores favoritos para encabezar el reparto de la adaptación en imagen real de ‘Akira’, el famoso manga de Katsuhiro Otomo, ya llevado al cine en 1988 por el propio autor japonés en una película animada. Albert Hughes se encargará de la puesta en escena de la nueva versión, siendo su primer trabajo en solitario (dirigió ‘Desde el infierno’ y ‘El libro de Eli’ junto a su hermano Allen).

Al parecer, la intención es empezar a rodar este mismo verano y por eso los estudios ya han enviado el guion (parece que definitivo) a los elegidos para interpretar los dos papeles protagonistas, Tetsuo y Kaneda. Ojo a los nombres. Para el primer papel, se quiere a Robert Pattinson, Andrew Garfield o James McAvoy, y para el segundo a Justin Timberlake, Garrett Hedlund, Michael Fassbender, Chris Pine o Joaquin Phoenix. Os puede llevar tiempo asimilarlo… No hay ningún actor japonés en la lista, más que nada porque entonces nadie en Hollywood se gastaría una millonada. La historia del cómic original, adaptada por el guionista Steve Kloves (la saga de ‘Harry Potter’), transcurrirá ahora en Estados Unidos, en una ciudad futurista llamada “Nueva Manhattan”, donde el líder de una banda de motoristas salvará a su amigo de un enigmático experimento médico. Entre los productores figura Leonardo DiCaprio.

PD: Finalmente podrían ser dos películas de ‘Akira’, para cubrir toda la historia de los séis volúmenes del manga de Otomo.

Vía | Deadline

Aquí os traigo el nuevo cartel de ‘Cars 2’. Ya sabréis que se trata de la próxima película de los estudios Pixar que llegará a nuestras pantallas; el 6 de julio (24 de junio en EE.UU.) en salas 2D, 3D e IMAX, y a todas partes, como siempre distribuida por la todopoderosa Disney, cuyos estudios de animación parecen empeñados en competir con DreamWorks, cuando curiosamente allí se están intentando parecer a Pixar. Lo cierto es que no me atrae demasiado la idea de ver una secuela de ‘Cars’, pero no voy a perderme nada que lleve el sello del flexo, sobre todo tras demostrar que podían superarse con una tercera parte, cuando lo normal habría sido relajarse y limitarse a repetir el esquema de las entregas anteriores.

A tenor de los avances que hemos podido ver, parece claro que con ‘Cars 2’ van a intentar sorprendernos de nuevo. Ojo porque la película está codirigida por John Lasseter, el jefazo de la compañía, cuya último trabajo en esa faceta fue precisamente ‘Cars’, hace cinco años; Brad Lewis se ha encargado de ayudarle con la labor de realización, lo que supone su debut en el largometraje. Las voces originales de los personajes corren a cargo de Owen Wilson, Larry the Cable Guy, Michael Caine, Emily Mortimer, Jason Isaacs, Joe Mantegna, Bonnie Hunt, Cheech Marin, Tony Shalhoub y Bruce Campbell, entre otros, y la música la pone Michael Giacchino. En cuanto a la trama, se centra en la aventura de Rayo McQueen y Mate en el extranjero, para competir en una carrera que determinará cuál es el coche más rápido del mundo; pero el camino hacia el campeonato estará lleno de baches, desvíos y sorpresas cuando Mate se vea atrapado en una trama de espionaje internacional al salvar la vida de un agente secreto británico llamado Finn McMissile.

PD: Por si no lo habéis visto, os dejo el avance del corto ‘Hawaii’, que se proyectará antes de ‘Cars 2’:

Vía | Impawards

En la irregular e increiblemente sobrevalorada, al menos para quien esto suscribe, carrera de Ridley Scott, hay sitio para todo, o casi. En determinados cineastas, verdaderamente grandes, como Roman Polanski, esto me parece una virtud, porque se intuye que sus bandazos entre géneros tienen mucho de cinefilia, de amor por el cine. En casos como los de Scott, que alterna entre la acción, con ‘Black Rain’ (id, 1989), el histórico-épico, con ‘1492: La conquista del paraíso’ (‘1492: Conquest of the Paradise’), el bélico, con ‘Black Hawk derribado’ (‘Black Hawk Down’, 2001), o el de romanos, con ‘Gladiator’ (id, 2000), esto responde a un espíritu descaradamente comercial. No creo que se pueda ver de otra forma. Pero hasta directores que han echado a perder su carrera, como él, de vez en cuando sorprenden con elecciones que, si bien no son ninguna maravilla en su resultado final, sí que dan una idea del verdadero talento que se encuentra detrás de la cámara, más allá de poses y de egos. ‘Thelma & Louise’ (id, 1991), es una película extraña dentro de su filmografía, y quizás una de las más sólidas e interesantes.

Algunos dicen que yo odio a Ridley Scott. Odio es una palabra bastante fuerte, me parece. Yo no odio a Ridley Scott, pero no voy a dejar de decir lo que pienso sobre él, y lo alucinante que me parece la veneración que tantos aficionados al cine le profesan, y la violenta reacción del personal cuando se cuestiona gran parte de su obra, entre otras cosas porque es muy cuestionable. Pero hoy no voy a cuestionar una película suya desde el punto de vista de su trabajo en la puesta en escena, que en este caso me parece casi impecable. Se pueden achacar algunas cosas a la famosa ‘Thelma & Louise’, pero por una vez Scott se muestra humilde, preciso y sensato en su labor de dirección, además de emocionante y casi desconocido en su tratamiento de los personajes. Otro tema, muy distinto, es el guión de Callie Khouri, que se alzó con el Oscar a mejor guión original (el único que logró la película de seis nominaciones, entre ellas la primera como director para Scott). Si se lo dieron por afinar con mano maestra una serie interminable de trampas (muchas de las cuales, no hay duda, nos las tragamos no se sabe por qué milagro), desde luego, hay pocos guiones mejores que ese.

Tampoco es para escandalizarse ni nada por el estilo: todas las películas de la historia del cine son tramposas. Entre otras cosas porque toda ficción lo es. La maestría viene del milagro de que no se vean las trampas, por mucho que uno se ponga a mirar con lupa. Aquí Scott despliega el suficiente talento y pericia como para que las trampas, las costuras, que se ven a diez leguas, nos las traguemos con patatas, eso es lo interesante. Como también es interesante que, ya que las únicas posibilidades de lucimiento “visual”, entendiendo “visual” en su acepción más epidérmica, derivan del paisaje natural (las inmensas planicies del sur de Estados Unidos, sesgadas por miles de kilómetros de carretera), Scott se olvida de su habitual retórica de videoclip y, por fin, filma con una serenidad y una profundidad (de campo, psicológica, conceptual) muy de agradecer. Es muy difícil sustraerse de la mítica de una “road movie” tan bien narrada, extrayendo el máximo de llanuras y montañas. Pero esto me lleva a una reflexión que me divierte aplicar a ciertas películas: ¿no será que nos creemos lo que nos cuenta por tratarse del país en que se sitúa la historia, y por heredar la mística de los grandes géneros norteamericanos?

¿Relato feminista?

Porque si en lugar de llamarse Thelma o Louise, se llamaran Angelines o Marguerite…¿nos lo creeríamos igual? Yo creo que no. Esa es la (gran) ventaja de cierto cine norteamericano: asumimos en sus ficciones cosas que jamás asumiríamos en el cine italiano, polaco o peruano. Thelma es un ama de casa, casada con un imbécil que la trata como si fuera basura, y Louise es una mujer algo menos ortodoxa, que pasa bastante de su novio y que, sospechamos, fue violada en Texas, aunque eso lo averiguaremos bastante avanzada la historia. Ambas amigas salen un fin de semana a divertirse, con tan mala suerte que la ingenua Thelma resulta violada por un animal en un aparcamiento. Louise, que lleva un arma (otra ventaja del cine norteamericano, allí llevan armas como el que lleva un paquete de cigarrillos…), se vale de ella para salvar a Thelma de una buena paliza, pero pierde los nervios ante la chulería del sujeto y le mata de un tiro. De pronto, el viaje de placer se convierte en una huida, y poco a poco las dos amigas de acomodada vida burguesa se transforman en dos peligrosas fugitivas. Si el lector no ha detectado ya la media docena de trampas que plantea el relato, será incapaz de detectar las muy numerosas que vienen después.

A pesar de su crimen, precisamente por la extrema abyección del violador, justificamos moralmente, como espectadores, el asesinato de Louise. Nos ponemos del lado de Thelma porque, seguramente, también fue obligada a casarse con el mentecato de su marido a punta de pistola. A partir de ahí, la manipulación moral de la historia es incontestable. Ambas fugitivas lucharán por llegar a México, mientras los hombres, esos hijos de puta, luchan por impedírselo. Eso sí, para que no acusen a la guionista Khouri de tendenciosa o sectaria, se saca a dos hombres “buenos”, aunque incapaces, de la manga. Se trata del policía que las persigue, el compasivo pero cínico Hal (Harvey Keitel), y del novio ya mencionado de Louise, el primario pero encantador Jimmy (Michael Madsen). Ese policía será el único que, de alguna forma, entiende la lucha moral (moralismo por todos lados, sin duda) de Louise, mientras que el novio será el único que les ayude económicamente. De poco servirá, porque el policía, a la hora de verdad, se verá atado de pies y manos, y Thelma se acostará con un irresistible ladrón (un flojo Brad Pitt), un tío bueno (casualidades de la vida) con el que se volverá a sentir mujer, pero que pondrá a las fugitivas en un serio aprieto.

De hecho, cada acto de delincuencia de la pareja (el robo, el destrozo del camión cisterna, el ataque contra el policía…) será consecuencia de un acto de machismo, de desconsideración, de ataque verbal o de abuso por parte de los hombres, esa panda de cerdos. Jamás dos mártires fueron tan justificadas. Más que un relato feminista, asemeja un martirologio. No creo que fuera necesaria tanta justificación, tanto moralismo y tanta manipulación. Ese mismo año, Clarice Starling sí protagonizaba, bajo mi punto de vista, un auténtico relato feminista, preservando su condición de mujer, sin hacer tan evidente una venganza contra los hombres. Lo bueno es que Scott filma con la lección de ‘Bonnie & Clyde’ (id, Arthur Penn, 1967), de ‘Easy Rider’ (id., Dennis Hopper, 1969) o de ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, Terrence Malick, 1973) bien aprendida. Es decir primando la emoción y la sensación de libertad y de viaje en su puesta en escena, casi de western, encuadrando el coche de Louise (un precioso Thunderbird del 66) como si de un mágico corcel de cuento se tratase, deteniéndose en la amplitud y en la luz del paraje, otorgando todo protagonismo a sus dos actrices.

Y es que Susan Sarandon y Geena Davis están formidables, las dos en sus respectivos, y casi antagónicos, roles, dirigidas con mano maestra por Scott. Sarandon es una de las mejores actrices de su generación, y Davis creo que nunca estuvo mejor que aquí. Ambas sostienen la película, le dan emoción y verdad, sin la menor caída de tensión, con una convicción absoluta. Hasta el improbable y muy poco creíble final, que a punto está ya de erigirse en trampa suprema y de hacer desmoronarse el relato de manera definitiva, se sostiene por ellas dos (y por Keitel, en contrapunto) y sólo por ellas dos, que llenan cada resquicio de la pantalla con una energía casi luminosa. El fallecido director de fotografía (a la temprana edad de 53 años) Adrian Biddle se centra en sus rostros, sin idealizarlos, y perdonamos las habituales (y ya un tanto desfasadas) decisiones de Scott de abusar de los filtros, de los humos y de toda la parafernalia técnica heredada de la publicidad. Entre Biddle y Scott componen una secuencia limpia, directa, sobria, verosímil, para una historia que no lo es en absoluto.

Conclusión e imagen favorita

Estiimable película, con un guión muy inteligente (pese a su tono tendencioso) y una dirección de Scott emocionante y exacta. Lástima que este camino no lo siguiera Scott por más películas, reincidiendo luego en su pomposo estilo, consistente en exagerar los elementos del relato para darles la apariencia de categoría (algo que hacen otros cineastas, desde Kubrick hasta Nolan, como si de una escuela se tratase). Pero por una vez realizó un trabajo intachable. Mi imagen favorita es la de Jimmy, un gran Michael Madsen, charlando con su novia en el motel, intentando comprenderla, sabiendo que quizá no vuelva a verla nunca más. Scott muy afinado en su dirección de actores.

Aquí os traigo los resultados del cuestionario de la semana pasada, centrado en inicios de cine. A diferencia de lo que ocurrió con los finales, esta vez las votaciones no han estado tan igualadas, hay dos títulos que han ganado con claridad en sendos apartados de la encuesta y otro que sacó más de un 10% de ventaja a sus competidores. Aun así, como de costumbre, hay alguna cosa inesperada, echad un vistazo:

• ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, 1998) tiene el arranque más espectacular de la historia. La película de Steven Spielberg (gracias a la cual logró su segundo Oscar) se lleva el triunfo en esta categoría con bastante ventaja, siendo votada por el 38% de los lectores. El 13% de los participantes quedó más entusiasmado con el comienzo de ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’, 2008) y el 10% optó por el de ‘El señor de los anillos: La comunidad del anillo’ (‘The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring’, 2001).

• ‘Up’ (2009) tiene el principio más emocionante. Señal del cambio de los tiempos (esta vez para bien) es que una película animada haya sido la más votada en este apartado, y con claridad, pese a la dura competencia. La joya de Pixar se llevó el mismo porcentaje de votos que ‘Salvar al soldado Ryan’; el 15% de los lectores se decantó por ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’, 2009) y el 14% por ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders of the Lost Ark’, 1981).

• El inicio más sorprendente está en ‘Pulp Fiction’ (1994). Tan sorprendente como este resultado. La segunda película de Quentin Tarantino obtiene el primer puesto con el 23% de los votos, solo un 2% más que ‘Memento’ (2000). Curiosamente, la tercera posición (con un 12%) también es para un film de Tarantino, ‘Kill Bill: Vol. 1’ (2003). Tiene muchos fans por aquí.

• Por último, el comienzo más bello o enigmático lo tiene ‘2001: Una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey’, 1968). Menos mal, una película anterior a 1980… La obra maestra de Stanley Kubrick fue votada por el 24% de los lectores, un 11% más de los que se decantaron por ‘Apocalypse Now’ (1979); cierra el podio ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, 1998), con un 9% de votos.

Bueno, ¿qué os parecen estos resultados? Personalmente, y partiendo de que todos los comienzos de las películas mencionadas me parecen excelentes, solo coincido con el último ganador, en las otras opciones mi corazón prefirió ‘La guerra de las galaxias’ (1977), ‘Blade Runner’ (1982) y ‘Psicosis’ (1960), respectivamente.

Mañana tendréis en portada un nuevo cuestionario. Como siempre, acepto y agradezco sugerencias.

PD: Tres películas de Tarantino, dos de Spielberg y dos de Nolan.

Vía | IMDb

Disney no quiere que nos olvidemos de ninguno de sus estrenos, y menos aún de éste, con el que esperan recuperar una de las franquicias más rentables de la historia del cine. Así que después de sacar una serie de carteles (los dos de Jack Sparrow ya los vimos aquí), hoy ha lanzado dos nuevas fotos y el tráiler definitivo de ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’, la cuarta entrega de la saga. Debo ser justo y reconocer que el avance me ha gustado, y estoy deseando encontrar una gran aventura de piratería y fantasía, pero no me fío demasiado ni del 3D (que hayan filmado tonterías para aprovechar el efecto tridimensional) ni de Rob Marshall, un realizador que hasta ahora no ha hecho nada que indique que es capaz de filmar un espectacular entretenimiento. Espero que justifique la confianza que han depositado en él los productores, entre los que se encuentra el taquillero Jerry Bruckheimer.

Johnny Depp, Penélope Cruz, Ian McShane, Geoffrey Rush, Gemma Ward, Kevin R. McNally, Astrid Berges-Frisbey, Sam Claflin y Keith Richards son los protagonistas de ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’), que ha sido escrita por Ted Elliott y Terry Rossio, los mismos guionistas de las anteriores películas de Sparrow y compañía, al parecer basándose en el libro ‘En costas extrañas’ (‘On Stranger Tides’, 1990) de Tim Powers. Como ya sabéis de sobra, y se explica en el vídeo, la trama se centra en la búsqueda de la mítica fuente de la juventud, con Sparrow enfrentado a incontables peligros, conflictos y enemigos, destacando una bella mujer de su pasado y el pirata al que temen los piratas, Barbanegra. La película estará en los cines a partir del 20 de mayo.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Gracias a Mrs. Mia Wallace por el aviso.

Vía | Impawards

Si lo pensamos bien, era cuestión de tiempo que los caminos del cineasta John Carpenter y del ínclito novelista Stephen King terminaran cruzándose. No solamente porque sus personalidades creativas tengan bastante en común, también por su mutuo interés por los relatos fantásticos y de sci-fi, a los que aplican parecidos códigos narrativos, cada uno en su campo. Así, ‘La niebla’ (‘The Fog’, 1980) o ‘Halloween’ (id, 1978) podrían haber partido perfectamente de la pluma de King, mientras que novelas como ‘El fugitivo’ (adaptada años después por Paul Michael Glaser en ‘Perseguido’ (‘The Running Man’), demanera bastante digna), ‘La zona muerta’ o ‘Desesperación’, por nombrar sólo unas pocas entre muchas, podrían haber sido filmadas con gran comodidad temática por Carpenter. El hecho de que la unión tuviera lugar con uno de los cuentos menos interesantes de King, publicado el mismo año en que se hizo la película, no deja de ser extraño, por mucho que Carpenter extraiga de él lo máximo posible.

Pero más extraño resulta aún que Carpenter, después de dos incontestables obras mayores como lo fueron ‘1997: Rescate en Nueva York’ (‘Escape from New York’, 1981) y ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982), se ponga a continuación con un material que ya de partida no añade nuevo a una filmografía que estaba siendo ascendente a cada nuevo proyecto, y que de repente interrumpe esa ascendencia y se dedica a contarnos una fantasía de terror que en comparación con pasados logros personales del cineasta, sabe a poco. ‘Christine’ (id, 1983) confirma por un lado la capacidad de trabajo de Carpenter (que filmaba título por año), pero esto también confirma que Carpenter era un outsider en Hollywood. Un tipo demasiado independiente para permitirse el mínimo paso en falso (y ‘La cosa’ no había arrasado precisamente en taquilla), pues aunque había sido el responsable de grandes éxitos populares, la industria norteamericana otorga margen según el último proyecto. Este, en particular, daría todavía bastante dinero, pero al mismo tiempo resultaba una película escandalosamente fácil para un talento como el de Carpenter, que da la impresión de que la filma con el piloto automático puesto.

Que nadie me malinterprete. No creo, bajo ningún concepto, que ‘Christine’ sea una película insignificante. Divierte bastante, está realizada con gran profesionalidad, y posee, al menos, dos secuencias antológicas. Pero carece de la densidad del gran cine de Carpenter, el mismo que mientras se ríe de los géneros, o por lo menos los cuestiona, hace uso de ellos para proponer aventuras inolvidables en su fuerza narrativa y en su gozoso tenebrismo. Ignoro la capacidad de elección de Carpenter a esas alturas, pero este material habría sido perfecto varios años antes, sólo en el inicio de su carrera. De hecho, si se borrara su nombre de los títulos de crédito, sería muy difícil adivinar quién es el director, pues ni en la dirección de actores, ni en la planificación visual o el montaje, ni en el ritmo, se aprecia nada del director capaz de hacer maravillas con todo ello en su película inmediatamente anterior. ‘Christine’ más parece dirigida por un principante aventajado pero tímido, que narrase con buenas maneras pero sin trascender nunca de la mera solvencia. Esto no hace sino otorgar mayor mérito a proyectos posteriores mucho más arriesgados y mucho más personales que dieron muy poco dinero.

El coche demoníaco

Ya desde el mismo comienzo da la impresión de que estamos asistiendo a un telefilme desganado, o a un episodio de ‘Cuentos asombrosos’ (‘Amazing Stories’, 1985-87), antes que a una película dirigida por el maestro que nos perturbó con ‘Asalto en la comisaría del distrito 13’ (‘Assault on Precinct 13’, 1976). El prólogo, situado en los años cincuenta, queda casi como una broma que, si pretende dar miedo, fracasa, y si pretende ser una parodia, también. Damos un salto de veinte años, y nos situamos en un ambiente estudiantil, de instituto estadounidense que tanto hemos visto (apenas, por cierto, en ‘Halloween’) durante décadas, y que tan poco tiene que ver con Carpenter. Como muy poco, o nada, tienen que ver con él ninguno de los caracteres que pueblan sus imágenes, ni, si se me apura, un cierto espíritu del “american way of life” que el cineasta, aquí desconocido, habría aprovechado en otras ocasiones para criticar veladamente, con su sutilidad habitual. Pero da la impresión de que simplemente quiere sacar adelante el proyecto sin romperse demasiado la cabeza.

El reparto, por entero, me parece indigno de Carpenter. No es que sean actores muy mediocres (algunos lo son, desde luego) es que da la impresión de que el casting ha buscado tirar de tópicos, y que los actores que dieran vida a esos tópicos fueran lo más anodinos posible. De tal manera que no hay ni un solo personaje con el que podamos identificarnos, ni siquiera uno que caiga bien. El protagonista, Arnie, está interpretado con gran falta de ritmo e intensidad por Keith Gordon, cuya carrera ha sido bastante liviana, por decir algo. Suyo va a ser el viaje psicológico de la historia, desde su posición de “nerd” (expresión norteamericana que designa a los frikis, pringados de la clase con cero habilidad social y objetivo de las burlas de los más duros…) hasta la de obsesivo asesino, controlado maléficamente por un (falso) Plymouth del 58, que irá dictándole lo que ha de hacer y que es capaz de regenerarse como por arte de magia, a pesar de múltiples destrozos (se destruyeron casi dos docenas de modelos durante el rodaje). El resto de personajes es casi inexistente, como sombras destinadas a cumplir una función en una trama que se antoja anémica en su desarrollo y trivial en su conclusión.

Sin embargo, la secuencia en la que el coche se venga de los que le destrozaron, acudiendo a una gasolinera y provocando un gran incendio, posee una gran fuerza visual. Impresiona ver el coche en llamas, como un engendro infernal, surgiendo de la explosión y persiguiendo al último de los gamberros que le destrozó, para convertirle también en una bola de fuego. Antológica también la secuencia en la que persigue a uno de los gamberros por la carretera nocturna, para terminar acorralándole. Son muestras menores del gran Carpenter, que ni siquiera se encuentra inspirado (como suele) en la composición visual, con un scope sin demasiada inventiva, trabajando por primera vez sin su habitual Dean Cundey, lo que es bastante significativo, y debutando con el operador Donald M. Morgan, que sin ser mediocre, no es tan hábil como cundey. Ni siquiera la música del propio Carpenter y Alan Howarth goza de personalidad. Con todo, el conjunto se ve bien, pero no es en absoluto una buena película.

Conclusión

No será, por desgracia, la última vez que Carpenter cuente con un material de partida tan pobre, debido a un guión que no termina de exprimir un relato determinado. De hecho, a medida que la carrera del cineasta avance, irá ganando en depuración estilística, en madurez y en solvencia visual, mientras que demasiados guiones que acepta adolecen de arritmias, incoherencias, cuando no incompetencia, mediocridad y fallos graves de construcción y de personajes. Con todo, demuestra su versatilidad y su fuerza de voluntad en productos tan desganados como ‘Christine’. Ya llegarían mejores tiempos. De hecho, no faltaba mucho para que llegaran.

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El próximo viernes se estrena ‘Sucker Punch’, la nueva película de Zack Snyder, pero al realizador no paran de preguntarle por el reinicio de Superman que está preparando para la Warner Bros. Ha dejado claro que la suya no tendrá en cuenta las otras películas, y cuando le preguntan sobre el tono del film, suelta esto:

Nuestro Superman tiene cosas que descubrir, pero es un gato físico.

Una de las novedades más interesantes de la semana pasada (y sin embargo aún no he tenido oportunidad de verla) era la comedia dramática ‘El mundo según Barney’ (‘Barney´s Version’), sobre los líos amorosos de un tipo corriente. Le preguntaron a Paul Giamatti su opinión sobre el matrimonio:

El matrimonio es brutalmente difícil. Sí. Hasta los buenos matrimonios creo que son difíciles. Se precisa demasiado trabajo. No creo que nadie, ni siquiera las mejores parejas, pueden pensar que no se requiere un intenso mantenimiento constante. El amor es algo extremadamente difícil de mantener.

El remake de ‘Amanecer rojo’ (‘Red Dawn’) se filmó hace dos años, pero los directivos de MGM todavía no están listos para estrenarla. Lo último es que han cambiado a los enemigos de la película. En la primera versión eran los rusos y en la nueva iban a ser los chinos, pero su mercado es demasiado tentador… Sin embargo, aún queda un país perfectamente válido para el puesto: Corea del Norte.

Tras considerarlo cuidadosamente, hemos encontrado una manera de hacer una ‘Red Dawn’ más inquietante, inteligente y peligrosa. [...] Por menos de un millón de dólares, podemos cambiar una secuencia inicial en la que se resume todo el contexto ficticio, y cambiar dos escenas usando tecnología digital para transformar muchos símbolos chinos en coreanos.

Con motivo del estreno de ‘Torrente 4’, Santiago Segura ha tenido la oportunidad de aparecer en numerosos medios y responder a muchas preguntas. Alguien se acordó de Gabino Diego (interviene en ‘Torrente 2’) y preguntó si sería posible que apareciera en una nueva entrega. Ojo a la respuesta de Segura:

Me encantaría, pero lo veo complicado tras la que me hizo en la tercera. Básicamente, pedirme que escribiera el guion con él como pareja y tras un año haciéndolo, pedir 240.000 euros justo antes del rodaje… Mundo amiguetil.

Ya comenzó la disputa por la presidencia de la Academia de Cine, y suena con fuerza el nombre de Bigas Luna. Una de las candidatas es Azucena de la Fuente, actriz, directora, guionista, productora y profesa (¿da tiempo a ser excelente en tantas cosas?). Parece que también tiene madera política, porque de las primeras cosas que ha dicho es esto:

A Bigas Luna nunca le he visto por las asambleas. [...] Yo pertenezco al 90 por ciento de la industria que no somos consagrados, que no podemos pagar la hipoteca o el colegio de nuestros hijos.

Jodie Foster ya ha presentado su nueva película, ‘El castor’ (‘The Beaver’), en la que comparte cartel con Mel Gibson. Como está de moda, los periodistas aprovecharon la rueda de prensa para intentar sacar algún comentario en el que la actriz y directora atacara al australiano… pero se llevaron un chasco:

Todo el que ha trabajado con Mel sabe que es el actor más querido de la industria del cine. Y el segundo es Chow Yun-Fat.

Lo que viene a continuación debería ser lo normal, pero por desgracia no es así. Tranquilizadoras palabras del brasileño José Padilha cuando le han preguntado por el remake de ‘RoboCop’, su primer film en Hollywood:

Es un proyecto que estoy desarrollando desde el inicio junto al guionista Josh Zetumer, y no hay una fecha límite en realidad. Cuando el guion resulte lo suficientemente bueno, empezaremos a rodar.

Eva Green es una de las protagonistas del próxima película de Tim Burton, una adaptación de la serie ‘Dark Shadows’. Pese a que el proyecto encaja perfectamente con la obra del cineasta, y nadie espera una sorpresa, la actriz apunta a lo contrario:

Es algo que él nunca ha hecho, me parece. Está mucho más enfocada a los actores. Casi podría ser una obra de teatro.

Mark Wahlberg se llevó años intentando sacar adelante la película ‘The Fighter’, y cuando lo logró, los premios de interpretación se los llevaron Melissa Leo y Christian Bale. Dice que le da igual y que ya prepara la segunda parte, pero que al verdadero Micky Ward no le hace tanta gracia:

Micky me llamó pidiéndome disculpas. Estaba enfadado porque yo no estaba nominado al Oscar. Y le dije: “No pasa nada, tío”. Pero él me decía: “No, si yo hubiera sido más loco en la vida real, te habrían nominado”.

No suelo hacer esto, pero esta vez no he podido evitarlo. Buscando una imagen de Matthew Fox para la noticia de ‘I, Alex Cross’, llegué a un extenso y jugoso artículo donde el actor se despacha a gusto con la industria norteamericana y algunas de sus celebridades. Imagino que a estas alturas ya no necesita medir sus palabras…

Mira el 3D. Es el mayor obstáculo para una buena narración. Llevé a mi hijo pequeño a ver ‘Airbender’. Fue una película horrible. M. Night Shyamalan no ha dirigido una película decente desde ‘El sexto sentido’.

Estoy desilusionado con la deriva hacia el entretenimiento pueril, lo que es Hollywood ahora en su mayor parte. Por el estado de la economía la gente parece querer pura evasión. Pero si los papeles que lucho por conseguir van todos a las manos de Matt Damon, entonces no trabajaré. He rechazado un montón de cosas; grandes, grandes películas, de la clase que no querría ir a ver.

Lo siento, pero no puedo hacer una película con la rubia de ‘Anatomía de Grey’ que está protagonizando todas y cada una de esas malas comedias románticas. A menos que reinventen la rueda en el género, o sea, que las empiecen a hacerlas divertidas y románticas otra vez, no voy a protagonizar ninguna de esas películas.

Vía | Movieweb, Dailymail, LATimes, SigloXXI, ComingSoon, ElPais, EntertainmentWeekly y MTv

A veces hay películas que sin ser memorables o incluso imprescindibles tienen algo que engancha, algo que nos hace recordarlas y tal vez verlas de nuevo en ocasiones futuras. ‘Destino oculto’ (‘The Adjustment Bureau’, George Nolfi, 2011) es una de esas películas. Tal y como dice mi compañero Juan Luis Caviaro en su crítica de la misma, nos hallamos ante un film que podría haber estado mejor, de eso no hay duda, pero viendo el actual estado del cine hollywoodiense de evasión --y el film de Nolfi entra de lleno en ese grupo--, en el que, salvo honrosas excepciones, la mediocridad es la tonalidad reinante, ‘Destino oculto’ se eleva como un digno producto que cumple a la perfección con uno de los principales mandamientos del Cine: no aburrirás. Al menos desde la perspectiva de alguien como Billy Wilder, que de esto sabía un rato.

Ópera prima de George Nolfi, su mayor atractivo reside en partir de un relato corto del gran Philip K. Dick. El escritor americano ha sido la inspiración de films tan inolvidables como ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982), ‘Desafío total’ (‘Total Recall’, Paul Verhoeven, 1990) --probablemente la película que mejor ha captado el universo de Dick-- o ‘Minority Report’ (id, Steven Spielberg, 2002), aunque también ha provocado memeces de estratosférico calibre como ‘Asesinos cibernéticos’ (‘Screamers’, Christian Duguay, 1995) o ‘Next’ (id, Lee Tamahori, 2007). El relato corto ‘Adjustment Team’ sirve a Nolfi la oportunidad de estrenarse en la dirección poniendo en imágenes un libreto propio; el resultado demuestra que el hasta ahora escritor se desenvuelve mejor tras las cámaras que sobre el papel.

Nolfi no se ha caracterizado precisamente por ser un gran guionista. Dejando a un lado la lamentable ‘La sombra de la sospecha’ (‘The Sentinel’, Clark Johnson, 2006), en el resto de ocasiones las posibles deficiencias de la historia eran solventadas por la mano de cineastas tan solventes como Richard Donner --‘Timeline’ (2003)--, Steven Soderbergh --‘Ocean´s Twelve’ (2004)-- y Paul Greengrass --‘El ultimátum de Bourne’ (‘The Bourne Ultimatum, 2007)--. ‘Destino oculto’ vuelve a mostrarnos una historia que no es el colmo de la originalidad, alguna que otra contradicción, agujeros varios y cierta previsibilidad. Sin embargo, un grupo de actores que se creen lo que hacen, y la puesta en escena de Nolfi, que acentúa los aspectos más interesantes de la trama, logra elevar la película por encima de la media. Y sin trampa ni cartón. Las imágenes de ‘Destino oculto’ son tan sinceras, que por momentos alcanzan instantes de intensa verdad. Supongo que todo cineasta aspira a ello alguna vez.

Lo que podría haber sido un thriller de ciencia ficción más, con sus trampas de guión y sus efectistas momentos incluidos, se encamina en realidad hacia una historia poderosamente romántica en la que un hombre hará todo lo que esté en su mano por estar con la mujer a la que quiere. Una historia de amor con un telón de fondo de thriller con inteligentes toques de ciencia ficción, en los que Dick hacía referencia a la Guerra Fría, cuyos ecos han desparecido con el tiempo poniendo en evidencia sus connotaciones religiosas. Cualquiera podría esperar que en el film se hiciese hincapié en los aspectos fantásticos del relato; y aunque la película posee algún estimable momento de acción, la sorpresa, y con ella el disfrute, está en comprobar cómo los mejores instantes son aquellos en los que el aspecto romántico se apodera por completo del film.

Así el sentimiento más intrigante y poderoso del ser humano, esencial componente en las grandes obras artísticas de nuestra historia, se convierte en el corazón de una historia en la que no importan demasiado los porqués. Nolfi se desenvuelve con envidiable capacidad de sugestión desde el mismo instante en el que los dos protagonistas se conocen y se enamoran, y dicho momento es de una veracidad pasmosa. El milagro se produce por medio de un excelente manejo del tempo, y una labor actoral de primer orden, donde cada gesto, mirada y diálogo poseen su importancia. Nos creemos, o por lo menos yo, el flechazo; Nolfi nos ha agarrado fuerte y a partir de ese momento sólo queremos que el amor triunfe. Por el medio hay elementos que nos distraen de la misma forma que los “malvados” de la función ponen todos su medios en impedir la historia de amor entre los dos personajes centrales.

Pero ahí está el director para recordarnos lo que verdaderamente importa, la incesante lucha del personaje de un excelente Matt Damon por conseguir aquello sin lo cual no es nada. A todo aquel que aún crea que Damon es un actor mediocre, ‘Destino oculto’ es una demostración de sus naturales capacidades de interpretación. Ayudado por la cámara de Nolfi, Damon se apodera de un personaje con el que podría haber caído fácilmente en el ridículo, y con una contención asombrosa logra transmitirnos sus sentimientos. La química con Emily Blunt, también llena de naturalidad, hace el resto. Mientras tanto, un plan escrito que marca los destinos del hombre, puertas transportadoras, agentes encargados de hacer que todo vaya según lo planeado, lavados de cerebro y demás elementos de ciencia ficción, sirven para marcar el carácter atemporal del amor. Y como éste es, sobre todo, cuestión de elección, la odisea del político David Norris (Damon) acentúa esa característica. Norris ha elegido amar a una mujer y contra eso no podrá ninguna fuerza sobrenatural, ni siquiera el destino.