Escrita para la gran pantalla por Nat Faxon, Jim Rash y el propio Payne, ‘The Descendants’ es una comedia dramática protagonizada por George Clooney (que parece que volverá a ser nominado al Oscar, consolidado ya como uno de los actores más exigentes y convincentes del cine norteamericano), Judy Greer, Robert Forster, Matthew Lillard, Shailene Woodley, Amara Miller y Beau Bridges, entre otros. La historia gira en torno a Matt King (Clooney), un padre que intenta volver a conectar con sus dos hijas tras un grave accidente que deja a la madre en estado crítico; todo se empeora cuando Matt descubre que su mujer le estaba siendo infiel, obligándole a repasar su vida y tomar importantes decisiones de cara al futuro.

PD: Os recuerdo que hace unos días pudimos ver el cartel.

Vía | Dlastframe

Me despertaba cierta curiosidad esto de ‘El castor (The Beaver)’, más que por la película en sí, por la asociación entre Jodie Foster y Mel Gibson --que habían trabajado juntos como intérpretes en ‘Maverick‘-- y lo parecía percibirse como un intento por parte de la actriz y directora de sacar del fango de las malas actuaciones públicas al también actor y director Mel Gibson, por la amistad que les une. Probablemente, si me hubiesen dicho que la película consistía en que un señor habla a través de un castor y no tuviese detrás estos nombres y estas implicaciones, directamente, habría descartado la idea de verla.

Con todo ello, los primeros minutos del film me atraparon y cautivaron, gracias a grandes interpretaciones, a un humor muy bien llevado y a un planteamiento muy efectivo de la historia. Ese tono del comienzo, que se torna lo más interesante del film, por desgracia se va perdiendo para paulatinamente dejar entrar al componente melodramático. El paso de un tono a otro, que suele ser complicado, no está mal hecho, pues se produce poco a poco y el espectador supongo que en general no tiene problema para saber cómo reaccionar en cada tramo. Pero el hecho en sí de perder la capacidad de ironizar lo que provoca que la película vaya perdiendo fuerza.

Me atrae ese concepto de despegar con un personaje sumamente deprimido para presenciar su recuperación y remontada. Muchas películas han mostrado esa transformación sin siquiera situar este problema psicológico como eje central, sino únicamente para demostrar que la peripecia era tan fantástica que salvaría la vida a cualquiera. En estos casos se suele hacer ver que, si bien las terapias y curaciones habituales no han hecho nada por animar al sujeto, lo que ocurre en el film, aunque nadie pudiese pensar que vaya a ser beneficioso, transforma la vida del personaje. Aquí encuentro todos estos ingredientes, por lo que ‘El castor (The Beaver)’ me satisface en ese sentido. Incluso comulgo con ese castor, que se introduce con dificultad y que en sus primeros segundos camina sobre esa línea tan fina que separa lo que aceptamos de lo que nos resulta ridículo, porque lo entiendo como una «externalización» de lo que está dentro de la mente del protagonista.

¿Cine europeo o americano?

(Posibles spoilers) Sin embargo, un grado de irrealidad, al que se llega por el sobredimensionado de las consecuencias, impide que esa satisfacción sea plena. Podemos creernos, casi como si de una broma se tratase, esa exageración de reflotar la empresa gracias al castor y de que los subordinados no aprovechen esa muestra de locura para desbancarlo y tomar su lugar, de acuerdo. Pero la resolución general a la que se llega, en un momento en el que ya no caben las bromas, es demasiado blanda. El final es tan «americano» --pido disculpas por esta palabra, pero es una expresión, una forma de hablar: sé que en América hay otros países-- que malogra todo lo que el film había conseguido hasta ahí.

Es curioso que Foster declarase que había rodado una película muy europea. Supongo que ella, al ver que tenía algo distinto, no ha sabido dónde ubicarlo y se le ha ocurrido esa explicación. O quizá ha sido porque pensaba que en Europa se suelen hacer más films que analizan la psique de los personajes --no habrá visto cine argentino--. La directora parece tratar de justificar, asimismo, los resultados en taquilla, peores de lo esperados, diciendo que se trata de un film raro, distinto, que no es para todo el mundo, con un tono difícil... Si bien acierta en cuanto a la originalidad del tono, me gustaría que tuviese la misma razón al definir el resto de las características de su cinta, pues precisamente su falta de diferenciación con un cine familiar y rancio es que lo que desluce ‘El castor (The Beaver)’.

La subtrama del hijo adolescente (Anton Yelchin) es el peor punto del film. En un primer momento se agradece que haya una historia adicional y parece refrescante que trate sobre jóvenes e incluso que sea el relato de un inadaptado que va consiguiendo contacto humano. Pero más adelante, esta trama se torna aún más exagerada, irreal y melodramática que la de los adultos. Esa «animadora profunda» (Jennifer Lawrence), que necesita expresar la pena por la pérdida de un hermano a través del graffitti es un personaje poco creíble, aparte de cargante, y la forma en la que el chaval la salva --como el castor ha salvado a su padre-- también resuena demasiado en lo fantasioso.

Foster y Gibson

Sorprende el papel que Foster se asigna a sí misma, no porque se quede como secundaria, sino por la ínfima importancia que tiene la mujer dentro de la historia. La esposa del hombre es poco más que un cero a la izquierda y, aunque en algún momento protesta por la situación, generalmente la acepta de buen grado de una manera muy poco creíble. Esto parece que se hubiese decidido así para no crear estorbos a la historia, para permitir que el castor ejerza toda su magia. Por lo tanto, la directora se ningunea a ella misma con el propósito de engrandecer la historia que está rodando.

Si Mel Gibson ha interpretado esta película para recuperarse, creo que lo ha logrado, pues todo lo que a él se refiere sí resulta satisfactorio en el film. Es Jodie Foster quien no se ha hecho, a mi parecer, un favor a sí misma. Encarnando al mismo tiempo a Walter y al castor de acento australiano --al cual, por lo visto en los tráilers, no le ha buscado una equivalencia en el doblaje--, cambiando de registro en cuestión de décimas de segundo, demuestra tener una enorme capacidad actoral.

Conclusión

‘El castor (The Beaver)’ es una película bien rodada, en todo lo que se refiere a la cámara, y bien dirigida, en lo que se refiere a actores y forma de orquestar los elementos. Arranca de forma genial y tiene unos momentos muy divertidos en su primera mitad. Kyle Killen, autor del guion, hace un buen trabajo con los diálogos y presentación de la historia y tiene buenas ideas, como las notitas que escribe el hijo para compararse con su padre. Incluso esa voz en off que nos presenta a Walter, recurso que suelo criticar, está resuelta con gracia y provoca un inicio muy poderoso. Y es posible que todo ello ya sea suficiente para que valga la pena verla.

No obstante, según va haciendo acto de presencia el drama, que casi es melodrama, y especialmente cuando llegan las componendas finales tan moralistas y convencionales, se estropea la imagen positiva que había ofrecido hasta entonces. No sé si Foster podría haber llevado la historia por otro camino y haberle dado otro final con el mismo principio, pero al menos tendría que haber explorado la posibilidad.

Otra crítica en Blogdecine | 'El castor', Mel Gibson salva un endeble relato, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Aquí están las primeras imágenes de la primera película del cineasta bilbaíno Enrique Urbizu en ocho años, tras la formidable, e increíblemente mal vendida e infravalorada, ‘La vida mancha’ (2003), una de esas películas que te dejan huella sin que te des cuenta. En cuanto a su nueva realización, por título ‘No habrá paz para los malvados’, es un nuevo policíaco (recordemos el también magnífico ‘La caja 507’, de 2002), que sigue los avatares del investigador Santos Trinidad (un cada vez más camaleónico José Coronado, qué gran actor), quien se meterá en una compleja trama mientras, al mismo tiempo, intenta redimirse de una vida desastrosa y de un ansia de autodestrucción. Pinta muy bien, la verdad. Urbizu puede entregarnos un material de primera, dentro del tan aburrido cine español de cada año. Lástima que, aunque la película ya está terminada hace meses, haya que esperar, por motivos desconocidos, hasta el otoño para poder verla. Es muy probable, por cierto, que compita en el Festival de San Sebastián.

Acompañan a Coronado en el reparto Helena Miquel, Nadia Casado, Rodolfo Sancho, Juan José Artero, entre otros actores. La música es de Mario de Benito y la fotografía de Unax Mendía. Esperamos un nuevo tráiler, más largo y más denso. De momento habrá que conformarse con este.

Post Data: La calidad del video no es demasiado buena. En cuanto dispongamos de uno mejor actualizaremos esta entrada.

Vía | Las Horas Perdidas

Y termino con otro título de la sección “Una cierta mirada”, una de las películas más encantadoras y optimistas que pude ver durante el festival de Cannes, junto a ‘Midnight in Paris’, ‘The Artist’ y ‘Le Havre’. ‘Where Do We Go Now?’ (‘Et maintenant, on va où?’) es el segundo largometraje de la libanesa Nadine Labaki, cuatro años después de la exitosa ‘Caramel’ (‘Sukkar banat’), premio del público en el festival de San Sebastian. Su nuevo trabajo habla de un pequeña y remota localidad donde sus habitantes conviven con normalidad pese a estar divididos entre católicos y musulmanes; mientras el país está sumido en una guerra por esas diferencias religiosas, en el pueblo reina la paz, mantenida con esmero por las mujeres, las madres y las esposas de unos hombres que parecen a punto de dejarse arrastrar por sus instintos violentos y la dinámica del exterior. Aunque se da por supuesto que la acción está situada en su país, Labaki nunca especifica la localización del pueblo, y lo hace para dotar a su película de un mensaje universal, planteando el absurdo de los enfrentamientos armados, en especial los que tienen lugar entre compatriotas, vecinos o incluso familiares. Las protagonistas de la película no están dispuestas a soportar más derramamiento de sangre, más dolor y amargura, ingeniándoselas para alejar de los hombres la idea de un injustificable enfrentamiento fratricida.

La película comienza con una secuencia que es una declaración de intenciones: una procesión de mujeres vestidas de negro, unas con velos, otras con cruces, avanzan por el camino que conduce al dividido cementerio del pueblo, llevando las fotos de sus maridos, padres e hijos; pero en lugar de caminar, el grupo se mueve y baila como si estuviera ejecutando un número musical en medio del desierto. Es solo una de las muchas licencias que se toma Nadine Labaki, en una película con tono de fábula que combina con eficacia el drama y la comedia, la desgracia y la alegría, manteniendo siempre un tono ingenuo y optimista que le llena a uno de buen humor y esperanza. La directora saca mucho partido a un elenco prácticamente integrado por actores no profesionales (Labaki, también protagonista, era de las pocas con experiencia previa en cine), algo que unido a rodar en localizaciones reales aporta a la película una exquisita sensación de autenticidad, resultando por ello aún más divertidas las situaciones en las que se ven envueltos los protagonistas masculinos a causa de las estratagemas de las mujeres (el episodio de la televisión, la llegada de las bailarinas ucranianas o el desternillante giro del final). Algo descompensado, y reiterativo en sus bromas, ‘Where Do We Go Now?’ es un relato sencillo y amable que, pese a los momentos de aflicción, habla de gente buena que merece ser feliz. Lástima que en el mundo real todo sea más agrio y complicado.

En uno de los capítulos que más me emocionaron (y me siguen emocionando…) de la a menudo genial y muchas veces infravalorada serie ‘House’ (‘House M.D.’, 2004-), su personaje central, que como todos sabemos da nombre a la serie, harto de que otros personajes hablen sobre la necesidad de morir con dignidad, responde con vehemencia que: “Eso no existe. Los cuerpos se deterioran; a veces a los noventa, a veces antes de nacer; pero siempre sucede sin un atisbo de dignidad. No importa si no puedes andar, ver o limpiarte el culo. Siempre es horrendo, siempre. No se muere con dignidad, se vive con ella”. Magnífica frase, que huele a verdad y a lucidez por todos sus poros, y que puede aplicarse sin duda a la décima realización del cineasta argentino Adolfo Aristarain, titulada ‘Lugares comunes’ (2002), y bajo cuyas imágenes, en apariencia serenas, bulle con efervescencia la búsqueda de libertad personal, de razones para seguir existiendo, aunque sea con desesperada clarividencia.

Estamos hablando, por tanto, de una hermosa historia, contada con desarmante, dolorosa, casi subversiva humanidad por Aristarain, en plenitud expresiva absoluta, incapaz, una vez más, de ofrecer la mínima concesión al espectador, hablándole (sin parar…en verborrea incontenible…) de tú a tú, como un ser inteligente, proponiéndole un cine de imágenes accesibles pero un fondo tenebroso que investiga la condición humana y nuestra capacidad, o la carencia de ella, para trascender nuestra propia realidad, nuestras ideas, nuestro interior más inaccesible. Todo eso es ‘Lugares comunes’, película que se ve y se disfruta increíblemente fluida, pero que deja en nuestros corazones un poso de amargura sutil y poderosísimo, en las antípodas de un cine vistoso y amable con el interlocutor/espectador, avasallado por cuestiones que afectan a la sociedad y a los seres que (mal)viven en ella, interrogándose sobre sus propias convicciones, empatizando con dos personajes extraordinarios que, en el otoño de sus vidas, miran al abismo.

Cine hecho de palabras

Con Aristarain suele pasar lo mismo cada vez que hace una película. Algunos le acusan de que su cine es más literario que visual, que otorga una excesiva primacía a la palabra, antes que construir sus creaciones desde un punto de vista más cinemático. Para mí es un debate estéril. Al que le parezca una forma inadecuada de hacer cine, sencillamente que no vea sus películas. Aristarain no va a cambiar, y menos a estas alturas de su carrera. Sin embargo, a mí sí me parecen muy cinematográficas sus películas, y que las palabras que se desparraman por sus imágenes son parte central de ellas, ya que la puesta en escena, de una sobriedad y una elegancia admirables, es para, por y de los actores, elemento dramático máximo para el director, pues los personajes se erigen en representaciones alegóricas de sus anhelos y preocupaciones, y habla por su boca, y sienten y experimentar lo que el autor de la película. Creación de catarsis, de purificación, de purga, de despedida, de aceptación.

Al profesor de literatura Fernando Robles le prejubilan anticipadamente por rojo, por pelma, por ser un grano en el culo que, sin embargo, ama y practica magníficamente la pedagogía. Casado con una vitalista (y española) trabajadora social, Robles tendrá que empezar de nuevo su vida, cuando la ancianidad empieza a asomar tras cada esquina. Se reencontrará con su hijo, se reafirmará en sus amigos, se lanzará a la aventura de no saber quién es uno mismo, de perderse para tener que encontrarse. Aristarain y su guionista Kathy Saavedra huye conscientemente de una idealización de Robles, al que no le preocupa cargar de defectos para que convivan con sus vigorosas virtudes. Mucho más luminoso es el personaje de la mujer, Liliana, auténtico descanso del guerrero, amansadora de fieras intelectuales, detentadora de la paciencia, del amor sin límites y sin razones. Si él es el alma de la película, ella es el corazón. El resto de personajes, aunque muy secundarios, no desmerecen, en un collage de rostros y caracteres tan vivo como la vida misma. O más.

Huelga decir que Federico Luppi y Mercedes Sampietro están perfectos en ambos papeles. Más que perfectos. Ellos son Fernando y Liliana. Ambos sostienen la secuencia sobre sus hombres como dos titanes de la interpretación, de los diálogos, de los rostros, de las réplicas. Astros dramáticos en torno a los que gira cada movimiento de cámara, cada corte de montaje. Más aún si, como es mi caso, sientes a este matrimonio tan cercano en tu vida personal, tan parecido a seres a los que tanto quieres y tanto necesitas, cuyo drama se parece a ciertos dramas que vives cada día. Y en ese caso privilegiado (o maldito…) eres capaz de darte cuenta de lo bello, de lo terrible de una narración como esta, que no da espacio para lugares comunes, ni para paños calientes, ni para respuestas. Sólo para preguntas, y para la eterna duda de los que no somos más que motas infinitesimales del universo, haches atronadoras.

En pocas palabras: el que espere aquí una razón para la evasión del fin de semana, va a salir defraudado y seguramente tarifando, despreciando sin ambages esta película, y probablemente con buenas razones para ello. Pero el que esté de humor para el existencialismo, el que guste del disgusto de una vida malgastada y sin sentido (como toda vida que merece la pena ser vivida) tiene en ‘Lugares comunes’ una parada obligada en la que abrevar y reflexionar sobre su propia condición. Esta película tiene algo que hace que te enamores de ella como un adolescente, y que te revuelva las tripas como un anciano a las puertas de la muerte. Nunca la mirada de Aristarain, o el rostro de Federico Luppi, o la voz maravillosa de Sampietro, destilaron tanta amargura, pero también tantas ganas de vivir, tanto amor por el cine y la literatura. No es una película perfecta, pero es perfecta para los corazones cerrados por derribo.

Uf, ¿se supone que debes desear ver más? Me lo pasé estupendamente con ‘Happy Feet’ (2006), pero a esto no le veo la gracia por ningún lado. Warner Bros. Pictures ha lanzado ya el teaser o primer tráiler de ‘Happy Feet 2’, que se estrena el próximo 18 de noviembre, en salas 2D, 3D e IMAX. De la secuela se ha encargado nuevamente el director George Miller, cuya nueva entrega de ‘Mad Max’ sigue parada, al menos hasta que Tom Hardy acabe su trabajo en ‘The Dark Knight Rises’.

Escrita por el propio Miller, ‘Happy Feet 2’, o ‘Happy Feet Two’, nos devuelve a la Antártida, donde Mumble tiene que enfrentarse a nuevos conflictos; por un lado, su hijo Erik le ha desplazado como modelo tras conocer a Sven, un pingüino que puede volar (??), por otro, unas poderosas fuerzas ponen en peligro su mundo, y la única manera de impedirlo es que Mumble se convierta en el líder de la nación de los pingüinos y consiga la ayuda del resto de animales con los que conviven. Elijah Wood, Robin Williams, Hank Azaria, Alecia Moore (Pink), Elizabeth Daily, Sofia Vergara, Brad Pitt y Matt Damon, entre otros, prestan sus voces a los protagonistas. John Powell pone la música.

PD: Desde ‘Babe’ (1998), Miller ha dirigido ‘Happy Feet’ y ‘Happy Feet 2’. Woody Allen hizo trece películas en el mismo tiempo.

• Festival de Cannes 2011: ‘El castor’ (Jodie Foster) y ‘Footnote’ (Joseph Cedar)

‘Brutal Box’

Dirección: Óscar Rojo Martín. País: España. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Óscar Rojo (Carlos Martín), Mario de la Rosa (taxista), Rafa Rojas-Díez (Pedro), Leire López del Pueyo (Luci), Esther Gurillo (Carla), Vanesa Escribano (Ana), Eliya Shenhav (Johanna), Layla González-Baidi (Rosa), Ángel Acero (hombre de negocios), Fran Arroyo (el Chano). Guion: Óscar Rojo y Ricardo de Santiago. Producción: Cristina Gallo. Música: Dowty Ebi. Fotografía: José Martín. Montaje: David Gutiérrez de Soto. Dirección artística: Sara Rodríguez. Vestuario: María Solans.

Sinopsis: Las circunstancias y una dramática situación personal llevan a Carlos Martín, un vendedor editorial y padre de familia en paro, a crear una página web de contenidos extremos: Brutal Box. El éxito que esta web alcanza en su primer año de vida despierta el interés de las principales multinacionales del sector. Una de estas compañías, Intercont, entra en el proceso de negociación para la posible compra de la web. Pero en Brutal Box nada es lo que parece.

¿Qué podemos esperar?: Entre un castor de trapo y cine español es evidente que yo me quedo con el animalejo.

‘Nowhere Boy’

Dirección: Sam Taylor-Wood. País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 98 min. Género: Biopic, drama, musical. Interpretación: Aaron Johnson (John Lenn0n), Kristin Scott Thomas (Mimi Smith), David Threlfall (tío George), Anne-Marie Duff (Julia), Ophelia Lovibond (Marie), Thomas Brodie Sangster (Paul McCartney). Guion: Matt Greenhalgh. Producción: Robert Bernstein, Douglas Rae y Kevin Loader. Música: Alison Goldfrapp y Will Gregory. Fotografía: Seamus McGarvey. Montaje: Lisa Gunning. Diseño de producción: Alice Normington. Vestuario: Julian Day. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: ‘Nowhere boy’ nos traslada al Liverpool de 1955, donde nos encontraremos con un quinceañero inteligente y rebelde, sediento de vida. Una familia en la que abundan los secretos, con dos mujeres enfrentadas respecto al futuro de este chico, John Lennon: Mimi, la tía severa que lo ha criado, y Julia, su madre llena de vitalidad. Impulsado por su deseo de tener una familia normal, John se refugia en el nuevo y excitante mundo del rock, donde su genio inmaduro encuentra su alma gemela en el adolescente Paul McCartney. Pero justamente cuando John está a punto de empezar una nueva vida, sufre una trágica pérdida. El joven Lennon, entonces, tendrá que encontrar fuerzas suficientes para seguir adelante, y su voz resonará por todo el mundo dando vida al mito.

¿Qué podemos esperar?: Entre un castor de trapo y John Lennon es evidente que me quedo con el músico. En este caso hablamos de un biopic que recoge los primeros años de Lennon, y salvo excepciones los biopics me suelen interesar más bien poco.

‘Pequeñas mentiras sin importancia’

Título original: Les petits mouchoirs. Dirección y guion: Guillaume Canet. País: Francia. Año: 2010. Duración: 154 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: François Cluzet (Max), Marion Cotillard (Marie), Benoît Magimel (Vincent), Gilles Lellouche (Éric), Jean Dujardin (Ludo), Laurent Lafitte (Antoine). Producción: Alain Attal. Fotografía: Christophe Offenstein. Montaje: Hervé de Luze. Diseño de producción: Philippe Chiffre. Vestuario: Carine Sarfati. Distribuidora: A Contracorriente Films.

Sinopsis: En ‘Pequeñas mentiras sin importancia’ conoceremos a un grupo de amigos que tiene la costumbre de reunirse en sus vacaciones de verano. Este año, deciden no romper esta tradición a pesar de que uno de ellos ha sufrido un accidente en París unos días antes de partir. Ya en la playa, sus contradicciones afloran y su amistad se pone a prueba. Juntos se verán obligados a convivir con esas pequeñas mentiras sin importancia que se dicen cada día.

¿Qué podemos esperar?: Entre un castor de trapo y Marion Cotillard me quedo con la actriz francesa, evidentemente. Lo cierto es que entre muchas cosas del mundo y la Cotillard, me quedo con la actriz… ¿De qué estaba hablando?

Vía | LaButaca.net

Ya ha aparecido la primera foto oficial de ‘Cosmopolis’, la nueva película del canadiense David Cronenberg. Ha sido su hija, la fotógrafa Caitlin Cronenberg, quien ha puesto en circulación la imagen, en la que aparece uno de los actores más deseados y también más odiados del planeta. Robert Pattinson, todavía en nuestras carteleras con la entretenida ‘Agua para elefantes’ (‘Water for Elephants’, 2011), es el protagonista de esta adaptación de la novela homónima de Don DeLillo, donde da vida a un hombre que lo pierde todo en un solo día; en principio el papel iba a ser para Colin Farrell, quien tuvo que abandonar el proyecto por su compromiso con el remake de ‘Desafío total’, del que hemos hablado hace unas horas. Espero que no tengamos que lamentar este cambio.

La que acompaña a Pattinson en la imagen es Sarah Gadon, una chica que pese a su juventud ya cuenta con una amplia experiencia como actriz, sobre todo en televisión. Aparte de estos dos, en el reparto figuran Juliette Binoche, Paul Giamatti, Mathieu Amalric, Samantha Morton, Kevin Durand y Jay Baruchel, entre otros. Con guion de Cronenberg y un presupuesto de 20 millones de dólares, ‘Cosmopolis’ gira en torno al joven multimillonario Eric Packer, quien al salir en busca de un corte de pelo llegará a perder toda su fortuna en una odisea de 24 horas por las calles de Manhattan. Por el momento no hay fecha de estreno. Por cierto, se rumorea que la anterior película del canadiense, ‘A Dangerous Method’, podría estar lista para ser presentada en la próxima Mostra de Venecia (septiembre).

PD: Marion Cotillard también estaba vinculada a este proyecto, pero lo abandonó a causa de su embarazo.

Vía | Twitter