‘Detrás de las paredes’ es un thriller sobrenatural protagonizado por Daniel Craig, Rachel Weisz y Naomi Watts, que se estrenó el pasado fin de semana en EE.UU. con malas críticas y una taquilla decepcionante. Un fiasco que se comprende mejor tras descubrir que Sheridan empezó a filmar con un guion que no le gustaba, y que intentó corregir con improvisaciones, dando lugar a un primer montaje que al parecer no gustó a nadie; en Morgan Creek, productora del desaguisado, ordenaron filmar más escenas y montar otra versión, que es la que finalmente ha llegado a los cines con el resultado ya comentado. Igual no es tan desastrosa, pero a priori lo único que puedo pensar es que han tirado a la basura una película de 50 millones de dólares con tres estrellas en el reparto…

Por su parte, ‘Dredd’ es el título de la segunda adaptación cinematográfica del cómic ‘Juez Dredd’, dieciséis años después de la fallida película que protagonizó Sylvester Stallone. Karl Urban, Lena Headey y Olivia Thirlby encabezan el reparto de la nueva versión (en teoría más fiel al cómic) dirigida por Travis, quien ha sido apartado por irreconciliables diferencias creativas con los productores y ejecutivos de IM Global y Lionsgate. Alex Garland, guionista y productor del film, se encargará de terminar el trabajo que ha abandonado Travis, lo que incluirá muy posiblemente rodar nuevas escenas. En principio, la fecha del estreno sigue intacta, 21 de septiembre de 2012.

PD: Sheridan ya tiene entre manos un nuevo proyecto, ‘Sheriff Street Stories’, una pequeña historia irlandesa sobre su juventud.

Vía | LATimes

Cuando se comenta una película que adapta una novela, normalmente se tiene la necesidad de hacer comparaciones, de buscar las diferencias y de analizar las omisiones, los tramos o personajes del texto original que han sido modificados o suprimidos, pues se suele partir de un material demasiado extenso, o de un presupuesto excesivo para poder plasmar determinados pasajes en la pantalla. El caso de ‘El almuerzo desnudo’ (‘Naked Lunch’) es muy singular, ya que si uno lee el libro de William S. Burroughs (publicado en 1959) y luego ve la película que dirigió David Cronenberg, notará enseguida que prácticamente son dos obras diferentes. El cineasta canadiense no se ciñe a lo que se narra en el libro para crear su película, intenta plasmar su espíritu, sirviéndose para ello de otras obras de Burroughs y de la propia vida del escritor, al que admiraba desde muy joven. En otras palabras, no es una adaptación fiel del texto original, pero su sangre recorre las venas del film de Cronenberg.

En el insulso “making of” que se incluye en la edición española en DVD de ‘El almuerzo desnudo’, el productor Jeremy Thomas cuenta que conoció al director de ‘Videodrome’ en 1983 durante el festival de Toronto, y éste le comentó su intención de llevar al cine la controvertida novela de Burroughs. Thomas pensaba que ‘El almuerzo desnudo’ era imposible de adaptar, pero al hablar con Cronenberg cambió de idea y compró los derechos de la obra, animando al canadiense a ponerse a trabajar cuanto antes. Diferentes circunstancias impidieron tal cosa y no fue hasta 1991 cuando, por fin, pudo comenzar el rodaje de la película, y no se pudo filmar en Tánger como se deseaba, pues era allí donde vivía Burroughs cuando escribió los retazos que acabaron formando ‘El almuerzo desnudo’, por lo que tuvieron que representarse en una nave industrial de Toronto los escenarios que el protagonista relaciona con el mundo irreal de la Interzona. Otro ejercicio habitual cuando se trata de adaptaciones cinematográficas es imaginar qué otro director podría haber llevado a cabo la tarea, quizá con mejores resultados. Por su probada osadía temática y visual, Cronenberg resultaba una opción lógica para adentrarse con éxito en la obra de Burroughs; entendió que la mejor manera de hacer el trabajo era fundir su mundo creativo con el del escritor, y dar origen a algo nuevo, único.

Después de una secuencia de créditos inspirada en los trabajos de Saul Bass que al ritmo de música jazz (de Ornette Coleman, uno de los dos compositores de la banda sonora, el otro es el colaborador habitual del realizador, Howard Shore) parece anunciar un alucinado relato de dibujos animados, ‘El almuerzo desnudo’ arranca presentándonos a Bill Lee (seudónimo de Burroughs), un exterminador de cucarachas con pinta de detective de una película de los años 50. Da la impresión de que Bill, un hombre aparentemente poco apropiado para ese trabajo, lo necesita desesperadamente, como una última oportunidad para sobrevivir en esa cloaca de ciudad en la que se mueve (¿la peor zona de Nueva York?). Pero ha vuelto a meterse en problemas; en la primera secuencia descubre que se ha quedado sin polvo insecticida y cuando lo comunica en la empresa, le acusan de haberlo consumido, como una droga, y se le niega otra ración. Es interesante esta otra faceta del mata-cucarachas, porque, visto así, Bill podría ser un traficante y los insectos serían sus clientes, que mueren tras consumir su producto. La escena de la charla entre los exterminadores refuerza esta idea, pero el aspecto demacrado de éstos y la presunción de que Bill se droga con el insecticida, como algo normal, da a entender que todos son iguales realmente, que todos van y vienen de la misma alcantarilla.

Pero todo esto tendrá sentido más adelante, por el momento para el espectador resulta un tanto increíble que sea cierta la acusación que pesa sobre Bill, ¿quién en su sano juicio se iba a meter insecticida en el cuerpo? Nadie, desde luego, pero aquí no hay muchos personajes que conserven el juicio. La obra de Burroughs habla de yonquis, de personas descontroladas que necesitan el estímulo de la droga, de despojos humanos que se arrastran y hacen lo que sea para conseguir una dosis. Habituado con el tema de la degradación del ser humano, Cronenberg nos acerca la descarnada mirada de Burroughs desde su propia perspectiva, jugando con símbolos y metáforas que no siempre respetan la intencionalidad del escritor, llevadas a su terreno, trasladando al espectador las sensaciones y experiencias de un personaje cuya realidad queda distorsionada tras sucumbir a las drogas, hasta el punto de no ser capaz de distinguir dónde termina lo real y empieza lo que construye su imaginación, de una manera similar a lo que le ocurría al protagonista de ‘Videodrome’ después de acceder a un canal prohibido. ‘Inseparables’ (‘Dead Ringers’) estaba demasiado reciente, así que el cineasta opta por dejar de lado el daño de la adicción, y centrarse en el retorcido proceso vital y creativo que inicia Bill.

Las mujeres no son seres humanos, Bill. O quizá más concretamente, pertenecen a una especie diferente a la del hombre… con diferentes deseos y diferentes propósitos en la Tierra.

La primera vez que vemos a Joan Lee, la esposa del protagonista, se resuelve el misterio de la falta de insecticida. Es ella la que se lo está inyectando. Es un chute kafkiano dice Joan (“uno se siente como un insecto”, recordando lo que ocurre en ‘La mosca’) con expresión extasiada, y pronto conseguirá que Bill sucumba al placer que proporciona ese polvo amarillo (Peter Suschitzky, encargado de la fotografía, parece bañar la película con tonos amarillos y marrones). Aquí tenemos otra relación, el consumo de la droga y el sexo; entregado a su adicción, fuente de plena satisfacción, los personajes practican el sexo de una manera abierta y despreocupada, entendido como algo meramente divertido que puedes hacer con cualquiera (la escena en la que Bill es invitado a formar parte de una orgía con su mujer y amigos), sin necesidad ni posibilidad de alcanzar el orgasmo, una idea que casa con la desconexión de estos adictos con sus propios cuerpos, que se transforman en un medio para conseguir las sustancias que los mantiene felices y equilibrados, dentro de su propio desequilibrio. Se entregan a todo tipo de perversiones como marionetas sin voluntad, pudiendo quedar a merced de los caprichos de sus “dueños” por una dosis.

Una de las muchas libertades que se toma Cronenberg con la adaptación de ‘El almuerzo desnudo’ es incluir a personas y episodios de la vida de Burroughs, en un intento por capturar su esencia, su forma de pensar y su escritura. Los dos amigos de Bill son alter egos de Jack Kerouac y Allen Ginsberg, otros reconocidos autores de la generación “beat”, y la mujer sería Joan Vollmer, la segunda esposa de Burroughs, fallecida tras un extraño incidente en México que Cronenberg recrea en la película hasta en dos ocasiones; Burroughs ha confesado que no puede dejar de vincular la muerte de Joan al comienzo de su carrera como escritor, de ahí que el Bill Lee al que encarna Peter Weller cometa esos accidentes con las dos mujeres con las que se relaciona (ambas interpretadas por Judy Davis), como si fuese algo necesario para liberarse, despegar, y trabajar. O escribir informes como agente infiltrado en la Interzona para poder destapar la conspiración de los malvados ciempiés, si nos atenemos a la visión fantástica de la historia. Quizá por el sentimiento de culpa, Bill es un personaje triste y melancólico; asimismo, Cronenberg dibuja a un personaje que se resiste a aceptar su condición homosexual (solo por la misión, inventada por él mismo) ya que considera que esto mismo le ocurría a Burroughs.

‘El almuerzo desnudo’ puede decepcionar a los fans de Burroughs por las notables diferencias con su obra, y desorientar, y por tanto incomodar e irritar, al público que busque una película convencional del mismo director de ‘Scanners’ o ‘La mosca’; desde luego, no es un trabajo redondo, sobran los subrayados (dos escenas donde se mata a una cucaracha con aliento a insecticida) y las aclaraciones que intentan guiar al espectador (los amigos descubriendo el interior de la bolsa de Bill), dan la sensación de que Cronenberg no sabe bien por dónde continuar y da vueltas buscando nuevos resultados de ideas expuestas. Pero como pasa en todas sus películas, incluso las menos acertadas, siempre nos podemos quedar con algunas potentes imágenes, el ambiente enfermizo que traspasa la pantalla y el ingenio del realizador a la hora de aprovechar los recursos a su alcance (como sus actores, impecables). Máquinas de escribir convertidas en insectos que dan instrucciones y buscan placer, extrañas criaturas (“mugwumps”) de las que emana una sustancia terriblemente adictiva, cabezas con teclas en lugar de dientes, monstruos sedientos de sexo, hombres que se esconden en cuerpos de mujeres, telepatía… elementos de un perturbador, cómico, ambiguo, enfermizo y paranoico viaje que se disfruta mejor si se sigue el consejo que sugería uno de los carteles de la película: abandonar toda lógica.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

'Stereo'

'Crimes of the Future'

'Vinieron de dentro de...'

'Rabia'

'Fast Company'

'Cromosoma 3'

'Scanners... su solo pensamiento podía matar'

'Videodrome'

'La zona muerta'

'La mosca'

‘Inseparables’

Se ha proyectado en el Festival de Sitges la cinta británica ‘Attack the Block’ (2011), escrita y dirigida por Joe Cornish, que llegará a salas comerciales el 9 de diciembre y cuyo tráiler ya había compartido aquí. En aquel momento, hablaba de una película desconocida, de la que me atraían el concepto de partida: los alienígenas atacando un barrio suburbial londinense , y uno de sus actores, Nick Frost, el eterno compañero de Simon Pegg. Esperaba, con todo ello, una propuesta más extraña y friqui, con la que poder pasar un rato divertido.

‘Attack the Block’ resulta ser mucho más correcta de lo esperable, pues tiene una factura digna, una iluminación muy conseguida y sabe explotar al máximo esos espacios imposibles que forman los bloques de viviendas sociales de arquitectura monstruosa. Como contrapartida, no tiene nada que la convierta en especial o la diferencie de otras. El humor no es uno de sus puntos fuertes, no porque falle en ese sentido, sino porque sus intenciones no van por ahí, reservando casi todos los intentos al efecto para el personaje de Frost y para un compañero suyo, pero sin presentar la gracia que este actor ha tenido en todo lo que hemos visto de él hasta ahora, ya fuese para televisión, ‘Spaced’, como para cine: ‘Zombies Party’, ‘Arma fatal’ o ‘ Paul’.

La aventura, que al fin y al cabo es el género en el que más se zambulle esta película, se torna muy canónica. La manera en la que se presenta la acción, así como el final heroico se me antojan demasiado adolescentes, como si el film se dirigiese a un público de la edad de sus protagonistas. No lo suscito como punto en contra, ya que es muy lícito escoger una franja de edad para encontrar a tus seguidores, pero sí resulta un punto flaco desde mi punto de vista. Es lo más parecido a un film casero, rodado por chavales de esas edades, pero con presupuesto. Las ideas que componen el guion, es decir, las estratagemas y los planes para acabar con los monstruitos, podrían perfectamente haber salido de mentes menores de edad, lo que responde a una lógica de la verosimilitud.

La posibilidad de resultar un film mayor se queda en la faceta social con una crítica evidente, pero no por ello menos acertada, que se coloca en forma de paranoia del protagonista, pero que no se aleja de la realidad tanto como suelen estar otras teorías de la conspiración. Y es que, en definitiva, este aspecto es el que le da la razón de ser a ‘Attack the Block’, ya que, si tuviese lugar en una parte diferentes de la ciudad, carecería por completo de sentido. Por ese motivo, una se queda con ganas de que se hiciese un remake en algún barrio bajo español en el que los pokeros y las chonis peleasen contra los extraterrestres -un título adecuado sería “ataque al polígono“-.

Que el film no haya terminado de llegarme o no haya resultado ser lo que me esperaba, podría explicarse en que las referencias británicas o generacionales desde aquí y desde esta edad solo puedo entenderlas a medias. Pero esa distancia no es lo único que me aleja del disfrute completo de la película, ya que con la más que recomendable serie ‘Misfits’, que transcurre en un ambiente similar y con jóvenes de edades y extracciones sociales semejantes, no me sucede lo mismo. La gran diferencia radica en que los personajes de las temporadas televisivas son sumamente carismáticos, diferenciados entre sí y muy particulares. Aquí esos acertados y atrayentes retratos brillan por su ausencia, pues todos los protagonistas de ‘Attack the Block’ comparten identidades muy similares y planas.

Las películas de monstruos surgieron mostrándonos enemigos peligrosos por su bestialidad y sus capacidades físicas, pero carentes de inteligencia para combatir de forma efectiva a los humanos. Era volver a la época en la que el homo sapiens sapiens, siendo más pequeño, débil y lento que cualquier otro animal, podía derrotarlo en la caza gracias a los instrumentos y trampas que diseñaba. No tardaron los creadores en darse cuenta de que dotar a estas amenazas de cierta inteligencia tornaba las películas más interesantes y las llenaba de tensión. Así se han humanizado animales como el ‘Tiburón’ o los velocirraptores de ‘Parque Jurásico’, por poner solo dos ejemplos de muchísimos posibles. Cuando el monstruo de una película no tiene estas capacidades, su amenaza es mucho más limitada, pues no puede engañarte, disfrazarse, ocultarse... y la intriga es menor.

En conclusión, ‘Attack the Block’ funciona de forma solvente como film de aventuras y acción: entretiene sin cesar y presenta uno de los arranques más inmediatos que he visto en mucho tiempo. Por otra parte, se queda corta en el retrato de personajes individuales y reseñables y apenas explota sus posibilidades humorísticas. Diseña unos extraterrestres interesantes visualmente, pero con poco que aportar en el resto de los sentidos. Quizá si hubiese sido más mala o hubiese estado peor rodada, tendría más miga como peli basura para ver con los colegas y echarse unas risas. Pero su corrección es lo que más la convierte en anodina.

Mi puntuación:

Mancini, a pesar de ser más conocido por sus trabajos para comedias (y en especial por componer para Blake Edwards durante muchos años), fue capaz de experimentar con el terror, el suspense o el musical, alcanzó una gran popularidad en la década de los sesenta y setenta. Y al margen de las grandes bandas sonoras también compuso grandes canciones para películas inolvidables. Influenciado por ritmos latinos y, sobre todo, por el jazz. Sin olvidar temas para televisión, Mancini ganó 20 premios Grammy y logró 17 nominaciones al Oscar (alzándose en cuatro ocasiones con el premio).

Y es que Mancini consiguió convertirse en un compositor muy popular gracias su gran habilidad para adaptar sonidos, ritmos e influencias de cada época en la que trabajó. Precoz en su dedicación por entero a ser compositor para el cine, pasó algunos años ligado a Universal Pictures (a comienzos de los 50) donde trabajó a destajo, en más de 100 películas, aunque la mayoría de bajo presupuesto. Pero le sirvió para desarrollar su habilidad como compositor y arreglista, además de que supo alcanzar esa proximidad con el espectador de la época con composiciones y melodías pegadizas.

Pero repasemos las diez mejores bandas sonoras de Henry Mancini, tarea nada fácil por sus grandes trabajos.

‘Sed de mal’ (1958)

Hasta llegar a componer la banda sonora de esta obra maestra de Orson Welles, Mancini trabajó a destajo en Universal y empezó a labrarse un nombre. Tanto como para que le confiaran la partitura de este film de cine negro que le puso a prueba y del que salió muy bien parado. Welles estuvo más preocupado de otros asuntos y se desentendió de la música, así Mancini se sintió libre y consiguió un gran trabajo fusionando instrumentos de percusión y subrayando la intensidad de los grandes momentos de ‘Sed de mal’.

‘Desayuno con diamantes’ (1961)

Ahora que se cumple el 50º aniversario del film mítico de Blake Edwards, hay que reconocer lo mucho que tuvo que ver también la excelente música de Mancini, con la que logró una fama mundial y consiguió además, que su tema ‘Moon River’ se convirtiera en uno de las canciones más famosas, pegadizas e inolvidables de la historia del cine. Casi nada.

‘Hatari!’ (1962)

Cambiando de registro, Mancini tras el fulgurante éxito anterior se lanza a esta producción donde tiene consigue mezclar con atrevimiento tonos de jazz y música africana, con aire exótico, tambores africanos, pero sin perder un ápice de calidad en sus melodías. Una mezcla que resulta muy apropiada para ‘Hatari!’, demostró de lo que era capaz y sorprendió a muchos.

‘Charada’ (1963)

Regresando de nuevo a la comedia, esta vez para Stanley Donen, Mancini consigue una música que consigue mezclar muchos ritmos diferentes, desde latinos a música clásica y también bolero, bossa nova,... todo para otorgar ese aire dinámico, de suspense del film. Era difícil pero consigue darle una coherencia al conjunto de forma muy brillante. De nuevo demuestra que en esta época alcanza su cota más alta de inspiración.

‘Días de vino y rosas’ (1963)

Otro magistral trabajo para Blake Edwards en otra cinta inolvidable de la época. También acompañada de una canción inolvidable, popular y versionada hasta la saciedad (junto con el gran Johnny Mercer).

‘La pantera rosa’ (1964)

Qué podemos decir de esta música. Un tema universal que convirtió a Henry Mancini en un ídolo y en un compositor de gran fama y popularidad. Brillante música donde demuestra su gran dominio de las melodías con tonos de jazz.

‘Dear Heart’ (1964)

Sin salirse de la comedia, esta vez para Delbert Mann, de nuevo Mancini demuestra que es donde mejor se mueve, donde mejor sabe resolver su música, ya por aquel entonces inconfundible. Y de nuevo viene acompañada su banda sonora de una canción del mismo título que ayuda a su gran popularidad. Aquí con acompañamiento coral.

‘El nuevo caso del inspector Clouseau’ (1964)

De nuevo repitiendo éxito anterior y ampliando la saga con su inestimable aportación musical. Para muchos consiguió superar incluso a ‘La pantera rosa’ y convertirse en uno de sus mejores y más completos trabajos. Aunque queda ensombrecida por la gran repercusión de su tema principal.

‘Dos en la carretera’ (1967)

De nuevo para Stanley Donen (y también con Audrey Hepburn), Mancini repite esquema, una banda sonora melódica, con mezcla de ritmos, muy variado y al que completa con una canción del mismo título que contribuye, una vez más, al éxito y reconocimiento.

‘El guateque’ (1968)

Concluimos con otra de sus obras cumbres y con la que demuestra ser uno de los más grandes de la década de los sesenta. Esta genial y absolutamente divertida comedia de Blake Edwards cuenta con una banda sonora propia del estilo de Mancini. Aquí se reunió de grandes intérpretes como el saxofonista Plas Johnson, el pianista Jimmy Rowles y el batería Shelly Manne.

Bonus Track: ‘Peter Gunn’ (1958)

Como habíamos mencionado, Mancini también trabajó mucho para televisión, y uno de sus trabajos más memorables fuera para la serie ‘Peter Gunn’, creada por Blake Edwards, como no. Era la historia de un peculiar detective privado con mucho estilo. Solo tres temporadas pero la música de Mancini fue esencial para su gran popularidad. Por cierto, el tema principal es una absoluta genialidad.

En Spotify | Playlist de Henry Mancini

En Blogdecine:

Las diez mejores bandas sonoras de:

• Dimitri Tiomkin
• Thomas Newman
• James Horner
• Danny Elfman
• Hans Zimmer
• Elmer Bernstein
• Bernard Herrmann
• Ennio Morricone
• Jerry Goldsmith

• John Williams