Se habla mucho estos meses de reciclados, homenajes y revisitaciones de formas y estilos de tiempos pasados. Tal y como apuntaba en mi texto sobre la infame ‘Perros de paja’ (‘Straw Dogs’, Rod Lurie, 2011), los remakes llevan haciéndose desde que el cine es cine. Lo mismo ocurre con esas películas que parecen tomar prestado de otras, puesto que el séptimo arte, como todas las demás artes, se retroalimenta para dar paso a nuevas formas de narrar historias. Nicolas Winding Refn lo ha entendido muy bien, y con ‘Drive’ (id, 2010) --recientemente ninguneada en las nominaciones a los Oscars, optando sólo al montaje de sonido-- nos ha regalado un thriller, cuyas fuentes de inspiración son de lo más variopintas, no quedándose únicamente en eso. ‘Drive’ es un claro ejemplo de influencia bien asimilada y respira con vida propia en cada uno de sus intensos fotogramas.

La historia es sencilla, que no simple, y el provecho que se saca de ella es máximo. Ryan Gosling, también ninguneado en las nominaciones y ya no sólo por este film, da vida a un conductor de coches que trabaja en un taller y de especialista de cine, pero también tiene otro curioso trabajo: es chófer en atracos. Su vida se complica cuando conoce a una chica y su hijo pequeño. El marido de ésta acaba de salir de la cárcel y debe dinero por protección. Nuestro héroe, por amor, decidirá ayudarle y como consecuencia una serie de hechos fatídicos tendrá lugar. En la mejor tradición del Film Noir, la fatalidad y el destino por el que están marcados los personajes, serán los principales elementos de una historia que esconde más de lo que parece a simple vista. Pero si se mira con atención, ‘Drive’ se descubre ante nuestros ojos como algo más que un simple thriller.

En el excelente inicio Refn parece entender a la perfección una de las máximas de Cecil B. DeMille, dándole la vuelta hasta límites insospechados obteniendo así resultados mayores. Si DeMille decía que una película debía empezar con una explosión y de ahí para arriba, para obtener la atención del espectador, ‘Drive’ consigue lo mismo pero de forma inversa. En estos tiempos de efectos digitales por doquier, donde parece importar más la parafernalia visual, Refn apuesta por una escena que deja atado a la butaca con muy pocos elementos. Una persecución de lo más original, y en la que el fuera de campo posee un significado vital. Dicha escena no sólo es un ejemplo perfecto de palnificación, montaje y sobre todo sonido; también sirve para definir, casi sin palabras, al personaje central. Un personaje del que nunca sabremos su nombre y que toda su vida ha permanecido oculto o pasando inadvertido, exactamente igual que en dicha persecución. Pero ese dibujo del personaje, que tan bien perfila Refn con su cámara, se extiende a los demás personajes.

Y es que ‘Drive’ es una historia sobre la soledad, la de personajes perdidos en la inmensidad de una ciudad, y abocados al peor de los destinos. La misma soledad que hereda de sus referentes más directos, aquellos que van desde el Melville más reconocido de ‘El silencio de un hombre’ (‘Le samouraï’, 1967), cualquier cinta de Robert Bresson, con el existencialismo incluido, o la de ‘Driver’ (‘The Driver’, Walter Hill, 1978), esa maravilla donde Ryan O´Neal se mostraba tan hierático y frío como aquí Ryan Gosling, cuya composición, que bordea la parodia, parece una mezcla del mencionado y Steve McQueen. Podemos ir más hacia atrás y comprobar como Refn alude sin prejuicios a la romántica soledad del héroe del western. ‘Raíces profundas’ (‘Shane’, George Stevens, 1953) sería el ejemplo adecuado, y la historia es prácticamente la misma. El eterno pistolero cambia el caballo por un coche, la mujer casada por una joven que ha sido madre demasiado pronto, y las praderas por una ciudad, que se torna tan salvaje y peligrosa que parece engullirlos a todos.

Refn sabe perfectamente que todas las historias han sido contadas. El milagro está en la forma, y lejos de querer contentar al espectador actual le invita a la reflexión con un tratamiento en la imagen realmente exquisito. Todo está ahí. Todo. El conductor sin nombre parece no tener pasado y tampoco futuro. La dilatación del tiempo haría las delicias del mismísimo Sergio Leone, al igual que los largos silencios en los que una mirada dice más que muchas palabras, y en los que la historia de amor nace a raíz del afecto más que del deseo sexual. Éste aparece únicamente en la antológica secuencia del ascensor, donde Refn detiene literalmente el tiempo para un beso ansiado, quizá anhelado, como metáfora del deseo de otra vida mejor; y si aceptamos el sexo como un acto violento por naturaleza, la explosión de violencia posterior es de lo más lógica y coherente. Pocas escenas en el cine actual han dicho tanto como esa, mezclando sabiamente elementos de lo más reconocido.

La violencia en ‘Drive’ es prácticamente necesaria. Su contundencia recuerda a Peckinpah --tal vez sin su sentido de la coreografía--, aunque el realizador declara haberse inspirado en Gaspar Noé, pero la finalidad es otra. Aunque al igual que en las mejores cintas del maestro, los personajes no pueden escapar de su destino, Refn la utiliza para asestarnos duros golpes de realidad. Y la operación resulta de lo más curiosa y satisfactoria, pues siempre navega alrededor de la fábula, cual buen cineasta que demuestra ser. Si durante toda la historia, donde la acción física no tiene lugar, cierta irrealidad parece llenar todo el relato, la cual es interrumpida por brotes bestiales de violencia en los que incluso hace acto de presencia el gore. La exageración bien entendida como herramineta de narración, recibiendo el espectador puñetazos que más allá de desagradarnos sacude nuestras mentes.

Ryan Gosling, haciendo la interpretación de su vida, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks y Ron Perlman están simplemente perfectos. El duro solitario, la fragilidad, el perdedor, y la maldad, todos marcados por un destino común: la soledad, la irremediable y real soledad que va en consonancia con la eterna noche de una ciudad que enamoraría a Michael Mann. Kavinsky y College, entre otros, como trasunto de Morricone marcando el carácter de los personajes. Y como decía Billy Wilder, cuando una película termina otra historia comienza. Podemos imaginar así a un conductor sin nombre, de misterioso pasado llegando a otra ciudad, tal y como haría Shane, y conociendo a otra mujer, agarrándose a lo poco bueno de la vida, llena de dolor y muerte. Así es ‘Drive’.

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Este viernes 27 de enero se estrena en los cine españoles ‘J. Edgar’, la última película hasta la fecha como director de Clint Eastwood, uno de los directores más respetados de Hollywood, y uno de los últimos exponentes del cine clásico americano. En esta ocasión, ha tomado como base a J. Edgar Hoover, el responsable de que el FBI sea una de las organizaciones más respetadas de USA, contando con la colaboración en el guión de Dustin Lance Black, autor también el libreto del biopic sobre Harvey Milk que protagonizó Sean Penn. Tanto guionista como actor lograron llevarse un Oscar por su trabajo en ‘Mi nombre es Harver Milk’, algo que será imposible que suceda en ‘J. Edgar’, ya que no ha conseguido ni una sola nominación para los Oscar 2012.

Eastwood ha contado con un presupuesto de 35 millones de dólares (algo escaso si tenemos en cuenta que Leonardo DiCaprio, protagonista de la cinta, es uno de los actores más solicitados actualmente) para sacar adelante un ambicioso proyecto que recreara varias etapas de la historia americana del siglo pasado. Por ahora, ya ha recaudado 37 millones en la taquilla americana y otros 20 en el resto del mundo, aunque lo cierto es que se esperaba que tuviera unos resultados económicos algo mejores. Seguramente, la tibia recepción crítica ha ayudado a que el público no se anime a ir en masa a los cines a verla, ya que nos encontramos con quizá la película dirigida por Clint Eastwood de los últimos 20 años que peores críticas ha tenido, a lo que hay que sumar que la recepción que tuvo ‘Más allá de la vida’, su anterior trabajo, tampoco fue precisamente entusiasta.

El reparto de 'J. Edgar'

Clint Eastwood está considerado como el último gran director clásico de Hollywood, pero eso es algo que prácticamente nadie esperaba cuando comenzó su carrera como actor en los años 50 del siglo pasado con pequeñas apariciones en cintas como ‘Tarántula’. Sin embargo, fue en los 60 cuando su carrera despegó al protagonizar la famosa trilogía de spaghetti westerns dirigida por Sergio Leone. Poco después, dio el salto a la dirección con ‘Escalofrío en la noche’ y siguió dirigiendo de forma constante desde entonces, pero el auténtico reconocimiento crítico no le llegó hasta el estreno de ‘Sin perdón’, por la cual consiguió ganar el Oscar a mejor director. Desde entonces su carrera ha estado marcado por el respeto y el aprecio tanto de crítica como de público, regalándonos grandes películas como ‘Un mundo perfecto’, ‘Los puentes de Madison’ o ‘Million Dollar Baby’. En 2008 pareció cerrar su ciclo como actor en ‘Gran Torino’, pero hace unos meses se confirmó su aparición en ‘Trouble with the Curve’, que es además la primera película que protagoniza sin ser el director desde ‘En línea de fuego’ en 1993. Si queréis conocer de forma más detallada su carrera podéis echar un vistazo al especial que mi compañero Alberto le está dedicando en Blogdecine.

La gran estrella de ‘J. Edgar’ es Leonardo DiCaprio, el joven actor que fue catapultado a la fama por su aparición en ‘Titanic’ (aunque ya había sido nominado al Oscar con anterioridad por su presencia en ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’), la cual también le regaló la antipatía de cierto sector del público, el cual no empezó a tomárselo realmente en serio hasta su papel en ‘Atrápame si puedes’, la mejor película que ha dirigido Steven Spielberg en los últimos tiempos. A partir de ahí, ha ido ganando cada vez más prestigio en la industria, sin por ello dejar de aparecer en películas que reportaban pingües beneficios a sus productoras. Su relación profesional más asentada es con Martin Scorsese, con el cual por ahora ya ha colaborado en cuatro ocasiones (‘Gangs of New York’, ‘El aviador’, ‘Infiltrados’, y ‘Shutter Island’). Otra cosa que ha cuidado mucho DiCaprio es el participar en un número muy limitado de películas, pero con un interés especial, y no salir en cualquier cosa a cambio de un cheque sustancioso. El siguiente director de culto con el que va a colaborar es Quentin Tarantino en ‘Django Unchained’.

No obstante, pese a la absoluta supremacía de DiCaprio, ‘J.Edgar’ cuenta con un reparto trabajado en el que también encontraremos a, entre otros, Naomi Watts, Armie Hammer, Josh Lucas y Judi Dench. Todos ellos dan vida a personas vitales en la vida del protagonista, sin los cuales su vida hubiese sido muy diferente. Watts, la gran revelación de hace unos años en ‘Mulholland Drive’, da vida a la fiel secretaria de DiCaprio, la cual respetó sus deseos hasta más allá de su muerte. Hammer, al que algunos recordaréis por dar vida a los hermanos Winklevoss en ‘La red social’, es el fiel compañero y gran amigo de Hoover, el único miembro activo del FBI en el que podía confiar para cualquier cosa. Por su parte, Judi Dench, una actriz que no necesita presentación, es la represiva y tradicional madre del protagonista, la cual es la gran guía moral de Hoover, y cuya muerte trastocó sobremanera su vida. Por último, Josh Lucas, protagonista de la reciente teleserie que continúa las andanzas del protagonista de ‘La Tapadera’, es Charles Lindbergh, el famoso aviador que aparece en la función porque el caso del secuestro de su hijo fue el trampolín de la carrera de Hoover dentro del FBI. Sin ese caso, Hoover jamás hubiese podido desarrollar la agencia hasta los límites que tanto le obsesionaban.

Sinopsis de la película 'J. Edgar'

A lo largo de su vida, J. Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación. A través de los ojos del propio Hoover, ‘J. Edgar’ explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

Cartel y tráiler de ‘J. Edgar’

Lo que ha dicho la crítica sobre 'J. Edgar':

Siendo fiel al carácter discreto de Eastwood, ‘J. Edgar’ ofrece un tratamiento respetuoso a un tema potencialmente escandaloso, pero un enfoque algo más atrevido a lo Oliver Stone podría haber conseguido una película más viva.

(Variety)

La solemne dirección de Eastwood, el torpe guión de Dustin Lance Black y el cadavérico maquillaje de envejecimiento conspiran para distanciarse de la narración histórica y emocional. Es como un trabajo en cera parcialmente animado.

(The Wall Street Journal)

A pesar de estar sepultado bajo capas de látex, DiCaprio es una rugiente maravilla como J.Edgar Hoover. Incluso aunque la película falla en sus grandes ambiciones, no te la puedes quitar de la cabeza.

(Rolling Stone)

Eastwood renuncia a su ritmo parsimonioso por algo más rápido y conversacional, convirtiendo a ‘J.Edgar’ en un ensayo dramático sobre cómo se fusionaron la ley y la represión, el heroísmo y la corrupción, en la persona de Hoover

(Entertainment Weekly)

Una sorprendente colaboración que aborda sus retos más difíciles con credibilidad y buen gusto, al tiempo que ofrece un elaborado punto de vista cáustico al controvertido comportamiento, público y privado, del personaje.

(The Hollywood Reporter)

Una confusa selección de momentos históricos que cobra vida cuando su fascinante historia humana (...) se pone al frente. (...) Como siempre, cuando Eastwood vuelve su mirada compasiva sobre las debilidades y las emociones de sus personajes, la película vuela

(Screendaily)

Uno año más, aunque quizás este con especial énfasis, las nominaciones al Oscar proclamadas por Hollywood se mueven en la complacencia, el aburrimiento, la falta de riesgo y de justicia. Nada nuevo sobre el cielo, aunque centrándonos en el apartado de las bandas sonoras esto se hace aún más evidente.

Tenemos a una favorita, que como al film que acompaña, suena a imposible creer que no ganará la dorada estatuilla. A un genio que hace doblete, otro habitual que se cuela sin mucho ruido y a nuestro favorito. Y no sólo por un compositor patrio. Pero desgranemos las nominaciones, escuchando de fondo las bandas sonoras nominadas al Oscar 2012 y veamos sus posibilidades reales y las olvidadas.

‘The Artist’ por Ludovic Bource

En una película de estas características, donde se apuesta por el silencio de los actores, la música cobra especial protagonismo. No es de extrañar que el score de Ludovic Bource juegue un papel primordial en el film. Y buen parte de su éxito en la carrera de premios que llega. Pero a pesar de tener detractores que le acusan de “beber” de otras músicas, de diversos temas, de ser una especie de refrito, lo cierto es que la banda sonora cumple con las preferencias de la Academia de Hollywood. Y más para lo que ya se ha encalomado como la película de la temporada.

El compositor francés, casi un desconocido, aporta ese punto original a una historia de otra época y consigue trasladar el aire nostálgico y evocador que transmite el film. Aún así, no es que sea una de esas bandas sonoras que entusiasmen con suficiente profundidad. Ya veremos si pasado el hype de ‘The Artist’ Bource logra otro trabajo de suficiente altura. De momento, esta es la favorita y es difícil imaginarse que no gane.

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‘War Horse’ y 'Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio', por John Williams

La doble nominación para un maestro como Williams puede sonar a meritorio, pero lo cierto es que puede pesar en su contra. Precisamente a la hora de repartir votos no suele ser buen indicador poseer opciones por duplicado. Aunque no vamos a negar que el trabajo en el film animado de Spielberg es magnífico, quizás parezca excesiva la nominación, o mejor, muy conservadora si echamos un vistazo a otras opciones descartadas y con suficiente o más méritos.

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No podemos pensar lo mismo de ‘War Horse (Caballo de batalla)’, donde sí que logra un score a la altura de lo que se puede esperar de su genialidad, experiencia y saber hacer. Temas románticos, evocadores, que subrayan el drama y que demuestra que Williams es capaz de dar una lección soberbia de maestría. Si no tuviéramos a la película silente tan bien situada, el Óscar debería recaer en las manos, nuevamente, de este genio.

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‘La invención de Hugo’, por Howard Shore

Gran trabajo el de Shore para el film fantástico de Scorsese. Ha sabido darle la magia, envolver con una gran orquestación el ambiente y ese tono parisino peculiar. Es un trabajo muy completo del veterano Shore y era sin duda una de las grandes favoritas. Teniendo ‘La invención de Hugo’ una banda sonora espléndida nos tememos que no será la premiada, aún cuando no debería sorprender porque el trabajo es de gran calidad. Un score muy completo, que suena a magia y al nivel de los mejores trabajos del compositor.

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‘El topo’, por Alberto Iglesias

Ha llegado por méritos propios a estar entre las nominadas. Dejar fuera este año a Alberto Iglesias era poco menos que un sacrilegio. También hubiera tenido cabida su trabajo para ‘La piel que habito’, ya que con ambas ha demostrado ser el compositor más inspirado y evocador del año.

Con este trabajo, Alberto Iglesias demuestra lo que es capaz de hacer, capaz de sumergirse en clima de espionaje de la historia del film. Una auténtica joya de banda sonora, repleto de cortes soberbios que acompañan el suspense de la trama y que pone al compositor español en la cúspide de entre los grandes compositores actuales. Un trabajo sobrio, muy clásico, perfectamente acoplado, sin fisuras. Muy meritoria la nominación, pero mucho nos tememos que esto ha sido ya el máximo premio que le esperaba este año por parte de Hollywood.

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Las olvidadas: bandas sonoras que hubieran merecido la nominación

No podemos concluir este repaso musical a las nominaciones al Oscar 2012 sin recordar los trabajos que bien merecían haber logrado estar entre los cinco finalistas. Desde Desplat por ‘El árbol de la vida’ (aunque pase muy desapercibida en el film, no le resta un ápice de brillantez)

• Alan Silvestri por ‘Capitán América’

• El incombustible John Powell por ‘Rio’ (que sí cuela una canción como nominada)

• Michael Giacchino por ‘Super 8’

• Hasta Henry Jackman por ‘X-Men: primera generación’.

¿Cuáles echáis de menos y cuál es vuestra favorita? es la hora de las apuestas.

En Blogdecine: Oscar 2012 | Nominaciones

Mañana se estrena en cines de nuestro país ‘Albert Nobbs’, una película que cuenta con tres nominaciones a los Oscar: una para Glenn Close como mejor actriz principal, otra para Janet McTeer, como mejor actriz de reparto, y una al mejor maquillaje. Dirigida por Rodrigo García, hijo del escritor Gabriel García Márquez, director de televisión y de cintas cinematográficas como ‘Cosas que diría con sólo mirarla’, ‘Nueve mujeres’ o ‘Madres e hijas’; esta cinta nos habla de una mujer que se disfraza de hombre para lograr su primer trabajo y, apreciando las ventajas ofrecidas a su género, continúa tan metida en el papel que hasta internamente llega a concebir dudas sobre su sexualidad, no tanto en el sentido de sus tendencias, como en el de su identidad.

Close hace una labor excelente con muy poco, ya que su personaje destaca más por la sobriedad y la discreción que por las demostraciones de gestualidad. Es habitual que el cine fuerce a sus protagonistas a cambiar de sexo, pero suele ser más común que sean los hombres quienes pasan por mujeres y en esos casos siempre se pide más la sobreactuación que el comedimiento. La situación inversa requiere circunspección, quizá porque los hombres son más tranquilos. La actriz no solo tiene que transformarse, sino también esconder todos sus sentimientos y secretos y su papel, en el que nada de esto sufre carencias, merece todos los premios y reconocimientos.

No obstante, veo más valor al personaje de Janet McTeer, no tanto por la intérprete, sino por cómo está concebido desde el guion, ya que presenta algo más de conflicto, de facetas y de interés. Ella no nos hace imaginar, ni por un instante, que sea un hombre -de Close, si no la conociésemos, quizá nos lo habríamos creído-, sin embargo, la actriz está excelente y derrocha carisma. Es posible que el Oscar se lo lleve ella en lugar de la protagonista.

Como siguiente virtud de ‘Albert Nobbs’, se podría señalar una ambientación conseguida y cierta naturalidad en las situaciones y la generalidad de los personajes que la convierten en una película amena y, más que nada, apetecible de antemano. El tráiler nos podría hacer pensar en una versión de una sola entrega de esa deliciosa ‘Downton Abbey’ o en un complemento ligero a la maravilla que es ‘Lo que queda del día’. De la mano de Rodrigo García, un hombre que ha demostrado hasta ahora un criterio exquisito y una gran capacidad para captar la elegancia, esperaríamos más. Visualmente, recurre a algunas ideas no del todo acertadas, como los flashes de imaginaciones, que suponen exabruptos prescindibles y de dudoso gusto.

Un conflicto poco claro…

Cuando ha pasado ese primer disfrute de trasladarse a otra época e introducirse en otro mundo, en seguida queda patente que ‘Albert Nobbs’ carece de conflicto y de espina dorsal. Cuatro guionistas escribiendo una historia deberían haber hallado más sustancia. O quizá la multiplicidad de manos es las que ha impedido que se concrete en algo intenso y, en su lugar, se planteen varias cosas sin hincapié en ninguna de ellas. De esta manera, la película va planteando episodios con relativa conexión entre ellos y se basa en casualidades poco verosímiles - que a dos mujeres vestidas de hombre les toque compartir habitación- para acabar en una componenda demasiado forzada. La protagonista tiene un objetivo muy marcado, pero su persecución de esos logros se realiza de forma errática. Ya que he suscitado la comparación con ‘Downton Abbey’, concluiré que cualquiera de los conflictos que tiene cada uno de los personajes de la serie, ya sea de arriba como de abajo, tiene más progresión y contenido que el que llena toda esta película.

Por otro lado, cuenta con actores tan importantes como Jonathan Rhys Meyers solo para dar color y ambientar, sin cederle una trama secundaria que habría enriquecido el conjunto. Mia Wasikowska y Aaron Johnson sí cuentan con papeles que suponen algo para la historia. Si bien él representa al antagonista y está bien en un papel que mezcla la capacidad seductora con el rechazo de su egoísmo; ella sufre los mismos tumbos que la película, pasando de ser colaboradora a enemiga sin demasiado sentido.

...salvo que se refiera a la identidad de género

Lo que sí está bien planteado es la identidad de género y, entendiéndola como una película sobre este tema, sí podría apreciarse el conflicto que no se percibe en un planteamiento más universal. Es posible que sea con esas intenciones con las que se creó en la novela corta. Debido a que, en esa época no existían tratados al respecto, es comprensible que esta persona sintiese confusión con respecto a cómo debía vivir su vida o a qué tipo de persona tenía que buscar para situar a su lado, no porque sus gustos fuesen homosexuales, sino más bien en la cuestión social. Es muy interesante el hecho de que ni se plantee volver a vestirse como mujer -como curiosidad cabe aquí mencionar la única escena en la que ella y el personaje de McTeer se ponen vestidos, ya que es la vez en la que más parecen hombres de toda la película-. Aunque esta interpretación es la que más favorece al film, este no parece ir por ahí o, si es su propósito, lo disimula mucho, haciendo ver que se trata de una historia mucho más genérica e insustancial sobre la necesidad de guardar un secreto.

Conclusión

Mi primer impulso sería calificar a ‘Albert Nobbs’ de película insulsa, floja y facilona y, sin duda, de situarla como la peor de Rodrigo García. Lo que cuenta carece de conflicto y siquiera su mano como realizador la eleva gracias a una belleza estética que compense el resto de las carencias. Sin embargo, si la tomamos como un estudio sobre la identidad de género, se podrán ver en ella todas esas cuestiones que parece no tener: sí habría conflicto, sí tendría una razón de ser todo lo que ocurre e incluso el final tan repentino y absurdo, podría verse como una forma de demostrar la cruel ironía de la vida.

La semana pasada al hablaros de ese peliculón que es ‘Los descendientes’ os comentaba que en la actualidad damos un valor algo distorsionado a las cosas, corriendo así el riesgo de que las relaciones humanas con aquellas personas a las que más queremos no sean todo lo fuerte y estrechas que desearamos. Y eso es algo de lo que sólo nos arrepentiríamos en el momento en el que una tragedia nos priva de la compañía de alguno de ellos. No obstante, hay una posibilidad aún más grave, y es que nosotros mismos acabemos optando voluntariamente por desentendernos de un ser querido cuando se convierte en una carga demasiada pesada. Y es que no es raro que nuestros mayores lleguen a un punto en el que no pueden valerse por sí mismos, pero nosotros tampoco tengamos la capacidad para ocuparnos de ellos convenientemente. ¿Qué surge de todo esto? El abandonar a nuestros mayores en residencias para la tercera edad, donde delegamos en abolutos desconocidos el cuidado de nuestros mayores.

Lo curioso es que este tema no es algo que el cine aborde muy a menudo, ya que se ve que las historias sobre jubilados no deben tener suficiente interés comercial. Más curioso aún es que haya sido una película de animación española la que venga a ofrecer una visión al respecto. ¿Cuál es el motivo de resaltar que sea de animación y española? Pues que, seamos francos, el cine de animación hecho en nuestro país es escaso, tanto en cantidad como interés (de hecho, en televisión se han hecho cosas mucho más interesantes en este campo). Me vienen a la mente casos como ‘El lince perdido’ o ‘Planet 51’, algunas de las producciones con más aspiraciones de los últimos años. La primera se quedaba a mitad de camino de lo que quería y la segunda era una bobada de mucho cuidado. Podría remontarme más en el tiempo, pero lo cierto es que me da la sensación de que los animadores españoles más talentosos tienen que irse al extranjero a buscarse trabajo, algo similar a lo que sucede con varios directores de nuestro cine que apuestan por el cine de género. No obstante, la nominación al Oscar de ‘Chico & Rita’ seguramente sirva de estímulo para revitalizar este tipo de propuestas, pero en esta ocasión vengo a hablaros de ‘Arrugas’, la adaptación cinematográfica del cómic de Paco Roca que se estrena este viernes.

Lo cierto es que ya conocía ‘Arrugas’ por el cómic que tomaba como base. Lo leí con cierto escepticismo por recomendación de mi mejor amigo, y me encontré una obra maravillosa que retrataba la vejez y el alzheimer de una forma sensible (que no sensiblera), cercana y emocionante sin caer en querer ser un gratuito festival lacrimógeno. No, el cómic de Paco Roca es una de esas joyas que surgen ocasionalmente en su medio, pero que muchos jamás descubrirán por creer que todos son cosa de críos. El miedo que tenía era que con su paso al cine no estuvieran a la altura del material del base con el que partían, pero ahora puedo deciros que al de diez minutos de película ya tenía claro que estaba ante algo realmente grande, una cinta que quizá no vaya a ser un sonoro éxito comercial, pero que a buen seguro encantará a la gran mayoría de personas que se decidan a verla. Mis próximas líneas tendrán ese único objetivo.

Seguramente a la gran mayoría de vosotros no os diga nada el nombre de Ignacio Ferreras, y no os culpo, ya que ‘Arrugas’ es su primer largometraje en solitario, pero no por ello hablamos de alguien sin experiencia. Más arriba podéis ver ‘How to cope with death’, una pequeña genialidad en la que la vejez y la proximidad de la muerte ya tienen un papel esencial. Él es también (los otros son Ángel de la Cruz, Rosanna Cecchini y el propio Paco Roca) uno de los responsables del guión, donde se ha conseguido una adaptación que roza la perfección, ya que no sólo se capta a la perfección el tono del cómic, sino que, en un intento de que ‘Arrugas’ no sea una mera traducción cinematográfica, se introducen varios cambios que casan a la perfección con el relato, consiguiendo así una riqueza incluso superior a la de la obra original. Y es que la única pega que uno puede encontrar al guión es la sensación de pegote innecesario que transmite el epílogo. Cierto que es fácil entender lo que se buscaba con él, pero eso no quita para que se cargue la magia que tenía lo que sucedía inmediatamente antes, el auténtico cierre para lo que nos habían estado contando.

Quiero aclarar un par de aspectos sobre la historia que seguramente causen suspicacia en algunos espectadores. No, el Alzheimer no es el único elemento que vertebra (o canibaliza) la historia, sino que la inevitabilidad de su progreso es lo que sirve para recordarnos que los elementos cómicos van a ir virando de forma progresiva. Porque sí, ‘Arrugas’ cuenta una historia dramática, pero no desaprovecha las muchas posibilidades que tiene para hacer reír al espectador. Y es que con las risas atrapas el corazón del espectador, pero es con los apuntes dramáticos con los que te los ganas para siempre. Imagino que la realidad y ficción se entrecruzan, ya que siempre recordamos con más cariño los momentos en los que lo hemos pasado realmente bien, pero son las tragedias las que realmente marcan nuestro carácter. El drama de la comedia que lo llamo yo.

Un punto que puede echar para atrás a muchos es el tipo de animación empleada, ya que actualmente estamos acostumbrados a una tridimensionalidad hiperrealista en la que hasta casi podemos sentir el movimiento del pelo de los personajes, pero eso no es algo que afecte al resultado final de ‘Arrugas’. Es cierto que estamos antes una película que apuesta por una sencillez que puede llegar a preguntarse a algunos si no hubiese sido más conveniente rodarla en imagen real, pero la respuesta es un no tajante. Ferreras logra transmitir una naturalidad sin igual a través de las imágenes, y uno pronto se olvida de que está viendo dibujitos para centrarse en las vivencias de unos personajes que se ganan con rapidez un huequecito en nuestros corazones.

He de reconocer que mi gran miedo al ver el tráiler de la película era que el acento de uno de los protagonistas no casaba demasiado con la idea que tenía en mi cabeza sobre dicho personaje, pero la extrañeza inicial es algo que se desvanece con rapidez. Más allá de esa pequeña puntualización, me parece que la amistad entre Emilio y Miguel está recreada de forma maravillosa, siendo cada uno el perfecto complemento del otro, más formal y ligeramente arisco (consecuencia del Alzheimer) el primero en oposición a la actitud más libertina del segundo. Los vaivenes de la amistad entre ambos son el otro motor de la historia junto al Alzheimer que pacede Emilio. No obstante, eso no quiere decir que ‘Arrugas’ descuide al resto de habitantes de la residencia, ya que nunca fue mejor utilizada la palabra entrañable que para describirlos, siendo además un flashback que atañe a los orígenes de la relación sentimental de un matrimonio que habita allí el mejor momento de toda la función, y también una secuencia formidable que por si sola ya justificaría el ver ‘Arrugas’. Ojo, la película también muestra no pocos apuntes de la amargura asociada a esa edad, algunos de forma más clara y otros de forma más solapada (la anciana que guarda cosas de la comida que dan a los habitantes del lugar), pero sin caer en tremendismos. Sí, el Alzheimer es una cosa muy grave que aún no tiene cura, pero no por ello hay que restregárselo por la cara a unos espectadores que ya son conscientes de ello. El buen gusto es primordial.

En definitiva, ‘Arrugas’ es una grandísima película sobre un tema tan poco explorado en el mundo de la animación como el Alzheimer, siendo además una estupenda adaptación del maravilloso cómic de Paco Roca. Todo funciona a las mil maravillas con la salvedad de un epílogo (ideado inicialmente para acompañar a los créditos finales, algo que es lo máximo que debiera haber sido) que resta algo de fuerza al, por otro lado, estupendo desenlace. Más allá de eso, no se me ocurre ninguna pega relevante que poner a esa maravilla que es ‘Arrugas’. Desde ya seria candidata a ser la mejor película de 2012 (aunque técnicamente sea del 2011) y, casi sobra decirlo, de obligado visionado para todos los amantes del cine.

PD: Aprovecho para deciros que leyendo esta humilde crítica de ‘Arrugas’ estáis combatiendo la posibilidad de padecer Alzheimer.