La mala fama del cine español entre un amplio sector del público es algo que resulta innegable. No importa que varias de las mejores películas del año pasado saliesen de nuestro país, ni tampoco que no pocos directores tengan que emigrar para poder acometer proyectos de suficiente envergadura, siendo entonces cuando gozan del favor de esa parte del público que seguramente cuchicheará en el cine sobre si no hubiese sido mejor meterse a ver otra película cuando lean el nombre del director en los créditos iniciales. Eso sí, parte de razón no les falta, ya que en España predominan dos tipos de producciones: Los dramas sobre temática social y las comedias que tienden a ser una mera derivación del humor que triunfa en determinadas teleseries (¿Y quién va a pagar por ver un clon a menudo mal hecho de lo que puede ver gratis en televisión cada semana?). Pobres ejes sobre los que vertebrar una industria tan importante como la cinematográfica.

El estreno hace unos años de ‘Spanish movie’ vino a llenar un hueco en la cinematografía española: El cine de parodias. Entrar a valorar la calidad de la propuesta ya es algo que depende sobremanera de lo gracioso que cada uno encontrase la sucesión de gags que aparecían en pantalla, pero es indudable que era un producto muy superior a la abrumadora mayoría de cintas americanas con la apostilla de ‘movie’ que fueron surgiendo tras la llegada de ‘Scary movie’. Además, fue un notable éxito económico, pero se quedó como un pequeño islote que nadie quiso (o pudo) continuar. ¿Tan difícil era hacer una secuela o parodiar algo alejado de nuestro cine? Por dar ideas, alguien debería hacer algún día un ‘Hitchcock movie’, pero tomando más como base el humor de ‘Un cadáver a los postres’ (aún hoy la mejor película paródica de la historia) que en lo que ha acabado degenerando este subgénero.

Además, ‘Spanish movie’ supuso el debut en la dirección de Javier Ruiz Caldera, el cual parece ser que no se dejó tentar por la hipotética idea de un ‘Spanish movie 2’ (aunque no sé si ese proyecto tan siquiera llegó a existir) y aprovechó su éxito para sacar adelante otro rara avis en nuestro cine: Una cinta que toma como base las producciones adolescentes de John Hughes de los años 80, pero acercándolas a lo español, es decir, rellenar otro hueco en el cine que se hace en nuestro país. Sólo por eso ya se merece un aplauso, pero no por ello hay que lanzar las campanas al vuelo y hablar de una nueva genialidad de nuestro cine, algo muy habitual a poco que una cinta española destaque un poco. La cuestión es, ¿está ‘Promoción fantasma’ a la altura de su prometedora propuesta inicial?

El problema (y también la fuente de sus mayores aciertos) realmente grave de ‘Spanish movie’ era la irregularidad del guión firmado por Paco Cabezas, el cual combinaba algunas bromas geniales como otros apuntes que rozaban la vergüenza ajena. Era de esperar que con el cambio de guionista se consiguiese un resultado más homogéneo, y lo cierto es que ese es uno de los principales puntos fuertes de ‘Promoción fantasma’. Es de esperar que muchos temáis que la película se limite a canibalizar a sus referentes y que los homenajes en realidad sean poco menos que un plago encubierto, pero ese es un miedo que no se justifica. Y es que Cristóbal Garrido y Adolfo Valor han conseguido equilibrar el homenaje a John Hughes (y a otras películas que no mencionaré por eso del factor sorpresa) con la necesidad de crear algo con identidad propia.

Eso sí, por el camino se cometen algunos excesos que ocasionalmente consiguen su objetivo de provocar la risa del espectador, pero en otros rozan un mal gusto que hiere a una propuesta que, sin ser brillante, es muy disfrutable. Son esas situaciones en las que más se deja ver el país de origen de la película, y es que el humor español ha tendido, con honrosas excepciones, a una mezcla entre el mal gusto y lo excesivo en los últimos tiempos. En cambio, cuando el guión confía más en sus referentes americanos se consigue un humor más blanco, quizá menos proclive a la carcajada, pero más atemporal y que se puede seguir disfrutando por igual sin necesidad de estar esclavizados por la sorpresa inicial, algo de lo que tiende a depender mucho el humor basado en los excesos.

Por su parte, la puesta en escena de Ruiz Caldera se centra en potenciar las virtudes del libreto, siendo especialmente inspirada la escena inicial en la cual se combina la nostalgia ochentera con el humor, y al mismo tiempo es una estupenda introducción para dar a conocer al espectador el hecho de que nuestro protagonista puede ver a los muertos. En el resto del metraje, la labor de dirección funciona mejor cuando hacen acto de presencia los homenajes o los apuntes que retrotraen al espectador a épocas pasadas. En lo demás, su labor oscila entre la corrección y la sensación de que otros muchos directores podrían igualar lo que él hace.

Uno de las claves de la función era encontrar unos actores que se adecuase al tono del relato, y es ahí donde es muy de agradecer la elección de Raúl Arévalo para encabezar el reparto, ya que él ya había demostrado su capacidad para conseguir un secundario memorable en ‘Primos’, y aquí le toca demostrar tanto que sabe ser la cabeza visible de una película, como que su comicidad también se puede encauzar de una forma más desapercibida. Y es que su Modesto es un hombre apocado que vive obsesionado con el hecho de que ser capaz de ver a los muertos es una enfermedad que le ha destrozado la vida, y por ello está constantemente bajo los efectos de una medicación que le impide desarrollar con normalidad su trabajo como profesor. Sin embargo, la oportunidad de ayudar a alguien, y al mismo tiempo descubrir un amor que le ha sido esquivo permiten que su carácter introvertido quede ligeramente atrás. El director de ‘Promoción fantasma’ comentó que querían crear en él un equivalente español a Michael J. Fox, y eso es algo que no se termina de ver en pantalla, pero sí que surge un híbrido que resulta cercano al espectador, tiene encanto y sostiene perfectamente el peso que tiene que soportar. Arévalo da así un paso más en su necesario ascenso para convertirse en una de las principales estrellas del cine español.

Otra de las claves era la capacidad para encontrar entre los rostros jóvenes de nuestro cine a cinco personas que encajasen en los estereotipos ochenteros que representan los cinco fantasmas: Macarrilla, ligón (éste es el que tiene un componente americano más marcado, en especial por su vestimenta, la cual parece propia del típico capitán del equipo de fútbol que tanto se ha visto en el cine), fiestero, empollona y la chica algo ligera de cascos (y embarazada ya en su adolescencia). Para ello se ha optado por fichar a actores más conocidos por sus apariciones televisivas como Alex Maruny, Jaime Olías, Javier Bódalo, Anna Castillo y Andrea Duro. Sería injusto destacar tanto para bien como mal a alguno de ellos, ya que todos tendemos a identificarnos más con un rol u otro según lo que cada uno fue en el instituto, pero los cinco salvan bien la papeleta, teniendo todos su particular momento de gloria.

La guinda del pastel la ponen los secundarios, los cuales funcionan a modo de contrapunto cada uno en una materia distinta: Carlos Areces el padre resabido que pone constantes trabas a la directora, Joaquín Reyes el terapeuta excéntrico, Silvia Abril la chalada secretaria del instituto, etc. Todos aportan su granito de arena para redondear un poco más el resultado final. Si acaso conviene apuntar que la trama de amor fantasmal protagonizada por Aura Garrido (que ya era el eslabón más débil en la estupenda miniserie ‘Crematorio’) no termina de cuajar, ya que se entremezclan momentos inspirados con otros en los que estás deseando que pasen a otra cosa. A cambio, es de agradecer que Alexandra Jiménez vaya asentando poco a poco su carrera cinematográfica, ya que su peculiar directora de colegio adicta a comer guarrerías transmite una proximidad que hace entender al espectador el motivo del desafío que acepta el protagonista.

En definitiva, ‘Promoción fantasma’ es una comedia de instituto que no cae en el error habitual de querer trasladar el humor habitual de las teleseries españolas, sino que opta por tomar como referente las producciones de John Hughes de los años ochenta, a las cuales referencia sin cortarse lo más mínimo. Posible plagio dirán algunos, pero lo cierto es que es prácticamente imposible innovar dentro del cine, con lo cual sólo nos queda hacer una combinación de elementos ya vistos. La cuestión es hacerlo bien o mal, y ‘Promoción fantasma’ está, con algunos peros, dentro del primer grupo. Vamos, un simpático divertimento.

Hace poco tuve la oportunidad de rescatar ‘Rango’ (id, Gore Verbinski, 2011), que se me había escapado en su estreno cinematográfico, y dejando a un lado que me pareció un film muy divertido, lleno de referencias al western sobre todo, me ha servido para darle salida a esta selección de duelos del género de los géneros. Como siempre, en estos de las listas --prometí no hacer ninguna más y aquí estoy, prometo tantas cosas…--, ni están todas las que son, nison todas las que están. Pero no hay duda de que los diez duelos que os cito a continuación son inolvidables, pertenecientes a películas imprescindibles. Como siempre, pasen y disfruten.

‘Hasta que llegó su hora’

Una de las obras maestras de Sergio Leone, lírica como pocas, culmina con uno de los duelos más esperados de la historia del cine. Una venganza largamente retrasada, un clímax único. Un uso del flashback ejemplar. Charles Bronson en el papel de su vida. Henry Fonda como inolvidable villano, y Ennio Morricone poniendo la piel de gallina. Cada vez que la veo no puedo evitar emocionarme y pensar en el lejano oeste y en el nacimiento de una nación, que avanzó a marchas forzadas, perdiéndose sus antiguos héroes en el polvo del olvido. Y también pienso en Claudia Cardinale.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Hasta que llegó su hora’, Sergio Leone y la fábula (I)

‘Duelo al sol’

Una pasión tan destructiva que sólo podía acabar de la única forma posible. Gregory Peck, en un papel poco común en su carrera, y Jennifer Jones, en una de sus pocas interpretaciones salvables, dan vida a una de las parejas más problemáticas de toda la historia del género. ‘Duelo al sol’ (‘Duel in the Sun’, King Vidor, 1946) está llena de momentos inolvidables, pero su final es justamente legendario. Se hizo intentando realizar en el western un nuevo ‘Lo que el viento se llevó’, y les salió una obra maestra redonda. Y es que Vidor es mucho Vidor.

‘El hombre que mató a Liberty Valance’

Probablemente la mejor película del gran John Ford, y no me atrevo a asegurarlo, ya que la cantidad de obras maestras que ese hombre hizo es impresionante. La leyenda siempre es más bonita que la realidad, y en lugar de poneros el enfrentamiento inicial, os pongo el flashabck que se produce más tarde, y en el que se revela la verdad sobre el duelo que acabó con uno de los bandidos más temidos del oeste, personificado con maestría por Lee Marvin en uno de sus primeros y más recordados papeles. John Wayne y James Stewart inmensos. La película lo tiene absolutamente todo.

‘Duelo de titanes’

El duelo en el OK Corral es sin duda uno de los más famosos en el séptimo arte. Podría haber puesto el de John Ford, el de Lawrence Kasdan o incluso el de George Pan Cosmatos, pero he elegido el de John Sturges porque es el más largo de todos, y la planificación y el montaje son soberbios. Un western puro y duro, en la mejor tradición del género, y con dos gigantes como Burt Lancaster y Kirk Douglas mano a mano. Podéis ver a un jovencísimo Dennis Hopper por ahí.

‘Sin perdón’

La desmitificación definitiva sobre el género culmina con un claustrofóbico tiroteo soberbiamente fotografiado por Jack N. Green. William Munny, un asesino de mujeres y niños, decidió matar a todos los compinches de Littel Bill, asesinando antes al dueño de una pocilga decorada con el amigo muerto de Munny. Una cita en el infierno. La tumba de su esposa, ninguna señal, y el olvido.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘Sin perdón’

‘Duelo en la alta sierra’

El hombre que cambió para siempre la perspectiva del western se dio a conocer con esta película, en la que unos maduros Joel McCrea y Randolph Scott representaban los viejos tiempos. El final es simplemente antológico, un duelo maravillosamente coreografiado y un plano final contundente y muy triste.

Crítica en Blogdecine:

• Sam Peckinpah: ‘Duelo en la lata sierra’

‘El último pistolero’

Don Siegel tuvo la oportunidad de filmar la despedida cinemtográfica de John Wayne, quien ya enfermo de cáncer tomaba láudano para soportar los terribles dolores. Un reparto lleno de viejas glorias para un film triste y melacólico, con un final sublime. También puede verse a un joven Ron Howard años antes de meterse a director y torturarnos con sus películas. A citar la famosa anécdota en la que John Wayne se negó a que su personaje disparase a otro por la espalda, a lo que Siegel contestó que Clint Eastwood lo hubiera hecho. Por cierto que Eastwood visitó el set de rodaje varias veces. ¿Os imagináis lo que hubiera sido un western protagonizado por esos dos? Yo no puedo, porque lloro.

‘El vengador sin piedad’

Una de las maravillas ocultas del infravalorado Henry King. Gregory Peck da vida a un hombre sediento de venganza, la cual le obsesionará hasta límites insospechados. En el vídeo vemos cómo se enfrenta a uno de los hombres de la banda que persigue sin gastar una sola bala. Al igual que en la magnífica ‘El pistolero’ (‘The Gunfighter’, 1950) King subraya las connotaciones psicológicas del relato con unas conclusiones morales terribles.

‘Raíces profundas’

‘Shane’ es uno de los mejores westerns jamás filmados, y el duelo final una lección de planificación y tensión. En un espacio tan cerrado como el de una taberna, George Stevens logra un milagro. Alan Ladd en el papel de su vida y el mítico Jack Palance como el mítico villano. La secuencia final del niño llamando a su amigo es justamente legendaria. Años más tarde Clint Eastwood le rindió un sentido homenaje en la también imprescindible ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985).

‘La muerte tenía un precio’

Sergio Leone tenía que hacer doblete en esta selección con la película que es la culpable de que me apasione el cine. La dilatación del tiempo tan típica de su director en una escena mítica. El detalle del reloj, grandioso por su importancia narrativa en la historia. Un duelo en igualdad de condiciones, y Morricone marcando una vez más el carácter de los personajes. Una venganza, una recompensa, Eastwood, Lee Van Cleef y Gian Maria Volonté. Inolvidable.

Crítica en Blogdecine:

• Clint Eastwood: ‘La muerte tenía un precio’

Cormac McCarthy, el novelista que está detrás de adaptaciones como ‘La carretera (The Road)’, ‘No es país para viejos’ (‘No Country For Old Men’) o ‘Todos los caballos bellos’ (‘All the Pretty Horses’), se ha pasado al guion y ha sacado ‘The Counselor’, ahorrando a las productoras el dinero y el proceso de convertir sus obras en libretos cinematográficos. Este autor tiene un estilo y un ritmo muy particulares y admirables, que se han trasladado con acierto a la gran pantalla, tanto en el film de los Coen como en el de John Hillcoat. Antes de ver este último film, había leído la obra de partida y la inteligente traslación me permitió experimentar esa secuencia sin sufrir la decepción que se suele experimentar al ver en cine lo que ya nos habíamos imaginado en nuestras cabecitas. Estoy segura de que su primera incursión como guionista, el ganador del premio Pulitzer habrá dado un resultado igual de interesante.

Con ese currículum, no es de extrañar que los directores se hayan dado prisa en ofrecerse a realizar el guion. El más rápido ha sido Ridley Scott, quien ya se ha puesto en contacto para negociar su posible participación en el proyecto y ha hablado directamente con McCarthy, supongo que para ponerse de acuerdo en la ortografía del título, ya que en Reino Unido escriben ‘The Counsellor’, mientras que en EE. UU. lleva una sola “ele”.

‘The Counselor’ se centra en un respetado abogado que inocentemente cree que puede intervenir en el negocio de la droga sin ser arrastrado por la vorágine criminal. Antes de que pueda darse cuenta de su error, se encontrará sumido en una situación desesperada, en la que tendrá que echar mano de todo su ingenio y habilidades legalistas si quiere sobrevivir. En este mundo copado por hombres dos mujeres desempeñarán papeles de importancia. Se trata de una historia contemporánea, ubicada en el Suroeste, de la que se comenta que es una de las obras más poderosas de McCarthy y que mantiene la fuerza de su prosa, la obsesión sexual y el humor de sus diálogos, lo que aumenta la sensación de pesadilla del duro mundo en el que se ambienta.

Si Ridley, que en estos momentos se encuentra dando los toques finales a ‘Prometheus’, finalmente dirigiese este guion, dejaría de lado otros de sus proyectos, como la biografía de ‘Gertrude Bell’ y ‘Child 44’. El mayor de los Scott ya había demostrado sus inclinaciones por el escritor, pues en 2007 se interesó por la adaptación de una novela de McCarthy: ‘Meridiano de sangre’ (‘Blood Meridian’), proyecto que en estos momentos tiene asociado al actor James Franco como director y que se ha retrasado hasta 2015.

Vía | Dead Line.

Cormac McCarthy, el novelista que está detrás de adaptaciones como ‘La carretera (The Road)’, ‘No es país para viejos’ (‘No Country For Old Men’) o ‘Todos los caballos bellos’ (‘All the Pretty Horses’), se ha pasado al guion y ha sacado ‘The Counselor’, ahorrando a las productoras el dinero y el proceso de convertir sus obras en libretos cinematográficos. Este autor tiene un estilo y un ritmo muy particulares y admirables, que se han trasladado con acierto a la gran pantalla, tanto en el film de los Coen como en el de John Hillcoat. Antes de ver este último film, había leído la obra de partida y la inteligente traslación me permitió experimentar esa secuencia sin sufrir la decepción que se suele experimentar al ver en cine lo que ya nos habíamos imaginado en nuestras cabecitas. Estoy segura de que su primera incursión como guionista, el ganador del premio Pulitzer habrá dado un resultado igual de interesante.

Con ese currículum, no es de extrañar que los directores se hayan dado prisa en ofrecerse a realizar el guion. El más rápido ha sido Ridley Scott, quien ya se ha puesto en contacto para negociar su posible participación en el proyecto y ha hablado directamente con McCarthy, supongo que para ponerse de acuerdo en la ortografía del título, ya que en Reino Unido escriben ‘The Counsellor’, mientras que en EE. UU. lleva una sola “ele”.

‘The Counselor’ se centra en un respetado abogado que inocentemente cree que puede intervenir en el negocio de la droga sin ser arrastrado por la vorágine criminal. Antes de que pueda darse cuenta de su error, se encontrará sumido en una situación desesperada, en la que tendrá que echar mano de todo su ingenio y habilidades legalistas si quiere sobrevivir. En este mundo copado por hombres dos mujeres desempeñarán papeles de importancia. Se trata de una historia contemporánea, ubicada en el Suroeste, de la que se comenta que es una de las obras más poderosas de McCarthy y que mantiene la fuerza de su prosa, la obsesión sexual y el humor de sus diálogos, lo que aumenta la sensación de pesadilla del duro mundo en el que se ambienta.

Si Ridley, que en estos momentos se encuentra dando los toques finales a ‘Prometheus’, finalmente dirigiese este guion, dejaría de lado otros de sus proyectos, como la biografía de ‘Gertrude Bell’ y ‘Child 44’. El mayor de los Scott ya había demostrado sus inclinaciones por el escritor, pues en 2007 se interesó por la adaptación de una novela de McCarthy: ‘Meridiano de sangre’ (‘Blood Meridian’), proyecto que en estos momentos tiene asociado al actor James Franco como director y que se ha retrasado hasta 2015.

Vía | Dead Line.

‘Moneyball’ (id, Bennett Miller, 2011) --voy a pasar del ridículo subtítulo que le han puesto en España, ‘Rompiendo las reglas’-- es una de las películas finalistas en las nominaciones a los Oscars 2012. Seis nominaciones entre las que se encuentran los premios gordos de mejor película, mejor actor principal --Brad Pitt--, y mejor actor secundario --Jonah Hill--, y que salvo la de Pitt considero a todas luces excesivas. Hay otras películas que merecerían ocupar el lugar del trabajo de Miller antes que este, quien curiosamente no está nominado. Pero hablamos de un film que habla sobre el deporte rey en los USA, el béisbol, que tal y como decían en la mágica ‘Campo de sueños’ (‘Field of Dreams’, Phil Alden Robinson, 1989) es el deporte que ha caracterizado a América a través de los años, recordando a su pueblo que una vez fueron buenos y que pueden volver a serlo. Una forma de identidad de uno de los países más poderosos del planeta. Y en cine, cuando hablan de ello, se nota que lo aman profundamente.

Es quizá por eso que las películas que de una u otra forma narran algo relacionado con este deporte --el cual personalmente encuentro fascinante, y sí, entiendo las reglas, bastante fáciles de comprender-- suelen tener una gran aceptación popular, algo que no suele extenderse fuera de los límites de los USA, tal y como han demostrado las carreras económicas de films como ‘Ellas dan el golpe’ (‘A League of Their Own’, Penny Marshall, 1992), ‘Una mujer en la liga’ (‘Mayor League’, David S. Ward, 1989) o ‘The Rookie’ (id, John Lee Hancock, 2002), estruendosos éxitos de taquilla en su país de origen, films que pasaron sin pena ni gloria por nuestras carteleras cuando no se estrenaron directamente en DVD. El béisbol por estos lares está claro que no tiene la misma aceptación, y ya veremos cómo le va en taquilla a ‘Moneyball’, film lleno de datos y más datos sobre un deporte que por aquí poco interesa.

Como casi todas las películas sobre este deporte --a la cabeza la muy grande ‘El orgullo de los Yanquis’ (‘The Pride of the Yanquees’, Sam Wood, 1942) con unos Gary Cooper y Walter Brennan inmensos-- ‘Moneyball’ recoge hechos reales, en este caso la historia de Billy Beane (Pitt), un ex-jugador de béisbol, que no pudiendo demostrar su valía en el juego, se retiró a probar suerte como director de equipos, siendo el Oakland Athletics el equipo en el que haría historia. Relegados al último puesto de la liga, con los grandes jugadores adquiridos por otros equipos, Beane debe reconstruir el equipo con muchísimo menos presupuesto. Para ello echará mano del joven Peter Brand (Jonah Hill), un economista de Yale con un método basado en estadísticas de ordenador, algo que pondrá en jaque al entrenador y los demás directivos, que no ven con buenos ojos esa nueva técnica supuestamente revolucionaria.

La mayor parte del metraje de ‘Moneyball’ se centra en el debate que supone traicionar en cierto modo la tradición de un juego como el béisbol, en cuanto a la forma de captar nuevos fichajes. Para unos, los más tradicionales, el deporte supone horas y horas de sudor en el campo de juego, y el contar que siempre hay algo que no se prevé, pues sobre el campo de batalla, por así llamarlo, pueden suceder cosas inesperadas. Por el otro, dos hombres ferozmente entregados a la creencia de que las estadísticas de ordenador traerán la solución a sus problemas. El sólido guión de Steven Zaillian y Aaron Sorkin --sus currículums hablan por sí solos-- llena de datos la historia, algunos de ellos muy interesantes, al descubrirnos y acercarnos los entresijos de un deporte tan amado por muchos e ignorado por otros tantos. Pareciera de algún modo que ‘Moneyball’ está hecha en cierta medida para aquellos que no conocen bien el deporte, y eso tiene su mérito, pues la película no muestra demasiadas escenas de béisbol, e incluso renuncia a recrearse en algunos momentos clave del juego como sí hacen otros films de la misma índole.

Sobre el papel ningún problema. Sin embargo, la puesta en escena de Bennett Miller ya es otro cantar, y los defectos que mostró en su anterior film, el muy académico ‘Truman Capote’ (‘Capote’, 2005) salen a relucir en ‘Moneyball’. Lo que el libreto de Zaillian y Sorkin parece prometer, mezclando en la vida de Baine retos profesionales y personales, se pierde un poco con una escenografía sin alma ni pasión, fría por momentos. De acuerdo que maneja bastante bien el ritmo --hablamos de una película que no llega a aburrir en sus dos largas horas de duración, a pesar de tantos diálogos sobre el béisbol--, apoyado en un digno montaje de Christopher Tellefsen, pero siempre nos deja la extraña sensación de no visualizar con grandeza lo que el guión sugiere. Hay instantes en los que Miller se debate entre el virtuosismo --sutiles planos secuencia en los gimnasios-- y el lenguaje puramente televisivo. Al menos no ha caído en los efectismos que caracterizan la mayor parte del cine actual, y ‘Moneyball’ puede presumir de cierta sobriedad.

Creo que lo mejor de la función es un muy entregado Brad Pitt, consciente de su condición de estrella, pero sin dejar que ello arruine su labor. Su personaje es sin duda uno de los mejores de su carrera, demostrando que está en su mejor momento. Podemos apreciar en su rostro al mismo tiempo su preocupación --su hija, el equipo--, su enfado --los pobres resultados en el juego--, y sobre todo su firme convicción en lo que hace. Pitt transmite una serenidad increíble, controlando en todo momento su personaje, algo que por otro lado intenta, pero infructuosamente, Jonah Hill, cuya nominación encuentro la más exagerada de todas. Este actor no puede quitarse la cara de cachondeo que tiene, y sus intentos de papel serio producen el efecto contrario, con sus silencios, sus balbuceos y sus miradas al infinito. Pitt es el que lleva el peso de la función por los dos. A un lado Philip Seymour Hoffman, que llena todos los planos en los que sale, está muchísimo más convincente.

Una clase sobre cómo funcionan las cosas en el negocio del béisbol y una excelente interpretación. Nada más.

Como ya nos informó Alberto el pasado mes de octubre, la historia de ‘Trouble with the Curve’ gira en torno a un viejo ojeador de béisbol que, aunque se está quedando ciego, realiza un viaje a Atlanta para comprobar el talento de una joven promesa; al protagonista lo acompaña su hija y durante el camino intentará arreglar su deteriorada relación. Eastwood encarnará un papel hecho a su medida que podría proporcionarle una nueva nominación al Oscar (optó a la estatuilla como actor por ‘Sin perdón’ y ‘Million Dollar Baby’). Timberlake dará vida a un jugador de béisbol retirado que también trabaja como ojeador y se enamora del personaje de Adams. Randy Brown ha escrito el guion y de la puesta en escena se ocupará el debutante Robert Lorenz (productor y ayudante de dirección de Eastwood). Warner Bros. estrenará ‘Trouble with the Curve’ pero por ahora no hay fecha oficial.

PD: Timberlake también se ha incorporado al elenco de lo nuevo de los hermanos Coen, ‘Inside Llewyn Davis’.

Vía | Variety