Es de sentido común que un festival centrado en un cine pobre, con pocos recursos, de cineastas noveles o desconocidos para el gran público, disponga igualmente de un exiguo presupuesto. Lo que ya no es tan lógico, ni disculpable, es que la organización sea tan deficiente. Es cierto que en festivales de mayor importancia, como el de Sitges o incluso el de Berlín, también se producen situaciones lamentables por culpa de una mala planificación o por simple torpeza, o sencillamente porque el cine cada vez interesa menos, pero lo del certamen granadino traspasa esa línea, y llega a alcanzar lo vergonzoso.

No hay una sala de prensa, ni un sitio donde poder escribir, no pasan ni una programación actualizada, las películas empiezan a destiempo (aunque a esto ya me he acostumbrado), desaparece un título de la ya raquítica sección oficial a mitad de semana, los “voluntarios” no tienen el cuidado de apagar sus móviles o estarse callados durante las proyecciones… Que esto lo patrocine el Ministerio de Cultura, la Junta de Andalucía, RTVA y el Ayuntamiento de Granada, entre otros organismos, clama al cielo; maldita sea, ¿a quién le estáis dando el dinero?

Tampoco puedo hablar bien de la oferta cinematográfica del festival, aunque en este aspecto voy a ser cauteloso todavía, es pronto para valorarla total y adecuadamente. A día de hoy, ahora mismo, llevo vistas cinco películas de las que compiten al premio de mayor importancia, la Alhambra de Oro (más 50.000 euros, que no sé de dónde saldrán); es decir, que ya puedo valorar más de la mitad de los filmes de la sección oficial, y no he visto nada realmente bueno. Aún es pronto, pero en este sentido también cabe la crítica, y la crítica dura. Pues tampoco el presupuesto lo justifica.

‘Ashkan, The Charmed Ring and Other Stories’

La primera película que pude ver en esta cuarta edición del Festival Cines del Sur tenía una pinta estupenda. Humor negro, acción, y una visión diferente de la realidad iraní; ésos eran los ingredientes de ‘Ashkan, The Charmed Ring and Other Stories’ (‘Ashkan angoshtar-e motebarek va dastan-haye digar’, 2009), al menos eso decía la sinopsis oficial que nos pasaron. Bueno, sí, algo de humor hay, acción… pues no, y supongo que por visión diferente de Irán se quería decir que no veríamos nada realmente representativo del país. No sólo por culpa de las represivas y asfixiantes autoridades de ese país (que no permiten mostrar a las mujeres sin velo, por ejemplo), sino porque su director, el debutante Shahram Mokri, parece querer ser otro nuevo Quentin Tarantino.

‘Ashkan, el anillo encantado y otras historias’ es algo así como ‘Pulp Fiction’ en Irán. Hasta hay una escena en la que disparan a un personaje a bocajarro y (a primera vista) no sufre daño alguno. Empieza la película con una intrascendente conversación sobre unas esculturas, luego vemos a unos atracadores ciegos, un policía enamorado de una cajera, a un empleado de un hotel que quiere suicidarse… Piezas, como cortometrajes aislados, que aparentemente no encajan entre sí, pero que cuyas historias se van relacionando con el paso de los minutos, con bastante acierto. Los actores intentan meterse en la ficción, pero los que hacen de ciegos deberían haber practicado un poco más. Se nota el esforzado trabajo en el guión, tanto como la evidente influencia occidental en Mokri (ha tenido que ver ‘Snatch’, de Guy Ritchie, varias veces) en un intento por escapar de los tópicos del cine iraní.

Que eso está muy bien, desde luego, pero hay que valorar el esfuerzo y las intenciones en su justa medida; no es lo que importa. Se retuerce excesivamente el montaje, para que el puzzle parezca más complejo, y visualmente ‘Ashkan’ es un producto tosco, feo, descuidado; de estudiante, no de un profesional. El blanco y negro no hace más que contribuir a esta idea, un recurso facilón para darle a la película un aspecto más profesional, y disimular en lo posible, entre otras cosas, los planos desenfocados (que hay bastantes). Colar este film en la sección oficial de un festival, incluso en uno como el que nos ocupa, es una decisión lamentable, producto de una falta de exigencia alarmante y de que el cine está perdiendo su valor. Aquí lo que importa es la nacionalidad del film, lo que cuenta o cómo lo cuenta, es irrelevante. Triste, pero cierto.

‘Adrift’

El pasado lunes a las 9 de la mañana se proyectaba para la prensa ‘Adrift’ (‘Choi Voi’, 2009), y supongo que no os extrañará si os cuento que llegué a la sala a las 8:55 y no había casi nadie; a las 9 en punto, sólo estábamos sentadas dos personas (luego, con retraso, llegó un puñado más). Es evidente que no es éste un festival de prestigio y fama internacional, pero que a las primeras sesiones sólo acuda una decena de profesionales, debería motivar una profunda reflexión, tanto por parte de los organizadores como de los medios acreditados, que pagan a gente que sólo va a los pases de mediodía. Al de las 12 somos unos 20, tampoco os penséis que muchos más. Lo que es sorprendente es que luego opinan de las películas, y las califican de joyas o maravillas. ¿Dónde estaban? Ah, el patrocinio…

‘Adrift’ es una de esas películas que los festivales venden de manera engañosa para cazar al personal que normalmente no iría a ver un drama vietnamita. Si pasáis por delante del Teatro Isabel la Católica, el destartalado (aunque encantador) centro de operaciones del Festival Cines del Sur, veréis el cartel en la puerta: muestra a dos chicas desnudas bajo una sábana. La sinopsis habla de sexo, deseo lésbico e infidelidades. Bueno, pues al sentarse uno en la butaca para ver este film, estalla claramente una especie de crujido que, si se presta atención, suena igual que “¡inocente!”. Ahora en serio, no hay sexo explícito ni lesbianismo en ‘Adrift’, pero sí es cierto que hay en el relato una desbordante sensualidad. Casi se siente el sudor, la piel, la respiración. Es una de las películas que salvan esta edición de Cines del Sur.

El segundo trabajo del director Bui Thac Chuyen es un poderoso y bello fresco de su actual Vietnam, ruidosa, caótica, en constante movimiento, pobre, ambigua, donde las más antiguas tradiciones se mezclan con la fría modernidad y las desatadas pasiones. También es un film lentísimo, todo hay que decirlo, lo que se suele catalogar de “contemplativo” (como si las demás no las contempláramos, pero bueno, seguro que se capta la idea). La historia es de lo más simple, básicamente gira en torno a un joven matrimonio que no funciona; ella es puro deseo y él todavía es un niño, que después de trabajar sólo quiere dormir o comer (lo que le cocina su madre).

La chica (Do Hay Yen, a la que Chuyen saca todo el partido) sólo quiere vivir y experimentar, pero poco a poco va cayendo en el aburrimiento y la desesperación. A ello contribuye que su mejor amiga (que parece desearla en secreto) la envía a casa de un gigoló, descubriéndole un nuevo camino que la protagonista no puede resistir. Su marido (Nguyen Duy Khoa, que ha venido a Granada en representación del film) es diferente y prefiere jugar al fútbol que caer en la tentación de la carne, negándose a seguir el camino de uno de sus clientes, que cuando no está jugando está metido en una orgía.

Puede decirse que durante unos 100 minutos apenas pasa nada, al menos superficialmente, pero realmente da igual, porque lo importante es que se vive cada momento y se siente cada instante, que Chuyen consigue hacernos partícipes de las diferentes aventuras emocionales que recoge la cámara, que se vive la ciudad y su ajetreo, que se disfruta de la fantástica fotografía, y que no se pierde nunca el interés por el destino de los personajes. Una de las pocas alegrías del certamen, hasta ahora. Sí, ya ves, sigo siendo optimista.

PD: El pasado domingo no pude ver el documental ‘A Film Unfinished’ (Yael Hersonski, 2010), la única producción que compite a la Alhambra de Oro que me voy a perder. No me extrañaría que ganara.

Benoît Jacquot, autor de ‘Las alas de la paloma’ o ‘El séptimo cielo’, dirige a Isabelle Huppert en el film ‘Villa Amalia’ (2009), que se estrena el 18 de junio. El guión, basado en la novela de Pascal Quignard, nos muestra cómo Ann, una célebre concertista de piano, tras descubrir a su pareja besando a otra mujer, decide dejar atrás toda su vida y marcharse, sin un destino fijo.

El film se inventa a través de enigmáticas escenas, a las que es difícil asignarles una designio, consistentes en movimientos más o menos cotidianos o diálogos sin conclusión, que despiertan más intrigas de las que resuelven. Con mayor frecuencia, lo componen envidiables paisajes costeros, por los que parece que no hubiese pasado el tiempo. Pero no por tener poco texto y mucha bella imagen se trata de una película contemplativa que consista en hacer visitas turísticas a lugares escogidos y en disfrutar del bueno ojo para colocar la cámara y mostrar un encuadre.

En todo caso, la contemplación se hace del interior de cada uno. ‘Villa Amalia’ nos cuenta esta historia a base de retazos, sin ofrecernos explicaciones ante cada decisión tomada. Presenciamos los movimientos repentinos de la protagonista y la acompañamos en su recorrido, sin conocer a dónde se dirige. A través de la observación de los actos de esta mujer, llegamos a comprender qué le ha movido a emprender esta huida. La película extrae la motivación de nosotros mismos y sólo funciona si, más que entender sus sentimientos, llegamos a compartirlos. A Ann no le importa dónde acabará porque lo único que quiere es dejarlo todo atrás.

De lo que la protagonista no se dará cuenta es de que hay algo que no se puede dejar atrás y es a una misma. Ann no necesita abandonar su ciudad y a aquellos que la rodean, liberarse de una vida acomodada en la que lo tiene todo, no: lo que Ann está tratando de abandonar es a sí misma. Se corta el pelo con ganas de ser otra, de desprenderse de todos esos años que cuelgan sobre su espalda. Una vez alcanza la isla y descubre su hogar soñado: Villa Amalia, aún no se siente satisfecha y su comportamiento vuelve a ser poco comprensible. Y es que, cuando lo que se emprende es una huida, puede que la meta no exista y todas las paradas sean estaciones volantes de las que partir enseguida.

El mar se convierte en ‘Villa Amalia’ en un símbolo de los horizontes abiertos, de las posibilidades infinitas… pero tanta libertad también ahoga. Esas puertas y ventanas que se abren al mar y permiten todo tipo de acto escapista hacen que, como en ‘La isla interior’, el escenario cobre mayor sentido que los parlamentos y las acciones. El sitio al que Ann ha llegado es también un fin del mundo, ya que alguien que pretende huir de sí mismo sólo dejará de correr cuando no pueda ir más allá o cuando algo lo encierre.

Huppert es una de las actrices que más aportan a las películas, que más marcan a sus personajes. Consciente de ello, la intérprete selecciona los guiones con minuciosidad, hasta el punto de que, ignorando incluso quién haya escrito y dirigido un film, podemos saber aproximadamente qué esperar cuando encontramos a la parisina en el cartel. De esta forma, cobra una autoría que puede ser superior a la del resto del equipo artístico y a la importancia de su interpretación. Ésta, no obstante, es excelente y muy adecuada a la narración en la que no se dan pistas. Isabelle Huppert transmite todo lo que el autor busca con su simple presencia, y se mete tanto en la piel de Ann que parecería que está rodando un film autobiográfico.

En total, nos encontramos ante una cinta que lo da todo a entender sin expresar nada y que carece de aparente o comprensible argumento. ‘Villa Amalia’ es un film enigmático, en el que los personajes van de acá para allá, pero no geográficamente, sino en cuanto a sus vidas, y en el que el espectador debe encontrar su lugar para percibir el sentido a lo visto. Como decía, funciona si compartimos esa necesidad de echar a correr.

Mi puntuación:

Continúan las flojas recaudaciones en la taquilla española, una semana más. La falta de estrenos potentes, el tiempo juguetón (ahora calor asfixiante, ahora lluvia torrencial) y el mundial de fútbol siguen alejando al público de las salas. Y así las cosas, ‘Prince of Persia: Las arenas del tiempo’ vuelve a ser la película más vista en España, un mes después de su estreno. La superproducción de Disney y Jerry Bruckheimer, que ha sido un fracaso en EE.UU., consigue el primer puesto en nuestro país con menos de un millón de euros recaudados, algo que no se veía desde hacía tiempo.

Al segundo puesto desciende otro producto que no ha funcionado como se esperaba, ‘Sexo en Nueva York 2’, cosechando casi 800.000 euros. En su segunda semana en la cartelera, la nueva aventura de Carrie y sus amigas ha perdido un 44% de espectadores, y no parece que vaya a recuperar el vuelo en las próximas semanas. Las fans ya la han visto y esto tiene pinta de caer en picado. El estreno más fuerte del pasado viernes, la nueva versión de ‘El retrato de Dorian Gray’, se tiene que conformar con la tercera plaza, un resultado decepcionante para una película muy anunciada que cuenta con Colin Firth y Ben Barnes como protagonistas. Más abajo aparecen la infantil ‘Garfield y su pandilla’, que sólo se ha estrenado en salas 3D, el drama ‘Crónica de un engaño’, con correctas cifras teniendo en cuenta que ha llegado con dos de retraso, y esa cosa titulada ‘Campamento Flipy’, que sólo ha arrancado 200.000 euros a los espectadores españoles.

PD: La semana que viene se estrenan ‘La venganza de Ira Vamp’ (“Se atormenta una vecina”, dice el cartelico), ‘Marmaduke’, ‘En la boda de mi hermana’ y (POR FIN) ‘The Blind Side’, entre otras. ¿Veis posible que derribe alguien al príncipe?

Datos | BoxOffice.es

En la primera secuencia de ‘Lolita’ (id, 1962, Stanley Kubrick), el profesor Humbert Humbert (James Mason) llega a la mansión de Clare Qulity (Peter Sellers) con la intención de matarlo. Quilty aparece de debajo de una sábana mientras dice: “Soy Espartaco, ¿has venido a liberar a los esclavos?”. Una clara declaración de intenciones por parte de Kubrick al referirse a la mala experiencia vivida en su anterior rodaje, en el que se pasó todo el rato discutiendo con el productor de la película, Kirk Douglas. Tal vivencia le hizo replantearse el tipo de películas en las que quería participar, huyendo los siguientes años de las superproducciones para así tener más control sobre lo que filmaba. Películas más o menos baratas en comparación con lo que había costado ‘Espartaco’ (‘Spartacus’, 1960), pero no por ello menos ambiciosas, sino todo lo contrario.

Kubrick se trasladó a Inglaterra donde filmó sus dos siguientes películas, siendo la primera de ellas la adaptación de la famosa novela de Vladimir Nabokov ‘Lolita’, que había causado un gran escándalo al narrar la obsesión que un hombre adulto sentía por una niña de 11 años. El director neoyorkino pidió al mismo Nabokov que escribiese el guión de la película, algo a lo que el escritor accedió muy interesado, pues en el libro hay multitud de referencias cinéfilas debido a su afición al cine, siendo éste su primer y único guión cinematográfico, también la primera adaptación de una de sus obras aunque después vinieron más, incluida una nueva versión de ‘Lolita’ en manos del inefable Adrian Lyne.

La historia de ‘Lolita’ da comienzo con la escena antes señalada. Humbert Humbert acude a ver a Quilty a quien termina asesinando por haberle robado de su lado a una chica llamada Lolita. El resto del film es un largo flashback que nos explica la relación entre Humbert y la adolescente --la protagonista cambia de edad con respecto al libro, aumentándole tres años hasta los 14--, y también la importancia de Quilty en el relato y el porqué termina muriendo a manos de Humbert. Una decisión realmente ejemplar, pues en contra de lo que muchos puedan pensar al respecto de empezar con el desenlace de la historia, Kubrick se las arregla para dotar de cierto suspense la película, logrando que el espectador se pregunte todo el rato cuáles son las intenciones de Quilty, qué esconde exactamente y por qué acaba de forma tan drástica.

Dicho inicio es una de las tantas decisiones que tomó Kubrick con respecto a la adaptación de la novela, de la cual no quería hacer una plasmación literal. Para ello retocó considerablemente el guión presentado por Nabokov, quien fue el realmente acreditado y nunca se molestó por los cambios realizados por Kubrick, al contrario, se sintió fascinado por la capacidad de síntesis que el director poseía para resumir en el film elementos de la novela y convertir la historia en algo puramente cinematográfico, porque tal y como decía Kubrick la novela perfecta para adaptar es aquella que se centra en la vida interior de los personajes y no en la acción. A partir de ahí y no perdiendo jamás la referencia de lo que los personajes sienten, se pueden crear situaciones de acción nuevas que pueden ser correlativas al contenido psicológico del libro.

Pero no sólo era esa la razón por la que Kubrick solía cambiar durante los rodajes el guión que ya estaba escrito. También lo hacía porque había adquirido la costumbre de animar a sus actores a improvisar durante la filmación de ciertas escenas. En el caso de ‘Lolita’ encontramos la brillante interpretación de Peter Sellers como Clare Quilty, un ser despreciable y corrompido, que es al mismo tiempo el causante del extraño comportamiento de Lolita. Cuando vemos que ella seduce a Humbert en lo que es un prodigio de sutilidad narrativa, nos resulta especialmente descarada y atrevida, y desde luego menos niña de lo que aparenta ser. Más tarde comprenderemos que Quilty conoció a Lolita cuando tuvo un affaire con su madre de lo cual se aprovechó para seducir a Lolita quien quedó completamente enamorada de él, y como más tarde le confiesa a Humbert, se prendó de él nada más verlo. Sellers improvisó la mayor parte de sus escenas, llegando a sacar de quicio a compañeros de reparto, como el caso de Shelley Winters, que da vida a la madre de Lolita, una viuda desconsolada, tonta y romántica, tal y como se define ella misma.

Los trabajos de los secundarios Winter y Sellers brillan con gran intensidad, sobre todo el segundo, que realiza el muy difícil trabajo de dar vida a un personaje oscuro y con muchos matices. El actor británico hace gala de una envidiable capacidad para poner distintos acentos, y cómo no, de su habilidad para dar vida a distintos personajes en un mismo film, algo que alcanzaría su máxima en el siguiente film de Kubrick. En ‘Lolita’ sus distintos roles son en realidad el mismo, el retorcido Quilty, que toma distintas personalidades para atormentar a Humbert, mientras éste viaja de hotel en hotel con Lolita tras el fallecimiento de la madre de ella. La facilidad con la que Sellers suelta todas sus frases, la mayor parte de ellas inventadas, sorprenden por su endiablada fluidez y despistan tanto al espectador como a Humbert, cuya fragilidad queda al descubierto gracias a la maliciosa pericia de Quilty.

‘Lolita’ es una de las historias de amor moderno más tristes y patéticas que existen en el cine. Una comedia trágica en la que no falta nada del peculiar sentido del humor de su director --y que no desarrollaría demasiado en su cine--, mostrando situaciones de las que nos podríamos reír pero que contienen todo un fondo lleno de dolor. Nadie en la película consigue alcanzar sus sueños o deseos, o simplemente aquel al que más aman. Lolita termina siendo una persona vulgar, su madre muere atropellada tras salir corriendo de su hogar al descubrir que Humbert se ha casado con ella para estar más cerca de su hija, y aquél termina sus días en la cárcel donde muere de una trombosis a la espera de su juicio por el asesinato de Quilty, el único ser verdaderamente despreciable del relato, el único cuyo final se lo ha ganado a pulso pues tarde o temprano alguien le haría pagar por sus fechorías.

Un film magistral lleno de secuencias inolvidables que muestran la gran mano de Kubrick para la puesta en escena. Cabe señalar el momento en el que Humbert, casado ya con la madre de Lolita (Charlotte), se encuentra con ésta en la cama abrazándola mientras mira una fotografía de Lolita que hay encima de la mesilla. Entonces, ella le comenta que enviará a su hija a un internado, algo que Humbert no se toma demasiado bien dándose la vuelta hacia el otro lado de la cama, en la otra mesilla hay un revólver que Humbert observa detenidamente mientras Charlotte le pregunta si está en sus pensamientos y él responde que sí mientras mira el arma. En tiempo récord Kubrick habla de un sinfín de sentimientos encontrados en el mismo personaje.

James Mason borda un papel que muchos actores, entre ellos Cary Grant, rechazaron por considerarlo ofensivo. Sue Lyon se descubre como una excelente actriz a tener en cuenta y que desgraciadamente no se prodigó todo lo que quisiéramos. Sin duda nos encontramos ante su personaje más famoso y recordado, aunque personalmente la recomiendo en la última película de John Ford, ‘Siete mujeres’ (‘7 Women’, 1966). ‘Lolita’ supuso la última colaboración entre Kubrick y James B. Harris que regresó a Estados Unidos mientras el realizador siguió en Inglaterra donde se quedó para filmar la única comedia propiamente dicha de toda su filmografía.

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’
• ‘Senderos de gloria’

• ‘Espartaco’