‘El arte de amar’ es antes una reflexión sobre el amor que una película romántica. No obstante, sus historias funcionan de manera emotiva, pues los personajes acaban calando y se llega a sentir el escalofrío de sus culminaciones. No encaja dentro de la etiqueta de comedia romántica, si bien por su ligereza -antes que por la inclusión de humor- cabría definirla más como comedia que como drama. Tampoco tiene nada que ver con el porno, como daría a entender su título o la selección de imágenes del tráiler. Por el contrario, es una cinta recatada que no muestra nada ni de carne ni de acción sexual, aunque sí hable de ello sin censura. La jugada es arriesgada, pero le sale.

Como compilación de brevedades, se orquesta de forma distinta a la habitual, separando los segmentos con frases lapidarias en lugar de con títulos de capítulos o nombres de personajes y variando mucho la manera de introducirlas: en ocasiones, los deja libres para que los entendamos por sí mismos, otras veces retoma la voz en off del arranque, hay segmentos que se resuelven del tirón y otros que se van fragmentando a lo largo de todo el escaso metraje... El inicio, en el que se repasan todas las anécdotas por encima, sin aún haberse centrado en ninguna es la parte más pretenciosa en apariencia, con una imposición de la música clásica, con el peso de la voz en off y con la pantalla en colores sólidos. Una vez pasado este momento, el film se torna ameno y engancha con rapidez.

Los largos diálogos en escenarios únicos nos remitirían al teatro rodado, sin embargo, la forma en la que se acerca el director a los personajes es bien distinta, como si la cámara espía se colase en las casas ajenas. Así, los encuadres muchas veces enfocan una esquina o un intersticio entre puertas de manera que en ocasiones los personajes quedan ocultos tras un ángulo: no están fuera de campo y podemos oírlos, pero no los vemos. Por ello, sin bien da la impresión de que el guion se ha rodado sin más, en realidad, la forma de componer los planos tiene mucha intención. Además de eso, estas prolongadas conversaciones, requieren un gran esfuerzo de puesta en escena, así que el director se ocupa de encontrar siempre movimientos mecánicos que sugerir a los actores para librarse del estatismo que provocaría un largo diálogo soltado sin más: los personajes buscan pitillos y encendedores, calientan la cena, van de acá para allá... a los escenarios reducidos se les saca todo el partido que ofrecen.

Compararla con los films de Woody Allen, como han hecho algunas críticas norteamericanas, revela la ignorancia de que es el neoyorquino quien ha bebido de maestros franceses como Eric Rohmer para recrear esas situaciones sustentadas por largos diálogos sobre el amor, la vida y diferentes cuestiones filosóficas. Sí, los decorados burgueses, los paseos por los museos y parques y las ocupaciones culturalmente elevadas nos hacen pensar en Allen, pero Mouret, que ha admitido que lo admira, no se limita a emularlo, sino que bebe de muchas más fuentes.

Los actores, entre los que se encuentran François Cluzet (‘Intocable’), Pascale Arbillot, Ariane Ascaride, Frédérique Bel, Julie Depardieu, Laurent Stocker, etc... desempeñan con acierto sus papeles, dotando de credibilidad y naturalidad unos diálogos y situaciones nada fáciles de llevar a buen término dignamente. Mouret como director de actores realiza tan buen trabajo como en el resto de sus facetas.

Por mucho que no sean más que anécdotas extraídas de la vida real, algunas de las situaciones contienen bastante miga y son ciertamente curiosas como para intrigarnos ante su desenlace. ‘El arte de amar’ es, en definitiva, un divertimento original, agradable de ver, breve y efectivo. Cuenta con un gran elenco y no cae en la pretenciosidad que dan a entender sus primeros compases, sino que acaba resultando sencilla, cercana y en absoluto oscura o difícil. Muy superior a comercialidades vacuas como ‘Paris, je t´aime’, ‘New York, I love you’ y similares.

Es cierto que no es una garantía, pero sólo poco menos que un milagro evita que producciones con problemas de ese estilo logren esquivar esto. Todo indicaba que ‘Men In Black 3’ iba a ser otra más, ya que contaba con el precedente de la horrible entrega anterior (en la cual no había pistas tan claras de esto, ya que su realización fue tan normal como el hecho que vayamos a ver en unos años ‘Los Vengadores 2’), notables problemas de guión tanto durante la preproducción como durante el rodaje, ciertos rumores sobre un comportamiento poco profesional por parte de Will Smith, una campaña de promoción que atufaba a que íbamos a encontrarnos algo ligeramente mejor que un bodrio en el mejor de los casos (los carteles promocionales son bastante feos y los tráileres poco inspirados), pero se ha producido el milagro y ya os avanzo que estamos ante un entretenimiento con errores y aciertos, pero donde vence lo positivo.

Es obvio ante esa afirmación que la duda ahora será si ‘Men In Black 3’ me ha gustado más que la primera entrega, y la respuesta es no, pero con ciertos condicionantes. El primero es que comencé un revisionado de ‘Men In Black’ hace unas semanas y preferí no completarlo, ya que me encontré una cinta más desigual de lo que recordaba, con algunas cosas graciosas y/o bien hechas, pero también otros aspectos que habían envejecido lo suyo y su efectividad era mucho menor. Al final preferí parar el visionado y mantener el buen recuerdo que tenía de ella, así que coged con pinzas el hecho de que ‘Men In Black 3’ no me parezca a la altura de la primera parte. ¿Los motivos? El más destacable es que, tras un prólogo bastante acertado para introducir al villano de la función, tarda mucho en arrancar, porque la película transmite cierta sensación de dejadez hasta que se consuma el viaje en el tiempo del personaje de Will Smith. Hasta ahí se plantea un conflicto de vital importancia en la trama entre los personajes de J y K, pero se hace sin inspiración, como sabiendo que lo bueno empezaba cuando la acción se trasladara 30 años hacia atrás en el tiempo.

Sin embargo, es asombroso que los errores del guión a partir del viaje al pasado sean menores al apostar sabiamente por un menos es más en el que los efectos especiales no sólo no son utilizados para abrumar al espectador, sino que su presencia en el relato tiende hacia lo incidental en la mayoría de casos: La reconstrucción para asemejarse a la época, la vestimenta de los personajes y el uso de alienígenas sin que sean el foco de la acción o para aspectos visuales menos relevantes son la regla general. Sí que hay un clímax final bastante potente, pero tampoco ahí los efectos visuales tienen tanta preponderancia, mientras que los nuevos gadgets están bien dosificados para que tengan su momento de importancia sin que el conjunto de ellos resulte abusivo.

Ciñéndonos al guión que escribió Etan Cohen, luego fue corregido por David Koepp, más tarde también Jeff Nathanson hizo algunos retoques, pero luego Koepp volvió a ser contratado para terminar de ajustar un guión que no convencía a nadie, pero en el que finalmente sólo Cohen aparece acreditado. La verdad, con tanto lío casi me olvido de lo que quería decir, y es que en el guión hay más virtudes que efectos a partir de la media hora inicial: Lo cómico, que al principio resulta algo endeble, funciona y hasta tiene algún golpe de humor especialmente inspirado (todo lo relacionado con Andy Warhol), la trama avanza de forma previsible pero con corrección y hasta se permiten introducir un giro a la saga que la redefine, y no sólo no es un estropicio (algo que, por ejemplo, sí pasaba en ‘Scream 3’), sino que da a la película una emotividad que le permite elevarse por encima de su naturaleza de secuela correcta pero sin alma que estaba definiéndola hasta ese momento.

No tan sorprendente resulta la labor en la puesta en escena de Barry Sonnenfeld, el cual nunca ha destacado demasiado en esta faceta y ‘Men In Black 3’ no es una excepción a la regla, aunque sí que reduce bastante uno de los aspectos más cansinos de la mayoría de sus películas: Los excesos (incluso en sus comedias más normalitas). Ya he comentado que el guión fomenta este punto (lo cual hace aún más sorprendente el disparatado coste de la película), pero eso puede resultar irrelevante si el director opta por la saturación. No obstante, el problema es que a cambio tenemos una puesta en escena un tanto insípida, con escaso interés en detalles ajenos al aspecto principal de cada escena y que no hace nada por intentar dotar de cierta humanidad a lo que se está costando. El bagaje, con todo, es aceptable, ya que Sonnenfeld no molesta y deja que la acción discurra con tranquilidad según los designios del problemático libreto de la película. Por cierto, de nuevo estamos ante un 3D irrelevante que sólo sirve para sacar un poco más de dinero a los espectadores.

Es evidente que uno de los ejes de la función es Will Smith, no ya sólo porque sea capaz de sostener una película meramente con su carisma y saber estar (esto último lo ha adquirido con el paso de los años), sino porque en este caso su protagonismo, compartido con Tommy Lee Jones en las entregas anteriores, es indiscutible, recayendo sobre él el peso de mantener interesado al espectador en las distintas fases por las que pasa la historia hasta llegar al inevitable enfrentamiento final con el villano interpretado por Jemaine Clement. Eso sí, no estamos ante el mejor trabajo de Smith, ni tan siquiera a su mayor despliegue de carisma en una producción comercial (lástima que haya pasado de cantar y el tema central haya recaído en ese terrorista musical que es Pitbull), pero aún así resulta un líder convincente, despliega correctamente su encanto (ese que le ha llevado a ser el único invitado capaz de hacer tolerable ‘El Hormiguero’) y, a la hora de la verdad, nos encontramos con una versión de J evolucionada respecto a ‘Men In Black’, pero con las mismas constantes.

Ya he apuntado que Tommy Lee Jones pierde peso en el relato, pero es que ni tan siquiera es el principal protagonista, ya que esa tarea recae en Josh Brolin, el cual ofrece una estupenda versión de K en sus años mozos, donde se ve realmente al personaje 40 años después, pero también una personalidad más extrovertida. Y es que Jones es un gran actor, pero no es que se esfuerce demasiado en este caso, por lo que hemos salido ganando con un Brolin que sí parece disfrutar. Eso sí, ni por asomo cuela como alguien de 29 años. Otro acierto ha acabado siendo el fichaje de Jemaine Clement para dar vida al villano, ya que consigue al mismo tiempo transmitir sensación de auténtica amenaza y resultar cómico en ocasiones (el cara a cara entre sus dos yo es muy efectivo). Quizá se abusa un poco de un par de frases que definen al personaje, pero a mí no me llegó a molestar. El resto todos cumplen bien (quizá esperaba algo más de Emma Thompson, pero tampoco cuenta con mucho tiempo para ello), siendo destacables los casos de Bill Hader (genial como Andy Warhol) y, en especial, Michael Stuhlbarg como Griffin, un extraterrestre que puede predecir todas los posibles futuros en función de cualquier alteración que se vaya produciendo. Estamos ante un personaje que consigue dar un toque especial a la película, algo que la beneficia sobremanera.

En definitiva, ‘Men In Black 3’ es un entretenimiento más que digno que, tras una buena presentación del villano principal, tarda algo en arrancar (básicamente hasta que se produce el viaje al pasado), pero luego se un espectáculo agradable con algún gran momento que cierra el círculo de la saga de forma satisfactoria. Algunos se sentirán un tanto decepcionados por la escasa presencia e Tommy Lee Jones, pero lo cierto es que Josh Brolin está más motivado como él de joven y Will Smith sabe aprovechar el carisma del que siempre ha hecho gala. Vamos, un buen divertimento más cercano al nivel de la primera entrega que a ese absoluto desastre que fue su secuela. Algo es algo, pero, por favor, que dejen morir la saga aquí y no sigan adelante a lo tonto.

Hace un par de meses ya pudimos ver el teaser, y ahora nos llegan los primeros carteles de ‘La Saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’, en este caso centrado en el trío protagonista cuyo triángulo amoroso tanto ha hecho sufrir tanto a sus fans como a los detractores de esta franquicia, lo único que de forma bien distinta. Hasta haciendo el esfuerzo de abstraerme un poco respecto a mi escaso aprecio (aunque no odio como sucede en el caso de muchos lectores) hacia la saga, la verdad es que no se han esforzado mucho.

Os recuerdo que ‘La Saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’ nos contará el cierre, en principio, definitivo de esta relato vampírico, siguiendo un factor clave cierta cosa que le sucedió al personaje interpretado por Kristen Stewart al final e la anterior entrega. Obviamente, Robert Pattinson y Taylor Lautner también repiten presencia pese a que el corazón de la protagonista ya se decidió de forma definitiva por el chupasangres. Además de al famoso trío protagonista podremos ver a Peter Facinelli, Ashley Greene, Kellan Lutz, Jackson Rathbone, Elizabeth Reaser, Nikki Reed, Billy Burke, Rami Malek y Maggie Grace. En la dirección volvemos a encontrar a Bill Condon, alguien por el que sentía cierto respeto al ser el responsable de películas tan estimables como ‘Dioses y Monstruos’ o ‘Kinsey’, pero que no ha tenido problema en volver a rodar una película de esta franquicia de calidad, cuando menos, cuestionable.

El estreno de ‘La Saga Crepúsculo: Amanecer, parte 2’ está previsto para el próximo 16 de noviembre, contando además con el añadido de que podremos verla en 3D, una astuta maniobra para intentar recaudar aún más. Yo no descarto que incluso llegue a la mágica cifra de los 1.000 millones de dólares recaudados. Ya veremos.

PD: Pattinson y Stewart pronto estrenarán películas que permitirán que su imagen cobre una nueva perspectiva alejados de la saga (mi compañero Juan Luis ha comentando recientemente ‘On The Road’, que cuenta con la presencia de ella y se ha podido ver estos días en Cannes), pero tengo mis dudas que Taylor Lautner jamás consiga algo mejor que ser el protagonista de alguna película de acción entre mala y horrible.

Vía | Collider

Se aproxima la clausura de la 65ª edición del festival de Cannes y sigo sin encontrar esa película que me deje extasiado. He visto un puñado de obras magníficas pero ninguna me parece a la altura de ‘El árbol de la vida’, ‘The Artist’ o ‘Drive’, en competición el año pasado. Quizá sea la crisis. Es para preocuparse si resulta que títulos como ‘Lawless’, ‘On the Road’ o ‘The Paperboy’ (que hemos visto esta mañana), todas en la sección oficial, se encuentran entre las mejores películas de 2012. No creo. Espero que no. Pero ya sabéis, se pasean estrellas por la Croisette. La novena jornada ha estado marcada por la visita de Macy Gray, Nicole Kidman, Matthew McConaughey, John Cusack y Zac Efron, protagonistas del nuevo trabajo de Lee Daniels. También se ha presentado otro título de competición, ‘Post Tenebras Lux’, lo último del mexicano Carlos Reygadas, que despertó los abucheos más ruidosos que he oído hasta el momento aquí en Cannes.

‘The Paperboy’

Daniels regresa a Cannes cuatro años después de presentar la ultradramática ‘Precious’ (en la sección “Un certain regard”) con una adaptación de la novela de Pete Dexter (coautor del guion junto al director) que antes pasó por las manos de Pedro Almodóvar. El cineasta norteamericano, que en varias entrevistas ha querido dejar claro que en su película no queda rastro del trabajo del español, nos traslada esta vez a finales de los años 60, a una localidad del sur de Florida, para narrar una historia del paso a la madurez marcada por la violencia, el deseo y el racismo. ‘The Paperboy’ gira en torno a la investigación de un crimen. El reportero Ward Jansen (McConaughey) vuelve a su ciudad natal para escribir un artículo sobre un asesinato, por el que un hombre, Hillary (Cusack), ha sido condenado a muerte sin pruebas concluyentes. Le ayudan con el caso su colega Yardley (David Oyelowo), su hermano pequeño Jack (Efron) y una mujer, Charlotte (Kidman), que intercambia cartas de amor con el supuesto asesino. Jack se enamora perdidamente de Charlotte, cuyo único interés es que Hillary salga de la cárcel y puedan así vivir un idílico futuro. Nada ocurrirá como esperaban.

‘The Paperboy’ me ha recordado a ‘On the Road’, en el sentido de que otra vez tenemos un relato meritorio en el apartado visual, con una estupenda fotografía (de Roberto Schaefer) que resalta la carne sudada y ansiosa, y un excelente trabajo del reparto (en especial, Kidman y Cusack), pero falta imaginación, coraje y brío en la puesta en escena. Daniels se declara públicamente un buen director de actores, y supongo que lo es, pero parece no darse cuenta de que las interpretaciones también dependen de sus aciertos y tropiezos como narrador, de su manera de contar una historia y transmitir sensaciones. Por ejemplo, Zac Efron encaja en el papel de Jack y se le ve muy implicado, pero el director se muestra tan obsesionado con el físico del actor, lo explota tanto, que la actuación queda en un segundo plano, sepultadas por imágenes del chico en calzoncillos, posando y marcando músculo. Parece que McConaughey no le estimula tanto, o quizá el actor, más experimentado y consciente de su carrera, no se ha prestado a convertirse (de nuevo) en objeto erótico; su personaje parece más relevante de lo que es finalmente, y es una lástima porque se le ve motivado y con ganas de reventar su célebre imagen.

Nicole Kidman es la gran beneficiada de la película, hasta el punto de que no me parece descabellado adelantar que será nominada al Oscar por cuarta vez en su irregular carrera. Tiene un papel a priori sencillo, una hortera Barbie sureña fascinada con un bruto que se dedica a cazar y destripar caimanes (John Cusack), pero el guion la enfrenta a varias escenas crudas e intensas que la australiana resuelve con formidable naturalidad. Sin duda, recordaremos ‘The Paperboy’ por una provocadora escena sexual entre Charlotte y Hillary, sentados a varios metros de distancia con otros personajes presentes en la misma sala. Imposible no sentir el aumento de temperatura. En este relato sexual y violento impactan también dos escenas donde el personaje de McConaughey sale mal parado (no cuento más, los que hayan leído el libro sabrán a lo que me refiero). La famosa cantante Macy Gray (que ya trabajó con Daniels en ‘Shadowboxer’) representa con verosimilitud uno de esos convencionales roles de sufrida pero divertida sirvienta del hogar que hace poco vimos en ‘The Help’. Los chispazos salvajes y las talentosas interpretaciones salvan de la quema este flojo trabajo de Daniels que no merece ser incluido en el palmarés.

‘Post Tenebras Lux’

Me halaga que a gran parte de la prensa no le guste. No es mi objetivo gustar al mayor número de gente posible.

(Carlos Reygadas en la rueda de prensa de hoy)

Cinco años después de ganar el premio del jurado en Cannes por ‘Luz silenciosa’, Reygadas ha traído al festival su nuevo trabajo, ‘Post Tenebras Lux’ (“Tras las tinieblas, luz”), en la que al parecer ha incluido vivencias personales. El film arranca con una enigmática secuencia con una niña rodeada por animales que llama a su familia mientras el cielo se oscurece y estalla una tormenta. Esto puede presentarse de muchas maneras, y el cineasta mexicano elige la más vaga, dejar que pase el tiempo (muuucho tiempo) mientras enfoca los mismos elementos. Es una pieza que destaca por la belleza de la luz y el paisaje, por la vida que se capta, pero poco a poco va cansando, hasta resultar tediosa. No hay nada que mantenga el interés, no sabemos quién es la pequeña ni qué hace ahí, no hay información, y el anochecer es precioso, pero se aprovecharía mejor dentro de un contexto, de una narración más elaborada. Sin embargo, el realizador parece ser de los que, persiguiendo la controversia barata y la fama de autor insobornable, confunden el talento y la verdad en el cine con una caprichosa y espontánea manera de filmar. Así que en lugar de escribir un guion y planificar una narración, que es algo muy trabajoso, optan por la improvisación y la contemplación. El resultado no es relevante, lo es que se ha hecho y lleva una firma. Le toca al público interpretarla, como quiera. Así todo es más poético, artístico e intelectual. Y además se consiguen premios.

Gran parte de la película sigue el estilo de la apertura, visualmente cautivadora (con ese efecto de la lente que deforma los bordes de la imagen, sugiriendo quizá que estamos asistiendo a sueños y recuerdos) pero carente de interés, confusa, lenta, aburrida, pretenciosa. Los personajes principales son Juan, su esposa Natalia (con la que no conecta sexualmente) y sus dos hijos pequeños; una familia urbana que se traslada a un entorno rural, enfrentándose con una mezcla de sufrimiento y gozo a un nuevo mundo, una nueva realidad con sus propias reglas y sus propios seres. Hay una secuencia deportiva con unos chavales que no hemos visto antes, otra surrealista con una figura demoníaca que se pasea con un maletín (la repite en dos ocasiones, idéntica) o una extraña y siniestra sauna donde se celebran orgías de manera organizada. Asimismo hay una reunión de adictos que también sale de ninguna parte pero que al menos resulta (tristemente) divertida por las realistas y lamentables confesiones de los personajes (“todos me conocen como R2D2”). Me dio la sensación de que Reygadas, con este indescifrable, caótico y rebelde cóctel de situaciones e imágenes, estaba buscando seguir la estela de Apichatpong y llevarse la Palma de Oro de este año. Espero que el jurado no caiga en la trampa de esta tomadura de pelo excelentemente iluminada, que requiere de mucha voluntad y paciencia por parte del espectador.

Ya sabéis que Javier Fesser, tras dirigir la primera película de 'La gran aventura de Mortadelo y Filemón' (2003), dejó la secuela en manos de Miguel Bardem, a pesar de que la pionera había supuesto un gran éxito de taquilla. La segunda se tituló ‘Mortadelo y Filemón. Misión: salvar la Tierra’ (2008) y no fue mal, aunque no igualó el monto de ingresos de su predecesora. Entre tanto, Fesser nos trajo ‘Cándida’, el retrato de una mujer real a través de una historia ficticia, que me suscitó la pregunta de si nos reíamos con o de ella, y ‘Camino’, la historia de una niña enferma y la reacción de su madre del Opus y su sometido padre, que encontré tan buena como dura.

Javier Fesser vuelve a la dirección con la tercera entrega, que llevará por título ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’. El guion, del propio Fesser, Cristóbal Ruiz y Claro García, nos llevará hasta los agentes de la TIA, cuando tengan que vérselas con un supergamberro, Jimmy el Cachondo, que ha lanzado el mayor ataque criminal contra la estabilidad mundial: un ataque de risa que ha hecho que la guasa y la risa floja se haya apoderado de las instituciones, de la banca, de los ministerios, de las fábricas, de los colegios y de toda la sociedad, con el consiguiente caos. Vamos, como el chiste de los Monty Python que solo contaban en alemán, pues quien lo escuchase en su idioma, moriría de la risa.

En vez de en imagen real, esta tercera cinta se hará en animación estereoscópica en 3D, de la que se encargará Ilion Animation Studios, creadora del éxito internacional ‘Planet 51’. Por lo tanto, para encarnar a los personajes creados por Francisco Ibáñez -en la fotografía, junto con Javier Fesser- no se contará con Pepe Viyuela, quien dio vida a Filemón Pi en las dos primeras, ni con Benito Porcino, que hizo de Mortadelo en la primera, o El neng, quien retomó ese papel en la segunda. Quizá lo que sí presten estos actores sea sus voces. Veremos qué tal le sienta el cambio de formato.

Vía | Cine por la Red.

Los más aficionados a los videojuegos ya están lanzando vítores y aplaudiendo (o no). ‘Shadow of the Collossus’, considerado uno de los mejores videojuegos llegará al cine de la mano de Josh Trank, el director de ‘Chronicle’. Parece una decisión coherente por parte de Sony Pictures que ha encargado a este joven talento la nada fácil realización de esta adaptación.

La historia saltará pues desde la PlayStation 2, donde ha cosechado un éxito tremendo, hasta la gran pantalla (de cine, que ahora que hay puntualizar dado el tamaño de muchos televisores actuales), con ciertas garantías. Johs Trank ya ha demostrado lo que es capaz de hacer con ‘Chronicle’ con un presupuesto limitado y con una inspirada realización. Por cierto, que se involucra de lleno puesto que podría ser el encargado de escribir la adaptación, aunque ahora mismo parece que se está buscando guionista.

En cualquier caso nada fácil esta tarea para Trank, al que le llueven los proyectos y se ha convertido en una de las grandes promesas de Hollywood, y más si tenemos en cuenta que la estructura de ‘Shadow of the Colossus’ (obra de Fumito Ueda) apenas cuenta con diálogos. Si duda, uno de esos proyectos que hay que seguir de cerca.

Vía | Deadline

En Vida Extra | Pánico y terror. La película de ‘Shadow of the Colossus’ en camino