No creo exagerar si digo que el uso del scope 2.35:1 que el director Greengrass y el operador Barry Ackroyd (que pocos años más tarde firmaría el portentoso trabajo de ‘En tierra hostil’ (‘The Hurt Locker’, Kathryn Bigelow, 2008), y que sería nuevamente nominado al Oscar) llevan a cabo en esta película, es un asombro a la altura de muy pocos cineastas recientes. Para hacernos una idea: el John McTiernan de ‘La jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), el Martin Campbell de ‘Casino Royale’ (id, 2006) o el Martin Scorsese de ‘Infiltrados’ (‘The Departed’, 2006). Es una imagen total, de una belleza y una precisión que te atrapa desde el primer momento. La gran fluidez de la cámara, el estilizado uso de la luz y el color, la profundidad de campo, son realmente notables. Pero la imagen carece de vida sin un sonido apropiado, y las mezclas son, también, soberbias, así como el magnífico montaje llevado a cabo por Clare Douglas, Richard Pearson y Christopher Rouse, y el diseño de producción de Dominic Watkings. Y es que técnicamente es cine de primer orden.

Pero dramáticamente también. Ya que es una historia tan reciente (yo creo que nunca dejará de ser reciente) era imperativo un reparto de caras desconocidas que, sin embargo, dieran todas las garantías, porque la película, al fin, es un homenaje a las personas que murieron ese día. Y son ellos los que soportan la carga dramática de una película que se detiene con paciencia, como es lógico, en cada uno de los caracteres. Pero se trata de un casting fenomenal, que incluye no solamente a las víctimas y a los terroristas, también a varios puestos de controladores aéreos, al Centro de Control de Tráfico Aéreo, a la Fuerza Aérea… en un reparto que incluye a varias docenas de personajes, todos impecables. Pero los pasajeros del avión y los cuatro terroristas son los mejores, y cada uno de ellos está dibujado con cuatro líneas pero con precisión, y jamás dejas de creerte su extrema peripecia. Más allá de que eso ocurriera realmente (ya sabemos lo necesitados de héroes que siempre están en los Estados Unidos), o de que determinados aspectos puedan haber sido alterados o inventados, se nos queda la sensación inequívoca de asistir a un documento ficcionado y de formar parte del pasaje, como uno más, compartiendo el terrible destino que todos conocemos de antemano, pero que no por ello, al llegar a él, deja de provocarnos un salvaje escalofrío. De hecho, el último plano, en negro, es el final perfecto, sin concesiones melodramáticas de ninguna clase, con el que sentimos, como pocas veces, la certeza de la muerte.

Es decir, que andamos muy lejos de la blandenguería y la trivialidad de aquella espantosa ‘World Trade Center’ (id, Oliver Stone, 2004), que sí se ponía melodramática y conservadora con un tema que le quedaba muy grande, sorprendentemente, a Stone. Viendo ‘United 93’, da la sensación de que es la película, o al menos el territorio formal, que el mejor Stone habría indagado si se hubiera puesto las pilas (cosa que no hace desde mucho, al menos en ficción). Menos mal que está Paul Greengrass, quien además firma el guión, para hacerlo por él, y regalarnos una experiencia inolvidable y desoladora, que no teme tardar casi una hora en empezar de verdad, mientras va situando las piezas del juego, alargando hasta lo insoportable la tensión del vuelo que por poco se queda en tierra, o la del terrorista que no se decide a comenzar el secuestro, o la de los pasajeros que emprenden la lucha por la vida un poco tarde. Al final, nadie gana, todos pierden, el mundo sigue siendo el peor posible. Pero por lo menos se ha hecho una buena película, que se esfuerza en mostrarlo tal cual. Algo es algo.

Conclusión

Cine valiente, que huye de lo melodramático como la peste para llegar a su opuesto, la realidad tal cual, con su extrema ambigüedad, con sus aristas apasionantes. Probablemente, la película más redonda de Greengrass y uno de los filmes sobre una historia real más espeluznantes que han podido verse en los últimos años. Pero también cine libre, lleno de energía y pasión, que no se deja digerir fácilmente y que exige al espectador una lucha feroz con sus propios sentimientos. Cine grande, en definitiva.

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• ‘United 93’, volando hacia lo más alto (por Alberto Abuín)

• ‘United 93’, media hora de flojísimo cine y una hora de insoportable falso documental (por Juan Luis Caviaro)

Aquí tenemos el nuevo tráiler de ‘Thor’, la adaptación del famoso personaje de cómic de Marvel, que ha llevado a cabo el gran Kenneth Branagh, en la que sin duda es su película más cara. De hecho, el realizador de obras maestras como ‘Mucho ruido y pocas nueces’ (‘Much Ado About Nothing’, 1993) o ‘Trabajos de amor perdidos’ (‘Love´s Labour´s Lost’, 2000), sólo se había codeado con el cine comercial en su impresionante ‘Frankenstein’ (1994), y ahora con el crédito y fama perdidas injustamente, parece regresar por todo lo alto en la que es, al menos para un servidor, la adaptación cinematográfica de un superhéroe más esperada de los próximos meses. Y hablo de un personaje que a mí nunca me ha dicho nada, pero confío lo suficiente en la mano de Branagh.

Ashley Miller, Zack Stentz --ambos guionistas también en otra adaptación de superhéroes, ‘X-Men: Firts Class’ (Matthew Vaughn, 2011)-- y Don Payne parten de una historia de J. Michael Straczynski y Mark Protosevich. El reparto está formado por la próxima ganadora del Oscar a la mejor actriz principal, Natalie Portman, Kat Dennings, Anthony Hopkins, Idris Elba, Stellan Skarsgård, Ray Stevenson, Rene Russo, Colm Feore, Tom Hiddleston y Chris Hemsworth en el papel principal. Componiendo la banda sonora, seguro que épica, el habitual del director, Patrick Doyle.

No sé vosotros, pero a mí este tráiler me gusta mucho más que el anterior, y eso que cuenta demasiadas cosas, como siempre. ‘Thor’ llegará a nuestros cine el próximo 28 de abril.

Vía | Blog de superhéroes (gracias a xtremo por el aviso)

La radiante presidenta del jurado de la 61ª edición de la Berlinale volvió a ser el centro de atención de una rueda de prensa, que sin embargo no despertó mucho interés por parte de los medios acreditados. El motivo era la presentación de ‘Late Bloomers’, una comedia dramática dirigida por Julie Gavras que Isabella Rossellini protagoniza junto a William Hurt, quien lamentablemente no ha podido venir a Berlín. La película no aspira al Oso de Oro pero antes voy a hablar de dos títulos que sí compiten, proyectadas en la mañana de esta octava jornada, una procedente de Corea del Sur y una coproducción de Israel y Reino Unido. Casualmente, todas giran en torno a parejas. Y en todas surge la infidelidad, es curioso.

‘Come Rain, Come Shine’, ven sueño

‘Come Rain, Come Shine’ (‘Saranghanda, Saranghaji Anneunda’, 2011) arranca con un largo plano secuencia en el que vemos a una pareja en el interior de un coche, charlando. La cámara está pegada al coche y muestra a los protagonistas a través del parabrisas durante más de diez minutos, lo que sinceramente no me parece la mejor manera de empezar una película. Pero la peor parte son los diálogos, vagos, muy corrientes, sin chispa alguna. Llegué a pensar que estábamos a punto de ver otra memez del calibre de ‘Un mundo misterioso’; por fortuna, el film coreano no está tan descuidado y, aunque resulta bastante tedioso (en especial durante una proyección tan temprana), tiene algunas ideas interesantes, llegando uno a sentir cierto interés por conocer el desenlace de la historia. Que por cierto lo destripan en la sinopsis que ofrece la web del festival, menos mal que no suele leerlas antes de ver las películas.

La conversación dentro del vehículo gira en torno a temas variados, hasta que en un momento dado la chica (Lim Soo-jung) le suelta a su pareja (Hyun Bin) que va a dejar la casa, que le abandona; el joven pregunta si hay otra persona, y ella lo confirma, asegurando que él sabe de quién se trata (previamente hablaron de un fotógrafo, y dio la impresión que el chico había sacado el tema con una mal disimulada desconfianza). La acción se traslada ahora al hogar de ambos, y de ahí no saldremos en lo que resta de película. La chica está empaquetando sus cosas, pero se plantea posponer su marcha debido a una fuerte lluvia. La cámara la sigue a la pareja de habitación en habitación, mientras los dos jóvenes hablan y se mueven de un lado a otro con desesperante apatía. Repetidamente comentan dónde van a cenar, y por qué el chico no está enfadado por lo ocurrido, mostrándose tan colaborador y amable como siempre.

Cuesta mantenerse concentrado en la pantalla durante cien minutos cuando todo se centra en unos protagonistas que parecen no tener el menor interés en nada de lo que dicen o hacen, y cuando la realización tampoco colabora, apostando Lee Yoon-ki (director y autor del guion) por una puesta en escena muy simple y la cámara en mano para acercar detalles al espectador, en escenas tan fascinantes como la preparación de un plato de pasta. Lo que me gusta es la idea de usar la casa como metáfora de la relación de esta pareja, con los defectos (la puerta que no se abre bien) y las goteras que no habían notado antes, y todos esos recuerdos de su vida en común; o que se enteren de las inundaciones tarde y por las noticias, viviendo ellos en su propia burbuja. En resumen, un relato fallido, hueco, una gran decepción, esperaba muchísimo más de la representante coreana en la sección oficial a concurso.

‘Lipstikka’, crudo y carnal relato de dos amigas

Gran parte de lo que le falta a ‘Come Rain, Come Shine’, como es pasión y crudeza, le sobra a la siguiente película que vimos en la jornada, ‘Lipstikka’ (‘Odem’; Israel, Reino Unido, 2011), escrita y dirigida por Jonathan Sagall. No es un relato del todo logrado, pues confía demasiado en la fuerza de una revelación del pasado de las protagonistas, lo que resulta ser un error, pues uno ha visto hechos más duros y traumáticos en el cine, y no queda muy clara su conexión con el presente. La película arranca muy bien, mantiene el interés gracias a las actrices y una realización muy elegante, muy cuidada, con la cámara captando siempre las diferentes emociones de lo que pasa en la pantalla, pero conforme avanzan los minutos va quedando al descubierto que el entramado es menos complejo de lo que parecía, el guion de Sagall va dando vueltas sobre los mismos puntos y, como digo, la resolución no resulta tan impactante como se pretende.

La película gira en torno a la apasionada amistad entre dos mujeres que dejaron Palestina para vivir en Londres. Lara (Clara Khoury) se ha integrado perfectamente y goza de una vida muy acomodada, tiene una gran casa, es esposa y madre, mientras que Inam (Nataly Attiya) es una mujer sin rumbo, aunque intenta ocultarlo. En realidad, Lara tampoco es feliz, pero ha aprendido de su amiga, y nadie puede descifrar la verdad de su rostro o su comportamiento. Solo en su interior podemos hallar la amargura de un falso matrimonio (no duerme con su marido, que suele ver a otras mujeres) y de una vida indeseada, pero respetable y envidiable desde un punto de vista superficial (el único que conoce mucha gente). Inam busca ayuda en Lara, pero ésta no desea que nada rompa el “perfecto” equilibrio que ha conseguido. En el fondo, desea olvidar un oscuro episodio que todavía le causa remordimientos.

Está muy bien plasmada la relación entre Lara e Inam, es muy natural y verosímil, así como sus diferentes personalidades (la primera recurre al alcohol para las penas, la otra prefiere el sexo). Solo dura noventa minutos la película y creo que Sagall no está muy acertado manejándolos, a mí me sobra lo que ocurre en el falso flashback (pues lo veremos después sin mentiras, otra vez entero), que parece puesto ahí solo para mostrar más carne y sexo (muy bien filmado, por cierto); por el contrario, me faltan más minutos de la relación entre las dos mujeres, como ciertos episodios importantes de los que solo vemos instantes sueltos. No digo que sea mala idea esto último, pero puestos a ocupar una hora y media, me parece más interesante ver acontecimientos nuevos que repetir un flashback cambiando el desenlace. No sabría decir si tiene serias opciones a los premios, porque pese a los aplausos o los abucheos suele haber sorpresas en el palmarés, pero desde luego no la descartaría, hay talento y energía en esta ‘Lipstikka’.

‘Late Bloomers’, deliciosa comedia sobre la vejez

Imposible resistirse a una comedia dramática protagonizada por Isabella Rossellini y William Hurt. Por fortuna, vale la pena, es más que una simple reunión de estas dos estrellas. Coescrita por Olivier Dazat y la directora Julie Gavras, hija del conocido realizador Costa-Gavras, ‘Late Bloomers’ (Francia, Reino Unido, Bélgica, 2011) gira en torno al paso del tiempo a través de un matrimonio que ya ronda los 60 años, y lo afrontan de diferente manera. Sorprendida por una inocente pérdida de memoria, Mary (Rossellini) descubre de pronto que acaba de cruzar la línea de la vejez, sin darse cuenta, y aunque al principio se resiste, intentando aparentar que todavía sigue siendo una atractiva joven, pronto acepta su realidad y decide disfrutarlo (el título se refiere a una tardía madurez o florecimiento). Sin embargo, su marido no está dispuesto a seguirla.

Adam (Hurt) no se siente viejo, todavía no. Así que se aferra a su trabajo (es arquitecto) pasando casi todo el día en la oficina, incluso durmiendo allí. Mientras Mary va acomodándose a su edad, Adam se rebela intentando volver al pasado, vistiéndose como un muchacho y relacionándose con los jóvenes y entusiastas estudiantes que trabajan en su empresa. Tras treinta años juntos, y tres hijos en común, el matrimonio entra en crisis, y ninguno de los dos parece dispuesto a cambiar su postura. Apoyada en el sensacional trabajo de los actores, y en un guion directo y sencillo, que se toma su tiempo para avanzar pero que no se va por las ramas, Julie Gavras filma una deliciosa historia divertida, dramática y romántica, llena de encanto y autenticidad, que no solo trata sobre una pareja mayor, también sobre la identidad de una persona que la sociedad ya considera casi inútil, cercana a la muerte.

Rueda de prensa de ‘Late Bloomers’

La escasez de profesionales en la sala de prensa permitió un ambiente mucho más distentido de lo habitual. La primera pregunta fue para Isabella Rossellini, sobre su interés en el proyecto: “Hay muchas películas sobre hacerse viejo, que son dramáticas, pero mi experiencia es que no lo es, es cómico, así que cuando leí el guion, sentí que era único”. Sobre hacerse mayor, la actriz dijo que “para la mujer es más difícil, porque tienes que estar bella y sexy, siempre apetecible, y cuando eres mayor te cuesta encontrar un papel en la sociedad. Pero con la edad viene libertad, cuando eres joven tienes que probar cosas, tener una carrera, ser económicamente independiente, demostrar a tus padres que puedes defenderte… y cuando eres mayor, puedes hacer lo que quieras”, expuso Rossellini (con unos 59 años llevados de manera maravillosa). También aclaró que en su caso le ha venido bien para empezar a dedicarse a la dirección, algo que siempre quiso hacer desde niña: “Si fuera joven no lo haría, pero ahora pienso que me voy a morir y que no puedo dejarlo pasar más tiempo [...] No quiero ser joven otra vez, quiero ser elegante y sofisticada, pero no joven, cuando me dicen que parezco más joven me parece un insulto… Mi hijo es negro y la gente me dice que no soy muy oscura, y se supone que tengo que dar las gracias, es insultante”.

Julie Gavras fue eclipsada por la hija de Ingrid Bergman, pero también tuvo su tiempo para hablar de la película. Dijo que las tres mujeres que vemos en el film (hija, madre, abuela) son “la misma persona con diferentes edades, buscando su sitio”. Sobre la idea del guion, la realizadora explicó: “Me interesaba mucho hacer una comedia dramática sobre una pareja, pero no sobre gente de veinte, que es lo habitual, sino con mayores”. Rossellini explicó que no hay nada improvisado en la película, que todo estaba en el guion y se trabajó durante dos semanas de ensayos previos al rodaje. Sobre William Hurt, dijo que “fue maravilloso, es muy fácil trabajar con él [...] me di cuenta que a veces no había diferencia entre hablar con William o hablar con el personaje, eran lo mismo”. Alguien preguntó por las escenas de sexo y la actriz respondió que siempre es incómodo pero que son profesionales; en cuanto al baño que comparten en una escena, “simplemente nos desnudamos, nos metimos en la bañera y fue como, bueno, esto es lo que hay”.

JL Caviaro, 18 de febrero de 2011, Berlín.

Tampoco vamos a decir ahora que ‘Los chicos del barrio’ sea una joya imperecedera del cine, pero junto con ‘Haz lo que debas’ (‘Do The Right Thing’, Spike Lee, 1989) conforma un brillante díptico, un cine increíblemente vivo y veraz, que se adentra en la violenta y compleja cotidianidad de los afroamericanos, en confrontación dialéctica con otras etnias y culturas, y lo hace con lucidez y sin dejarse llevar por lo trillado y por el lugar común. Al menos, no demasiado. Las trampas y los trucos de guión de ‘Los chicos del barrio’, que los tiene, y no son pocos, te las comes dobladas porque lo que narra es tan potente, y lo narra con tanta sinceridad, dolor y sencillez, que se asumen las lagunas de un relato trágico y a ratos salvaje, que soporta muy bien el paso del tiempo. El atolondrado Tre (un magnífico Cuba Gooding Jr., que nació justo cuatro días antes que Singleton) intenta vivir según sus propias reglas morales en un mundo que carece de ellas, y que parece desmoronarse a base de tiros, odio, pobreza anémica, un futuro siniestro… Da miedo, ‘Los chicos del barrio’, y no va de gran drama, ni de gran relato americano. Es serena y humilde, certera y valiente. Desde luego, había nacido una mirada.

Es decir, que la expectativa con sus futuros trabajos era más que lógica, y la decepción, a grandes rasgos, también. A su debut le siguió la descafeinada, por decir algo suave, ‘Justicia Poética’ (‘Poetic Justice’, 1993), protagonizada por una Janet Jackson bastante insufrible. No parecía el mismo director, desde luego. Más bien un cineasta dubitativo, incapaz de seguir avanzando tras un debut fulgurante. Por supuesto que el tema de la violencia callejera como un mal corruptor y despiadado, permanecía en sus imágenes, pero la autocomplacencia y la blandenguería moral hacían presa de Singleton. Sin embargo, supo recuperar algo de la garra anterior con su siguiente largometraje, el bastante digno ‘Semillas de rencor’ (‘Higher Learning’, 1995), en la que regresaba la lucidez a la hora de contar los orígenes de un odio interracial, en la que se adentraba además con sensibilidad y ternura en el infierno de la violación y el amor homosexual reprimido. En esa película los negros no eran los buenos, ni los blancos los malos. Había de todo. Y en la patética figura del personaje de Michael Rapaport, un hombre consumido por el dolor y la soledad convertido en un asesino manipulado por unos neonazis, Singleton derramaba comprensión, valentía y sobre todo compasión. No es poco.

Singleton pudo filmar una última película interesante con ‘Rosewood’ (id, 1997), que no es que haya visto mucha gente, precisamente, y que contaba los aterradores eventos racistas que, en 1923, convirtieron en un infierno ser de color en una región mayoritariamente blanca y asalvajada. Sobre un guión no escrito por él, lo que era toda una novedad, el cineasta controlaba con profesionalidad los resortes del drama y dirigía estupendamente a un reparto encabezado por Ving Rhames, John Voight y Don Cheadle, entre otros. A partir de este largo, Singleton empezó a filmar un cine descaradamente comercial que le ha dado algunos éxitos de taquilla, pero que ha empequeñecido su figura artística de manera lamentable. Empezando por ‘Shaft, the Return’ (id, 2000), con la que se resucitaba al mítico policía negro de los años setenta interpretado por Richard Roundtree de manera mil veces más interesante que por el a menudo inaguantable (otras veces enorme actor) Samuel L. Jackson. A lo absurdo de la trama, se une la torpe realización de acción y humor, todo coronado por un racismo de salón indigno del que filmara ‘Los chicos del barrio’. No se salvaba ni Christian Bale.

Pero en comparación con su siguiente película, la memez titulada ‘Baby Boy’ (id, 2001), la anterior hasta parece interesante. La lúcida mirada de Singleton hacia los de su etnia, hacia los conflictos sociales y hacia la cotidianidad del racismo encubierto, ha desaparecido por completo, sustituida por otra increíblemente trivial, lúdica, que no se toma en serio lo que está contando y que le importa un carajo los personajes a los que sigue (y si a él le importan un carajo, a mí más todavía). Y ya la siguiente ‘2 Fast 2 Furious. A todo gas 2’ ‘(2 Fast 2 Furious’, 2003), convierte a ‘Baby Boy’ en una obra maestra del cine. La única razón que se me ocurre para que se decidiera a firmar la dirección de esa secuela, es que iba a recibir por ello un sueldo bastante majo, y unos dividendos de la taquilla aún más majos, que le permitieran filmar películas más personales. Porque el guión de Michael Brandt, Derek Haas y Gary Scott Thompson (¿tres guionistas para esto?) es un compendio de bobadas tan insultante que te ríes por no llorar. ¿La excusa? El personaje afroamericano, interpretado de nuevo por el pésimo actor Tyrese Gibson.

Después de este trío de joyas, muchos saludaron ‘Cuatro hermanos’ (‘Four Brothers’, 2005) con algo de exageración, bajo mi punto de vista. Cierto, comparado con aquellas, es una maravilla, pero la personalidad vibrante y llena de coraje de Singleton parece diluida para siempre. Está filmada con brío y buen hacer, pero sin emoción, sin originalidad. Decente, y poco más. Desde entonces, Singleton ha hecho poca cosa o nada. Ahora vuelve con ‘Abduction’, de nuevo sobre guión ajeno, y con el crepusculón de Taylor Lautner y la jovencísima Lily Collins. Crucemos los dedos. Pero no parece, definitivamente, que el mejor Singleton, el que contaba las historias de los barrios negros y pobres con oscuridad y talento, vaya a volver pronto.

Esta tarde se estrena ‘Sin retorno’ (2010), primer film del argentino Miguel Cohan, que cuenta con las interpretaciones de Leonardo Sbaraglia, Federico Luppi, Bárbara Goenaga y Martín Slipak. Este thriller psicológico, coproducción hispano-argentina, cuyo tráiler adelanté aquí, obtuvo en la Seminci 2010 la Espiga de oro --ex-aequo junto con ‘Copia certificada’-- a la Mejor Película y el Premio Pilar Miró al mejor nuevo realizador, así como el premio Fipresci a la Mejor Película, concedido por la crítica internacional.

En ella, un joven muere atropellado en un accidente de tráfico. El culpable huye sin dejar rastro. Ninguna prueba lo incrimina. Pero el padre del joven, apoyado por los medios de comunicación, exige encontrar al responsable y llevarlo a la cárcel. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa, la responsabilidad y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno.

Con total aspecto de estar basada en hechos reales --en realidad, el director y su hermana, Ana Cohan, dedicaron cuatro años a escribir el guion a partir de una idea y una imagen--, podría sonarnos a telefilm. No obstante, la historia que se narra en ‘Sin retorno’ resulta de sumo interés y se enfoca de forma intimista y psicológica, para alejarnos del sensacionalismo y la facilidad de las películas televisivas. El director debutante le saca todo el partido, explorando la moralidad y las ansias de venganza en una cinta que sufre, aproximadamente al cabo de sus dos primeros tercios, un cambio en el punto de vista, que le permite estudiar ambos sentimientos.

Sin embargo, de alguna forma, no se me escapa nunca la sensación de que los autores de su guion podría estar yendo más allá, de que la película podría estar ofreciendo más y no sé muy bien cómo o el qué. Podría comenzar todo con la condena del inocente, resumiendo los hechos primeros en unos minutos y narrar desde ahí una historia de terror y culpa. Y no sé si con ello mejoraría o si el detenido acercamiento hacia las decisiones del joven y de sus padres supone el verdadero núcleo válido de ‘Sin retorno’. Sin creer en absoluto que las interpretaciones puedan mejorarse, se me ocurre que un remake estadounidense de este film daría pie a un atractivo producto, quizá de otro género, pero con un denso contenido.

De nuevo, nos encontramos ante el estudio de la fuerza que detenta el cuarto poder, es decir, los medios de comunicación, y cómo las autoridades deben acomodarse a sus exigencias. Si en la película cuya crítica enlazo, una joven se enfrentaba a las desmesuradas consecuencias de un suceso sin aparente importancia, aquí nos encontramos con un muchacho que debe lidiar con la ausencia de consecuencias ante un hecho de desmesurada envergadura. Es interesante contraponer ambos films para tratar de encontrar cuál sufrimiento sería mayor, si el de la culpa cumplida ante la sociedad o si el de la sufrida únicamente en nuestro interior.

El cine argentino, siempre atento a las cuestiones morales o psicológicas entronca, de alguna forma, con una tradición europea, especialmente francesa, que nos aporta films con la capacidad de hacernos pensar o reflexionar. ‘Sin retorno’ cuenta con esta posibilidad, al acercarnos, con suma fidelidad, al sufrimiento de sus personajes y el resonar universal de los hechos planteados. Solo con eso, ya vale la pena ver esta película.

‘Sin retorno’ está muy bien interpretada, no solo por lo que convencen los personajes, sino también por los diferentes roles que interpretan y lo perfectamente que encajan cada uno de los actores en ellos. Se irá viendo, con el avance de los minutos, cómo algunos sufren una tremenda evolución --Sbaraglia, soberbio en esta transformación--, mientras que otros permanecen en su cobardía e infantilismo, a pesar de hacerse ya adultos en edad --Slipak, magnífico en todos sus momentos--. Luppi, el gran Luppi, no hace más que un pequeño papel, casi genérico, que podría simbolizar a cualquier anciano o ciudadano que reclame justicia, aunque con ello y sin darse cuenta esté siendo sumamente injusto.

Valoro, en resumidas cuentas, la carga de denuncia que contiene ‘Sin retorno’, así como el análisis psicológico y moral que se efectúa sobre sus personajes y que alcanza momentos de gran intensidad en muchas ocasiones. Aunque la película se narre con excesivo detalle, nos engancha a ella la curiosidad por ver a qué desenlace llevan sus decisiones a estos seres que, en cualquier caso, ya lo han perdido todo. Las interpretaciones de todos los actores son el punto más fuerte de un film que no habría que dejar pasar.

Mi puntuación:

Cinco estrenos --uno de ellos ya llegó el miércoles-- nos llegan esta semana para intentar animar la cartelera. Por supuesto, todas las miradas están en una de las diez nominadas al Oscar a la mejor película, la última obra de Darren Aronofsky, director con tantos admiradores como detractores. Para el resto, tenemos la séptima entrega de una saga que parece no terminar jamás, la odisea de un caballo de competición, la adaptación de una famosa serie de dibujos animados, y una muestra más de ese cine argentino que personalmente tanto me gusta.

‘Cisne negro’

Título original: Black swan. Dirección: Darren Aronofsky. País: USA. Año: 2010. Duración: 110 min. Género: Drama, thriller psicológico. Interpretación: Natalie Portman (Nina), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Mila Kunis (Lily), Barbara Hershey (Erica), Winona Ryder (Beth). Guion: Mark Heyman, Andrés Heinz y John McLaughlin; basado en un argumento de Andrés Heinz. Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Brian Oliver y Scott Franklin. Música: Clint Mansell. Fotografía: Matthew Libatique. Montaje: Andrew Weisblum. Diseño de producción: Thérèse DePrez. Vestuario: Amy Westcott. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: La película narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, "El lago de los cisnes", Nina es su primera elección. Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy. "El lago de los cisnes" requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.

¿Qué podemos esperar?: Aronofsky creando de nuevo controversia después de sus concesiones en la maja ‘El luchador’ (‘The Wrestler, 2008)

‘El oso Yogui

Título original: Yogi bear. Dirección: Eric Brevig. País: USA. Año: 2010. Duración: 80 min. Género: Animación, comedia, familiar. Interpretación: Anna Faris (Rachel), Dan Aykroyd (voz de Yogui), Justin Timberlake (voz de Bubu), Tom Cavanagh (agente Smith), T.J. Miller (agente Jones), Nathan Corddry (jefe de personal), Andrew Daly (alcalde Brown). Guion: Jeffrey Ventimilia, Joshua Sternin y Brad Copeland; basado en los personajes creados por Hanna-Barbera Productions. Producción: Donal De Line y Karen Rosenfelt. Música: John Debney. Fotografía: Peter James. Montaje: Kent Beyda. Diseño de producción: David Sandefur. Vestuario: Daniel Birt. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: El parque de Jellystone está perdiendo visitantes, así que el alcalde ha decidido cerrarlo y vender el terreno. Eso significa que las familias no podrán disfrutar de la belleza de la naturaleza al aire libre y, lo que es peor, que los osos Yogui y Bubu serán expulsados del único hogar que han conocido. Yogui deberá unir sus fuerzas a las de Bubu y el agente Smith para encontrar una forma de salvar el parque del cierre definitivo.

¿Qué podemos esperar?: Nada.

‘Saw VII 3D’

Título original: Saw 3D. Dirección: Kevin Greutert. País: USA. Año: 2010. Duración: 91 min. Género: Terror. Interpretación: Tobin Bell (Jigsaw/John), Cary Elwes (Dr. Gordon), Costas Mandylor (Mark Hoffman), Betsy Russell (Jill Tuck), Sean Patrick Flanery (Bobby Dagen), Gina Holden (Joyce Dagen), Chad Donella (Matt Gibson), Laurence Anthony (Rogers), Dean Armstrong (Cale), Naomi Snieckus (Nina). Guion: Patrick Melton y Marcus Dunstan. Producción: Mark Burg, Oren Koules y Gregg Hoffman. Música: Charlie Clouser. Fotografía: Brian Gedge. Montaje: Andrew Coutts. Diseño de producción: Tony Ianni. Vestuario: Alex Kavanagh. Distribuidora: DeAPlaneta.

Sinopsis: Mientras una mortal batalla explota sobre el brutal legado de Jigsaw, un grupo de supervivientes busca el apoyo del gurú de la autoayuda Bobby Dagen, un hombre que con sus oscuros secretos provocará una nueva ola de terror.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Saw VII 3D’, insoportable festival sangriento

‘Secretariat’

Dirección: Randall Wallace. País: USA. Año: 2010. Duración: 120 min. Género: Drama. Interpretación: Diane Lane (Penny Chenery), John Malkovich (Lucien Laurin), Scott Glenn (Chris Chenery), Dylan Walsh (Jack Tweedy), James Cromwell (Ogden Phipps), Kevin Connolly (Bill), Nelsan Ellis (Eddie Sweat), Margo Martindale (Srta. Hamm), Amanda Michalka (Kate). Guión: Mike Rich; inspirado en el libro "Secretariat: The making of a champion", de William Nack. Producción: Gordon Gray y Mark Ciardi. Música: Nick Glennie-Smith. Fotografía: Dean Semler. Montaje: John Wright. Diseño de producción: Thomas E. Sanders. Vestuario: Michael T. Boyd. Distribuidora: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

Sinopsis: Basada en una historia real, ‘Secretariat’ narra la formidable aventura del ganador de la Triple Corona en 1973. Penny Chenery (Diane Lane) es una madre y ama de casa que se compromete a hacerse cargo de las caballerizas Meadow Stables en Virginia, propiedad de su padre, enfermo. Pero ella desconoce totalmente el mundo de las carreras de caballos. Contra todo pronóstico, Chenery, con la ayuda del veterano entrenador Lucien Laurin (John Malkovich), se abre paso en un negocio dominado por hombres y acaba consiguiendo la primera Triple Corona en 25 años que gana uno de los mejores caballos de carreras de todos los tiempos.

¿Qué podemos esperar?: Que el exceso de azúcar no nos empache demasiado.

‘Sin retorno’

Dirección: Miguel Cohan. Países: España y Argentina. Año: 2010. Duración: 104 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Leonardo Sbaraglia (Federico), Martín Slipak (Matías), Bárbara Goenaga (Natalia), Luis Machín (Ricardo), Ana Celentano (Laura), Arturo Goetz (liquidador), Agustín Vásquez (Pablo), Federico Luppi (Víctor), Felipe Villanueva (Chaucha), Rocío Muñoz (Luciana). Guión: Ana Cohan y Miguel Cohan. Producción: Vanessa Ragone, Gerardo Herrero y Mariela Besuievsky. Música: Lucio Godoy. Fotografía: Hugo Colace. Montaje: Fernando Pardo. Dirección artística: Federico Cambero. Vestuario: Roberta Pesci. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Un joven muere atropellado en un accidente de tráfico. El culpable huye sin dejar rastro. Ninguna prueba lo incrimina. Pero el padre del joven, apoyado por los medios de comunicación, exige encontrar al responsable y llevarlo a la cárcel. Una serie de acontecimientos fortuitos y una justicia contaminada por la opinión pública ponen al hombre equivocado en el banquillo de los acusados. Envueltos en el entretejido del azar y las decisiones desesperadas, estos hombres deberán enfrentarse a la culpa, la responsabilidad y la necesidad íntima de redención en una espiral que no tendrá retorno.

¿Qué podemos esperar?: Por mi parte otra muestra del excelente cine argentino que de vez en cuando nos llega. O no.

Vía | LaButaca.net