Os habíamos informado ya de que Guillermo del Toro tenía en marcha una versión de Frankenstein, que no es la única, pues en este momento, el monstruo parece estar por todas las productoras de Hollywood: Lakeshore, Sony, Slasher Films… Ahora nos llegan noticias de otras dos posibles aproximaciones al mito que no ha sido tratado pocas veces por el Séptimo Arte. Y ambas se acercarán a la figura de Víctor Frankenstein durante su juventud. ¿Resultarán redundantes?

Sam Raimi podría dirigir la adaptación de David Auburn de la novela de Peter Ackroyd ‘The Casebook of Victor Frankenstein’, que nos traslada a la etapa universitaria del doctor para contarnos que conoció al poeta Percy Bysshe Shelley en Oxford y comenzó a experimentar con la reanimación humana. Se dedicaron a robar cadáveres hasta que apareció el espécimen perfecto flotando en una barca de remos por el Támesis. Esta novela filosófica, histórica y de terror, también involucra a Mary Shelley, Lord Byron y John Polidori.

La productora Summit adquirió en febrero los derechos de la novela de Kenneth Oppel ‘This Dark Endeavour: The Apprenticeship of Victor Frankenstein’, que no saldrá a la venta hasta dentro de un par de meses. Matt Reeves, director del remake de ‘Déjame entrar’, será quien dirija la adaptación, escrita por Jacob Aaron Estes (‘Mean Creek’), de esta historia que nos lleva hasta la juventud del doctor Frankenstein. Víctor tendrá que buscar el elixir de la juventud para salvar a su hermano Konrad de una enfermedad fatal. Durante esta búsqueda, surgirán traiciones, amenazas y un triángulo amoroso con los hermanos y su mejor amiga, Elizabeth.

Reeves tiene otros proyectos en la cartera, como la dirección de la traslación de la novela de vampiros ‘The Passage’ o la supervisión de la adaptación del relato de ciencia ficción ‘8 O'clock in the Morning’.

Vía | Empire Online.

También es otra de sus composiciones más célebres y aplaudidas, con la que ganó sus dos primeros Oscars (la canción principal también la compuso, con la curiosidad de contar la historia completa en los dos minutos y medio de duración del tema). El trabajo de Tiomkin ayudó al éxito de ‘Sólo ante el peligro’. En definitiva, muy completa, armoniosa y se puede considerar, en toda regla, una obra maestra de la música cinematográfica.

‘Gigante’ (‘Giant’, 1956)

La magnitud de la historia, del escenario y de los personajes están absolutamente bien acompañados por el trabajo de Tiomkin. En un ejercicio exquisito de integración al film, la música de ‘Gigante’ es la demostración del talento del compositor para hacerlo en las llanuras del oeste americano. Brillante.

‘Río Rojo’ (‘Red River’, 1948)

Casi no se puede entender el western sin figuras como John Wayne o Howard Hawks, pero tampoco sin Tiomkin. El sonido del banjo y la armónica evocan autenticidad, que también acompañó con una canción legendaria para el film. Un clásico del género al que aportó su grano de arena (musical) a la misma altura (junto con la también memorable ‘Río Bravo’)

‘55 días en Pekín’ (‘55 Days at Peking’, 1963)

Superproducción de Samuel Bronston que de nuevo Tiomkin conseguía subrayar el tono épico con otro de sus grandes trabajos. Acción y aventura con un sonido inconfundible.

‘La caída del Imperio Romano’ (‘The Fall of the Roman Empire’, 1964)

Cambiando de registro seguimos encontrando a Dimitri Tiomkin como un verdadero artista, capaz de elevar cada imagen de esta épica historia. Aquí, compone una banda sonora más compleja, muy intensa como es habitual y con temas imprescindibles.

‘Crimen perfecto’ (‘Dial M for Murder’, 1954)

Todas las bandas sonoras que compuso para el maestro del suspense podrían recogerse en una selección brillante. Quizás con esta seleccionada demuestre aún más su grandezca, con temas delicados, en otros acelerando la tensión y el suspense de la historia.

‘El viejo y el mar’ (‘The Old Man and The Sea’, 1958)

Con esta ganó el último de sus cuatro Oscars, aunque reconozco que no es de mis favoritas, su composición es de nuevo brillante para acompañar a este conocido y popular drama de John Sturges.

‘Horizontes perdidos’ (‘Lost Horizon’, 1937)

Fue la banda sonora que le abrió el camino para un futuro brillante. Consiguió su primera nominación y ya despuntaba como un compositor de tremenda fuerza, capaz de mezclar sonidos fuertes, con gran orquestación y acompañamiento coral para subrayar la aventura.

‘Los cañones de Navarone’ (‘The Guns of Navarone’, 1961)

Para muchos esta puede ser una de las favoritas. Aquí el talento del compositor al servicio de un clásico del cine bélico y que nuevamente demuestra su potencia en la orquestación, majestuosidad, emoción y todo ello con el ligero tono militar necesario para evocar el escenario. Muy rica en tonos, original, emotiva.

Bonus Track

Aquí en una simpática intervención televisiva, reconociendo su grandeza:

En Spotify | Playlist de Dimitri Tiomkin

En Blogdecine:

Las diez mejores bandas sonoras de:

No había otra opción. Tras una semana en la que lo último de Woody Allen, la deliciosa ‘Midnight in Paris’, fue lo más visto en España, llegaron los piratas de la Disney para inundar las carteleras con el mayor número de copias de la historia de nuestro país (876, que se pudieron ver en más de 1000 salas de cine), lo que unido al tirón de sus estrellas y el bombardeo publicitario, solo podía dar como resultado un rotundo éxito de taquilla. Desde luego es normal que un blockbuster como ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’), mecánico y vacío pero cuya marca todavía no está agotada, consiga mucho dinero en su estreno, pero es que además la invasión de copias hacía difícil buscar otras alternativas a los que tuvieran ganas de cine, aparte de quedarse en casa a ver algún DVD/Blu-ray, que un sábado por la noche es una opción algo triste.

Lo peor es que, aunque está recaudando menos que la tercera entrega (y eso que el 3D encarece considerablemente la entrada), ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ está barriendo en todas partes y eso solo significa que Jerry Bruckheimer pondrá en marcha una quinta entrega. Y luego otra, y otra. Con los impresionantes avances técnicos que estamos viendo últimamente tampoco habrá problemas con la edad de Johnny Depp, cuando esté demasiado mayor podrán cambiarlo por un muñeco digital con su voz y los movimientos de Andy Serkis. Todo por los fans, claro, los productores jamás piensan en sus ganancias.

Como podéis comprobar en la tabla, ninguna otra novedad del pasado viernes consiguió colarse entre los diez títulos más vistos, y es que debe ser realmente complicado competir con la maquinaria de Disney. La distribuidora Golem intentó sacar partido a ‘Una mujer, un pistola y una tienda de fideos chinos’ de Zhang Yimou, estrenándola en solo 37 cines, meses después de que se proyectara en el festival de Sitges, pensando en atraer a todo los que quisieran huir de Jack Sparrow; ha sido un fracaso, apenas ha recaudado 29.500 euros, 800 por copia. He estado fuera de España como bien sabéis, así que no sé si se ha anunciado de alguna manera la película. ¿Se han visto carteles por ahí, habéis visto el tráiler?

PD: Este viernes la cartelera se renueva con ‘El castor (The beaver)’, ‘Pequeñas mentiras sin importancia’ y ‘Senna’, entre otras. Habrá que esperar una semana más para ver si los mutantes eliminan a los piratas.

Datos | TioOscar

Woody Allen fue comediante antes que cineasta. Esto lo podemos ver en todas sus películas, en especial en ‘La última noche de Boris Grushenko’ (Love & Death, 1976) donde brillan con especial fuerza una serie de parodias maravillosas sobre novelistas rusos (esencialmente Tolstoi y Dostoievski) e Ingmar Bergman. El universo de Allen en esa película estaba ya en sus relatos, publicados por el New Yorker, y basta con leer ‘El experimento Kugelmass’ para comprobarlo (y esto lo ha dicho ya el imprescindible Sergi Sánchez). Que Allen haga chufla con la cultura más seria es una de sus especialidades y en ‘Mi apología’ imagina a un Sócrates a punto de ser ejecutado con muchas cosas tronchantes que decir. Por eso esta película se vive con la complicidad de sus relatos cortos, porque regresa el Allen más ingenioso y (meramente) anárquico con el panteón de grandes artistas del siglo pasado.

Un firme defensor de esta película es Alberto Abuín, cuya comparación del film con ‘La rosa púrpura del Cairo’ (The purple Rose of Cairo, 1985) es interesante y estimula un debate. Se ha mostrado entusiasta mis compañero Juan Luis Caviaro y algo más crítica Beatriz Maldivia , aunque ambos coinciden en lo ameno y encantador de la película. Comparto parcialmente sus sensaciones, aunque mis razonamientos estén más condicionados por mi devoción alleniana, aquella que me hace perdonar casi todos sus defectos o disculparlos por la impagable sensación de familiaridad que hay en sus películas.

Así pues, las películas más chapuceras de Allen, excepto la horrible ‘Vicky Cristina Barcelona’ (íd, 2007), tienen todas mis simpatías. No importan los problemas de ritmo o el deje visual, cintas como ‘Granujas de medio pelo’ (‘Small Time Crooks’, 2000) o la anterior ‘Conocerás al hombre de tus sueños’ (‘You will meet a dark tall stranger’, 2010) presentan aciertos memorables, un agradecido tono progresivamente misántropo que deriva, como en esta última, no ya en humor sino en ácida indiferencia hacia sus personajes. Pero, lástima, estamos cada vez más lejos de aquél Allen costumbrista, capaz de brindar sutiles estudios de personajes como ‘Manhattan’ (íd, 1979) o ‘Hannah y sus hermanas’ (‘Hannah and her sisters’, 1986), todavía dos de sus mejores películas, dos de sus incuestionables obras maestras.

Creo que a partir de ‘Desmontando a Harry’ (‘Deconstructing Harry’, 1997), remake virtual de ‘Fresas Salvajes’ (‘Smultronstället’, 1957), Allen empieza a mostrar su desinterés por construir personajes complejos y eso es algo que tiene cierto sentido en la película, pues versa sobre el universo narcisista de un escritor que necesita ser más escuchado que otra cosa, hasta el punto de terminar atrapado en sus ficciones y rodeado y homenajeado por sus propias creaciones. Algo parecido le pasa al protagonista de esta película, cansado de un mundo atragantado (que se describe con un breve chiste a costa del Tea Party), que termina en un pasado que no hace otra cosa que no terminar, esto es, de imaginar los otros pasados como épocas doradas y perdidas, de vivir intensamente una nostalgia tan engañosa como necesaria.

En el pasado del protagonista están todos los artistas del ‘París era una fiesta’ de Ernest Hemingway, también incluido como grotesco y desternillante macho alfa, obsesionado con la caza y la virilidad. En ese interludio fantástico, está el mejor Allen, aquél que imagina a un Luis Buñuel desconcertado ante la idea del ‘Ángel exterminador’ (id, 1962) o que presenta a un Salvador Dalí memorable, hablando de rinocerontes con divertidísima insistencia (y encarnado por un no menos divertido Adrien Brody). Además, unos afortunados Tom Hiddleston y Alison Pill encarnan con incuestionable gracia y delicadeza a Francis y Zelda Fitzgerald, dos escritores tan felices como tristes, algo que ilustra muy bien el gag de una Zelda insegura y depresiva.

La película subraya sus significados en momentos ciertamente pésimos, olvidando Allen el consejo que recordaba en su magnífico libro de conversaciones con Eric Lax (“si algo falla en una película, quita la sabiduría”). Y, sí, se contrastan los conceptos de realidad y ficción, pero considero, como mínimo, inaudita su realidad, aquella en la que unas bellísimas Rachel McAdams y Léa Seydoux se pasean con porte angelical, siendo la primera la niña pija más encantadora de todos los tiempos y la segunda una joven francesa amante de Cole Porter (tengo dudas de si es la fantasía alleniana-urbana quintaesencial o fruto de un estudio sociológico sobre las tendencias musicales en la capital francesa). Su última aparición, tras las campanadas, evidencia la estrategia de Allen, demasiado cansado ya para ofrecer un cine tan visualmente rico como el de momentos anteriores, o una tentativa hacia un nuevo estilo como en la magnífica ‘Match Point’ (íd, 2005). Pero, ah, queda la promesa de la magia, la lluvia y una chica hermosa con la que escuchar canciones de jazz.

Aunque ya terminó el festival de Cannes 2011, con el pronosticado triunfo de Terrence Malick, yo continúo con el repaso a todas las películas que pude ver durante los diez días que pasé allí, y es que todavía me quedan un puñado. Sin duda, uno de los títulos más atractivos de los 20 que competían por la Palma de Oro en esta 64ª edición del certamen era ‘Ichimei’ o ‘Hara-Kiri: Death of a Samurai’, la nueva película del prolífico e imprevisible Takashi Miike, un remake de ‘Hara-Kiri’ (‘Seppuku’) casi 50 años después del estreno de la original (ganadora precisamente del premio especial del jurado en Cannes). Con unos 80 trabajos a sus espaldas, tras haber probado todos los géneros, y haber filmado para adultos y para niños, uno nunca sabe qué esperar de Miike, excepto que no suele provocar indiferencia y al menos dejará algún detalle para el recuerdo. Es un realizador que adora hacer cine, como sea, y al que le he leído que echa de menos la energía y la pasión con la que se trabajaba antes en su país; de hecho, su próximo film será una producción de bajo presupuesto para televisión, porque le encanta el frenético modo de trabajo.

Asegura Takashi Miike, y debe ser cierto considerando su filmografía, que es pura casualidad que haya rodado de manera consecutiva dos remakes de prestigiosas películas de samuráis, si bien conviene aclarar que son dos obras muy diferentes, independientemente de que en ambas se centren en el código de honor del samurái y se le retrate de una manera realista, humana, desmitificadora (lo que no impide que en los combates aumente su fuerza y su resistencia, cosa lógica en el cine). Tras disfrutar en Sitges de su nueva versión de ’13 Assassins’ (‘Jûsan-nin no shikaku’, 2010), y teniendo en cuenta la jugosa historia de ‘Hara-Kiri’, jamás imaginé que me encontraría con una película tibia y convencional, de las más aburridas de Miike. Lejos de sus relatos más sangrientos y marcianos, el japonés sacrifica la atmósfera y el crescendo narrativo de la original por el realismo exacerbado y la profundidad del 3D (era la única película en 3D que competía en Cannes), lo que enseguida se revela como una rotunda equivocación. Tan desafortunado está el cineasta que igualmente se ve incapaz de igualar la carga violenta del film de Masaki Kobayashi, confirmado ya como uno de los clásicos insuperables de la historia del cine.

Reescrita por Kikumi Yamagishi, quien recorta acontecimientos (la nueva versión dura unos minutos menos) y simplifica la estructura para aligerar la narración (entre otras cosas une los flashbacks en bloques, lo que destruye parte de la intriga del relato, basada en el progresivo goteo de la información), la película nos traslada al siglo XVII y nos presenta a Hanshiro, un veterano y desafortunado ronin (samurái sin dueño) que acude a la residencia de un respetado y poderoso clan con la petición de celebrar allí el honorable ritual del hara-kiri. El jefe del clan, Kageyu, intenta hacerle cambiar de opinión contándole la historia de un joven que llegó allí con el mismo propósito, cuando su verdadera intención era lograr que se apiadaran de él y le dieran una limosna, algo vergonzoso para un guerrero (ésta es una cuestión central del relato); Hanshiro no se inmuta ante la historia y sigue firme en su deseo de suicidio. Kageyu (Kôji Yakusho, siempre convincente) acepta sin sospechar que todo forma parte de un elaborado plan de venganza.

Mientras que la ‘Hara-Kiri’ de 1962 se apoyaba en una inteligente puesta en escena y una formidable recreación de los estado anímicos de los personajes, rematada con un clímax prodigioso, Takashi Miike recurre al 3D para intentar sumergir al espectador en la tragedia de Hanshiro (Ebizô Ichikawa, menos auténtico que su predecesor, Tatsuya Nakadai), con unos escenarios y unos individuos demasiado pulcros e impecables, inverosímiles (jamás tienes la sensación de estar en otra época), y una narración tan esquemática y desapasionada que no conduce a otra cosa que el desinterés. Se espera uno que Miike saque provecho de las escasas secuencias de acción de la trama para dar rienda suelta a su imaginación, planificando brutales coreografías en 3D, y sin embargo se despachan con rapidez (en una sola escena incluyen tres fundamentales combates) y nulo sentido del espectáculo. En definitiva, se nota el presupuesto, pero, ¿dónde quedó la emoción?

‘Hors Satan’, entre paseos y silencios

Imagino que no soy el único que tras haber quedado molido por el visionado de un premiado film inocuo y aburrido, se ha puesto a buscar ingredientes comunes en las películas que pueden presumir de haber accedido a importantes festivales, como ejercicio puramente humorístico. ‘Hors Satan’ parece haber salido de una reflexión de este tipo, reuniendo escenas y personajes que uno incluiría sin dudarlo en una parodia titulada ‘Festivals Movie’. Y sin embargo, conviene aclararlo, se trata del sexto trabajo del francés Bruno Dumont, un realizador que ha ganado dos veces el gran premio del jurado en Cannes, por ‘L´humanité’ (1999) y ‘Flanders’ (2006). Sin embargo, su nueva película no compitió por la Palma de Oro sino que fue proyectada dentro de la sección “Un certain regard”, y aun así no consiguió llevarse ningún galardón. Esto no es que signifique nada obligatoriamente, pero cuando se trata de un cineasta premiado y mimado en Cannes, creo que es muy representativo y le conviene al espectador estar preparado para lo peor. He creído conveniente incluir un tráiler por primera vez en estas crónicas para que podáis comprobar de una manera rápida e inequívoca de qué pasta está hecha la nueva película de Dumont, una de las peores que vi en el festival de Cannes. El vídeo muestra un extracto del principio (con un escandaloso salto de eje) y lo que ocurre se desvela en la sinopsis oficial, pero si no os fiáis, podéis pararlo antes del primer minuto.

‘Hors Satan’, vendida internacionalmente como ‘Outside Satan’ (‘Fuera Satán’), es un lánguido drama de toque fantástico (la veo seria candidata para ir a Sitges) que nos sitúa en una aldea y sus alrededores, en el Paso de Calais, al norte de Francia, donde un misterioso hombre con pinta de vagabundo ayuda a una joven que tiene problemas con su padre. Durante unos excesivos 110 minutos, la cámara nos hace contemplar incontables caminatas de los protagonistas, vacías escenas de silencios y miradas al infinito, breves y vagas conversaciones (“¿Quieres pasear?” – “Vale” / “¿Quieres follar?” – “Vale”), salpicado todo ello por una serie de acontecimientos sobrenaturales que justifican la presencia y la actitud del protagonista. Esas extrañas acciones están bien filmadas (llaman la atención) y es lo único que interesa, a diferencia de ver a gente andando de un lado para otro. Tampoco veo el sentido a enfocar de manera repetida a individuos exageradamente inexpresivos (no son actores profesionales y la chica no puede evitar esbozar sonrisas en algunos momentos) que no hacen nada relevante, salvo que la intención de Bruno Dumont sea entorpecer el visionado, y con ello darle a la película un aire de seriedad y complejidad que motive todo tipo de huecas reflexiones para intentar desentrañar qué demonios (nunca mejor dicho) ocurre en la pantalla. Los hay que disfrutan haciendo eso, algunos incluso se sienten superiores defendiendo lo indefendible. Allá cada uno con su tiempo, mi recomendación es que no lo perdáis viendo ‘Hors Satan’.

Todavía hoy ‘El Exorcista’ sigue figurando en los ránkings de las mejores películas de terror de la Historia. No es difícil entender los motivos de su popularidad, ni tampoco muy complicado adivinar las razones de su prolongada vigencia y fama, más allá de su reestreno en 2001. El impresionante trabajo de William Friedkin, combinando una estética propia del cine underground neoyorquino de finales de los sesenta con otra de adrenalítico y televisivo documental y con encuadres casi impasibles, debe ser revisado con gran ojo, pero la película sigue siendo interesante por razones sociológicas: presenta una visión más bien maniquea y chusca del conflicto entre fe y razón y demuestra como la ficción más pulp es confundida con algo más serio cuando contiene referencias religiosas, en este caso católicas, como ha escrito el siempre brillante, valiente y audaz Jonathan Rosenbaum.

Hubo antes notables películas sobre Satán en la Tierra, como la turbadora ‘La semilla del Diablo’ (Rosemary’s Baby, 1968) , pero la que sigue siendo la mejor y más rotunda historia fue la maravillosa ‘El corazón del Ángel’, (Angel’s Heart, 1987) relato fáustico hecho cine negro y cine negro hecho reflejo (roto) de Hollywood o el sueño americano. En todo caso, el Diablo es uno de los villanos más interesantes del cine de terror ya sea porque puede estimular trasfondos metafísicos, ya sea por la rica iconografía que presenta en su pasado en la historia del arte y la literatura. Y aquí tenemos su última aparición, en una película que se pretende novedosa, y que ya mis compañeros Juan Luis Caviaro y Alberto Abuín juzgaron tópica, y no debe el espectador más incrédulo esquivar sus pocos, solitarios placeres.

Esta película sigue el trayecto de un exorcista desencantado, que harto de ejecutar su estafa ante cierta impunidad decide prestarse a protagonizar un documental revelador sobre la infamia de sus prácticas. Por supuesto, encontrará un caso en el que nada es lo que parece. Por supuesto, tendrá dudas y el terror traspasará la farsa que representa ante cada cliente y, como habrá adivinado el lector, habrá implicaciones satánicas a una escala bestial. No es esta una película deshonesta, pienso en ‘El exorcismo de Emily Rose’ (The Exorcism of Emily Rose, 2005) como referente fundamental, pero tampoco conviene notar que todas las posibilidades de la historia, incluyendo una en la que locura y fe trazan una aterradora simetría para la supervivencia en un mundo de evidente pobreza, son descartadas con suma torpeza.

Tendrá que escribirse pronto un libro sobre el terror hiperrealista, que usa la técnica del manuscrito encontrado, que ha inundado el siglo XXI y que ha demostrado grandes aciertos de puesta en escena. Aunque se hable de estética youtube, comparte muchas cosas esta película con ‘REC’ (íd, 2007) y la más relevante, quizás, sea la apropiación del documental sensacionalista como perfecto puente para estructurar un relato de terror. Conviene señalar que Jaume Balagueró y Paco Plaza fueron más virtuosos con su técnica y que la película incumple en al menos tres ocasiones a su narrador verosímil, aunque también tenga una bienvenida heterodoxia al colocar como narradora a la niña poseída.

Pero hay que admitir los puntuales logros de su director, Daniel Stamm, para glosar sus pocas virtudes. El formato narrativo y los precedentes obligan al cineasta a trabajar una escena de exorcismo alejada de los efectismos ya conocidos, incluso de la desnudez de la citada ‘El exorcismo de Emily Rose’ (en lo que fuera, quizás, su escena más elaborada), optando por una solución intermedia, entre el nervio visual del terror hiperrealista y cierto regusto, satánico, visceral sacado del cine de serie B (y Z) de lo más bienvenido, remitiendo incluso a la secuela ‘El Exorcista 2: El Hereje’ (‘Exorcist II: The Heretic’, 1977) tan incomprendida como estimable. Esa habilidad es explotada con especial gracia cuando el propio relato todavía permite al espectador debatirse entre una explicación más o menos moral (o factual) del o que sucede y otra sobrenatural, estimulando la puesta en escena una tensión magnífica para esos momentos.

La película, escrita por Huck Botko y Andrew Gurland, evidencia sus guiños a cada paso, hasta el punto que ni los citados films de Friedkin y Polanski, ni ‘La Profecía’ (The Omen, 1976) quedan sin aparecer, siquiera colateralmente, por los devenires del relato. Por supuesto, eso demuestra la esterilidad de la imaginación de sus autores y no la refrenda como clásico pequeño e inteligente. Irónicamente, todos los elementos inusuales de la película constatan no su condición de cine interesante sino de lastimero subproducto, merecedor de entusiasmos menos cómplices.

El discurso de Jack Crow, que el lector puede leer encima de estas líneas, lo he traducido directamente del inglés (nunca he visto esta película doblada, a Dios gracias) para el que no sea bilingüe, y lo he hecho consciente de que gran parte de su jerga, de su verborrea salvaje, es literalmente intraducible, marca de la casa del gran James Woods. En este discurso (hay otros igual de notables, aunque quizá no tan significativos) se comprime gran parte del ideario de John Carpenter acerca del tan estimulante como desigual cine vampírico, y mucho de su gamberrismo y su supuesto desprecio hacia un estilo europeo de concebir el cine (aunque él es muy consciente de que en este continente le respetamos mucho más que en su país). Leyendo este discurso, disfrutando de algunos de los buenos momentos de ‘Vampiros’ (‘Vampires’, 1998) uno siente la tentación de creer que estamos ante una gran película. Pero la realidad es muy otra. Nada me gustaría a mí más, bien lo saben algunos lectores, que calificar a esta película como una gran muestra del refinado arte carpenteriano. Pero cada vez que la veo (y ya van unas cuantas…) me reafirmo: esto es una película muy irregular, con un guión lamentable que desaprovecha un material magnífico. Una verdadera pena.

De modo que lo que sigue a continuación es una crítica muy difícil para quien esto firma, aunque creo que bastante meditada y lo más justa que puedo ofrecer desde el corazón. Cuando se anunció que Carpenter por fin llevaría a cabo una película de terror vampírico, basada en la novela (muy vendida en Estados Unidos) de John Steakly, prácticamente homónima (‘Vampire$’), muchos nos alegramos y esperamos con ilusión este proyecto, que podría cerrar de forma inmejorable una década que empezara de manera tan lamentable. Pero cada vez está más claro que ‘2013: Rescate en L.A.’ (‘Escape from L.A.’, 1996) es el último gran Carpenter (a ver si el maestro me contradice con una nueva gran película…), pues su aportación al mito adolece en ocasiones de una falta de ritmo sorprendente para un cineasta capaz de hacer maravillas con él, sometido a un guión absolutamente nefasto de Don Jacoby (el que tenga ganas, que repase su carrera como guionista) que el director es incapaz de trascender y de llevar a su terreno, salvo en pequeños detalles netamente carpenterianos.

Grupo salvaje

La película comienza con una secuencia magistral que se parece mucho a la que abre la novela, seguida de una masacre también muy parecida. No es intención del autor de estas líneas establecer una comparación constante con la soberbia novela de Steakly (una de mis novelas contemporáneas predilectas, por cierto), pero duele constatar que lo mejor de la película ya está en la novela, y que todo lo que han cambiado (más de un 75 %) es sensiblemente inferior, cuando no de una torpeza, de una desidia, y hasta de un infantilismo recalcitrante. Cuando leí la novela caí enamorado de la fuerza narrativa de Steakly, y cada vez que vuelvo a sus páginas pienso que he sido injusto con la película de Carpenter…para volver a verificar que no, que en realidad he sido bastante justo. Lo mejor de la película son sus quince o veinte minutos iniciales. A continuación Carpenter es incapaz de sostener la narración, pese a que pone en ello sus mejores esfuerzos y su habitual destreza visual. En la infiltración del grupo salvaje de Crow al caserón abandonado existe un dominio superlativo de la atmósfera, una planificación ejemplar, unos contraluces de gran profundidad, y en la carnicería posterior un gusto por lo gótico y una fascinación por el mal inolvidables. Ahí acaba todo, prácticamente.

La historia nos cuenta (como en la novela) a un grupo de mercenarios contratados por la iglesia católica y liderados por un ex-agente de la CIA llamado Jack Crow, cuya misión es destruir nidos de vampiros. De ahí viene el signo del dólar ($) del título original. Pero terminan encontrando a un vampiro increíblemente poderoso que les aniquila. Los supervivientes, entre ellos Crow, averiguan que ese vampiro es el primer vampiro de todos (esto no es de la novela, y es tan tópico que tira de espaldas), un cura de la época medieval que ahora busca una cruz negra (!) que le permita caminar de día (!!!). Valek, que así se llama el vampiro, deja infectada a una puta que servirá de guía a Crow y lo que queda de su grupo, intentando darle caza. Sobre el papel, la historia no está tan mal, pero el que espere una trepidante caza al vampiro jefe va a quedar muy defraudado, porque en el guión lo trepidante queda reducido a la mínima expresión y sólo resta aferrarnos a los chispazos de genio de Carpenter, capaz de crear fugaces pero muy poderosas imágenes (el vampiro viajando en el techo de un tren, las cámaras de vigilancia siguiendo a los vampiros, los planos subjetivos del vampiro…).

El desarrollo de la trama es absolutamente anémico, con la previsible y muy forzada infección sanguínea del lugarteniente de Crow, Montoya, y con un climax chapucero que más que miedo da un poco de risa, sin la menor intensidad, ni fuerza expresiva. ¿Donde está el gran relato vampírico prometido? Sólo cuando a Carpenter le da un respiro ese guión puede armar secuencias como la de las cámaras de vigilancia, y percibimos un algo de eso tan poderoso que nos maravilló en ‘La cosa’ (‘The Thing’, 1982) o en ‘Están vivos’ (‘They Live’, 1988). No basta con esa crítica (esta vez nada sutil) a la iglesia, que dio lugar al primer vampiro, ni con los rasgos chuletas de Jack Crow. El gran Carpenter, el que construye a sus personajes a machetazos de ingenio, necesita de un andamiaje más robusto para dar lo mejor de sí, y para que su refinamiento estilístico sea algo más: la expresión de una concepción del mundo, del ser humano y del cine. El final resulta demasiado fácil, así como la victoria final, absolutamente increíble y fuera de tono. Realmente, Carpenter ha tenido muy mala suerte con los guiones que le han entregado, o él no ha sabido reconducirlos debidamente.

Sin duda, a pesar de un cierto desdibujamiento, James Woods clava sin problemas a Jack Crow. Él es personaje que en la novela amamos y odiamos y tememos y admiramos. Es otro de los anti-héroes típicamente carpenterianos: un hombre que posee su propio código moral y que, más por el bien de la humanidad, actúa por principios muchas veces inextricables. Probablemente, Woods podría haber llevado más lejos el personaje de la novela, pero no fue posible. A su vez, Thomas Ian Griffith, un actor muy infrautilizado, está impresionante como el vampiro Valek. Su presencia es espeluznante siempre, así como su voz. Lamentablemente, no podemos decir lo mismo del resto del reparto. Creo que Daniel Baldwin es un actor muy limitado y no da la talla para interpretar a Montoya (un sosias del maravilloso Cherry Cat de la novela…un carácter opuesto), mientras que una guapa Sheryl Lee (Laura Palmer en ‘Twin Peaks’), Maximilian Schell o Tim Guinee hacen lo que pueden con la birria de personajes (inconsecuentes, incoherentes, sin interés, sin sentido) que les ha tocado en suerte.

Conclusión e imagen predilecta

Da mucha rabia decirlo, pero esto es un Carpenter menor. De nada sirve dejarse llevar por la admiración. Yo, que no soy fanático de ningún director (ni un purista), no puedo dejar de lamentar que esta película ofrezca tan poco cine. Carpenter anda por ahí, en la imagen, agazapado, y de cuando en cuando salta con una imagen genial, pero está muy lejos de los logros de su mejor etapa. Tenía cincuenta años cuando hizo esta película, y parece prematuramente agotado. Queda maravillarse con imágenes como la ya comentada de Valek viajando sobre el tren o con la fascinación de momentos como el rastreo de la cruz negra por parte del vampiro. Poca cosa, me temo.

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Jason Segel y Amy Adams protagonizan la comedia romántica ‘Green With Envy’ («verdes de envidia»), que habla de una pareja de un pequeño pueblo que viaja a Hollywood para perseguir sus sueños de triunfo. Pero no se han dado cuenta de que lograr sus aspiraciones puede poner en peligro lo que más quieren: el uno al otro.

Bueno, supongo que si le habéis dado al «play» del trailer de ‘Green With Envy’ antes de leer estas palabras, ya habréis descubierto que se trata de una falsa película creada para despistar. Y de que en realidad, este avance es el primer teaser de ‘The Muppets’ (‘Los Teleñecos’), película que se estrenará en EE. UU. el 23 de noviembre.

Lo que sí es cierto es que contará con Jason Segel y Amy Adams, además de con Peggy (Miss Piggy) --con quien seguro que no soy la única que ha pensado que Adams guarda un considerable parecido-- y con La Rana Gustavo (Kermitt the Frog). Otros de los intérpretes serán Emily Blunt, Zach Galifianakis, Neil Patrick Harris, Danny Trejo, Rashida Jones, Ricky Gervais, Whoopi Goldberg, Billy Crystal, Liza Minnelli, Mickey Rooney, dentro de una larguísima lista de nombres célebres que se unirán a los personajes creados por Jim Henson.

La película, dirigida por James Bobin, con guion de Jason Segel y Nicholas Stoller, nos cuenta que los Teleñecos tendrán que reunirse para, con la ayuda de tres de sus seguidores, salvar su antigua productora de un codicioso magnate del petróleo.

Vía | IMDb.

Cómo son las cosas. Que alguien que empezó en el cine con la grandiosa ‘Chicago’ (id, 2002), terminase llevando las riendas de ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (‘Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides’, Rob Marshall, 2011) es algo, cuanto menos, extraño, raro. No me imagino a alguien como Marshall dirigiendo un film de aventuras, pero ése es otro tema. La película, en la que tenemos a nuestra internacional Penélope Cruz acompañando al carismático Johnny Depp, se ha convertido en el mejor estreno en lo que va de año, superando a la de los coches tuneados. Críticas más bien flojas --mi compañero Juan Luis la vio en Cannes--, y entusiasmo por parte del público votante en la IMDb.

Vía | IMDb

Fox Searchlight ha lanzado ya el primer cartel de ‘The Descendants’, la nueva y esperada película de Alexander Payne, de la que os informé en enero del año pasado. Como era de esperar, la imagen está centrada en la gran estrella del film, George Clooney, mientras que el nombre del director solo es legible con una buena lupa. Aun así, no está mal, se agradece que el rostro del actor no ocupe medio póster, tal como hacen a veces. Por desgracia, todavía queda mucho para el estreno, está previsto para el 16 de diciembre en Estados Unidos, seguramente pensando en los Oscars.

El nuevo trabajo de Alexander Payne, siete años después de ‘Entre copas’ (‘Sideways’), está basado en la novela homónima de Kaui Hart Hemmings y gira en torno a un hombre que se embarca en un viaje con sus dos hijas, tras un grave accidente que deja a su esposa en estado crítico; tras descubrir que su mujer le fue infiel, el protagonista repasa su pasado y examina lo que le espera el futuro, mientras decide si debería vender las tierras de la familia en Hawai. Nat Faxon, Jim Rash y Payne firman el guion y Judy Greer, Robert Forster, Matthew Lillard, Shailene Woodley, Amara Miller y Beau Bridges acompañan a Mr. Nespresso al frente del reparto.

PD: Clooney está actualmente involucrado en dos películas; ‘The Ides of March’, su nuevo trabajo como director, ya en post-producción, y ‘Gravity’, de Alfonso Cuarón, en fase de rodaje.

Vía | Impawards

Hoy os anunciamos otra novedad para todos la comunidad de Blogdecine. Aunque seguramente ya sabéis por donde va. Como habréis visto tenemos en marcha un nuevo Club, en esta ocasión con Jameson, al que se puede acceder desde el destacado o desde la pestaña en la parte superior. Una nueva sección sobre el Jameson Cult Film Club, un espacio para los amantes del cine de culto.

Y es que Jameson está organizando un evento muy interesante en varias ciudades españolas y en este club os podéis informar con todo detalle de horarios, lugares y contenido. Solo os adelanto que tendréis la oportunidad de ver ‘Aliens, el regreso’ en un lugar especial y con un ambiente muy peculiar. En Madrid tendrá lugar esta misma semana, por cierto. Además, podréis encontrar más información sobre la película y sobre el Cult Film Club de Jameson.

Pasad por el club y conoceréis los detalles. Y por cierto, si os apetece asistir hay en marcha un concurso para conseguir entradas dobles.

En Blogdecine | Club Jameson

Juro decir la verdad, toda la verdad y nada más que la verdad, con la ayuda de Malick. Ya de vuelta en España, todavía con algo de estrés en el cuerpo (hay que ver los engorros que supone viajar con prisas y un presupuesto ajustado), algunos me habéis pedido que cuente cómo ha sido mi experiencia en el mayor certamen cinematográfico del mundo, la aventura que ha sido el Festival de Cannes 2011, de una manera más extensa y detallada de lo que había hecho hasta ahora (os dejé fotos de mi estancia aquí y aquí). La respuesta es este artículo, apasionado y sincero, amorfo e impulsivo, escrito aún con la cabeza en Cannes, donde he estado desde el día 11 al 21 de mayo, como acreditado de prensa en representación de Blogdecine, vuestro sitio favorito dedicado al séptimo arte (se os ve en los ojos, no podéis negarlo).

Mi primer día en Cannes fue uno de los más emocionantes y agotadores de todos los que pasé allí. Estaba programado el pase de ‘Midnight in Paris’ a las once de la mañana, dos horas antes de la rueda de prensa con Woody Allen (del que soy un ferviente admirador) y algunos de los protagonistas, Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen, Léa Seydoux y Adrien Brody. Tras dejar mi maleta en el hotel más recóndito de la localidad de Le Cannet (el GPS del taxista era incapaz de hallarlo) y recoger mi acreditación, me puse en la cola situada frente al letrero “prensa azul”, ya numerosa a eso de las diez y cuarto. Como os conté, hay varios tipos de acreditaciones; la de los privilegiados es la rosa, y la naranja es para los medios que el festival considera menos relevantes. La primera te asegura una buena butaca sin tener que esperar una hora antes de la proyección (los azules podemos entrar a todo llegando con mucha antelación, los naranjas lo tienen más crudo) y un sitio en la minúscula sala de conferencias, con solo 150 sillas para unos 4.500 profesionales acreditados; imposible entrar si no eres rosa cuando se programa una rueda de prensa con alguien famoso. Y es que nos guste o no, ahí está la clave de este certamen. No nos engañemos, si se ha hablado de ‘The Tree of Life’ es porque acudió Brad Pitt.

El glamour de Cannes

Y es que el festival de Cannes no es solo un lugar de cine, lo es también de fama, lujo, fiesta. Pude comprobarlo de primera mano tanto en el Palais des Festivals (el núcleo del certamen) como paseando por la avenida de la Croisette, repleta de gente, donde puedes encontrar fácilmente a actores y directores (me crucé con Mads Mikkelsen y Kim Ki-duk, entre otros), con enormes carteles publicitarios por todas partes, intentando llamar la atención entre tanto ruido visual y sonoro. Parte fundamental de este espectáculo en Cannes son las fiestas patrocinadas por las marcas, que celebran eventos todas las noches. También tuve la suerte de poder vivir esta otra cara del festival, normalmente reservada a selectos invitados que llegan allí en coches caros, con flamantes trajes y lujosos complementos (al parecer, Uma Thurman llevaba pendientes de 34 esmeraldas y la mujer de Robert de Niro un reloj con diamantes, de Chopard), gracias a Martini, que invitó a Blogdecine a Cannes. Ya os conté que tuve acceso a la exclusiva Terrazza Martini, situada en la Croisette, en plena playa, donde me sorprendió que se proyectaran cortos durante horas, para todo aquel que quisiera prestar atención, en lugar de charlar o bailar con un cóctel en la mano.

Mucho cine en pocos días

Pero el día a día del acreditado en Cannes no es ninguna fiesta. Exige compromiso y voluntad, si se quiere hacer un buen trabajo. No es tan sencillo como parece hablar de las películas que vamos viendo cada día, y se puede uno dejar llevar por los constantes adjetivos y las frases hechas, y tirar de las sinopsis oficiales, pero canta. Por otro lado, las proyecciones más importantes las tienes a las ocho y media de la mañana, que es un hora horrible para ver películas, sobre todo las que suelen presentar en estos festivales, tan alejadas del fácil entretenimiento “made in USA”. Por fortuna, el programa de este año fue bastante interesante y en los primeros pases pudimos ver los nuevos trabajos de Malick, Lars von Trier, Nanni Moretti, Paolo Sorrentino, Pedro Almodóvar o Aki Kaurismäki; desgraciadamente también nos “obligaron” a tragarnos la cuarta entrega de ‘Piratas del Caribe’, para poder invitar a Johnny Depp y que todo el mundo hablara del certamen. Tienes la oportunidad de ver cuatro o cinco películas en cada jornada, pero solo si comes deprisa (el MacDonald´s era un sitio muy visitado) y escribes las crónicas con suma rapidez (algunos adelantan trabajo tomando notas durante la película). Esto tiene un precio: el agotamiento. No puedes ver tres, cuatro o cinco películas un día tras otro con la máxima concentración. Dicho de otro modo, en los festivales no se presta toda la atención que merecen las películas, despachadas a menudo sin reflexión ni esfuerzo. Algo a lo que no ayuda una extensa e irregular programación.

Según el pavo que escribe en El País, ese que odia a Almodóvar y necesita que le pidan de rodillas su santa opinión, los críticos son unos mentirosos. Debe saber de lo que habla, se dedica a ello. Yo no puedo considerarme un crítico, aunque escriba críticas a menudo, pero es que además no lo deseo, aunque hay fantásticos profesionales dedicados a hablar de cine (adoro a Josemanuel Escribano) me parece una ocupación sobrevalorada que premia la arrogancia y el elitismo; me sentiría defraudado con la vida si acabo convertido en uno de esos personajes de los que se burlan en ‘La joven del agua’ (‘Lady in the Water’, 2006) o ‘Ratatouille’ (id, 2007), esos que se sitúan por encima de los cineastas y las películas que comentan, lo que no es más que una falta de respeto al cine. Y hay que amar el cine. Por eso me entristece que hasta en el festival de Cannes, donde se supone que proyectan las mejores películas y acuden los más brillantes creadores, a veces el cine quede en un segundo plano, siendo más importante la presencia de una estrella de Hollywood, alguna polémica barata o la opinión de los críticos más populares. Y es fácil contagiarse, exigiendo a las películas mostrar o repetir lo que a uno le gusta, en lugar de vivirlas y valorarlas tal como son (y con esto no digo que todas sean buenas, eso es absurdo). Tampoco es raro descubrir que te hablan de una película con rotundidad, pese a haberse quedado dormido o no haberla visto entera. “¿La turca? Una memez”. Y ya está.

Comparando festivales

Comparado con los otros festivales en los que he estado, como Berlín y Sitges (también estuve en el de Cines del Sur de Granada, pero supongo que no conviene incluirlo aquí), el de Cannes me deja un sabor agridulce. Desde luego, es un lujo poder ver los últimos trabajos de los cineastas antes citados (a los que hay que sumar Gus van Sant, Jodie Foster, Takashi Miike o Nuri Bilge Ceylan, entre otros), meses antes de que lleguen a las salas comerciales (si es que llegan), y es un placer trabajar en las instalaciones que tiene preparadas el festival para los acreditados de prensa, a los que ofrecen agua, zumo y café de manera gratuita (en Sitges no pusieron una máquina de café hasta el año pasado, y se agotaba enseguida), un servicio gratuito de WiFi durante todos los días del festival, casilleros individuales donde puedes recoger el material de prensa y una estupenda terraza para los fumadores o los que como yo prefieren escribir al aire libre. Lo peor es sin duda el sistema de clases, cosa que no ocurre en la Berlinale, donde puedes ir a una rueda de prensa venga la estrella que venga, si te das un poco de prisa, o acudir al pase de una película diez minutos antes de que empiece; no te quedas fuera.

También es preferible el certamen alemán por la localización; estás en Berlín y puedes hacer turismo en tus ratos libres, ir a un centro comercial o elegir entre una amplia variedad de sitios para comer. Tanto Sitges como Cannes son pueblos de playa, así que hay poco que ver aparte de la oferta del festival. Y cobran precios desorbitados por alojamientos ridículos. En Cannes, la opción más razonable es quedarse en los pueblos de alrededor y recurrir al tren, aunque se tenga que levantar uno a las seis y no se pueda ir a los pases nocturnos, pues los taxis le secan a uno la cartera (por cierto, hay que tener cuidado con los portátiles, los móviles y las acreditaciones, son habituales los robos). Tampoco puedo hablar bien de la sala Debussy, con una pantalla pequeña y las butacas muy pegadas unas a otras, un incordio a menos que seas un hobbit paticorto; es allí donde se ven la mayoría de las películas, excepto los pases de las 8:30 que son en el Gran Teatro Lumière, por fortuna, más amplio y cómodo. En este sentido, el de Berlín es de nuevo el mejor, salvo por los accesos a las proyecciones en el CinemaXX, donde puedes morir aplastado si se retrasa la proyección; Sitges tiene la fantástica sala del Auditori, una gozada, pero la del Retiro está muy descuidada y la del Prado es directamente una vergüenza, impropia de un certamen de cine internacional.

No sé si solo es cosa mía, pero la sensación que tienes al acabar un festival es extraña. Por un lado estás agotado y te alegras inmensamente por poder volver a casa y descansar, recuperar la rutina y ver a tu gente, pero por otro, echas de menos el ir por ahí con tu acreditación, accediendo a sitios exclusivos, viendo muchas películas interesantes (porque ya que puedes, intentas exprimir la jornada) antes de que se estrenen, gratis, y presentadas por sus directores o actores. Siempre que hago balance intento quedarme con lo positivo. He dormido muy poco, he gastado mucho dinero, he estado realmente estresado y me he alimentado bastante mal. Pero he visto ‘The Tree of Life’, ‘Melancholia’, ‘The Artist’, ‘Le Havre’ o ‘Drive’, entre otras. Sí, me compensa.

En los créditos iniciales de ‘Heavy Rain’ las gotas de lluvia salpican en algunos momentos la lente de la cámara. El carácter ficcional de la historia (un thriller sobre el dolor y la pérdida que se sostiene totalmente en la psique de sus personajes) podría convertir ese detalle en un error técnico, pero es que ‘Heavy Rain’ no es una película, de hecho no hay cámaras físicas que hayan rodado esas escenas, el efecto se ha creado artificialmente. En el juego producido por Quantic Dream y dirigido por David Cage se introduce ese elemento para dar la sensación de un rodaje real. Cine y videojuegos se tocan después de escasas cuatro décadas de evolución del segundo en pos de alcanzar la hondura y trascendencia narrativas del primero. Cuarenta años que comenzaron con dos palitos simulando un partido de tenis sobre un fondo negro.

El estreno de ‘Pong’, el primer videojuego comercial, resultó mucho menos glamuroso que la primera exhibición pública del cinematógrafo. Sus creadores, Nolan Bushnell y Ted Dabney, se limitaron a colocar en un bar un mueble de madera con un televisor y unos mandos. Los hermanos Lumiere, a pesar de la exitosa asistencia de público tras un tímido arranque en el Café de los Capuchinos de París, nunca pensaron en la viabilidad económica del cine, Bushnell y Dabney sin embargo, tras ver cómo se atoraba la caja de monedas de ‘Pong’, decidieron montar una empresa. La llamaron Atari.

Es este un post del especial dedicado a cine y videojuegos en el que acotaremos nuestro campo de acción, poniendo un punto de partida y mencionando lo que nos dejamos fuera. Así, en sucesivas entregas hablaremos de las capacidades expresivas de los videojuegos con respecto a las del cine, de la dificultad de narrar a través de la interactividad, de la influencia cinematográfica que asimilan los juegos y de la influencia que ejercen en las películas actuales, de los géneros donde ambos medios se tocan y de los elementos esenciales que los diferencian.

Conviene mencionar en este punto pues, que, a pesar de que nos vamos a centrar en las similitudes que acercan a estas dos manifestaciones artísticas, los videojuegos abarcan un crisol muy amplio en el que no vamos a profundizar por ser el cine nuestro interés primordial. Así, dejaremos de lado el ambiente científico y de investigación, ni nos acercaremos a su aprovechamiento como simulador social, deportivo o militar, no tocaremos su aplicación como herramienta educativa o de concienciación, obviaremos el ámbito puramente artístico o experimental, y dejaremos de lado la relación que mantienen con la poesía, la arquitectura o la pintura.

Cerremos pues esas vías con un vídeo de ‘Child of Eden’, toda una experiencia sensorial, diseñada por el siempre genial Tetsuya Mizuguchi, que se abastece de los conceptos sinestésicos que Kandinski aplicara a su obra pictórica y que controlamos a base de gestos. Lo he elegido simplemente porque es más vistoso que otras opciones como ‘Echochrome’, que se basa en las estructuras imposibles de Escher; ‘Noby Noby Boy’, o cómo sumergirnos en la surrealista imaginación infantil; ‘Flower’, ¿La representación interactiva de un poema? o ‘Linger in Shadow’, el arte snob encerrado en un eterno bucle de reproducción/rebobinado.

Centrados ya en lo que nos ocupa, acotaremos aún más nuestro campo de acción poniendo el punto de partida en la década de los 90. Y es que podríamos decir que la rama de los videojuegos que busca alcanzar visual y expresivamente al cine comienza a obtener sus primeros logros en esa década. Es en ese momento cuando los motores gráficos se muestran capaces de gestionar de forma solvente entornos en tres dimensiones poligonales. El continuo avance tecnológico permite a los desarrolladores crear enormes y complejos mundos donde colocar al jugador, dándole a este además la posibilidad de encarnar actores digitales cada vez más expresivos. El cine se convierte en el lugar donde encontrar fórmulas narrativas que den empaque a historias interactivas cada vez más ambiciosas.

El cine de género será la base de esa revolución. Los videojuegos asimilarán sin complejos los grandes referentes del celuloide en la acción, la aventura, el terror, el western, el policiaco, el bélico… Más adelante, en pleno siglo XXI, serán los directores de cine que han crecido rodeados de historias digitales interactivas (con Peter Jackson y Guillermo del Toro como principales referentes), los que demostrarán en sus películas su amor por este joven medio.

En los últimos 20 años los videojuegos han sufrido una evolución sin precedentes a todos los niveles en su ya de por sí corta historia, 20 años que han logrado colocar a esta industria muy por encima de las demás artes audiovisuales en cuestión de beneficios. Actualmente los videojuegos han tomado las universidades y los museos y son un bien cultural reconocido institucionalmente. Desde luego, no está nada mal para una historia que empezó en un bar con dos palitos simulando un partido de tenis sobre un fondo negro ¿Verdad?

Enlaces | La gran mentira de ‘Heavy Rain’,‘Shadow of the Colossus’, el romanticismo y Caspar David Friedrich. El videojuego romántico, Impresionante demostración técnica de captura facial de movimientos. ¿Esto nos depara el futuro?
En Blogdecine | Cine y videojuegos, después de todo, no es más que la misma historia de siempre

Tan solo este esfuerzo por proponer una estrategia visual innovadora, más cercana al vídeo doméstico (con todo lo que esto conlleva, como planos “en apariencia” descuidados, grandes saltos y defectos en la imagen, reenfoques, una iluminación a menudo deficiente) que a una realización cinematográfica “al uso”, tan solo ese esfuerzo, digo, ya es digno de mención. Porque toda esa imperfección técnica en realidad está estudiada al milímetro y salvo en casos como el mencionado en el primer párrafo, en los que la ficcionalidad se reduce a una mera excusa que amenaza con derrumbarlo todo, funciona a la perfección, siempre que el espectador se entregue a esta orgía apocalíptica (y sospecho que somos muchos los que estamos más que dispuestos a entregarnos sin reservas), en la que se dan la mano una narrativa digna de un videojuego hiperestilizado (precisamente mi compañero Villalobos está indagando a ese respecto), la “estética youtube” (si tal expresión es posible), los reportajes televisivos, el Cinéma Vérité, el cine espectáculo, y el más siniestro cine gótico, en una fusión particularmente afortunada.

Una panda de neoyorquinos masacrados

La historia, o trama, que se nos cuenta en ‘Monstruoso’ es mínima, pero la peripecia de fondo es enorme: nada menos que un apocalipsis neoyorquino servido por una criatura gigantesca, una suerte de nuevo Godzilla o King Kong, que nadie sabe de dónde viene (y no viene solo, le acompañan criaturas más pequeñas y horripilantes, como ya he comentado), que parece indestructible, y que ha llegado a La Gran Manzana con mucha mala hostia y pocos motivos para dejar una viga en pie. Todo comienza para nosotros espectadores, y para los personajes, de una forma trivial: una fiesta entre varios amigos para despedir a otro que se va a Japón (no por casualidad…), cuando de pronto todo comienza, y la ciudad se enfrenta a una pesadilla indescriptible. Lo cierto es que poco nos importa el trasfondo o la psicología de los personajes. Por una vez (no es frecuente) un cineasta se olvida de pretextos o justificaciones, y va directamente al grano, sin miedo. ¿Qué más queremos saber además de que son jóvenes, privilegiados e irreflexivos? El ligue frustrado o los objetivos de cada cual son lo de menos, sólo importa sobrevivir.

En ese sentido, el hecho de que uno de ellos porte una cámara de vídeo en todo momento, y se preocupe mucho de dejar constancia de un evento que dejaría el del 11 de septiembre de 2001 como una anécdota trivial, es hasta lógico: en una sociedad en la que cualquier pobre diablo dispone de una cámara personal, con la que graba cada mínima cosa, es verosímil que el ejército encontrase esas imágenes capturadas en una cámara entre los escombros. Algunos han señalado, no sin razón, que además de lo poco plausible de algunos planos de pánico, hay muchas coincidencias o detalles forzados que ocurren delante de la cámara de este personaje. Pero ahí es donde entra, me temo, la decisión de cada cual de dejarse llevar por una aventura superlativa en la que el espectáculo en su máxima expresión se da la mano con una puesta en escena tan radical. Los cuatro chavales (todos ellos rostros casi anónimos, lo que refuerza la sensación de inmediatez y de realismo en una historia tan extrema) sufrirán todo tipo de visicitudes hasta el demoledor y catártico clímax final, y nosotros (los que nos dejemos arrastrar) sufriremos con ellos lo indecible

No puedo dejar de admirar el diseño de producción de una película que convierte a Nueva York en el escenario de una pesadilla tan creíble. No solamente los interiores, repletos de detalles inquietantes, de realismo y de crudeza, también los exteriores, en los que sabiamente se combinan planos reales con otros que son montajes visuales en los que accedemos a puntos tan imponentes como el puente de Brooklyn. En ese sentido el trabajo de Martin Whist y del director artístico Doug J. Meerdink (quien no en vano ya había realizado labores similares en ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’, Steven Spielberg, 2005) con similar acierto), es digno de todo elogio. Sentimos en nuestras carnes la destrucción, la fragilidad del ser humano en un entorno de hormigón y de hierro tan inestable y peligroso. En definitiva, nos hacemos más conscientes (que es de lo que se trata, creo yo, en una película de aventuras) de nuestra endeblez, tanto de ánimo como física, cuando una ciudad deja de ser un entorno confortable y se convierte en una trampa mortal.

En cuanto al aspecto de la película, se trata de uno de los más criticados y, en cierto modo, menos comprendidos, por sorprendente que parezca. En mi opinión, la cámara de Reeves y del operador Michael Bonvillain (operador jefe de veinticinco episodios de ‘Perdidos’ (‘Lost’, 2004-10) es de una estilizacion magnífica, que reproduce, con gran inteligencia, un material supuestamente casero, con sus imperfecciones, y aún así sabe extraer de él una fuerza visual más que notable. Es como si viéramos una grabación de Youtube, pero para la gran pantalla. Apropiándose quizá de los logros de la divertidísima ‘[Rec]’ (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007), y de otras películas anteriores que ya indagaron en las posibilidades de simular una imagen amateur (no olvidemos que esta película está filmada con cámaras digitales Panasonic, con un virado sepia en muchos planos, y copias de 35 mm.), con lo que podemos hacernos una idea del coraje con el que esta película está realizada. Sin olvidarnos ni por un segundo de su soberbio diseño de sonido, con impresionantes bajas frecuencias, tratamiento de los planos del sonido que debería estudiarse, y que de hecho creo que se estudia, en escuelas, y con cuidadísimos efectos sonoros.

Conclusiones e imagen favorita

Algún día harán (espero…) una película que solucione, dramáticamente, la necesidad de grabar con una cámara, supuestamente de vídeo, aventuras superlativas como esta, y en todo momento. Hasta entonces una película más que estimable, cuyo plano de la cabeza cercenada de la Estatua de la Libertad es un homenaje explícito al cartel de la apasionante ‘1997: Rescate en Nueva York’ (‘Escape from New York’, 1981). Mi imagen favorita, sin embargo, es el falso final. ‘Monstruoso’, estrenada sólo un año después que ‘La niebla’ (‘The Mist’, Frank Darabont, 2007), forma con esta un apasionante díptico, que además comparte temáticamente a insectos enormes que nos invaden, pero que representan la cara y la cruz. En la segunda, estupenda, obtenemos una historia filmada con pulso clásico y recio. En la primera, una aventura con una puesta en escena radical e innovadora, quizá una de las llaves del cine futuro de género. Lo que está claro, es que en el cine, como en cualquier otro arte, no puede repetirse lo que ya está hecho.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’), mucho monstruo y poca historia (por Beatriz Maldivia)

• ‘Monstruoso’, un vídeo casero que demuestra que el primo de Godzilla es un borracho irresponsable (por Juan Luis Caviaro)

• ‘Monstruoso’, mareante entretenimiento (por Alberto Abuín)

Intentando repetir el éxito de ‘Men in Black’ (id, 1997), los responsables de esta cinta se pegaron un buen batacazo, y de paso nos aburrieron como ostras con un espanto infumable. Hasta Kenneth Brannagh, que ha demostrado ser muy buen actor, está para estrangularle. Para los incondicionales, muy poquito contenido adicional:

• Documentales
• Vídeos musicales de Will Smith y Enrique Iglesias
• Comentarios

‘El arrecife’

Formato: Blu-ray

Director: Andrew Traucki

Sinopsis: Un grupo de amigos se prepara para las vacaciones de sus vidas... una semana de navegación y buceo en el arrecife de coral más hermoso del mundo. Pero cuando su barco vuelca, su sueño se convierte en una pesadilla. En mitad del océano, uno de ellos decide permanecer sobre la quilla mientras los otro cuatro intentan alcanzar el arrecife a nado. Todo va bien hasta que una aleta emerge del agua. Están siendo acechados por un tiburón blanco.

Personalmente, me lo paso pipa cada vez que en una película nos cuentan cómo un tiburón blanco se come a unos incautos buceadores, teniendo en cuenta que el ser humano aniquila quinientos millones de estos animales al año… Por lo demás, dudo mucho que alguien se acerque siquiera a la maestría demostrada por Spielberg. Unos pocos extras:

• Tráiler
• Cómo se hizo (24 min. en HD)

‘La caja de música’

Formato:

Director: Costa-Gavras

Sinopsis: En una interpretación reconocida con una nominación al Oscar®, Jessica Lange da vida a Anne Talbot, una prestigiosa abogada criminalista que debe defender a su padre. Mike Laszlo (Armin Mueller-Stahl), es acusado de miles de crímenes de guerra, cometidos presuntamente como miembro de la Sección Especial Nazi en Hungría hace casi cincuenta años…

Una película muy interesante, que bien merece un visionado por parte del lector que no la haya visto. La trama es realmente buena, y los actores están soberbios. Vamos, que merece la pena. Costa-Gavras no suele defraudar. Cuando sepamos qué extras contiene actualizaremos esta entrada.

‘The Doors’

Formato: Blu-ray

Director: Oliver Stone

Sinopsis: The Doors fueron la síntesis de su época. Su música era salvaje y poética al mismo tiempo, furiosa pero seductora. La sensual presencia escénica de Jim Morrison, cargada de fuerza y energía, capaz de proyectar un sentimiento de peligro, hablaba de fantasías a un público joven y se convirtió en el catalizador de toda una época. Sus canciones han mantenido a The Doors en ese raro panteón de grupos cuya música evoca los recuerdos de los turbulentos 60 y continúa generando fans no sólo entre aquellos que vivieron aquellos años, sino también entre las nuevas generaciones. Desde los días de Morrison como estudiante de cine en Los Angeles hasta su muerte en París en 1971 a los 27 años, esta película narra la historia de The Doors.

No creo que sea una de las mejores películas de Stone, pero desde luego que entretiene y posee una deslumbrante cinematografía. Creo que Jim Morrison merecía un acercamiento más certero, pero es otra de las que merece la pena ver. Trae un par de documentales:

• “De vuelta a las raíces” - Un documental exclusivo con lo mejor de la trayectoria de una de las más influyentes bandas de rock'n'roll de la historia
• “Jim Morrison: Un poeta en París” - Los últimos momentos de Jim Morrison en Paris

‘Morning Glory’

Formato: Blu-ray

Director: Roger Michell

Sinopsis: La productora de noticias locales, Becky Fuller, por fin ha conseguido el trabajo de sus sueños en la gran ciudad: encargarse del programa matinal de noticias Daybreak en Nueva York. Sin embargo, ya desde el primer día, el sueño amenaza con convertirse en una pesadilla. Tiene el coraje, las agallas y la destreza que pueda necesitar una mujer para triunfar, pero un gran obstáculo se interpone entre Becky y su ascenso a la cumbre: el legendario Mike Pomeroy, un estrafalario, chulo y nada cooperativo presentador que está a punto de convertirse en la peor lacra para ella... y en su única esperanza para poder cambiar el destino del programa matinal de noticias con menos audiencia de Norteamérica.

Si yo fuera Diane Keaton, probablemente una de las mejores actrices de su generación, me quedaría en mi casa antes que protagonizar cosas como esta, aunque sin duda se ve que la buena mujer al menos se divierte. A mi compañero Juan Luis no le gustó absolutamente nada. No pienso comprobar que tiene toda la razón, a pesar de que Roger Michell es un buen director de comedia. Algunos extras:

• Comentario por el Director Roger Michell y la Guionista Aline Brosh McKenna
• Escenas Eliminadas: Botes de Champú

Y esto es todo por esta semana, a ver si la siguiente se anima un poco la cosa.

Vía | ZONA DVD

Un año después de que os informara sobre el anuncio del rodaje, aquí os traigo el tráiler de ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’), protagonizada por los cómicos Jason Bateman, Jason Sudeikis y Charlie Day. Pero lo que más llama la atención son los nombres de algunos de los secundarios: Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Colin Farrell y Jamie Foxx. Los tres primeros dan vida a los horribles jefes a los que se refiere el título (aunque no sé si muchos opinarían así de la jefa encarnada por Aniston) y el cuarto a una especie de asesor criminal, que aconseja a los protagonistas sobre la mejor manera de eliminar a sus odiados superiores. Una trama que puede dar mucho juego, y que en estos tiempos también puede provocar algún que otro lío peligroso, y es que como venimos comprobando hay gente que no sabe diferenciar entre ficción y realidad.

Dirigida por Seth Gordon (‘Como en casa en ningún sitio’, ‘Freakonomics’) y escrita por Michael Markowitz, Jonathan Goldstein y Francis John Daley, ‘Horrible Bosses’ gira en torno a tres amigos frustrados con sus respectivos empleos, que llegan a la conclusión de que la única solución para arreglar sus vidas es liquidar a esos jefes que les están amargando. La película estará en los cines de EE.UU. el próximo 8 de julio, y al parecer no llegará a España hasta septiembre, con el título de ‘Cómo acabar con tu jefe’. Desde luego el tráiler no es ninguna joya, pero el elenco es muy atractivo (no vemos a Spacey a menudo) y parece que al menos la propuesta servirá para mantenerle a uno entretenido durante hora y media.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: ¿El personaje de Farrell no se parece demasiado al memorable productor que interpretó Tom Cruise en ‘Tropic Thunder?

Vía | Impawards

Cuando os hablaba de ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, Clint Eastwood, 1996) señalaba la mirada esperanzadora que Eastwood implantaba en dicha película. Acostumbrados como estábamos a que la mayoría de sus films como director sean puñetazos directos al estómago y luego al corazón, que dejan a uno totalmente hundido, el sentir lo contrario no viene nada mal siempre y cuando esté bien hecho, como era el caso. Visionando ‘Midnight in Paris’ (id, Woody Allen, 2011) me satisface comprobar una vez más que Woody Allen tiene también esa dualidad. Por un lado es capaz de ofrecernos obras amargas y duras, como lo pueden ser ‘Annie Hall’ (id, 1977), ‘Manhattan’ (id, 1979) o ‘Delitos y faltas’ (‘Crimes and Misdemeanors’, 1989), y por otro films esperanzadores, amables, tranquilos, pero infinitamente vitales. De una sencillez embriagadora, que no tiene que ser peor que la complejidad o profundidad en otros films. De hecho, no lo es.

Y creo un error afirmar que cuanto más arriesgada es una película ésta deba ser por narices superior a un film de menores pretensiones, pues hablamos de resultados. Además mucha gente tiende a pensar equivocadamente que una película sencilla ha sido fácil de hacer cuando no es necesariamente así. Y si no ya me gustaría ver con qué facilidad realizan algunos directores una película como ‘Midnight in Paris’, cuya mayor virtud es precisamente la de hacer parecer fácil lo difícil. Porque seamos sinceros, ofrecer hoy día una mirada optimista del amor, unir realidad y ficción, y que nada resulte impostado o ñoño, no me parece una tarea fácil. Que el director neoyorquino nos lo haga creer, para mí es más bien un punto a su favor, no lo contrario. Ése es el Woody Allen que me parece grande.

Debo confesar que tenía miedo de esta nueva película de Allen --aunque es cierto que no podemos vivir sin su cita anual-- porque representa la tercera colaboración entre el genial director y la productora española Mediapro. No tengo nada en contra de los únicos que ahora mismo apoyan fuerte a Allen, pero ‘Vicky Cristina Barcelona’ (id, 2008) y ‘Conocerás al hombre de tus sueños’ (‘You Will Meet a Tall Dark Stranger’, 2010) son films muy menores. Tanto que a mí el primero me parece una majadería impresionante --sólo salvo la excelente interpretación de Penélope Cruz--, y el segundo, sin ser malo, me deja indiferente. Dos títulos que sorprenden por su falta de pasión, y más aún cuando entre ellos Allen realizó la maravillosa ‘Si la cosa funciona’ (‘Whatever Works’, 2010), de idéntica mirada vitalista a la que nos ocupa. En cualquier caso, y dejando de lado una serie de coincidencias que no sirven para nada más que rompernos la cabeza, ‘Midnight in Paris’ supone el regreso de un Allen en plena forma, rejuvenecido, y al mismo tiempo traduciendo toda la experiencia adquirida durante años en un trabajo de síntesis realmente envidiable.

Para ello Allen recupera el tono mágico de ‘La rosa púrpura del Cairo’ (‘The Purple Rose of Cairo’, 1985) --para quien firma la mejor película de su director--, y mezclando ficción y realidad nos ofrece su particular visión de ese París que tanto ha cautivado a escritores, pintores, músicos y cineastas. Pero el conocimiento de Allen por la capital francesa se debe más a la visión que de ella tiene gracias al Cine. El gran Ernst Lubitsch decía que conocía el París de Metro y la Paramount, y por supuesto el París real, siendo el de Paramount el más parisino de todos. Así parece sentirlo también Allen, que con la odisea de Gil Pender --desde ya uno de los personajes del universo Alleniano, no interpretados por el propio director, más carismáticos que existen, además de ser muy probablemente la mejor interpretación de Owen Wilson hasta la fecha-- nos adentra en los años 20, donde nos daremos la mano con Salvador Dalí o Luis Buñuel entre otros --impagable el chiste sobre ‘El ángel exterminador’ (id, 1962)--, mientras ejecuta un desglose sobre las relaciones amorosas, sobre lo atemporal de ese sentimiento, con el insuperable marco de la ciudad del amor por excelencia.

Gil Pender está aburrido de su existencia. Guionista de algún blockbuster de Hollywood, quiere convertirse en un reputado escritor para que le tomen en serio, y será gracias a su imaginación y la fascinación que París produce en él, por la que conseguirá una vía de escape a su anodina realidad en la que su prometida no le entiende, sus suegros no se fían de él y algún pedante amigo se aprovecha hasta límites insospechados. Todos los días, a medianoche, como si de un cuento de hadas se tratase, Pender regresa a un Paris lleno de muertos, de gente que ya no existe, pero de que alguna forma dejaron su impronta en la ciudad más romántica del mundo. Entre todos ellos encontrará el amor ideal --Marion Cotillard, que parece salida de una de aquellas viejas películas-- en una de esas mujeres tan arrebatadoramente fascinantes que pueblan ese onírico universo lleno de fantasmas más auténticos que lo vivos. Pero incluso en ese marco idílico, el paraíso de cualquier artista, Pender descubrirá que todo tiene un orden y un momento, y que lo que se hace en el presente tiene una influencia vital en el futuro. Por eso el pasado es importante.

El pasado que vive Pender no es el suyo propio, si acaso es un lugar imaginario, producto de todo lo que ha leído y visto, pero que en cierto modo le recuerda lo que siempre quiso, anheló y soñó. Y será también a medianoche cuando descubra que ese amor tan cinematográfico, o poético, o musical, puede hacerse realidad, y que éste está donde menos lo esperamos. Puede ser tu vecino, tu amigo de toda la vida, tu amante, alguien a quien no conozcas, tu profesor, tu peluquera o una vendedora, puede ser mayor o muy joven, estar muy lejos o muy cerca, o tal vez no nos demos cuenta. Allen nos recuerda que cuando aparece es sencillamente maravilloso y debemos ir a por él, sin ningún tipo de temor. Los artistas han hablado del amor de mil formas distintas, y adentrarse en las posibles razones de su obra es a veces una pérdida de tiempo, algo que también indica, muy sutilmente, ‘Midnight in Paris’. Sólo el que ama algo de verdad puede llegar a entenderlo. En esta película el sentimiento prima sobre la razón, y lo que tenemos que hacer es dejarnos llevar por el torrente de emociones que supone su visionado. Creo que se disfruta más, a no ser que te apellides Massanet.

‘Midnight in Paris’ es una de esas películas para llevar a tu pareja, pero como se trata de un film en el que el paso del tiempo es tratado de una peculiar forma, recomiendo un experimento a aquellos que sean capaces. No es lo mismo verla con tu ex, que con tu pareja actual y mucho menos con un proyecto de pareja. Pero en todos los casos es altamente gratificante. Ay, este Woody Allen, cuan certero es a veces. Magistral.

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‘El último Boy Scout’ (‘The Last Boy Scout’, 1991) es una comedia de acción de Tony Scott en la que Bruce Willis interpreta a Joe Hallenbeck, un policía retirado que ahora ejerce de detective de mala muerte mientras sobrevive de cualquier manera a su propia desidia y a una situación familiar insostenible. Un compañero le traspasa la protección de una bailarina y esta misión, que parece pan comido, se complica de tal manera que el novio de esta joven y él acaban investigando una trama de corrupción que les lleva hasta alturas insospechadas.

Lo que ‘El último Boy Scout’ tiene de especial, lo que la ha hecho perdurar y ser recordada es el pasotismo de su protagonista, así como tono desenfadado y ligeramente cómico con el que se afronta la premisa argumental. Los diálogos de Shane Black, cargados de frases humorísticas que golpean con ingenio suponen la mejor baza del film. La cita con la que abro esta crítica lo resume y representa todo, pues claramente se está refiriendo al cine, como si el personaje se saliese por un momento de la película para hablar directamente sobre ella.

Nadie hay mejor para darles voz a estos míticos one liners que Bruce Willis, quien, con su sonrisa sardónica y su fingida indiferencia va pasando por la película aportándole todo lo que por cualquier otro lado podría faltarle en un semi one-man-show en el que los acompañantes solo están para darle la réplica. De todas formas, Willis no actúa con un tono abiertamente cómico, sino que dice sus frases jocosas como si fuesen serias, como quien no quiere la cosa. Su voz susurrante es mucho más monocorde que la de Ramón Langa, quien, en el doblaje, eleva el tono hasta una comicidad más evidente.

La trama es solo una excusa

Una trama bastante convencional, que arranca como un caso sin importancia y va cobrando envergadura a modo de bola de nieve, pero sin altibajos, sorpresas ni juegos con la estructura o el argumento; sirve como telón de fondo de lo que realmente interesa: la mencionada actitud de los protagonistas.

Las escenas de acción no son muy abundantes ni espectaculares. La persecución cercana al final resulta entretenida de ver, pero de nuevo más por el comportamiento de los personajes que por la acción en sí. La fotografía muy contrastada y en tonos azules u ocres, ya habitual en Tony Scott --tanto como los flous o los ventiladores--, es lo que mejor ha aguantado el paso del tiempo, no así el ritmo global de la película que, en ocasiones --especialmente cuando se centra en cuestiones familiares--, se me hace pesada.

El título del film ya nos indica sin tapujos que nos vamos a encontrar con una aproximación hacia el protagonista que podríamos calificar de muy «estadounidense». A pesar de que es un «tirao», Hallenbeck es un héroe, un patriota, un auténtico boy scout, ya que en su día salvó al presidente y ya que (spoiler) aquí antepondrá la integridad de un candidato a senador a sus propios odios y rencillas (fin del spoiler). Poco necesitamos aquí ese fondo del retrato para seguir viéndolo como el carismático protagonista, pues ya nos ha ganado con su actitud, pero difícil es hallar la película de este estilo que no lo tenga. El director, aun siendo británico, no tiene problemas para amoldarse a estas concepciones de la heroicidad.

Buddy movie

Las buddy movies o películas de compañeros no son tan diferentes de las comedias románticas. Las reglas son más o menos las mismas: es imprescindible que se produzca una química entre los dos protagonistas y que cada uno tenga suficiente carisma como para aportar a la pareja sin anular al otro. Al principio suelen odiarse e insultarse, lo cual dará pie al interesante intercambio de pullas que tan bien funciona como diálogos a ritmo de partida de ping-pong, para acabar queriéndose.

Si lo que analizamos es esa química, el resultado es que Joe Hallenbeck y Jimmy Dix funcionan juntos, pero no tan bien como Riggs y Murtaugh en ‘Arma letal’, como Tango y Cash en el film homónimo, como en Wally Karue y Dave Lyons en ‘No me chilles que no te veo’ o, si quisiéramos, Butch Cassidy y el chaval Sundance en ‘Dos hombres y un destino’, así como tantas otras parejas de hecho que han perdurado por encima de cada uno de sus miembros o de lo que contaban las películas que los unieron.

En ‘El último Boy Scout’, antes que un dúo de buddy movie, parece que encontramos a un héroe y su side-kick --que se podría traducir por «compañero», «compinche» o «secundario»--. Damon Wayans, hermano de los creadores de ‘Scary Movie’ y sus secuelas, resulta guapo y simpático, pero quizá no tiene el carisma suficiente para estar a la altura de Willis y completar una pareja cómica. Por lo tanto, lo que parece ser un intento de creación de una franquicia, no dio buen resultado y no tuvo títulos subsiguientes.

Conclusión

‘El último Boy Scout’ probablemente ha crecido en el recuerdo de muchos a lo largo de estos veinte años y no obtendría, tras un visionado actual, el mismo cariño que la memoria le quiere guardar. Se trata de una buddy movie en la que los golpes de los diálogos y la actitud pasota tienen mucha mayor importancia que la trama de fondo. Muchas de sus frases se han convertido en inolvidables y eso ya merece, por lo menos, algo de respeto.

En los comentarios podéis elegir y votar la película que deseéis para la próxima edición de ‘Críticas a la carta’.

Mi puntuación:

Se cumplieron los pronósticos, ‘The Tree of Life’, la quinta película de Terrence Malick, se ha llevado la Palma de Oro del Festival de Cannes 2011. No, el de la foto no es el esquivo director (que ya fue elegido mejor director en 1978 por ‘Días del cielo’) sino Bill Pohlad, uno de los dos productores a los que Jane Fonda (¿?) ha entregado el preciado galardón. Ha sido el momento culminante de la ceremonia de clausura de la 64ª edición del certamen más importante y mediático del mundo, en cuyo palmarés no ha entrado finalmente Pedro Almodóvar, que presentó en La Croisette su último trabajo, ‘La piel que habito’.

Ya os comenté que me gustó la película española, pero la de Malick es netamente superior, una obra impresionante, por lo que el premio me parece totalmente justo. Tampoco me habría parecido mal que se lo hubieran dado a ‘Le Havre’ (Aki Kaurismäki), ‘The Artist’ (Michel Hazanavicius) o ‘Melancholia’ (Lars Von Trier), otras de las favoritas; la primera ha sido una de las grandes olvidadas por el jurado presidido por Robert de Niro, pero las otras dos han proporcionado galardones a sus protagonistas principales, el francés Jean Dujardin y la norteamericana Kirsten Dunst, en un papel escrito para Penélope Cruz. Se habló de Sean Penn por ‘This Must Be The Place’ y Tilda Swinton por ‘We Need to Talk About Kevin’ como favoritos, pero es indudable que los dos ganadores están sensacionales, así que nada que objetar.

Curiosamente, el premio al mejor director ha sido para un danés, pero no para el más prestigioso de los que competían en Cannes este año, más que nada porque fue declarado persona non grata por decir que entendía a Hitler. Nicolas Winding Refn (que calificó de repugnantes las polémicas declaraciones de Von Trier) ha sido galardonado por la puesta en escena del thriller ‘Drive’, de lo mejor que se pudo ver en el festival. Así que otro premio merecido. Puede catalogarse de inesperados tanto el premio del jurado para ‘Poliss’ (Maïwenn) como el de mejor guion para ‘Footnote’ (Joseph Cedar), que no entraban en las quinielas. De manera previsible, los hermanos Dardenne vuelven a llevarse un premio en Cannes, ‘Le Gamin Au Vélo’ (‘El niño de la bicicleta’) comparte el gran premio del jurado con ‘Once Upon a Time in Anatolia’ (Nuri Bilge Cylan). Y echo de menos ‘Michael’, que pese a sus lagunas nos impactó a todos con su cruda historia sobre pedofilia.

A continuación os dejo el palmarés completo de Cannes 2011 y unas fotos de los ganadores. Os recuerdo que aún me quedan algunas películas por comentar, así que por mi parte todavía no abandonaré del todo el festival.

• Palma de Oro: ‘The Tree of Life’ de Terrence Malick

• Gran Premio del Jurado: Ex-aequo, ‘Once Upon a Time in Anatolia’ de Nuri Bilge Cylan y ‘El niño de la bicicleta’ de Jean-Pierre y Luc Dardenne

• Premio del Jurado: ‘Polisse’ (Poliss’) de Maïwenn

• Mejor dirección: Nicolas Winding Refn por ‘Drive’

• Mejor actor: Jean Dujardin por ‘The Artist’

• Mejor actriz: Kirsten Dunst por ‘Melancholia’

• Mejor guión: Joseph Cedar por ‘Footnote’

• Cámara de Oro: ‘Las acacias’ de Pablo Giorgelli

• Palma de Oro al mejor cortometraje: ‘Cross’ de Maryna Vroda

• Mejor película de la sección “Una cierta mirada” (“Un certain regard”): Ex-aequo, ‘Arirang’ de Kim Ki-Duk y ‘Halt Auf Freier Strecke’ de Andreas Dresen

• Premio especial del jurado – sección “Una cierta mirada”: ‘Elena’ de Andrey Zvyagintsev

• Premio a la mejor dirección – sección “Una cierta mirada”: ‘Bé Omid é Didar’ de Mohammad Rasoulof

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Web oficial del festival
Imágenes | Zimbio

El Festival de Cannes 2011 ha llegado a su fin. En breve se dará a conocer el palmarés de la sección oficial (los premios de “Un certain rergard” se hicieron públicos anoche) y sabremos por fin qué título se lleva la Palma de Oro, el premio más importante del planeta (excepto en Estados Unidos, donde tiene más valor el MTV al mejor beso, una estrella en el paseo de la fama, un Globo de Oro o incluso el Oscar). Las dos últimas películas de competición que se presentaron fueron ‘Once Upon a Time in Anatolia’, que comento en este artículo, y ‘La Source des Femmes’, que desgraciadamente no pude ver. Lo cierto es que tuve que abandonar Cannes a causa de unas declaraciones que se malinterpretaron y se sacaron de contexto, pues jamás quise decir que en el certamen importaban más las estrellas de Hollywood que el buen cine, o que muchos críticos se duermen durante las proyecciones o se marchan antes de tiempo pero aun así hablan de todas las películas. Es broma. Bueno, en parte. Vale, soy nazi...

‘This Must Be The Place’, endeble aventura emocional

“Hay muchas formas de morir. Y la peor es seguir viviendo.”

Tres años después de lograr el premio del jurado por ‘Il divo’, el italiano Paolo Sorrentino regresó a la Croisette para presentar un nuevo trabajo, el primero que rueda en inglés y su cuarto intento por lograr la Palma de Oro. Sin duda la imagen de la película es ese Sean Penn disfrazado del líder de The Cure, Robert Smith, en quien está basado el protagonista de ‘This Must Be The Place’. Cuenta Sorrentino que la idea se originó cuando vio un concierto del grupo y le sorprendió que Smith a sus cincuenta años siguiese saliendo al escenario con el mismo aspecto que cuando tenía veinte. Así llegó a crear a Cheyenne, una ex estrella de rock que cada mañana se maquilla y se viste como si fuese a dar un concierto, si bien hace tiempo que abandonó el mundo de la música, permitiéndose vivir de los derechos de autor en su tranquila mansión. Cheyenne deambula por Dublin como un muerto viviente, apático, aburrido, deprimido, huyendo de los pocos que aún recuerdan su nombre, cómodo con la compañía de su esposa (Frances McDormand), que es todo alegría y vitalidad, y una joven gótica con problemas familiares que es su mayor fan (Eve Hewson).

Cheyenne (divertidísima y sólida composición de Penn) tiene sus razones para encerrarse de esa manera, para ser un niño cincuentón disfrazado, triste y solitario, pero el guion de Sorrentino y Umberto Contarello se toma su tiempo en compartirlas con el espectador, a veces tanto que cuando las ofrece ya resultan obvias o perdieron el interés. Es una decisión arriesgada que funciona al principio, cuando todavía estás intentando descubrir de qué va todo, quién es ese tipo y qué le hizo así, pero en general me parece que no se ha sabido administrar adecuadamente la información, además de que se cae en el gran error de recurrir a los diálogos explicativos, en lugar de potenciar las soluciones visuales, o directamente no recurrir a aclaraciones que justifiquen el comportamiento de Cheyenne, dejando pistas para que sea el público quien desentrañe el misterio. La excusa para sacar al protagonista de su mundo y lanzarlo al de los demás es la muerte de su padre, con el que por supuesto se llevaba mal. Cheyenne descubre que su padre estaba obsesionado con la persecución de un oficial nazi que al parecer lo había avergonzado cuando era joven, y decide continuar la misión, pese a que lo más probable es que su objetivo ya haya fallecido por causas naturales.

Este viaje a través de Estados Unidos (inspirado en cierta manera por ‘Una historia verdadera’ de David Lynch) permite a Sorrentino aumentar el número de personajes y situaciones peculiares (un indio que se sienta en el coche de Cheyenne sin decir una palabra), mientras conduce a su lánguido héroe al cumplimiento de una venganza que le acerque a su padre, haciéndole comprender por el camino los errores que cometió y que aún puede corregir. El desenlace es previsible para cualquiera. ‘This Must Be The Place’ (como la popular canción de Talking Heads, además David Byrne está implicado en la música y aparece brevemente haciendo de sí mismo) se centra demasiado en la observación y el subrayado de lo extraño, lo excéntrico, así como en ofrecer una serie de postales sobre lugares típicos del cine norteamericano, quizá para formar la idea que Cheyenne (convertido en un turista) tiene de aquel país, tras salir de su burbuja. Son casi dos horas de relato amable, condescendiente, forzadamente raro, contagiado de la indolencia y el vacío de su protagonista.

‘Once Upon a Time in Anatolia’, el paraíso abandonado

“Todo pasa por una razón, fin de la historia. Lo que ha ocurrido debe tener un significado…”

Dejar para el final del festival lo nuevo del turco Nuri Bilge Ceylan (gran premio del jurado por ‘Lejano’ y mejor dirección por ‘Tres monos’), con una duración de 157 minutos, parecía una broma sin gracia por parte de los organizadores, una última prueba de resistencia para los más valientes. Pero el cansancio y la desgana dejan paso al asombro y el vivo interés, y uno se sumerge con facilidad en la bella, auténtica y enigmática ‘Once Upon a Time in Anatolia’, una de las películas más inspiradas de Cannes 2011, pudiendo proporcionar a su realizador su primera Palma de Oro (curiosamente, también es la cuarta ocasión en la que Ceylan compite por este galardón). Coescrita por Ceylan junto a su esposa Ebru Ceylan y Ercan Kesal, la película sigue a un grupo de personajes que buscan un cadáver enterrado; la vida de una pequeña localidad turca se ha visto sacudida por un terrible y misterioso crimen, que la policía intenta resolver. Lejos de lo que pueda parecer, no se trata de ningún thriller, y la trama no gira en torno a una investigación convencional sobre un asesinato. A lo largo de una hora, todo se centra en los intentos por hallar el lugar exacto donde uno de los acusados dice haber ocultado algo (pronto se hace evidente que se trata de un cadáver, si bien nadie lo dice), siendo la cámara un testigo silencioso, casi inmóvil, de rutinas, gestos y detalles corrientes, aparentemente irrelevantes, todo lo contrario a lo que suelen ser los casos del cine norteamericano, repletos de acción, intriga y giros sorprendentes.

En la película de Ceylan lo que importa es conocer poco a poco a todos los personajes, a través de lo que hacen, lo que dicen y lo que callan, y de esa manera tener una visión única y profunda del relato, llegando a entender lo que ha ocurrido de una manera que ninguno de los protagonistas llegará a apreciar jamás, pues cada tiene su propio punto de vista, sus opiniones, sus intereses, sus secretos, sus deseos, sus creencias. Es un retrato de personajes extraordinario. Con el (lento, natural) transcurrir de los acontecimientos, a veces tan nimios como un coche deteniéndose para que uno de los protagonistas pueda orinar (lo que desemboca en una charla sobre el posible motivo de tantas paradas) o el supuesto parecido de uno de ellos con Clark Gable (tronchante escena), llegamos a descubrir que Ceylan nos habla de las engañosas apariencias (nadie parece entender el crimen pero no importa mientras se resuelva de acuerdo al reglamento) y dos formas opuestas de entender la vida; la del escéptico que siempre busca una explicación racional a todo lo que sucede, y el que cree que hay algo más en este mundo, que estamos rodeados por hechos inexplicables, mágicos, extraordinarios. El segundo duerme más tranquilo.

Mientras el acusado intenta aclarar sus recuerdos, o despistar a la policía, y los demás se desesperan por la tardanza y la incertidumbre, se nos muestra un paisaje (fotografiado de manera hermosa por Gökhan Tiryaki pese a que casi siempre se trata de largas carreteras y colinas desiertas) que al caer la noche parece convertirse en un lugar de fantasía, romántico, salvaje, maravilloso, con luces extrañas y seres sobrenaturales; da la sensación de que los hombres abandonan su mundo en la búsqueda del cadáver, y que vuelven a la normalidad durante el día, donde se revela la verdad, triste, lógica y anodina. Cuesta seguir con atención todos los detalles de los comportamientos y las conversaciones, siendo fácil el abandono (no pasa nada, me aburro), y definitivamente se podría recortar bastante metraje, pero la experiencia está construida con mucho ingenio y resulta de lo más estimulante, obligándole a uno a esforzarse por desentrañar lo que está viendo, más allá de lo superficial.

Las mejores películas de Cannes 2011 y mi apuesta para la Palma de Oro

Aunque aún me faltan algunos títulos por comentar (el remake de ‘Hara-Kiri’ o ‘Martha Marcy May Marlene’), quiero dejar mi lista de títulos favoritos antes de que se haga público el título de la ganadora de la Palma de Oro. De las 18 películas de la sección oficial que pude ver (me perdí dos, ‘Pater’ y ‘La source des femmes’), las que más me gustaron fueron ‘The Tree of Life’ (Terrence Malick), ‘The Artist’ (Michael Hazanavicius), ‘Melancholia’ (Lars von Trier), ‘Drive’ (Nicolas Winding Refn), ‘Le Havre’ (Aki Kaurismäki), ‘La piel que habito’ (Pedro Almodóvar) Y ‘Once Upon a Time in Anatolia’ (Nuri Bilge Ceylan). No necesariamente por este orden, aunque si tuviera que reducir la lista, me quedaría con las cinco primeras. También me entusiasmó ‘Midnight in Paris’ (Woody Allen), presentada fuera de concurso para inaugurar e ir animando el certamen. No me apetece recordar las peores películas que he visto en Cannes, pero quiero destacar que me dejó una sensación de total pérdida de tiempo el visionado de ‘Piratas del Caribe: En mareas misteriosas’ (Rob Marshall), también fuera de concurso. Posiblemente, fue lo más vacío y mediocre que vi en el festival.

Y termino este artículo con mi apuesta para la Palma de Oro. “Puede ganar cualquiera”, era la frase más repetida en los pasillos del Palais des Festivals, cada vez que alguien intentaba buscar un favorito para el palmarés de esta 64ª edición. Aun así, se habla mucho de ‘The Tree of Life’, ‘The Artist’, ‘Le Havre’, ‘La piel que habito’ y ‘El niño de la bicicleta’ (de los hermanos Dardenne). Si de verdad la cosa está entre estas cinco, la que veo con más opciones es la primera. Pero si al jurado (cuyo presidente es, recordemos, Robert de Niro) le da por buscar la sorpresa y destacar un título del que se ha hablado menos, apostaría por ‘Michael’ de Markus Schleinzer, un trabajo muy serio y crudo. Pronto saldremos de dudas.