Aprovechando la ocasión, os dejo el último tráiler de la película, que lleva unos días circulando por la red; aparte de unos efectos visuales que parecen muy currados, me hace gracia ver a Brühl en plan Tony Stark y que se diga que en el futuro próximo nada será como imaginamos, para después mostrar unas casas corrientes. En el caso de que sea la primera vez que leéis algo sobre esta producción (pese a que hace unos meses ya hablamos de ella y vimos un cartel y un teaser), cabe señalar que se trata de un relato de ciencia-ficción escrito por Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca y Aintza Serra que gira en torno a la creación del primer niño artificial (esto me suena de algo, quizá lo he soñado). No sé si supone que estrenar esto poco antes de que llegue a las salas de todo el país es un bombazo o algo semejante, ya me diréis, a mí el anuncio me ha dejado tan frío como el trasero de un robot.

La elección de ‘Eva’ como película inaugural encaja con el tema de Sitges 2011, la inteligencia artificial. Se ha informado que habrá un homenaje al emocionante film de Steven Spielberg, ‘AI: Inteligencia artificial’ (‘Artificial Intelligence: AI’), que cumple su décimo aniversario, y se han comunicado algunos de los títulos de la programación de este año; ‘Mientras duermes’ de Jaume Balagueró, ‘The Turin Horse’ de Bela Tarr (la vi en Berlín), ‘Les Contes de la Nuit’ de Michel Ocelot (ídem), ‘Burke and Hare’ de John Landis, ‘The Yellow Sea’ de Na Hong-jin (la vi en Cannes), ‘La mujer del eternauta’ de Adán Aliaga, ‘Juan de los muertos’ de Alejandro Brugués o ‘3-D Sex and Zen: Extreme Ecstasy’ de Christopher Sun Lap Key (sexo en 3D, lo que James Cameron no se atrevió a filmar), podrán verse en el popular festival catalán, que tendrá lugar del 6 al 16 de octubre.

PD: EVA era el nombre del robot del que se “enamoraba” WALL·E.

Web oficial | Festival de Sitges
Tráiler vía | ZonaFandom

Era de esperar que ‘Transformers 3: El lado oscuro de la luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’, Michael Bay, 2011) arrasase en taquilla, tal y como lo hicieron las dos prescindibles entregas anteriores. El enorme juguetito veraniego, en el que Megan Fox ya no tiene su lugar, apadrinado por don Steven Spielberg, ha sido con diferencia, la película más vista este pasado fin de semana en los USA, e imagino que en todos los países en los que se ha estrenado. El argumento es muy probable que no interese a nadie, lo que importan son los destrozos, explosiones, persecuciones y giros de cámara de 360 grados, todo made in Michael Bay, a quien ya se le tacha como el anticristo del cine. La crítica yanqui no ha sido muy benevolente, aunque el público votante en la IMDb ha sido un poco más permisivo.

Tom Hanks repite como director en ‘Larry Crowne’, la historia de un hombre maduro que, tras perder su trabajo, decide matricularse de nuevo en la universidad. Muy oportuno Hanks en estos tiempos tan difíciles, y además se hace acompañar de la carismática Julia Roberts. La crítica no la ha recibido nada bien, y el público votante no parece muy satisfecho.

‘Monte Carlo’ (id, Thomas Bezucha, 2011) es un producto al servicio exclusivo de una de las estrellas de Disney Channel, Selena Gomez, quien comanda una excursión de tres adolescentes que van de viaje a Paris y por error terminan en Monte Carlo. En nuestras pantallas podrá verse a partir del 20 de septiembre, el de este año, desgraciadamente.

Vía | IMDb

Recientemente, con la aparición y publicación del tráiler Red Band de ‘Conan el bárbaro 3D’ (‘Conan the Barbarian’, Marcus Nispel, 2011), que por cierto es cien veces mejor que el que se verá en cines, he escuchado y leído algunas voces que claman contra el empleo de una música, “a priori”, incongruente para acompañar sus imágenes. Concretamente por el tema rockero que escuchamos en ese tráiler, aunque si por mí fuera, pondría a Metallica, a Black Sabbath o incluso a Manowar. El caso es que esto me ha recordado a esa controversia, a mi juicio absolutamente disparatada, que consistió en despreciar la elección musical de Sofia Coppola para los temas de su ‘María Antonieta’ (‘Marie Antoinette’, 2006), por considerarlos fuera de lugar, caprichosos y propios de una directora que no se tomaba en serio su trabajo, o que simplemente se reía de la historia, a la hora de acercarse a uno de los mitos de la realeza europea del siglo XVIII.

¿Cómo se atrevía esta cineasta, recientemente sacralizada por la célebre ‘Lost in Translation’ (id, 2003), a no emplear música sinfónica, un score original, previsiblemente orquestal, para esta película? No todas las voces fueron en contra, afortunadamente, ni siquiera en el Festival de Cannes en el cual se dio a conocer al mundo, pero este tema daría para un interesante debate (quizás, en un futuro artículo) pues el purismo (y yo no soy purista) no conduce más que a la repetición de formas artesanales hasta convertirlas en fórmulas, y al aburrimiento y a la falta de estímulo creativo. Sin considerar a ‘María Antonieta’ gran cine, porque quizá ni siquiera lo pretende, sí me parece más que acertada su inclusión de temas de, entre otros, The Strokes, New Order, The Cure, Siouxsie and the Banshees… Y visto como está el patio de prejuicios puestos a secar, hasta me parece una muestra de gran valentía mezclarlos con música barroca.

Ya los títulos de crédito no engañan a nadie: vamos a asistir a una personal representación de una época, de un espíritu y de una sociedad (siempre en off…) muy concretas, pero por esos créditos, y esa música, uno pensaría que está a punto de comenzar una tragicomedia juvenil. Y eso es lo que ‘Maria Antonieta’ finalmente es. Para bien o para mal, o ambas cosas. Quizá merece la pena, más que proponer un viaje artificial a un pasado con el que, quizá, ya nada nos una, emplear ese pasado como reflejo del presente, y narrar de forma que puedan establecerse vínculos entre los hombres y mujeres de aquella época y los de la nuestra. Como una parábola, Marie Antoinette, proveniente de la mucho más liberal corte austro-húngara, ingresa en la encorsetada (nunca mejor dicho) y tradicionalista corte francesa, a su matrimonio con Luis XVI, y una vez allí lucha durante años por encontrar su verdadera identidad (el tema principal, seguramente, de la carrera de Sofía Coppola, quien también se encontrará, me temo, siempre buscando su verdadera identidad bajo la sombra gigantesca del genio de su padre) aunque eso suponga sufrir de todos los prejuicios e incomprensiones y finalmente ser ejecutada.

Vivir al límite

Por eso Coppola describe a su heroína como una muchacha de buen corazón, aunque frívola y entregada a todos los placeres que sólo la realeza puede ofrecer. No la juzga, sino que la sigue y la comprende, aunque quizá no comparta del todo sus puntos de vista (y tan absurdo es despreciar su elección musical como pretender establecer un paralelismo entre la reina consorte y la propia cineasta…algo que hicieron no pocos analistas), salpicando sus vivencias con trallazos del más puro humor negro (la noche de bodas, rodeados los recién casados por toda la corte; el protocolo a la hora de vestir a la reina, o de darle de comer, ante todo lo cual ella se muestra rebelde e inconformista), con zarpazos de vitalidad pura (las fiestas salvajes que se corre con sus amigos a la luz de la luna) y hasta con motivos románticos (su encuentro con el conde sueco Hans Axel de Fersen, sus jornadas en su casa de campo rodeada de la naturaleza más bucólica). Pero ante todo se impone una visión hedonista y libre de la vida. Se protestó por la ausencia de crítica explícita a la realeza y a la gestión de María Antonieta durante la Revolución Francesa, pero yo sí encuentro una crítica a tanto derroche y tanto lujo, si bien lo bastante sutil como para que muchos se quedaran en lo superficial.

Maria Antonieta habría sido guillotinada por extranjera y por todo lo que significaba la realeza, aunque hubiera sido una reina magnífica, cosa que no fue. Coppola se permite la inclusión de la famosa frase, muy probablemente apócrifa, de “¿tienen hambre? que coman pasteles”, como expresión de la capacidad del pueblo para malinterpretar y juzgar a sus odiados gobernantes, y no tiene el menor reparo en terminar su relato no a la muerte de su heroína, sino a su salida del Palacio de Versalles, su Arcadia particular. Por cierto que el equipo de producción dispuso de acceso sin precedentes al palacio, lo que unido a una gran reconstrucción de época, da lugar a una inmersión total en una forma de vida ya desaparecida que ahonda en lo decadente y en lo vacío como única expresión de vida, casi una burbuja al margen de la sociedad, siempre en off, que les detesta y que al poco les aniquilará, casi como dioses en el Olimpo, que serán expulsados de él. Y lo narra todo con energía adolescente, con extremo conocimiento de protocolos y sistemas internos de la corte, pero con una cámara fluida y dinámica, muy poco académica, que logra capturar instantes de gran belleza y otros de gran diversión.

Creo que Kirsten Dunst, que cada día es una muchacha más fotogénica, está magnífica como María Antonieta, pero el resto del reparto brilla a igual altura, casi sin excepciones. Aunque, sin duda, un protagonista más es el diseño de vestuario, soberbio, obra de Milena Canonero (que no en vano se ocuparía del mismo departamento en ‘Barry Lyndon’ (id, Stanley Kubrick, 1975), que ofrece un colorido, un buen gusto y un esfuerzo titánico de composición, justamente galardonado con un Oscar. La fotografía del habitual en Coppola Lance Acord, raya también a gran altura, obteniendo magníficos contrastes entre los gélidos interiores de Versalles y los fastuosos exteriores, de una luz y una vitalidad sorprendentes. Las canciones pop y la música barroca refuerzan esa vitalidad, y refuerzan la pasión de Coppola por narrar lo que nos narra, con la frescura conque lo narra.

Conclusión

Una más que interesante película, que recibió a su estreno algunos ataques bajo mi punto de vista totalmente inmerecidos, y que merece mucho la pena verla más de una vez. Dentro de poco hablaremos de una que incide, como esta, en lo decadente como forma de libetad, aunque mucho más incisiva y lúcida, y que aún recibió menos atención a la hora de su estreno. De momento quedémonos con la vitalidad de ‘María Antonieta’, y con el coraje de una directora que se niega a contar lo mismo de siempre con las técnicas y el estilo de antaño.

En Blogdecine

• ‘María Antonieta’, la historia más aburrida jamás contada (por Juan Luis Caviaro)

‘Win Win’, distribuida en nuestro país como ‘Win Win (Ganamos todos)’, es el tercer título como director en la filmografía del estadounidense Tom McCarthy, rostro reconocible gracias a su trabajo como actor en producciones tan variadas como ‘Los padres de ella’ (‘Meet the Parents’, 2000), ‘Michael Clayton’ (2007), ‘2012’ (2009) o ‘Caza a la espía’ (‘Fair Game’, 2010). Su nueva película, cuatro años después de ‘The Visitor’, viene con la etiqueta de haber sido seleccionada en Sundance y tiene ese aire al cine independiente norteamericano cuyas constantes empiezan a cansar. Me refiero a esas historias con personajes caracterizados por excentricidades que lo pasan mal por las circunstancias de la vida, y luego muy mal pues todo se va complicado por haber tomado decisiones equivocadas, hasta que llega un punto en el que todo se soluciona, porque se dan cuenta que lo diferente es bueno, que tienen otra oportunidad, y que la vida es maravillosa, acabando entre risas y abrazos. En cierta manera, la que nos ocupa es así, pero no del todo. McCarthy se acomoda más de la cuenta, pero logra un relato cargado de vitalidad, humor y amargura, divertido y serio en justa medida.

Fui al cine el pasado viernes, y me alegró ver a tanta gente haciendo cola. ¿No estábamos en el país de la piratería?, preguntaba yo a mi acompañante, que solo tenía ojos para las chucherías. Ingenuo que es uno, me apresuré a comprar las entradas, eligiendo sitio y todo. Tras una pequeña espera, la gente empezó a entrar en las salas. Y de pronto, mi pareja y yo descubrimos que éramos los únicos que íbamos a ver ‘Win Win’. Se proyectó para nosotros. Un lujo, sí, pero, ¿dónde estaban todos los demás? Ah, bueno, se estrenó ‘Transformers 3’, esa cosa. Espero que ninguno de los que fueron a verla se quejaran a la salida con frases tan habituales como “dos horas tiradas a la basura”, “Hollywood se ha quedado sin ideas”, “el 3D es una estafa” o “quiero que me devuelvan el dinero”, porque han podido elegir. Y han elegido alimentar al monstruo, a esa industria que produce películas en cadena, y que se ha vuelto tan vaga que ya ni siquiera filma persecuciones o accidentes, las recicla. Si quieres que hagan mejor cine, empieza por seleccionar mejor lo que ves.

Tom McCarthy y Joe Tiboni firman la historia de ‘Win Win’, adaptada a la gran pantalla por el realizador, que vuelve a situar la acción en su ciudad natal, Nueva Jersey. El personaje central es Mike (excelente Paul Giamatti, como de costumbre), abogado en crisis y entrenador del mediocre equipo de lucha libre del instituto, en sus ratos libres. Es un hombre estresado, agobiado por los gastos y la falta de ingresos, atrapado en una situación sin fácil arreglo y de la que no puede escapar; de hecho, se levanta temprano para correr, como un hámster que piensa que va a alguna parte haciendo girar la rueda de su jaula. En una de las primeras frases del guion, modificada torpemente por el doblaje español, una de sus hijas pregunta si Mike está huyendo de algo o de alguien. El hombre ama a su familia y le gusta lo que hace, aunque no esté dando frutos deseados, no piensa en huir, pero en cierto modo lo está haciendo. En lugar de encarar lo que está mal y de afrontar los conflictos, agacha la cabeza, sigue adelante y dejar pasar el tiempo, como si fueran a corregirse solos. Un comportamiento en el que se cae a menudo, ¿no es verdad?

Por cierto, la primera línea de diálogo de la película es: “Shit“ (“Mierda”). Y queda estupendamente porque la dice la misma niña que pensaba que su padre estaba huyendo, y aunque éste la corrige, instándola a hablar bien, tanto él como su esposa no pueden evitar soltar la misma palabra (delante de la pequeña) al afrontar sus respectivas rutina. Parecen condenados a repetir el mismo día, en una realidad que cada vez va a peor, porque todo envejece, se ensucia, se rompe y se estropea, y todo cuesta dinero. Mike cree haber encontrado una solución temporal a todos sus problemas gracias a unos ingresos que obtiene de manera fraudulenta, fingiendo que se encarga de cuidar a un cliente con síntomas de demencia senil, al que deja en una residencia. Casualmente (vago recurso de los guionistas), el nieto del cliente, Kyle (Alex Shaffer, formidable hallazgo), aparece en escena, y Mike lo acoge en su hogar, mientras resuelven la situación (es decir, mientras espera que se resuelva, y de manera provechosa para él), con la inmensa suerte de que el chico no solo está bien educado y encantado con su nueva familia provisional, sino que es un prodigio de la lucha libre. Los endebles cimientos con los que Mike está construyendo su vida feliz se derrumbarán cuando aparezca la madre del chaval.

La historia no deja de ser sencilla y previsible, con su mensaje sobre la superación personal (bien calzado, inevitable en la situación de crisis en la que nos encontramos) y la solidaridad del ser humano (que parece ser el tema central de este cineasta), no hay incoherencias, trampas, subrayados ni falsedades en el intento de McCarthy por retratar la vida y los problemas de unos personajes que resultan creíbles y auténticos, humanos e imperfectos, interpretados con mucha naturalidad por un elenco intachable (aparte de los mencionados, cabe destacar a Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor o Burt Young). El buen hacer de los actores, en la piel de roles bien definidos, evita que desentonen los aspectos más cómicos de un relato amable y optimista que, sin embargo, nunca abandona un cierto tono amargo (o realista, la escena con la que se cierra la película es un puñetazo al “happy end”), que nos recuerda que tenemos más responsabilidades de las que queremos asumir, que la vida da pocas oportunidades, y que ante todo están las personas que te rodean, sin las cuales la existencia sería todavía más triste, terrible y aburrida.

Ahora bien, el gran problema que tengo yo con esta película, y por el cual llegué a desconectar (esas veces que te das cuenta de que no estás prestando atención a lo que ocurre en la pantalla, y te cuesta volver), es el cómo. Visualmente, ‘Win Win (Ganamos todos)’ es un producto aburrido, facilón, que abusa de una realización televisiva, con mucho primer plano y plano medio, en lugar de buscar soluciones más arriesgadas o imaginativas (como la primera escena de Giamatti); da la impresión de que no se ha planificado lo suficiente la puesta en escena, quizá por falta de tiempo y/o dinero, bastando con encuadrar a los actores de manera convencional, confiando en la fuerza de la historia. Si quisiera sacar alguna conclusión apresurada diría que McCarthy se ha estancado, que ya lo ha dado todo y solo puede repetirse, y es posible, pero no quiero creerlo. No todavía. Vamos a esperar a ver qué propone con su cuatro trabajo, seguirá siendo más interesante que ver el enésimo blockbuster de 200 millones de dólares destinado a arrasar en taquilla y convertirnos en meros clientes de las marcas más poderosas.

PD: A estas alturas, McGregor todavía no ha sido candidato a un Oscar.

Vía | Lasillacómoda

De nuevo me toca contribuir a esta sección de Críticas a la Carta con otra producción de Joel Silver que nació también posiblemente como intento de franquicia. Como curiosidad, la presente tiene también en común con ‘El último Boy Scout’ que el protagonista tiene una hija de trece años --ambas actrices han continuado sus carreras en el cine y la televisión-- y la acción como base, así como algún intento de sarcasmo en sus diálogos. Las diferencias son claras: si bien ‘Commando’ (íd., 1985) está rodada con peor gusto y la diferencia de sus intérpretes es abismal, se centra mucho más en su trama y va al grano desde el inicio, consiguiendo un ritmo trepidante y gran diversión.

Arnold Schwarzenegger protagoniza esta película de Mark L. Lester que está basada en un guion de Steven E. de Souza, que parte de un argumento suyo, de Matthew Weisman y de Joseph Loeb, un guionista de cómics, famoso por sus colaboraciones con Tim Sale y por la serie ‘Héroes’. La mayor ventaja de la película es que apenas cuenta con planteamiento, pues presenta el primer giro de inflexión enseguida y su nudo es sumamente directo, para llegar inmediatamente al desenlace. El protagonista, sometido a una cuenta atrás que él mismo programa en su reloj, no puede hacer pausas en su investigación y esto precipita a la película a una entretenida espiral de persecuciones, peleas y todos los demás deleites que un film de acción debe incluir.

Importantes nombres en apartados técnicos

Seguimos hablando del equipo técnico para recalcar que no se trata de nombres de segunda categoría, a pesar de que el resultado lo aparente. La banda sonora musical, que puede ser lo más trasnochado e infumable de la película, resulta ser de James Horner. Y la fotografía y los encuadres, nada afortunados, los firma Matthew F. Leonetti, que tiene en su currículum cintas más logradas, como puedan ser ‘Morir todavía’, ‘Días extraños’ o ‘El efecto mariposa’. No negaremos que en ‘Commando’ se hallan detalles curiosos, como por ejemplo, el reflejo en el hacha o los planos de bíceps con casquillos saltando. Leonetti es un experto en acción y ha intentado crear algo de impacto. Cuestiones como que se note el cambio por el especialista en escenas de saltos o que el recorte de su rostro contra el fondo cuando viaja en avión sea muy evidente, me parecen menos importantes --quien se interese por este tipo de pifias las puede encontrar aquí--.

El único apartado técnico donde aprecio que se ha hecho un buen trabajo es el de montaje. No en vano son tres los montadores que firman la versión final, contándose entre ellos el gran Mark Goldblatt --experto en cine de acción, que también montó ‘Rambo’ y fue presidente de la asociación de montadores--. La película tiene mucho dinamismo y las peleas y otras escenas de acción están compuestas con garra, sin pudor, con algunos cortes que hoy en día serían sonrojantes, pero que lo supeditaban todo al efectismo voluntariamente. No siempre encontramos buenas transiciones entre planos, pero el hecho de que la película dure hora y media escasa y no tenga tiempo para aburrir es, probablemente, merced de los montadores.

El personaje de John Matrix

La presentación del personaje de Schwarzenegger, llamado John Matrix --la película de los Wachowski también es de Joel Silver-- no tiene desperdicio: antes de ver su rostro, apreciamos sus músculos y también sus botas --a las que se les harán más planos detalle más adelante, lo que me hace pensar en un product placement--. Finalmente, aparece de cuerpo entero este Míster Universo y se sitúa bajo un rayo de sol para tapar el flare que hacía la cámara. Detenido un segundo, posando si razón aparente, deja que lo admiremos. Matrix corta troncos --«he’s a lumberjack and he’s OK»-- y los carga con la misma facilidad con la que Obelix transporta menhires, para calentar su bucólico refugio en el que se esconde junto con su hija, dando de comer a cervatillos y leyendo el equivalente al Superpop.

Queda claro que se quiere hacer hincapié sobre este hombre como un héroe. Las frases de uno de sus antiguos superiores: «si él está vivo, encontraremos muchos más cadáveres» o «de él espero la tercera guerra mundial» e incluso las que él mismo pronuncia: «sabrás que he llegado porque se desatará un infierno»... se introducen sin vergüenza para aumentar la mítica del protagonista.

Matrix resulta ser un forzudo, con capacidades cercanas a las de Hulk: puede arrancar una cabina telefónica del suelo o un asiento de un vehículo y dar la vuelta al coche sin esfuerzo. Su forma de pelear va también en esta línea, casi como si nos encontrásemos en un film humorístico, del estilo de los de Bud Spencer o en un dibujo animado: lanza a los contrincantes en manojos por los aires y pega puñetazos a diestro y siniestro. Con las armas de fuego no es menos hábil, pues su puntería es excelente y siempre está a punto para disparar con el arma adecuada.

La actitud de John es desenfadada y sobrada, como lo era la que comentábamos del personaje de Bruce Willis en ‘El último Boy Scout’ e incluso hay momentos en los que se intenta que los diálogos tengan el mismo tipo de humor negro y sardónico. Sin embargo, Schwarzenegger no está capacitado para esos gestos irónicos. Lo que sí tiene este personaje que no tenía Joe Hallenbeck es esa capacidad para tomar decisiones que demuestran su resolución, como lanzar el coche cuesta abajo para perseguir a los malos, a pesar de carecer de motor, o escapar del avión en marcha como quien no quiere la cosa.

Secundarios

En el bando de los buenos, además de al protagonista, encontramos personajes femeninos. Está Alyssa Milano --que en 1985 tenía trece añitos, pero que en la película aparenta muchos menos, probablemente porque el rodaje es anterior-- en el papel de la hija de Matrix, una niña muy espabilada, que ya va demostrando que ha salido a su padre. Rae Dawn Chong es un buen personaje, al que se le reservan muchas de las frases míticas de la película, como «I can’t believe this macho bullshit» («No me puedo creer todas estas chorradas de machitos»), pero cuya decisión de acompañar a Matrix una vez su coche ha quedado siniestro total debería haberse justificado mejor.

En el bando de los malos es donde se encuentran los personajes más ridículos, como el psicópata interpretado por Dan Hedaya, que intenta hacer de latinoamericano sin idea de español o, siquiera, de cómo pronunciar los nombres propios que le han tocado en el guion, como Velázquez. Por cierto, que la presentación del país donde se va a producir el atentado --Val Verde, país inventado para sustituir Israel, que era la primera opción en el guion, y evitar así problemas políticos-- resulta de lo más incorrecta, ya que en la acera frente al aeropuerto hay personas sentadas en el suelo asando comida y vendiendo productos. La expresion «tercermundista» se quedaría corta para este retrato.

Vernon Wells, como Bennett, con un vestuario y un bigote que habrían avergonzado a Freddie Mercury, recalca una crueldad de pega con la que los autores intentan que suponga una amenaza mayor contra Matrix, pero sin lograr dar el más mínimo miedo. Los fans sostienen que el personaje está enamorado de Matrix, por mucho que Lester lo haya negado en los comentarios del DVD, aduciendo «que es el soldado más masculino que te podrías imaginar». Sully (David Patrick Kelly), con su traje que afortunadamente, pasó de moda en seguida, se introduce como el alivio cómico, pero existen otros incluidos sin esa intención que despiertan la mofa mucho más.

No habrá secuelas

Este personaje podría haberse convertido en un nuevo Rambo --ambos se llaman John-- y sus aventuras podrían haber supuesto una franquicia igual de beneficiosa. En 1986, de Souza había escrito una secuela, basada en la novela ‘Nothing Lasts Forever‘, de Roderick Thorp, que luego reescribió Frank Darabont. Pero cuando se la propusieron a Schwarzenegger, éste ya se había convertido en el actor más famoso del planeta y rechazó regresar al personaje de Matrix. Y todos nos alegramos de estas decisión, ya que, tras muchas reescrituras, ese guion se convirtió en lo que hoy es ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), de John McTiernan.

En resumen

No diría que ‘Commando’ es una buena película, debido a su factura imperfecta y a determinados detalles hilarantes que no buscaban intencionadamente el humor. Sin embargo, como cinta de acción supone una opción más que válida, gracias a su ritmo argumental en el que no dejan de pasar cosas y en el que la acción no se detiene con escenas sentimentales o de extensos diálogos.

Ruegos y peticiones para la próxima entrega de Críticas a la carta en los comentarios a esta entrada. El film que obtenga mayor clamor popular será el siguiente en ser reseñado.

Mi puntuación: