Imagino que John McClane, el protagonista de la saga de ‘Jungla de Cristal’, tendrá bastantes fans entre los lectores de esta página. El hecho de que quizá sea el mejor héroe de acción del cine moderno, lanando muy merecidamente a la fama a Bruce Willis, sin duda ayudará mucho a ello. Sin embargo, ya ha llovido mucho desde el estreno de la primera entrega en 1988, y 24 años sólo son algo que Chuck Norris pueda soportar sin mostrar el más mínimo síntoma de envejecimiento. En 2007 fue cuando se estrenó ‘La jungla 4.0’, la que parecía que podía ser el canto de cisne para la franquicia, pero los 383 millones que recaudó la convirtieron en la más exitosa de la taquilla (aunque también fue la más cara). Yo noté bastante la ausencia de John McTiernan (aún está por aparecer algún director moderno que se desenvuelva tan bien en este género como él), pero lo cierto es que fue un entretenimiento más que digno pese a decisiones absurdas como censurar la famosa frase característica del protagonista para así ser la única de las cuatro películas que no recibió un calificación R en USA, lo cual resta bastante público potencial.

La idea de una quinta entrega ha estado sobrevolando varios años, y si en la cuarta parte conocimos a la hija de McClane, ahora le llega el turno al hijo. Hace varios meses se filtraron varios nombres como posibles candidatos: Aaron Paul, James Badge Dale, Paul Walker y Milo Ventimiglia. Mi favorito, de largo, era Paul, el cual ha demostrado lo grandísimo actor que es en la estupenda serie ‘Breaking Bad’, pero al final la cosa ha estado entre Liam Hemsworth (protagonista de ‘Los juegos del hambre’) y Jai Courtney, uno de los protagonistas de ‘Spartacus: Sangre y arena’ (no, no es el protagonista, algo bastante difícil, ya que falleció recientemente). Se ve que al final ha pesado más el contar con un hijo musculoso, algo que nunca ha definido a McClane. En fin, imagino que habrá que tener contento a cierto tipo de público, el cual valorará mucho la idea de poder verle con el torso desnudo.

El director elegido para rodar ‘A Good Day to Die Hard’ es John Moore, algo que tampoco inspira mucha confianza, ya que es, entre otras, el responsable del remake de ‘La profecía’. Del argumento poco se sabe aparte de que padre e hijo no se llevan precisamente bien, pero se ven forzados a trabajar juntos para solucionar la amenaza que aparezca en este ocasión. Aún no se sabe quién interpretará al villano de la función, pero tengo mis dudas sobre que consigan superar a los que interpretaron Alan Rickman y Jeremy Irons en la primera y tercera parte (curiosamente las que dirigió McTiernan). ¿Se os ocurre alguien?

PD: Os dejo un genial vídeo musical que resume y homenajea al mismo tiempo al gran John McClane. Es un personaje tan memorable que, pese a las múltiples dudas que tengo sobre el proyecto, veré esta quinta entrega tan pronto como me sea posible, ¿y vosotros?

Vía | Collider

Ya ha aparecido en Internet un nuevo tráiler de ‘Ira de titanes’ (‘Wrath of the Titans’), solo dos meses después del primero. Como sabéis, se trata de la segunda parte del remake de ‘Furia de titanes’ (‘Clash of the Titans’), aquella película de 2010 que fue un éxito de taquilla a pesar del estúpido guion, las malas interpretaciones y el timo del 3D. Pero somos así, nos encanta el cine-basura. La secuela se estrena el 30 de marzo. Y hay que reconocerlo, el tráiler es muy espectacular. Huele a triple hamburguesa con aceitoso bacon y queso cheddar… hummm.

¿Hay alguna esperanza de que ‘Ira de titanes’ vaya a ser mejor que ‘Furia de titanes’? Posiblemente no. Un punto a su favor es que ya no dirige Louis Leterrier; el problema es que el sustituto es Jonathan Liebesman, cuyo último trabajo es la mediocre ‘Invasión a la Tierra’ (‘Battle Los Angeles’). Los guionistas tampoco repiten, los nuevos son Dan Mazeau y David Leslie Johnson; la mala noticia es que el segundo escribió ese engendro titulado ‘Caperucita Roja: ¿a quién tienes miedo?’ (2011). En cuanto al reparto hay pocas novedades, y es de esperar que los efectos visuales neutralicen cualquier atisbo de actuación, por lo que daría absolutamente igual que la protagonizara Nicolas Cage o Daniel Day-Lewis. No notaríamos la diferencia.

En ‘Ira de titanes’, los dioses están perdiendo su poder y Zeus debe pedir ayuda a Perseo para que intente evitar que Kronos, padre de Zeus, Hades y Poseidón, escape del Tártaro y destruya a la humanidad (otra vez en peligro, ¿qué os decía?, no dejan de salvarnos). Sam Worthington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Danny Huston, Bill Nighy, Rosamund Pike, Édgar Ramírez y Toby Kebbell encarnan a los personajes principales de la película. ¿La vais a ver?

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PD: En un principio se contaba con Gemma Arterton y Alexa Davalos pero otros rodajes lo impidieron; Pike sustituye a Davalos en la piel de Andrómeda y el personaje de Io quedó fuera del guion (corrigiendo así una de las mayores tonterías del primer film).

Este mes de febrero nos ha llegado ‘3’ (‘Drei’, 2010), la penúltima película como director de Tom Tykwer --recordemos que la última, ‘Cloud Atlas’, está codirigida con los hermanos Wachowski--, que ya data de hace dos años. Como siempre, la querida distribución española dando que hablar. Afortunadamente, alguien con neuronas en semejante grupo se ha acordado de la película y en una operación sin precedentes de inteligencia, ha decidido estrenarla en nuestro santo y cultural país; eso sí, en muy pocos cines, no nos vayamos a emocionar y pensemos que la distribución cinematográfica en España ha dejado de lado los prejuicios y tiran la casa por la ventana. Pero vayamos al grano, que si no me caliento y luego me gano adjetivos por decir la verdad. Tykwer se había codeado con el cine americano en sus últimos films, realizando a mi juicio la que es su mejor película, ‘El perfume’ (‘The Perfume: The Story of a Murderer’, 2006).

El regreso a su Alemania natal nos ha devuelto al Tykwer que todos conocimos con películas como ‘Corre, Lola, corre’ (‘Lola rennt’, 1998), lo cual ha alegrado a un buen número de cinéfilos. En mi caso, no creo que Tykwer sea ese gran autor que muchos quieren ver, salvo en el film con Dustin Hoffman --y entre otras cosas porque adaptar la obra de Patrick Süskind, uno de los grandes proyectos no realizados de Kubrick, era una empresa harto difícil--, y aunque no encuentro un sólo título malo en su filmografía, muy pocos tienen el desarrollo o profundidad que aparentan. En cualquier caso ‘3’ es un retorno a los orígenes, y en ella se nos habla de la fugacidad de la vida, de la importancia de la libertad sexual, y de la confianza; un triángulo amoroso servido con detalle --Tykwer jamás podría haber hecho esta película en Estados Unidos--, aunque menos trascendental de lo que pretende y con poco espacio para la reflexión.

En el final de ‘Eyes Wide Shut’ (id, Stanley Kubrick, 1999) el personaje interpretado por Nicole Kidman resumía con una sola palabra la solución a los problemas de pareja: follar. De esa forma el cineasta de New York culminaba sin quererlo su filmografía. Una acertada propuesta y reflexión al mundo de la pareja por mediación del acto más extendido y prostituido del ser humano, sin duda el más íntimo, el más verdadero, el más sincero. En ‘3’ Tykwer propone casi lo mismo cambiando evidentemente la procedencia de los problemas, por así llamarlos, narrando una historia de infidelidad doble con un elemento común denominador. Hanna y Simon son una pareja que lleva junta 20 años, la rutina ha hecho mella en ellos de forma poderosa, hasta que por separado conocen a Adam, un hombre bisexual de existencia libre y sin compromisos, que despierta en ellos un hambre voraz por el sexo.

En lo que respecta al triángulo amoroso, que contiene escenas de sexo no explícitas, pero sí muy atrevidas, y también necesarias, no hay nada que objetar. Todo funciona a la perfección y es donde Tykwer alcanza las cotas más altas. Se entiende perfectamente la obsesión por separado de Hanna --una muy entregada Sophie Rois, en un papel bastante difícil, y que no cualquier actriz estaría dispuesta a hacer--, y de Simon --Sebastian Schipper también en un rol difícil, el cual además sufre mayor evolución que el resto, y también el que posee más subtramas-- con respecto a Adam --un muy natural Devid Striesow--, y la relación de los tres se debate entre la comedia muy, muy sutil, lo íntimo y lo idílico. La forma que Tykwer tiene de narrarlo todo es realmente ejemplar, con cuidada atención hacia el especiao entre los personajes. Sirva como ejemplo el inesperado encuentro en el museo o el encuentro final, con el que Tykwer termina de cerrar el triángulo con un movimiento circular de cámara que simula un microscopio con el que ha examinado la relación.

El problema de ‘3’ es que simplemente expone una situación. Las reflexiones posteriores, las inquietudes de los personajes, la supuesta profundidad de lo expuesto no aparece por ningun lado. También la acción tarda algo en arrancar, cuando Simon entra en el juego y se establece el primer punto de inflexión y el verdadero conflicto. Todo lo que deriva del personaje de este último, esto es, la relación con su madre o el cáncer de testículo --atención al instante de extirpación del mismo, en el que Tykwer no se corta lo más mínimo-- no están exentos de interés por sí solos, pero realmente no aportan nada a la trama central. Hacen que la película dure más de la cuenta, aunque esta en ningún momento llegue a aburrir, pero quita tiempo a Tykwer de profundizar en algunas cosas. A cambio, llena de paja la película y opta por la sencillez en muchos de sus tramos. Sencillez que se puyede traducir como claridad narrativa.

Porque tal vez a Tykwer no le interesan las complicaciones. Si nos fijamos en el inicio del film, la metáfora de los dos cables de alta tansión simulando la vida en pareja de dos personas mientras una voz en off (Simon) la describe desde su nacimiento hasta su muerte, es una perfecta declaración de intenciones. Hay algo en el triángulo amoroso/sexual de ‘3’ que me fascina, cada uno a su manera encuentra algo por lo que recuperar la ilusión, esa que cada día va matando la vida. Y lejos de resultar dogmático o sentenciar, Tykwer lo deja todo en manos del espectador, apostando por cierto realismo mágico que funciona a ratos. La respuesta para los protagonistas de ‘3’ está en el sexo. Libre, puro, sin prejuicios, compartido --la escena final es algo más que atrevida en ese aspecto--, auténtico, y sobre todo enormemente placentero. Qué irónico resulta que del acto que más placer proporciona al ser humano pueda nacer una vida cuyo principal destino será sufrir, morir.

Bueno, no es gran cosa, pero al menos es un póster que podemos mirar. Tres meses después de que Columbia Pictures nos intentara dejar ciegos con los primeros carteles de ‘Men in Black 3’, ya circula por Internet uno nuevo más convencional, donde nos anuncian claramente que la película se podrá ver en 3D. Que nadie lo dude. Se estrena el 25 de mayo, también en 2D e IMAX. Un poco pronto teniendo en cuenta que solo hemos visto un teaser tráiler, ¿no? Es un caso parecido al de ‘Dark Shadows’, que también llegará a los cines en mayo y todavía no se ha distribuido ni siquiera un cartel. Raro en estos tiempos, de otras producciones tenemos un tráiler y un cartel antes incluso de que terminen de rodar…

Will Smith, Josh Brolin y Tommy Lee Jones encabezan un reparto en el que también figuran Emma Thompson, Alice Eve, Rip Torn, Jemaine Clement, Bill Hader y Michael Stuhlbarg, entre otros. El director de las dos entregas anteriores, Barry Sonnenfeld, se ocupa de la puesta en escena de ‘Men In Black 3’, en cuyo guion han trabajado Etan Cohen, David Koepp, Jeff Nathanson y Michael Soccio (mala señal que tantos guionistas hayan estado implicados). En esta nueva aventura, el agente J viaja al pasado para encontrar a la versión más joven del agente K y poder así resolver una complicada misión en la que está en juego no solo sus vidas y la agencia de los hombres de negro sino también el futuro de la humanidad. Qué pesados los norteamericanos, siempre poniendo en peligro el planeta… La segunda parte de ‘Men in Black’ me aburrió pero supongo que iré a ver esta tercera, solo por los actores, porque de Sonnenfeld ya no espero nada. Y menos aún cuando he leído unas recientes declaraciones donde se compara con Truffaut y reconoce que empezaron a filmar sin tener resuelta la historia, razón por la cual tuvieron que paralizar la producción durante meses. Veremos cómo responde el público, huele a fracaso.

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PD: El último estreno protagonizado por Smith fue ‘Siete almas’ (‘Seven Pounds’, 2008).

Vía | Comingsoon

Estoy convencido de que la práctica totalidad de los lectores de esta página sienten una gran pasión por el séptimo arte. Puede que no pase por su mejor etapa y que cada vez abunden más producciones manufacturadas que ni siquiera consiguen satisfacer el mínimo exigible de servir como entretenimiento, pero siempre tendremos la fe de encontrar de vez en cuanto una película que nos remueva por dentro, recordándonos los motivos que nos llevaron a amar el cine. Resulta curioso que hayan coincidido en el tiempo dos propuestas en las que este sentimiento resulta esencial para entender su mera existencia. La primera de ellas es ‘The Artist’, la cual ya todos habéis tenido la ocasión de ver, y la segunda es ‘La invención de Hugo’, que al fin estrena este próximo viernes en los cines de toda España.

Por su parte, hay unos cuantos cinéfilos que no están demasiado convencidos con el rumbo que lleva la carrera de Martin Scorsese en los últimos tiempos, en especial porque echan de menos esa fuerza característica de sus primeras obras, algo que es cierto que ha ido desapareciendo con el paso del tiempo. Sin embargo, esta alusión me recuerda mucho a esa afirmación que decía que la peor película de un autor siempre estará por encima de la mejor de alguien que no lo es, ya que parece que sea la única excusa para relativizar los logros de sus cintas posteriores a ‘Casino’. Lo cierto es que su carrera no ha mostrado el más mínimo síntoma de agotamiento, demostrando una gran capacidad para oscilar entre propuestas con un mayor clasicismo formal (‘El aviador’) y otras donde la modernidad (‘Infiltrados’) se apropiaba de un género al que él se había acercado de forma más sosegada en el pasado. Además, resultaba poco probable la idea de que ‘La invención de Hugo’ pudiera ser ese traspiés, pero ¿hasta qué punto nos encontramos ante otra buena película de Scorsese o algo más?

En ‘La invención de Hugo’ cohabitan dos películas: Comienza como una fábula infantil en la que un huérfano se agarra a una última esperanza para no dejar atrás la memoria de su padre. Aquí estamos ante una trama que, sobre el papel, no se diferencia en demasía en el fondo de la que cuenta ‘Tan fuerte, tan cerca’, otra de las nominadas a mejor película en los Oscar, ya que aquí el niño busca desesperadamente una llave para lograr que el autómata que le dejó su padre funciona, mientras que allí es la llave lo que tiene el chaval, pero debe encontrar lo que abre. Caminos paralelos que en la forma demuestran lo mucho que una película es esclava de cómo se cuenta el relato: En la última cinta de Daldry, el protagonista infantil resulta repelente y el tono que se imprime a la historia roza lo vergonzoso en su intento de aprovechar el trauma del 11 de septiembre de 2001 con fines lacrimógenos, mientras que en la película que nos ocupa, la ausencia del padre funciona a modo de sencillo recordatorio de la felicidad pasada, no para restregar la tristeza actual.

Scorsese no quiere forzar el llanto del espectador, sino que esta primera historia es un señuelo de lo que está por llegar, pero ojo, no te deja con la sensación de ser una estafa para llegar a lo realmente importante. Aquí, la infatigable búsqueda infantil está perfectamente relacionada con lo que le sigue, formando un perfecto complemento en el que la necesidad de superar traumas pasados se supedita a un canto de amor al séptimo arte (de lo cual se hablado mucho cuando es mejor descubrirlo por uno mismo al verla). Al respecto se debe decir que John Logan, guionista de ‘La invención de Hugo’, ha acertado de pleno a la hora de adaptar la novela de Brian Selznick, ya que ha naturalizado más la relación entre los dos protagonistas infantiles, ya que la desconfianza del original literario, aunque más realista, hubiese afectado sobremanera a la empatía emocional por parte del espectador. Sí, el joven Hugo Cabret está pasando por una situación penosa, pero eso es algo que el espectador descubre sólo con ver dónde vive y qué tiene que hacer para alimentarse, pero su transformación posterior está mejor lograda en la película, donde el idealismo de Hugo se superpone a cualquier otro elemento. En el libro no se logra la misma naturalidad en el cambio, que es lo que, a fin de cuentas, realmente importa.

No es mi intención hacer una comparación pormenorizada con el agradable original literario, pero sí hay que matizar que la película está varios niveles por encima. ¿Los motivos? Logan sabe ser fiel a la esencia literaria, llegando a contar con varias escenas que prácticamente están calcadas de la novela, pero no le ha temblado la mano a la hora de potenciar personajes secundarios (el inspector de la estación apenas tiene relevancia en el libro) y crear o eliminar otros. Todo ello con dos objetivos claros: Potenciar la necesidad de ellos de superar un trauma, pero haciéndolo de forma elegante, casi mágica. Es aquí donde surge la debilidad potencial de ‘La invención de Hugo’, ya que son varias las personas que acusan a la película de aburrida, siendo esto resultado del hecho innegable de que estamos ante una obra que podría calificarse de bonita, es decir, elaborada para hacer sentir bien al espectador. ¿Qué hay de cierto en ello? Todo y nada, ya que, como cualquier otra, ‘La invención de Hugo’ demanda la conexión emocional del espectador con unos protagonistas quizá demasiado idealizados, pero que, a nivel de guión, funcionan como un perfecto mecanismo de relojería.

Si hay algo que pueda fallar del guión es la posibilidad de sentir que la magia que desprende la película está forzada, demasiado prediseñada en su guión para atrapar el corazón del espectador común, pero es aquí donde aparece Scorsese para relativizar este hecho: Decir que ‘La invención de Hugo’ roza la perfección a nivel técnico sería quedarse cortos, porque estamos ante una obra en la que no falla nada a ese nivel. Empezando por el excelente uso de la banda sonora de Howard Shore para llevar un poco más allá el tono a mitad de camino entre lo mágico, lo melancólico y lo singular, o la titánica reconstrucción del París de la época, pero todo ello puesto al servicio de un Scorsese que controla a la perfección el tempo de la historia, a la vez que no deja que los millones invertidos acaben comiéndose la vertiente sentimental e la historia.

Hablar de virtuosismo tras las cámaras podría sonar desacertado al estar asociado a un protagonismo total de la puesta en escena, pero es que Scorsese sabe serlo a través de la dosificación: ‘La invención de Hugo’ comienza y acaba en forma de travelling. El primero para situarnos en la estación donde vive el protagonista y el segundo para mostrar la situación actual de todos los personajes que nos han ido presentando. El manejo de la cámara en ambas escenas no tiene que envidiar nada al de cualquier muestra de maestría formal, pero Scorsese es consciente de que esta película debe funcionar por lo que cuenta, así que su genio va apareciendo aquí y allá (sólo diré una cosa: hojas sobrevolando en una habitación), siempre sabiendo aprovechar la habitualmente cansina tecnología del 3D para deslumbrar al espectador sin distraerte de lo importante. Scorsese demuestra al mismo tiempo humildad y lo gran director que es.

El apartado interpretativo también sobresale con fuerza, empezando por ese gran cierto de casting que es el (por ahora) poco conocido Asa Butterfield como un Hugo capaz de transmitir determinación a través de su voz, mientras que sus ojos evidencian esa debilidad interior que está padeciendo. Por su parte, Chloë Grace Moretz sabe dejar atrás a la invencible Hit-Girl de ‘Kick Ass’ para ser una convincente joven con un ansia de aventura que va a verse saciada por la necesidad de Hugo de hacer funcionar al misterioso autómata. Además, ambos introducen con brillantez la fascinación inicial ante el descubrimiento del medio cinematográfico, algo que Selznick no acertaba a hacer antes de dar paso a la segunda mitad del libro. Este hecho es decisivo para fortalecer los lazos entre ambos sin caer en errores habituales como querer resaltar un posible interés amoroso, algo que hubiese jugado muy en contra de la película.

Los intérpretes adultos también realizan su trabajo con suma eficacia. Desde un fugaz Jude Law, como el padre de Hugo, hasta un estupendo Ben Kingsley, que da vida a un juguetero con el que el protagonista tiene varios problemas, pasando por Christopher Lee y su rol como transmisor de sabiduría, pero quiero pararme un momento a destacar el trabajo de Sacha Baron Cohen. ¿El motivo? Juega con uno de los personajes más problemáticos, ya que es al mismo tiempo un alivio cómico y el único personaje con una orientación claramente negativa (si atrapase a Hugo, lo enviaría en un abrir y cerrar de ojos a un orfanato), siendo la práctica totalidad de ello una creación del guionista. Algunos temerán que el protagonista de ‘Borat’ contagie a ‘La invención de Hugo’ con el tipo de humor que le lanzó a la fama, pero no temáis, ya que no es el caso. Y es que el inspector de la estación es otro personaje herido (de forma explícita en este caso) incapaz de superar su trauma e intentar iniciar un romance con la florista del lugar (aquí sí hay que decir que ese personaje, interpretado por Emily Mortimer, no está del todo bien perfilado). El reto de transmitir al mismo tiempo fragilidad, patetismo cómico y autoridad es salvado con éxito por un Sacha Baron Cohen que debería haber sido nominado al Oscar por un papel mucho más complicado de lo que aparenta.

En definitiva, ‘La invención de Hugo’ es una película estupenda, pero algunos pequeños detalles impiden que podamos hablar de una obra maestra. Scorsese consigue combinar con maestría la fábula infantil con una preciosa declaración de amor al cine, contando para ello con un apartado técnico que roza la perfección. Además, la utilización del siempre problemático 3D resulta acertada (aunque no genial) y permite que varios momentos brillen con luz propia. Todo ello coronado por un reparto que da lo mejor de sí mismo (espero que Asa Butterfield no acabe formando parte de la larga lista de niños actores que se acaban echando a perder) y una preciosa y efectiva banda sonora que pone la guinda final. Hay que verla, y a poder ser en una sala de cine, para así volver a ser conscientes de la grandeza que puede tener ese simple hecho.

Nombres como los de Eduard Fernández, Ricardo Darín, Alberto San Juan, Luis Tosar, Javier Cámara, Eduardo Noriega, Candela Peña, Leonor Watling y Clara Segura encabezarán el cartel de ‘Una pistola en cada mano’, la nueva película de Cesc Gay y de su habitual colaborador, Tomàs Aragay. La grabación en HD, que se está desarrollando en cinco fases, comenzó en Barcelona en noviembre de 2011 y no finalizará hasta mayo de este año. Marta Esteban produce para Imposible Films. El proyecto cuenta con la colaboración del ICIC y del ICAA, y con la participación de TV3 y TVE.

La cinta se describe como una “radiografía de los hombres de hoy en día que gustará mucho a las mujeres”. El sexto largometraje de Gay (‘En la ciudad’, ‘Krampack’) se define como un retrato en clave de comedia, irónico, emocional y sin compasión, sobre la vida sentimental de unos hombres, y de algunas mujeres, que se encuentran perdidos y confusos, en busca de una nueva identidad. Se trata de un filme coral, que se estructura en cuatro cortos, a partir de distintos encuentros, algunos de ellos provocados por el azar, entre sus diferentes protagonistas. “Es una comedia de humor seco, a veces cruel, pero llena de ternura y emociones”, según la definió el realizador.

En una entrevista, Ricardo Darín declaraba que “He tenido la suerte y el privilegio de poder trabajar mano a mano con Luis Tosar, que no sólo es un actor al que admiro muchísimo, sino que también es un amigo al que quiero muchísimo”. El argentino confesó que, tanto para él como Tosar, resulta sumamente difícil, pero satisfactorio rodar este tipo de películas episódicas. “Cuando uno tiene la oportunidad de hacer un largometraje, que son 120 o 100 páginas de un guion, tiene una preparación adecuada para tamaña responsabilidad. En este caso se trata de una historia corta. En términos técnicos, con Luis teníamos sólo una oportunidad, una sola situación, donde teníamos la posibilidad de contar la historia de estos personajes de principio a fin. Entonces el nivel del desafío se multiplicaba”.

Hace unos días se anunció que Gay recibirá en el Festival de Cine Español de Málaga, que se celebrará entre el 21 y 28 de abril, el Premio Eloy de la Iglesia, dirigido a creadores que se caracterizan por la búsqueda de un cine personal e innovador. Según el certamen, se trata de un cineasta que radiografía los sentimientos con una mirada contenida, sincera y delicada para mostrar las cuestiones que preocupan íntimamente a su generación. La constante de su obra es la sencillez con la que sabe retratar a sus personajes como adolescentes que se descubren, veinteañeros con prisas, treintañeros con dudas o cuarentones en crisis.

Vía | Cine por la Red.

La primera entrega de ‘American Pie’ es recordada con mucho cariño por aquellos que andábamos por la adolescencia cuando se estrenó allá por 1999. Hasta recuerdo que pude verla en una extraña sesión doble con ‘Eyes wide shut’ (era un adolescente un poco bipolar, sí). La cuestión era que no iban a dejar pasar la oportunidad de aprovechar su éxito y llegaron a hacerse otras dos secuelas respetando, salvo alguna baja puntual, el reparto de la primera entrega. Luego todos ellos quisieron terminar de probar fortuna por su cuenta, mientras que los productores ansiosos de beneficios fáciles siguieron rodando secuelas como quien bebe agua (yo no me atreví a ver ninguna). Habrá que ver si se hace alguna referencia a esas secuelas en ‘American Pie: El reencuentro’, ya que en ellas sí que aparecía Eugene Levy, es decir, el padre del protagonista de las tres primeras entregas. Sin embargo, dejémonos de lios y entremos en lo importante, y es que hace unos horas ha visto la luz el tráiler definitivo de esta película, y hace ya mucho que pudisteis ver el primer avance.

‘American Pie: El reencuentro’ toma como base algo tan común en USA como son las reuniones varios años después de alumnos de instituto que se graduaron al mismo tiempo. Así es como se ve quién ha acabado triunfando y quién lleva una vida más mediocre. Eso sí, en la cinta que nos ocupa no será más que una excusa cualquiera para volver a reunir a los protagonistas de la primera entrega y que nos hagan reír durante un rato, aunque en esta ocasión el elemento nostálgico también jugará un papel importante en la ecuación. Como era de esperar, la práctica totalidad del reparto original reaparece, es decir, podremos volver a ver a Jason Biggs, Alyson Hannigan, Seann William Scott (su Stifler sigue siendo lo más recordado de la franquicia), Tara Reid, Mena Suvari, Chris Klein, Thomas Ian Nicholas, Jennifer Coolidge, Natasha Lyonne, Shannon Elizabeth y, cómo no, Eugene Levy. Lo que sí cambie es el director, ya que en esta ocasión toman las riendas Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg en sustitución de Paul Weitz.

PD: ‘American Pie: El reencuentro’ se estrena el próximo 6 de abril en USA, mientras que en España se ha retrasado el mismo y tendremos que esperar hasta el 4 de mayo para poder verla. Para haceros más llevadera la espera os dejo también el tráiler español de la película, diferente al que ha visto la luz hoy. Yo tengo ganas de verla y echarme alguna risa ¿Y vosotros?

Vía | Collider