No sabía yo que habían acudido miles de periodistas a la Berlinale a aplaudir películas convencionales, a emocionarse con chistes dignos de películas de sobremesa. Pero así están las cosas. Imagine el lector que vamos a la entrega del premio Cervantes, y los periodistas, críticos literarios, se ponen a defender libros best-seller claramente inferiores a buenas muestras de literatura. Pues eso es lo que está pasando, más o menos, en este gran certamen de cine. Como al contrario que otras webs que hablan de la Berlinale sin estar aquí (y que no citan sus fuentes), Blogdecine sí está presente, yo estoy aquí, y puedo contar lo que veo todos los días.

Y lo que veo es que los periodistas, que en principio se debe esperar que fueran expertos en cine y en arte, se contentan con poco, se ríen con lo primero que les dan, se hacen los dignos con un cine más exigente que no tienen el menor interés en profundizar, y pasan por aquí como si alguien les debiera algo, en muchos casos. Yo creo, corríjame el lector si me equivoco, que las condiciones que los programadores de la Berlinale (en sección oficial, el resto no puedo ir a verlas), deberían primar, son tres, y son las siguientes:

• 1. Que los autores de las películas sean valientes. Es decir, que no hagan un cine convencional, si no que se arriesguen, que se mojen, que se expriman la creatividad.

• 2. Que las películas tengan algún interés formal. O sea, que ofrezcan algo más que un “plano/contraplano” o la clásica presentación “plano general, planos cortos”.

• 3. Que tengan algo de autoría. Pueden ser autores estrella, o autores desconocidos. Pero que tengan personalidad.

En algunas películas, no vemos ni rastro de estas tres condiciones indispensables. Y en las dos primeras películas de hoy, que han sido muy aplaudidas, tampoco.

‘Shahada’ y ‘The Kids Are All Right’, cine convencional, conservador, sin el menor interés

La Shahada es el tradicional rezo musulmán, uno de los cinco pilares del Islam, que dice: “No hay más dios que Dios, Muhammad es el mensajero de Dios”. Y es el título de la película alemana que vimos a primera hora de la mañana, dentro de la sección oficial a concurso. Es un intento de melodrama en el que varios personajes, pues es un filme coral, se enfrentan a su fe en oposición a sus deseos y su vida diaria. Dejando a un lado el poco respeto que merecen unos personajes que permiten que una secta (como la católica o la judía) les dicte absolutamente todo en el proceder de sus vidas, y que es imposible, por tanto, una conexión emocional, la peliculita no tiene el menor interés.

Al modo de un ‘Vidas cruzadas’, o un ‘Magnolia’, aunque con bastantes menos personajes y muchísimo menos talento que Robert Altman o Paul Thomas Anderson, el director Burhan Qurbani pretende ofrecer un mosaico que se antoja endémico a todas luces, forzado, muy poco creíble. Una muchacha que ha abortado, un chico con tensiones homosexuales, un hombre con una amante. Todos ellos se enfrentan en sus vidas a una situación que contradice sus creencias. El conflicto está ahí, y los actores están bastante decentes, pero no se sabe muy bien a dónde quiere llegar el cineasta, qué pretende contar, cuál es su punto de vista.

Todo parece un batiburrillo, una lata de sardinas en la que todo vale. Las relaciones entre los personajes son tan azarosas y rebuscadas que bien podría haber filmado tres cortos con cada uno de ellos por separado. Además, con una autocomplacencia evidente, separa su película en capítulos, al modo de una novela, que no ofrecen una correcta progresión, o al menos una adecuada presentación de los temas. Una película cuya rueda de prensa estaba abarratoda, por ser alemana posiblemente, y que fue bastante aplaudida, aunque es cine mediocre, muerto, sin vida, sin el menor interés.

Y la norteamericana ‘The Kids Are All Right’ es igualmente mediocre. Dirigida por una tal Lisa Cholodenko, cuenta la historia de un matrimonio de lesbianas con dos hijos, que un día conoce al dueño del esperma que dio lugar a sus vástagos. Las lesbianas son nada menos que Annette Benning y Julianne Moore, que están bastante bien en sus respectivos roles (más que nada, porque son excelentes actrices), y el dueño del esperma es un penoso Mark Ruffalo que después de su aparición en otra película fuera de concurso, la scorsesiana ‘Shutter Island’, vuelve a dejar bastante que desear en una interpretación.

La cosa va de comedia dramática, de gente guay, estupenda, de esa norteamericana que tiene una cocina en la que cabe toda mi casa, con problemas muy apasionantes como “no me dejes, porque te amo”, o “necesito encontrar a mi padre biológico”. Temas vistos mil veces, y que no tendrían nada de malo si la directora encontrara la forma de tratarlo de una manera original y personal, y no como un telefilme de sobremesa. Eso sí, el respetable se rió muchísimo de los chistes (y de frases que no eran chistes, si no trágicas, a lo mejor es que los periodistas ya están aburridos y necesitan reirse de cualquier cosa), aunque no hay más que dos o tres realmente ingeniosos, y se lo pasó pipa con una historia aburguesada hasta decir basta.

Esta es la penúltima película fuera de concurso, y confirma que los programadores no se han tomado tan en serio esta mini-sección como la oficial a concurso. Con la secuencia de Mia Wasikowska (la Alicia de la venidera ‘Alicia en el país de las maravillas’) abrazando a sus dos madres llorando, nos pusimos hasta arriba de diabetes, aunque muchos encantados de la vida, con el frío que hace nada más salir del Palast. Y con la presencia de Julianne Moore en la conferencia de prensa, se llenó de nuevo hasta la bandera la sala. No es para menos, yo también estuve allí. Es una actriz maravillosa, pero la película añade muy poco a su carrera, más por el conjunto ultra-conservador (aunque cuente historias de lesbianas, esto es un América Happy Life) que por su aportación.

Vistas estas dos películas antes de comer, he de reconocer que me desanimé completamente, o mejor dicho me desmoralicé. No sé por qué tienen que traer a uno de los festivales más importantes del mundo películas que cualquier televisión puede comprar. Lo lógico serían películas con más difícil aceptación mayoritaria, pero yo no trabajo en el festival, simplemente relato lo que hay. No son una basura o un engendro, no son un escombro estético, narrativo, moral y visual como el de ‘Caterpillar’ o ‘Exit Through The Gift Shop’, pero cerca le andan. Ahora bien, hubo suerte con la tercera película del día.

‘How I Ended This Summer’, el coraje del cobarde

He aquí una buena película. Cuando parecía que íbamos a tener una jornada, la séptima hoy, desastrosa, llega el cine ruso, ausente del festival durante un lustro, y presenta una película grande, compleja, adulta. Supongo que es el precio que hay que pagar por estar aquí, aunque sea un precio muy alto: desesperarse, desmoralizarse con dos películas insulsas, y emocionarse con el cine de verdad. ‘How I Ended This Summer’, en cuyo pase de prensa había gente que se iba o se dormía (por el cansancio, y porque no es una película fácil de ver), es uno de los filmes más importantes presentados en este festival. Así de sencillo.

Dirigida con mano de hierro, enguantada de seda, por el cineasta ruso Aleksei Popogrebsky, ‘Kak ya provyol etim letom’, cuenta una historia con solo dos personajes, dos seres antagónicos, en la más lejana estación meteorológica polar de Rusia, la de Chukotka, de impresionantes parajes helados. Ambos son los encargados de las mediciones meteorológicas que salvan las vidas de marineros, exploradores, soldados y mucha más gente del ártico. Y su trabajo tiene que ser exacto, métodico e incisivo. Como la maquinaria de un reloj. Sergei es un hombre maduro, enorme, primario, buena gente pero tosco, que enseña el oficio a un principiante Pavel (o Pasha), un chaval recién salido de la universidad que va a pasar allí el verano de prácticas.

Se respetan pero no se llevan excesivamente bien. Cuando le ocurre una desgracia a la familia de Sergei, Pavel no sabe como reaccionar, y eso desemboca en un relato de tensión psíquica progresiva, de suspense, de reacciones y emociones básicas que sorprende y asombra por la prontitud y rotundidad con que se hacen creíbles. El joven resulta ser un cobarde incapaz de comunicar una noticia grave, de ser un hombre al fin y al cabo, y sabe de las violentas consecuencias de sus actos, pero no puede evitarlas, por el miedo que siente. Sin embargo, cuando al final todo desemboque en tragedia, tendrá que aprender a ser un hombre en las condiciones físicas más insoportables que imaginar quepan.

Esto es una historia que toca asuntos graves, serios, no habla de dramas de salón entre gente bienintencionada, si no de supervivencia. No se centra en peleles burgueses, ni en chavales que eligen ser manipulados por religiones, si no en hombres, hombres muy imperfectos, pero hombres al fin y al cabo. Y en sus varios y muy ricos niveles narrativos encontramos compasión y dignidad, un choque generacional evidente entre la Rusia de antes y la Rusia de ahora, emociones primarias y universales, sencillez y verdad.

En la rueda de prensa, que estaba a medio llenar, el director ruso me comentó, a mi pregunta de cómo había hecho el prodigioso plano en el que mientras Pavel cruza la explanada la niebla se va levantando lentamente, que todo lo que tuvo que hacer fue esperar. Que no tenía un plan trazado, y que muchos planos le salieron por suerte. No tenía sentido hacer un guión cerrado, porque las condiciones atmosféricas eran tan variables que hubieran tirado al traste con muchos planos. Pero que supo aprovechar los inconvenientes para ponerlos a su favor. Eso es lo que hace un gran director.

Ambos actores están perfectos. No necesitamos más personajes en un duelo perfecto en el que ninguno sale vencedor, sólo el espectador. El joven protagonista Grigoriy Dobrygin, que precisamente hoy cumplía 24 años, está perfecto, pero no más que el maduro Sergei Puskepalis. No me extrañaría nada que ambos se llevaran el Oso de Plata a mejor actor, aún a expensas de otros. Eso sí, veo más difícil premios mayores, aunque se los merece. Se necesita cine más valiente, más arriesgado y exigente como este, que nos devolvió la sonrisa en la Berlinale.

Mañana la bosnia ‘Na Putu’, la alemana ‘Jud Suss’ y la argentina ‘Puzzle’.

Berlín, 17 de Febrero de 2010.

Tenía pendiente comentar aquí esta película, y tras el aviso de varios de vosotros me decido por fin. Originalmente titulada ‘Gru’, luego ‘Despicable Me’, y que en España conoceremos como ‘Gru, mi villano favorito’, es un largometraje de animación en 3D dirigido por Chris Renaud, Pierre Coffin y Sergio Pablos , que la verdad es que no sé muy bien de qué va. Y digo esto porque he leído varias sinopsis y ninguna cuadra demasiado con los avances que han ido saliendo. En esta entrada tenéis tanto el teaser póster para nuestro país como los cuatro tráileres que hay en la red, el último en español.

Cuatro vídeos de la película que, ya digo, no dejan claro por dónde va la historia. Por un lado, tenemos un poderoso villano con un plan para conquistar el mundo (o robar la Luna en algunas sinopsis), el Gru del título (a quien da voz el famoso Steve Carell), enfrentado a otro que parece ser el gran villano número uno, un tal Vector (Jason Segel, de la serie ‘Cómo conocí a vuestra madre’). Para derrotarlo, Gru cuenta con un ejército de pequeños seres bobalicones llamados Minions. Y por otro lado hay tres niñas que parece que también tienen algo que decir en medio de este duelo de malvados (en algún sitio he leído que Gru debe cuidarlas).

Bien, algo puede salir de aquí. Veo demasiados golpes, pero hay alguna que otra broma muy divertida. Esperemos que la película merezca la pena. La fecha del estreno es el próximo 9 de julio, aunque en España (para variar) la veremos más tarde, a partir del 13 de agosto.

PD: Julie Andrews, Russell Brand, Will Arnett, Kristen Wiig, Ken Jeong y Danny McBride, entre otros, también intervienen en el film dando voz a otros personajes.

En Estados Unidos ya ha caído hasta el cuarto puesto, pero en España sigue siendo número uno. ‘Avatar’ continúa otra semana más (y ya van 9 seguidas) como la película más vista en nuestro país. Hay que destacar que es la que tiene más copias (aún cuenta con 440), pero también que su promedio por sala es el más alto, logrando unos 5.000 euros en cada una. Increíble. Fans de Cameron, ¿cuántas veces la vais a ver?

‘El hombre lobo’ era uno de los dos estrenos más potentes de la semana, pero al igual que ha pasado al otro lado del charco, las expectativas comerciales no se han cumplido. Aquí se tiene que conformar con el segundo puesto, con cerca de 2 millones de euros recaudados. Sin duda, las malas críticas y la poca originalidad de la propuesta han hecho que pierda mucho público, que o bien ya no está interesado o bien esperará a verla cómodamente en su casa.

El otro estreno fuerte del pasado viernes era ‘Historias de San Valentín’, que logró el número 1 en Estados Unidos (además con cifras increíbles), pero en España no ha tenido tanto éxito. Con cien copias menos que las otras dos películas citadas, la comedia romántica se queda en una pobre cuarta posición, detrás de lo nuevo de Disney, ‘Tiana y el sapo’, que ya suma más de 4,5 millones de euros.

PD: El viernes se estrenan ‘Shutter Island’ y ‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’. ¿Fin del reinado de los Na´Vi?

¿Qué sería de nuestras vidas sin el anuncio diario de un escandaloso proyecto cinematográfico? Probablemente serían más aburridas, así que nuestros salvadores hoy son los tipos que llevan la productora Helix Films. Esta gente acaba de firmar un acuerdo con la compañía de juguetes Meccano para, atención, desarrollar una película basada en el ‘Erector Set’, una de sus creaciones más populares. La película llevará el estupendísimo título de ‘3D Erector Set’, porque por supuesto utilizará la misma tecnología de efectos especiales que vimos en ‘Avatar’. Muchas preguntas se me agolpan en la cabeza, pero una de ellas es, ¿cuánta gente irá a verla pensando lo que no es?

Este viernes se estrena ‘El solista’ (‘The Soloist’), una película de Joe Wright, director de ‘Orgullo y prejuicio’ y ‘Expiación. Más allá de la pasión’. Este nuevo trabajo del londinense está basado en la novela autobiográfica de Steven López, un periodista (Robert Downey Jr.) que descubrió a un virtuoso (Jamie Foxx) entre los vagabundos de los Ángeles. La historia, pequeña y emotiva, no me interesa especialmente, pero todos demás aspectos del film están muy logrados.

La estética y los actores

Joe Wright ya se ha caracterizado en sus anteriores films por ofrecernos una preciosa luz y exquisitos encuadres. La novedad en este caso reside en que es capaz de encontrar la misma belleza que en aquellas narraciones de época en los lugares menos acogedores de un Los Ángeles contemporáneo: redacciones de periódicos, túneles de hormigón, albergues para indigentes... Wright es un artista en este sentido y todo lo que atañe a la realización en esta película está impecable. Otra de las facetas que más destacaban en sus anteriores obras era la música. Aquí, este elemento deja de ser una banda sonora para convertirse en la protagonista. Si acaso, se podría decir que esa predominancia es algo excesiva, pero en general está integrada de forma muy armónica con lo rodado.

El elenco supone el otro gran aliciente de ‘El solista’. No es necesario informar ahora de que Robert Downey Jr. es un enorme intérprete y, aunque quizá esté menos extendido, el reconocimiento que recibe Jamie Foxx es similar. Ellos ofrecen toda la calidad que el fondo no pone de su parte. Sus personajes están retratados con acierto y sus interpretaciones completan esta definición proporcionándonos toda la emotividad que esta escasa anécdota nos podría contagiar. Catherine Keener es una actriz cuya presencia aporta elegancia a cualquier película y, en este caso, está igual de bien que en otros de sus trabajos o que sus partenaires masculinos. En papeles terciarios, también se encuentran buenos actores.

El contenido

Así, uniendo las interpretaciones a la realización, podemos ver que nos encontramos ante una película cuyo exterior es válido al ciento por ciento. Por desgracia, este conjunto se pone al servicio de un relato autocomplaciente, sentimentaloide y facilón, que aburre en la mayor parte de su metraje. Incluso aunque no resulte nada original, no me parece mal el planteamiento de descubrir una gema en las calles de una ciudad hostil. Pero partiendo de ahí, se podría haber llegado más lejos. López investiga la vida de este hombre y, antes de descubrir nada sobre él, ya publica artículos a su respecto. Por lo tanto, el músico, más que suponer un buen material periodístico, significa una forma de apelar a la fibra sensible de los lectores, que se apiadan de él por caridad cristiana. Quiero decir que su historia carece de interés argumental: no es sorprendente, no es única, no supone una reivindicación…

(SPOILER) Cuestionaría también la decisión de no intervenir en su tratamiento. Se le ha diagnosticado que es esquizofrénico --diagnóstico que no sé muy bien de dónde sale-- y, como él se niega a ser tratado o a aceptar que sufre una enfermedad mental, a quienes le rodean les parece lo más adecuado hacerle caso. No sé en qué escuela psiquiátrica existe la noción de que sea el paciente quien decida si es o no tratado para curarse o mitigar sus síntomas. El evitar intervenir no es una decisión altruista, sino cómoda, pues siempre resulta más fácil no discutir que forzar a internarse o medicarse a alguien que lo necesita. A lo que voy aquí no es a esto, lógicamente, sino a cómo ello afecta a la trama de la película: la cuestión está en que la no intervención provoca una no evolución en el personaje del Sr. Ayers. (FIN DEL SPOILER)

Pero claro, esto está planteado de esta forma porque lo que interesa en el libro y en la película es cómo los sucesos afectan a López, no al músico. La única evolución de personaje que desean mostrar es la del protagonista, cuando lo poderoso habría sido ver ambas en paralelo y presenciar cómo una influye en la otra. Sin embargo, esta correlación no queda nada clara en el desarrollo y es necesario comunicarla explícitamente en una voz en off del final. Si bien imaginamos que los hechos han provocado que la personalidad del periodista se suavizase, lo que no llegamos a percibir es qué tuercas en concreto ha aflojado y qué resortes ha puesto en marcha. Todo queda en lo que suponemos, más que en lo que percibimos.

En un film de duración excesiva para su contenido, se hacen superfluos los flashbacks al estilo de ‘Caso abierto’. Si nada se va a descubrir en ellos, mejor sería prescindir del recurso por completo y dejar toda la película en el momento presente, que tiene una fuerza dramática mayor. Los interludios musicales son asimismo fútiles y contribuyen a la falta de ritmo de la obra.

Los letreros finales se centran en el aspecto social de ‘El solista’, que hasta entonces se había tocado circunstancialmente. De esta forma, se hace aparentar que la película tenía una carga crítica de la cual en realidad carece. Podría parecer que la historia de Nathaniel es un vehículo para protestar sobre las condiciones de los pobres en EE. UU., pero eso no es cierto desde el momento en el que el músico optó por retirarse del mundo por su propia voluntad o bien por una enfermedad mental y no fue la pobreza, el racismo ni ningún otro tipo de injusticia lo que le llevó hasta la mendicidad.

En definitiva, diría que me parece una pena que un autor tan capaz como Wright se haya decantado por una historia tan poco atrayente y de la que tan poco partido se podía sacar. Afirmaría, sin haber leído la novela que, dentro de todo, probablemente haya llevado a cabo la mejor adaptación posible de ‘El solista’, ya que el escalafón siguiente lo ocuparía un telefilme para la sobremesa. Y es que hoy en día quien no publica un libro es porque no quiere.

Mi puntuación:

No hay dos sin tres, ni tres sin cuatro en el mundo de las sagas cinematográficas, sobre todo sin han dado suculentos beneficios. Tom Cruise, que ya ha dado vida a Ethan Hunt tres veces, ha firmado para hacerlo en una cuarta entrega, cuyo guión está siendo escrito por André Nemec y Josh Appelbaum --escritores de series de televisión--, basado en una historia del propio Cruise y J.J. Abrams, productor del evento. Se pretende que el rodaje dé inicio este verano de cara a un estreno en el 2011.

Nunca he sido admirador de esta saga. La de Brian De Palma creo que está muy desaprovechada, la de John Woo me aburre soberanamente, y la de J. J. Abrams me parece la mejor, la más entretenida y la menos pretenciosa, pero tampoco como para tirar cohetes. Creo que la cuarta parte debería ir por los derroteros de la tercera entrega, y estando Abrams metido en el meollo parece un camino muy posible.

Recaudará un montón de dinero en todo el mundo, Cruise nos mostrará su sonrisa perfecta en todos los lugares en la que acuda a presentarla y nosotros la habremos olvidado a los dos días de verla. O no.