¿Hay alguien ahí? ¿O ya estáis todos pendientes del furgol? Como veo que nadie responde, voy a aprovechar para publicar esta cosa que tenía pendiente en borradores. New Line Cinema ha creído apropiado sacar ya un nuevo tráiler de la segunda parte de ‘Sexo en Nueva York’ (‘Sex and the City 2’). Como la primera parte recaudó la friolera de 400 millones de dólares en todo el mundo, era de esperar que sacaran la secuela, así que aquí tenemos de nuevo a “las chicas” de la famosa serie de la HBO con sus fantásticas historias personales: ir de compras, a la pelu, hacer dieta, almorzar ensaladas en sitios caros, hablar sobre sexo, ir otra vez de compras…

En ‘Sexo en Nueva York 2’, Carrie, Samantha, Charlotte y Miranda deciden tomarse un respiro y hacer un viaje a Abu Dhabi. La secuela está escrita y dirigida de nuevo por Michael Patrick King, el creador de la serie, y por supuesto está protagonizada por Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis y Cynthia Nixon, a quienes acompañan Chris Noth, David Eigenberg, Mario Cantone, Miley Cirus, Penélope Cruz, Alice Eve y Liza Minnelli. La fecha del estreno es el próximo 28 de mayo en Estados Unidos; a España llegará el 4 de junio. Colegas, id preparando unas buenas excusas.

PD: Pe rodó su parte en sólo dos horas, y ha confesado que lo hizo porque es una gran fan de Sarah Jessica.

Tim Burton está en caída libre. Y hace ya unos cuantos años que está inmerso en esa caída. Supongo que estarán en desacuerdo los millones de fans de los que goza por todo el mundo. Para ellos Burton es un intocable, un director de una imaginación desbordante (son las dos palabras que más se oyen cuando se habla de él), un universo barroco inconfundible, y un artista total capaz de impregnar cada elemento visual de su puesta en escena con un sello personal. Pero desde ‘El planeta de los simios’ (2001), Burton ha ido perdiendo, película a película, la frescura y la coherencia, hasta convertirse en una sombra de sí mismo en su última película.

Su última película que, quizá, sea la menos interesante e inspirada, la más aburrida, insulsa, innecesaria, de todas sus películas. Adaptación libérrima de los legendarios cuentos de Lewis Carroll protagonizados por la niña Alicia, le deja a uno de piedra la completa desidia con la que la ha filmado este famoso director, de talento incuestionable, pero incapaz de encontrar, por lo que parece, temas que le interesen en este momento, que es cuando debería dar lo mejor de sí mismo. Si fuera, como dicen, el maestro de maestros que no es.

Una adaptación sin la menor gracia

Lo primero que llama la atención del guión que ha firmado Linda Woolverton es la superficialidad a la hora de acercarse al original literario. Vaya por delante que no tengo nada en contra de palimpsestos, reescrituras, traiciones literarias, sacrilegios narrativos, ni nada por el estilo. Ahora bien, el nuevo material ha de poseer una entidad propia capaz de hablar de tú a tú con el material preexistente, y sino a la misma altura, por lo menos con la misma intención y el mismo espíritu. La decisión de que Alicia tenga casi 20 años y no recuerde nada de sus anteriores viajes al submundo es tan disparatada, y presenta la misma falta de interés, como que Peter Pan se haya hecho adulto en ‘Hook’ (no por casualidad, la peor película de la carrera de Steven Spielberg).

Sin embargo, el arranque propuesto por Woolverton y filmado por Burton, a pesar de su tono desvaído, y de cierta desgana que irá creciendo a medida que avancemos, no está del todo mal, y surge el espejismo de que es posible reescribir a Carroll con ingenio y energía. Los primeros minutos en el submundo continúa el espejismo, pero pronto se derrumba todo de manera incontestable, y el resto del relato es un sincero “quiero y no puedo”, que sustituye la locura y el coraje del cuento de Carroll por una voluntad descaradamente comercial, impersonal y zafia. Un espectáculo palomitero en un submundo de colorines, con un guión absolutamente deslavazado, que no llega a caer en el desastre absoluto, pero cerca le anda.

Sin el salvaje sentido del humor, y el gusto por el ingenio verbal de Carroll (salvo en contadas ocasiones), ¿qué nos queda? No hay ninguna secuencia realmente destacable, ningún aspecto narrativo que merezca la pena resaltar. El diseño de producción (obra de Robert Stromberg, no por casualidad uno de los encargados de ese apartado en ‘Avatar’) demuestra hasta qué punto el famoso toque visual Burton era más propiedad de Rick Heinrichs que suyo. Hay esfuerzo y detallismo en el aspecto más superficial de la película, pero todo queda gélido, opaco, sin fuerza.

Alicia (la maravillosa Mia Wasikowska, que nos había enamorado a todos en la inolvidable serie ‘En terapia’) es un personaje desdibujado, que primero trata de afianzar su identidad frente a los habitantes del submundo, para luego renunciar a ella y convertirse en una guerrera improbable. Al Sombrero Loco (un inaguantable Johnny Depp) le han convertido en un bufón trágico que deambula por el fotograma sin encontrar su lugar. La Reina Roja (una divertida Helena Bonham Carter) no es todo lo cruel y malvada que sería necesario. Algunos secundarios (el gran Crispin Glover como Stayne, la Liebre, la oruga azul) salvan el circo, aunque otros como el Gato de Cheshire están completamente desaprovechados.

En un galimatías de historia sin la menor sorpresa, donde la predecibilidad y el lugar común son la norma, la película se acaba convirtiendo (y si el lector no me cree, ya lo verá cuando acuda a la sala), en una suerte de ‘Crónicas de Narnia’, con un tono existencialista y épico totalmente fuera de lugar, y un Burton que se limita a hacer planos sin el menor sentido de la maravilla, y totalmente descentrado. No por casualidad, su mejor película sigue siendo ‘Ed Wood’, donde los colorines quedaron desterrados y donde había un guión sencillamente excepcional.

‘Alicia en el país de las maravillas’ en 3D

Tras el grandioso éxito de ‘Avatar’, no podían dejar pasar la oportunidad de convertir esta película, filmada en 2D, en otro éxito de taquilla. Y el resultado sólo se puede describir como lamentable. En la gran sala Imax de Madrid a la que fui invitado, los rótulos del principio de la proyección, que anunciaban las posiblidades visuales del 3D estaban mil veces mejor hechos que la película de Burton, que si narrativamente es una película muy endeble y sin el menor interés estético, técnicamente es una chapuza de la que se deberían sonrojar sus máximos responsables.

Absolutamente todos sus planos en movimiento panorámico (y tiene unos cuantos, para mi desgracia), convierten a los personajes y fondos en un borrón, y provocan un mareo considerable. Hay planos mejor hechos que otros, eso es cierto, pero los que están mal hechos son un escándalo. Los personajes completamente aplastados contra el fondo, cuando no son formas sin vida y sin movimiento. Los contornos de muchos planos sin nitidez. Hay escenas con una lamentable falta de luz, y son lo único oscuro de una película a la que falta oscuridad. Hay ejemplos que deberían disuadir a futuros cineastas a convertir su película 2D en 3D, y a rodarla directamente en 3D si tienen coraje: objetos importantes en primer término completamente desenfocados.

Si vas a hacer las cosas en 3D, hazlas bien. Busca las cámaras y la técnica precisa. Filma y monta durante tres años. Luego algunos se sorprenden y me atacan por mi admiración hacia James Cameron.

Otro proyecto para Juan Carlos Fresnadillo, a ver si éste finalmente se lleva a cabo. Al parecer, el director español ha firmado con Universal Pictures y Antena 3 para dirigir un thriller de terror titulado ‘Intruders’. Clive Owen, actualmente en nuestras carteleras con el melodrama ‘Sólo ellos’, y Daniel Brühl también están a bordo y serán dos de los protagonistas, lo que convierte a este título en más que interesante.

¿Y de qué va ‘Intruders’? Según cuentan, la película, escrita por Jaime Marques y Nico Casariego, se centra en una niña de once años que se debe enfrentar a los demonios de su infancia. Si lo de los demonios es algo literal o metafórico, ya eso no lo sé, pero dudo mucho que Owen y Brühl estén implicados para disfrazarse de monstruosas criaturas. Lo que sí sé es que está previsto que el rodaje comience el próximo mes de junio, y que transcurrirá en Londres y Madrid. Confiamos en Fresnadillo, ¿no?

PD: Dicen por ahí que el español sigue vinculado a la adaptación del videojuego ‘Bioshock’.

Vía | ComingSoon

Vengo de una familia en la que cada miembro dañaba a los demás. Luego, arrepentidos, cada uno se dañaba a sí mismo”.

Con esta cita del escritor mexicano Carlos Fuentes, comienza ‘La isla interior’, la sexta película de Dunia Ayaso y Félix Sabroso, que se puede ver desde ayer en nuestras pantallas. En este drama, Candela Peña, Cristina Marcos y Alberto San Juan interpretan a los hijos de Celso Bugallo y Geraldine Chaplin. La familia se ha reunido ante el grave estado de salud del padre quien, debido a su esquizofrenia, ha saltado por la ventana de la casa en la que viven, que está en pleno mar, en una isla canaria. El film se remonta unos días para destaparnos cuáles son los problemas de cada uno y los porqués de su comportamiento y de su relación con los demás. Lo que parecía una familia mal avenida común y corriente va manifestando su auténtica naturaleza.

Ayaso y Sabroso comenzaron dirigiendo comedias simpáticas, desenvueltas y carentes de ínfulas, como ‘Perdona, bonita, pero Lucas me quería a mí’ o ‘Descongélate’, bajo el auspicio de Pedro Almodóvar. Con ‘Los años desnudos’, su trabajo anterior, decidieron dar un giro de timón que los acercase al drama, género en el que han creado una cumbre personal con ‘La isla interior’. En la segunda intentona han demostrado que les pertenece más que a tantos otros autores que se han consagrado a reflejarlo. Y es que, por mucho que las habituales protestas supongan que la guerra civil acapara las mentes de todos los creadores españoles, el drama familiar o de pareja es mucho más reincidente. Adjudicarse un tanto en un campo tan pisoteado supone un hecho más extraordinario aún que romper esquemas con aproximaciones inauditas.

El libreto de ‘La isla interior’ es tan rico en personajes y acontecimientos que levanta la sospecha de que esté basado en alguna obra previa, de lo cual es sólo culpable el cine de los últimos tiempos, que aparenta no poder aportar ideas propias. Cabría, por lo tanto, preguntarse si alguno de los dos firmantes del guión original conoce de cerca a aquejados de la enfermedad, pues es apabullante la verosimilitud con la que se han reflejado los padecimientos y los brotes. Desconozco si semeja comportamientos reales, pero puedo garantizar una total credibilidad.

Cada uno de los miembros de la familia tiene lo suyo. Crear a diferentes personajes, todos trastornados, y que no se produzca un efecto de reiteración es otro de los méritos de la cinta. La madre, quien sufre menos de la cabeza, sobrelleva la enfermedad de la ceguera que padecen muchas progenitoras: en su mente, sus hijos y marido son perfectos y, lo que es peor, felices. Numerosas familias se relacionan entre sus miembros con actitudes semejantes a las de estos hijos y hermanos: se dañan sin que haya un odio que lo provoque, como confesaba Fuentes. Así, el film de Ayaso y Sabroso no es tanto un retrato sobre la esquizofrenia, sino sobre la familia, pues en ausencia de síndromes o en presencia de otros diferentes, la dinámica de relación puede ser la misma. Éste es el motivo de que el impacto sea tan profundo en algunos espectadores que pueden ver su realidad reflejada, aunque no se parezca punto por punto.

Pero el visionado no resulta tan devastador como estas palabras parecerían indicar: una construcción en forma de trenza --tres historias independientes que descubrimos a medida que vemos cómo se influyen entre sí-- administra las desgracias de forma paulatina, como si se tratase de una vacuna, para hacer más fácil la asimilación de cada uno de los descubrimientos antes de que llegue otro palo. También es una ayuda que los autores mantengan algo de sus trabajos anteriores al incluir aquí y allá, alivios cómicos que permiten sobrellevar la dureza y que convierten el conjunto en algo más realista, ya que en la vida también hay momentos que dan la risa hasta en la peor de las situaciones.

La enfermedad que podría ser hereditaria, las relaciones dañinas entre familiares me hacen recordar un film que reproduce un entorno similar, pero sin invenciones de ficción: ‘El desencanto’, el documental de Jaime Chávarri sobre los Panero, en el que el cabeza de familia cuenta más como figura paterna e influencia en sus descendientes que como individuo y donde la madre, al igual que aquí, parece la bisagra que tiene que estar en todas las perspectivas al mismo tiempo para no acabar del lado de nadie. Se me viene a la mente, asimismo, el film ‘El solista’, con el que la única similitud que comparte ‘La isla interior’ es la enfermedad en la que se centra. El de Joe Wright puede estar rodado con planos más elegantes y aparentes, pero su contenido profundo se aproxima al problema con mucha menos sensibilidad.

El elenco de ‘La isla interior’ merece una ovación. Candela Peña, que ya había participado en films anteriores del dúo de directores, vuelve a estar sublime, esta vez en el papel de la hija pequeña, que soporta el peso de una familia que la ha aplastado, haciéndole arrastrar hasta su vida presente un pasado que no le deja avanzar. Cristina Marcos es una gran actriz que no se prodiga todo lo que su capacidad podría permitir. Su retrato de una mujer superada por una enfermedad que no quiere padecer es perfecto. Geraldine Chaplin siempre en su línea: sufriendo, observando, sumida en una bendita ignorancia... resulta genial. Alberto San Juan se desmarca con un personaje diferente a su registro más habitual y lo consigue, dando vida a uno de los seres más insólitos del film.

Antonio de la Torre, con un papel secundario, es quien viene a demostrar que no sólo la familia protagonista tiene complejos y dificultades. El personaje de la esposa de este último, encarnado por una actriz menos conocida, Emi Cazorla, es otro de los grandes hallazgos del film: una señora cuyas conversaciones parecen basadas sólo en tópicos escuchados en el supermercado, tiene, sin embargo, algunos comentarios y una actitud ante las cosas que dejan de piedra. Bugallo acarrea la labor de crear a un personaje en el que quepa la duda de si realmente rige más de lo que parece, y lo logra sin problema.

‘La isla interior’ supone un paso importantísimo en la filmografía de Ayaso y Sabroso: su mejor film hasta la fecha y quizá un trabajo insuperable para su futuro. Excelentes actores puestos al servicio de unos personajes muy bien construidos que, a su vez, dan vida a una historia magistralmente entrelazada.

Mi puntuación: