Ya nos avisó Alberto que los productores de Hollywood, esa fábrica de remakes y secuelas, estaban preparando nuevas versiones de ‘Los tres mosqueteros’ (‘The Three Musketeers’). Bueno, pues una de ellas avanza rápidamente y se empezará a rodar el próximo mes de septiembre. Ojo porque la va a dirigir Paul W.S. Anderson, famoso por haber realizado ‘Resident Evil’ o ‘Alien Vs. Predator’, y será en 3D. Anderson, que también firma el guión (junto a Andrew Davies), ya ha conseguido a varios de los protagonistas de su nueva película y negocia a contrarreloj la contratación de más actores.

Matthew Macfadyen (‘Orgullo y prejuicio’), Luke Evans (‘Furia de titanes’) y Ray Stevenson (‘Punisher: War Zone’) ya están a bordo de la producción que dirigirá Anderson; ellos serán respectivamente Aramis, Athos y Porthos, es decir, los tres mosqueteros. El jovencísimo e irritante Logan Lerman (‘Percy Jackson y el ladrón del rayo’) no ha firmado aún pero es casi seguro su fichaje para encarnar a D´Artagnan, el valiente muchacho que se marcha de casa para ser un mosquetero de la guardia real francesa.

Por otro lado, Anderson está negociando con Christoph Waltz (que ahora mismo debe ser uno de los actores más cotizados del planeta), Mads Mikkelsen y Orlando Bloom para que interpreten al Cardenal Richelieu, Conde de Rochefort y el Duque de Buckingham, respectivamente. Ya veremos si aceptan. La que sí está ya confirmada es Milla Jovovich, que no por casualidad es la esposa del director; la protagonista de la saga ‘Resident Evil’ dará vida a Milady de Winter, un viejo amor de Athos que es descrita como “una chica Bond del siglo XVII”. Bien, cualquier cosa es posible con Anderson, de lo que podemos estar totalmente seguros es de que habrá mucha acción, mucha cámara lenta y muchos saltitos.

PD: La Warner tiene a Doug Liman preparando la otra versión de la obra de Alejandro Dumas, pero la producción va un poco más retrasada. No se sabe si también será en 3D, pero en caso afirmativo sería un auténtico cachondeo.

Vía | HeatVision

No es el cine griego precisamente muy pródigo en títulos que traspasen fronteras, al menos en la actualidad. Pero si hay alguno que lo ha conseguido y con ello, se ha convertido en una película alabada, aplaudida y que no deja indiferente ni un ápice, esa es ‘Canino’ de Yorgos Lanthimos.

Que tras recorrer varios festivales con notable éxito (Cannes, Sitges,...) y llevarse algunos galadornes, nos llega a la cartelera española convertida en una apuesta original, visualmente impactante, dura pero estimulante y repleta de interrogantes que el espectador se llevará consigo tras la proyección.

No se trata de una película fácil. De esas en la que uno se deja llevar con relajación. No lo pretende. ‘Canino’ nos traslada a un submundo, a un universo aislado, al seno de una familia de clase media con tres hijos que viven alejados del mundo exterior y sus influencias. Dos hijas y un hijo que abandonan la adolescencia y se encuentran en una madurez física, pero muy alejadas de lo habitual en personas que viven en un entorno influyente.

Surrealista, original y divertida

Aquí los tres viven bajo la tiranía de un padre, que con la complicidad de la madre, les hace ver la vida, y entender la existencia de manera tan aséptica, como cruel y turbadora. Un universo de fantasía, donde las cosas no son como creemos y aún menos, se llaman como pensamos (coño es una lámpara grande o autopista un viento muy fuerte).

Su único vínculo con el el mundo extramuros, más allá de la valla del jardín de la casa, es una empleada de seguridad que trabaja en la empresa del padre y que presta sus servicios sexuales para satisfacer la demanda del hijo. Pero claro, lo que se antoja como un contacto controlado, se convierte en la vía de entrada de un virus que infecta sus moldeadas mentes en forma de película en cinta de vídeo VHS (‘Rocky’ para más señas). Que desatará una resolución previsible pero no por ello menos original. Un desenlace turbador, abierto y que nos deja muchas cuestiones sobre la historia.

Asistimos al día a día de los tres hijos en los que el ejercicio físico, las relaciones incestuosas casi “caninas”, ver vídeos caseros en familia o el amor fraternal son las consignas de una supuesta pureza inculcada por el padre. Una educación aséptica, pero adulterada hasta el engaño más absoluto, que provoca que los tres hijos vivan sumidos en un mundo surrealista y absurdo.

Una alegoría que hace pensar

Una alegoría dirigida con tino y desparpajo por Yorgos Lanthimos, en la que se pueden apreciar ecos de Buñuel pero también de Lynch o de Haneke. Imágenes sobrecogedoras, escenas de violencia y sexo explícitas, rodadas con enorme simpleza que desgarran cualquier parecido con la placidez. Algunas escenas juegan con el surrealismo más recalcitrante (el número musical resulta sorprendente), pero dan lugar a momentos sublimes que remarcan su dimensión alegórica, de fábula arriesgada, pero original para una historia que, a pesar de contener ese tono sureal, bien podemos encontrarnos en las noticias de cualquier periódico en cualquier rincón del mundo.

Yorgos acierta en dotar al film de un tono de enorme sencillez, con una puesta en escena simple pero contundente. Planos fijos, ausencia de banda sonora, dejando que los capítulos cotidianos de esta peculiar familia nos arrastren a su cometido: no dejarnos indiferentes. Abordando temas como la comunicación, la familia, la inocencia, la educación y la degradación que sobrevuelan durante todo el metraje.

En conclusión, ‘Canino’ (título sobresaliente y acertado) resulta una apuesta original, jugando con el surrealismo sin esquivar la dureza, pero resultado divertida, fresca y repleta de sorpresas y momentos tan absurdos como cómicos o espeluznantes. Altamente recomendable para espectadores que gusten de lo poco convencional.

Y diréis vosotros: “claro, claro, con esas fotos, cualquiera te arranca una sonrisa”. Pues os equivocáis, no suelo juzgar una futura película por las fotos, pues la mayoría de ellas, en la mayoría de los casos, son fotos del rodaje, que luego pueden ser muy distintas a imágenes de la película en sí. Pero también es cierto que éstas imágenes tampoco es que inviten a un optimismo razonable. Son un grupo de fotos que han sido originalmente publicadas por Latino Review sobre la producción que verá la luz no antes del 2011.

Hace poco, hablando sobre las adaptaciones de ‘Punisher’, explicaba algunas de las posibles claves que, a mi modo de ver, son las razones por las que personajes como ese, o como el propio Conan, no van a disfrutar de una digna traslación a la pantalla. En el reciente Festival de Berlín, en el mercado audiovisual, supe que estaban buscando inversores para el proyecto que estaba a punto de empezar a filmarse. Qué desgracia no disponer de unos cuantos millones de euros para exigir unos mínimos en la futura adaptación…

Muchos de los espectadores de hoy en día no saben desde luego que Conan ha conocido una serie de ediciones de cómic realmente notables, ni mucho menos su origen es literario, y que su creador es un legendario escritor pulp, llamado Robert E. Howard, de infausto destino personal. Todo esto ya lo expliqué, aunque no me canso de decir que Conan es a la aventura tan consustancial como la corrupción y la cara de cemento a la mayoría de los políticos. Es decir, Conan es la aventura, la más indómita, salvaje, bárbara, desprejuiciada y gozosa de esa noble forma de arte.

Pero claro, no sobran los directores capaces de entender esto, y no sé si el alemán Marcus Nispel es uno de ellos, aunque del grupo de profesionales que han formado para llevar a cabo el proyecto, quizá sea el más fiable, porque su nueva ‘Masacre de Texas’ no era del todo infumable. Digamos que no estaba mal. Quién sabe, igual saca todo lo que tiene dentro y lleva a cabo una dirección y una puesta en escena logradas y sólidas. No hay muchos indicios de que pueda aspirar a ello, pero la esperanza es lo último que se pierde. Ahora bien, no es que se haya rodeado de figuras de primera línea.

No me importa tanto que hayan escogido al hawaiano Jason Momoa como que el operador designado sea Thomas Kloss. Me explico: tampoco es que en 1982 Schwarzenegger clavara el personaje, ni mucho menos. Más bien se quedó lejos de que lo puede dar de sí, una simple montaña de músculos con el gesto torcido. Personalmente, si yo dirigiera la película, buscaría un norteño carismático y de ojos vibrantes, pero Momoa puede hacer algo más que el Arnie, seamos justos. Ahora bien, la elección, para la fotografía, de Kloss, cuyos mayores créditos son ‘Showtime’ o nimiedades parecidas, es indicio de que no se han tomado este regreso nada en serio.

Tampoco en el crucial diseño de producción, a cargo de Chris August, que hasta ahora ha filmado productos marginales como ‘Stan Helsing’ o ‘They wait’, aunque el director artístico, James Steuart, sí participó en esas tareas en la superproducción ‘Watchmen’. Veremos en qué acaba todo. No es una gran producción de cientos de millones (ni falta que hace cuando te sobra la imaginación) pero se rumorea un presupuesto no muy elevado, que solo unos pocos directores han sabido traducir en aventuras inolvidables (no hace falta que nombre ninguno, ¿verdad?).

En cuanto a la música, está por ver quién será el compositor elegido, aunque será difícil que nos haga olvidar la suprema creación de Basil Poledouris para la película de Milius, probablemente lo mejor de aquella lamentable cinta.

Imágenes de Conan

Aqui os dejo cinco fotos. Dos de ellas con Momoa caracterizado. No parece que se vayan a ceñir mucho al modelo de Buscema, pero quizá de algo positivo. En cuanto a los ambientes, pues parece que se han decantado, al menos por lo que se deduce de ellas, por un ambiente oscuro y no muy vistoso para, seguramente, maquillar las limitaciones presupuestarias. A ver si en algunas semanas nos llegan más fotos y podemos saber algo más.

La película se está rodando, en su mayor parte, en diversas localizaciones de Bulgaria, y algunas del norte de África, y quizá sepan aprovechar bien algunos exteriores que ofrezcan una buena atmósfera de aventuras. De todas formas, y tal como afirmo en el titular de esta entrada, es difícil no abandonarse al pesimismo.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Colin Farrell vuelve a Hollywood. Así lo anuncian casi todos los portales norteamericanos que han hablado del fichaje de Farrell por parte de la DreamWorks, para que protagonice el remake de ‘Noche de miedo’ que viene preparando desde 2007, uno de esos proyectos que sólo parecen tener sentido si consideramos la actual y tan rentable moda vampírica que ha despertado la infumable saga ‘Crepúsculo’. El actor irlandés, que cobrará un sustancioso cheque por interpretar un papel que no le costará ni una décima de segundo de preparación (y que probablemente se parecerá bastante al Bullseye que hizo en ‘Daredevil’), acompañará a Anton Yelchin y Toni Collette al frente del reparto.

Craig Gillespie (‘Lars y una chica de verdad’) será el encargado de dirigir la nueva versión de ‘Noche de miedo’ (‘Fright Night’, 1985, y ya es la tercera vez que me sale esta fecha hoy), en la que Farrell encarnará a Jerry, el nuevo y misterioso vecino de Charley (Yelchin), quien descubrirá que Jerry es en realidad un peligroso vampiro, aunque claro, nadie le creerá. Collette interpreta a la madre del joven protagonista y objetivo del chupasangre. Todavía no hay fecha para el comienzo del rodaje ni para el estreno.

PD: Al parecer, Farrell tenía cuatro ofertas de grandes estudios sobre la mesa. Aceptó este papel y otro en una comedia titulada ‘Horrible Bosses’ que dirigirá Seth Gordon; rechazó el drama ‘One for the Money’ con Katherine Heigl y la comedia ‘This Means War’ con Reese Witherspoon.

Vía | Deadline

No, no se trata de una imagen del remake de ‘Máscara’ (1985) o ‘Los Goonies’ (¡1985!). Es la primera foto que se ha filtrado de Peter Sarsgaard durante el rodaje de ‘Green Lantern’, una de las próximas películas de superhéroes que nos llegarán próximamente, esta vez de la mano de Warner y DC Cómics. Sarsgaard, al que hace poco veíamos en la estupenda ‘An Education’, encarna aquí al Dr. Hector Hammond, uno de los enemigos a los que tendrá que hacer frente el protagonista, Linterna Verde, interpretado por Ryan Reynolds. Completan el reparto protagonista Blake Lively, Mark Strong, Temuera Morrison (vaya nombrecillo, fue Jango Fett en el episodio II de ‘Star Wars’), Angela Bassett y Tim Robbins.

El personaje de Hector Hammond es un científico menospreciado por su padre, un senador (Robbins); su vida cambiará por completo cuando descubra un meteorito que le proporcionará poderes psíquicos. Eso y una cabeza enorme, de ahí el llamativo maquillaje de la imagen, que hace irreconocible al actor. Escrita por Greg Berlanti, Michael Goldenberg, Michael Green y Marc Guggenheim, y dirigida por Martin Campbell, la adaptación cinematográfica de las aventuras de ‘Green Lantern’ estará en los cines el 17 de junio de 2011. Y sí, la van a sacar en 3D.

PD: Strong interpreta a Sinestro, otro villano, un papel para el que los productores querían a Jackie Earle Haley.

Vía | SkyShowbiz

‘Draquila. L’Italia che trema’ es un documental dirigido y protagonizado por Sabina Guzzanti, cuyo título se forma con el nombre de Drácula y con el topónimo L’Aquila, que designa el lugar donde, en abril del año pasado, se produjo un terremoto que acabó con la vida de 300 personas. El subtítulo, que fue elegido por votación entre quienes entraron a su página en Facebook, y que no sé si se habrá buscado como homenaje al mítico film neorrealista de Luchino Visconti, ‘La terra trema’, se traduce por «la Italia que tiembla».

La cinta quiere demostrar que Silvio Berlusconi, está sacando tajada de la construcción de viviendas para miles de víctimas del corrimiento de tierras. El tratamiento de los evacuados en los días posteriores al desastre también es analizado por Guzzanti: «Los habitantes de L`Aquila tuvieron que vivir durante seis meses en una carpa porque el gobierno quería mostrar “el milagro” de las casas», expresa la directora, quien, a su vez, interpreta de forma cómica al primer ministro italiano, como se puede observar en la fotografía superior.

La cineasta opina que «para Berlusconi era un día de mierda, como tantos otros: la magistratura le pisaba los talones, en los sondeos estaba en caída libre. Pero a las 03:32 del 6 de abril, un terremoto devasta una ciudad. Para Il Cavaliere, es como si Dios le hubiera tendido de nuevo la mano». Estas son las palabras que acompañan al tráiler, que se puede ver a continuación:

El ministro de Cultura Sandro Bondi, creyendo que puede hablar en boca de todos los ciudadanos de Italia, comunicó el sábado en una declaración que no va a asistir al festival porque la película ‘Draquila, l`Italia che trema’, es «propaganda que ofende la verdad y a todo el pueblo italiano». Y eso que el film sólo que será exhibido fuera de concurso. Encuentro esta actitud del gobierno italiano no sólo poco democrática, sino casi infantil.

Por otra parte, estas cosas al final acaban dando una mayor publicidad a lo que se quiere ocultar, como ya declaró Flavia Perina, integrante de la comisión cultural parlamentaria. El cineasta Daniele Luchetti añadió: «No sé qué decir de un ministro que tiene vergüenza de una artista libre. Un país libre debe mostrar este tipo de espectáculo. Hay que sentirse orgulloso de llevar al extranjero una prueba de libertad».

La actriz y directora Sabina Guzzanti tuvo que dejar la RAI en 2003 para luchar por su libertad de expresión cuando clausuraron su programa ‘RaiOt’, que es un juego de palabras entre el nombre de la televisión estatal italiana y la palabra inglesa «riot» («disturbio»). En 2005 rodó el documental ‘Viva Zapatero!’, que tenía la intención de destacar la escasa libertad de expresión que se tiene en Italia y que supuso un gran éxito de público. Con el mismo mensaje rodó ‘Las razones de la langosta’ (Le ragioni dell'aragosta) en 2007.

Como nota aparte, me parece que también merece mención el hecho de que en la edición española del periódico El País, la noticia sea difícil de encontrar y brevísima, mientras que la edición uruguaya le dedica un extenso espacio. La asociación reciente entre Prisa y Tele5 ha provocado que esta publicación, que por su naturaleza debería ser crítica con el gobierno de Berlusconi, presente ahora una tolerancia mucho mayor hacia el primer ministro italiano.

‘Route Irish’, de Ken Loach, inclusión sorpresa en el Festival de Cannes

Tenemos, además, otra noticia sobre el festival de Cannes igual de vinculada con la política: el Festical hizo un hueco a última hora en su sección oficial a la nueva película del director inglés Ken Loach, ‘Route Irish’, un drama ambientado en la guerra de Irak escrito por Paul Laverty, colaborador habitual de Loach. El título hace alusión a la ruta que tomaron las tropas estadounidenses que tuvieron que pasar por Irlanda para llegar a Irak. En 2202 y 3003 se formó un movimiento antibelicista que se asentó en el aeropuerto de Shannon en contra de la invasión de Irak. El documental muestra cómo los esfuerzos del movimiento sirvieron para romper la máscara de neutralidad con la que vivía Irlanda.

La acción, que se desarrolla en Liverpool e Irak, nos habla de dos soldados enamorados de una misma mujer que viajan a Irak como asesores militares privados. Uno de ellos está interpretado por Mark Womack (en la fotografía, junto a Loach). Al parecer, Loach recibió la invitación oficial a competir en la Costa Azul, pero rechazó la oferta. Después, cambió de opinión, organizó una proyección para Thierry Fremaux y los organizadores del festival y logró una plaza en el concurso.

Suena un poco a enchufe o, como mínimo, a trato preferencial, pero parece que es una práctica normal a la que Fremaux explicó que ya se habían acogido ‘Carlos’, de Olivier Assayas y ‘Tree of life’, de Terrence Malick.

Vía | Página oficial de ‘Draquila. L’Italia que trema y The Guardian.

“De todos los tugurios, de todas las ciudades, de todo el mundo, ella tenía que entrar en el mío…”

-Rick

Hay cosas que no permiten mucha discusión. Como que si ‘Star Wars’ se hiciera hoy día, sería recibida con gran escepticismo, y quizá hasta con virulencia (por mucho que sus numerosos fans no puedan concebirlo) o que ‘Casablanca’ es el resultado de una mítica que ya no existe en el cine, posiblemente porque, mal que les pese a algunos, el pasado no retorna. Considerada como el “clásico entre los clásicos” por varias generaciones de cinéfilos, es ya una vaca sagrada, una intocable, sobre la que se ha escrito ya de todo, y acerca de la cual no caben más comentarios críticos.

Pero ‘Casablanca’ demuestra también (como ‘Star Wars’) que las películas son hijas de su tiempo, y que han de verse en un determinado contexto, lo cual no es nada fácil, en lugar de hacer lo de siempre: convenir que es una “obra maestra” y acudir a ella como se acude a una capilla, sin cuestionar ni reflexionar acerca de nada, diciendo “amén, Jesús”. No hay duda de las muchas y muy loables virtudes de este filme de Michael Curtiz; como tampoco la hay de que el cine, por suerte, ha pasado a una etapa más interesante, menos encorsetada y academicista, más real, menos teatral, aunque seguramente menos romántica e ingenua.

‘Casablanca’ es el cine concebido como ilusión suprema, como mentira maravillosa, algo a lo que se entregan, desgraciadamente, el 99% de los espectadores. Realizando un impertinente paralelismo, imaginemos algo similar en la actualidad, cambiando la Segunda Guerra Mundial por la Guerra de Irak, y situando allí una historia de amor parecida, con una preciosa y bucólica ciudad iraquí de fondo. Pues es exactamente lo mismo. Un ejercicio de trivialidad, pero un ejercicio de trivialidad extraordinario, que eleva las claves del melodrama a la categoría de género propio. En la actualidad, tal ejercicio sería impensable, y da que pensar sobre la humillante dependencia del espectador que sufre el cine, y sobre la posiblidad de que, dentro de treinta años, sean impensables muchas de las películas de hoy, cuando el arte, en verdad, ha de ser universal y atemporal.

La oscuridad del héroe

La primera opción fue William Wyler, pero no estaba disponible, y hubo que echar mano del artesano de origen húngaro Michael Curtiz, que durante los años treinta había filmado algunas obras maestras del cine de aventuras, y que se llevaría el Oscar por este trabajo. Tendría que filmar un guión por el que habían pasado varios escritores, y al que debería dotar de una unidad que se les escapaba hasta entonces. Pero debieron superar muchos contratiempos, desde la exagerada estatura de Ingrid Bergman comparada con Bogart, hasta una producción bastante chapucera que un trabajo de chinos terminó resultando un modelo para futuras producciones de Hollywood.

El alma de la película es, por supuesto, Rick, y su local, el Rick’s. El diseño de producción de Carl Jules Weyl, que ya había trabajado con Curtiz con anterioridad, es realmente sensacional, y nos traslada a una capital económica marroquí de cuento, casi de Aladino, como de cuento es el París (realmente, los mismos decorados rediseñados en el mismo plató) de los flash-backs. Escenarios que van a servir para el viaje de redención y perdón de Rick, el cínico con el corazón roto, que comienza dándoselas de duro con los oficiales y los banqueros alemanes, para luego ser un anti-héroe, lejos de la ideología de Víctor, pero igualmente sacrificado, porque ¿no sacrifica su amor por Ilsa a cambio de un bien mayor, como es la libertad? Cómo ha cambiado el mundo y el cine.

Hay diálogos geniales, como ese tan famoso de “si pensara alguna vez en tí...probablemente te despreciaría”, y una fotografía muy interesante, muy visual, pues Curtiz quería contar la historia con sombras y planos, más que con exposiciones de tramas. De todas formas, y aunque hay una gran inventiva en el uso de sombras y movimiento de cámaras, y a pesar de la influencia del expresionismo alemán, permanece el convencionalismo de la época en detalles como los primeros planos de Ingrid Bergman, siempre con filtros suaves, tan típicos de aquellos años. Lo que no era tan típico es que una producción tan cara no tuviera un final cerrado en el rodaje, pues nadie sabía con quién se quedaría finalmente Ilsa.

Y es que a pesar de tratarse de una producción tan convencional, tan de aquellos tiempos, hay algo inasible en su continuo secuencial, un no sé qué de improvisación, una extraña energía que llena de vida el fotograma, como si los problemas de producción o la indefinición del guión ayudaran a que la historia se volviera más emocionante, más impredecible, a pesar de haberla visto tantas veces ya. Curtiz, maestro del cine de aventuras, sabe electrizar la pantalla, hace casi setenta años, como otros no saben hacer hoy día, y el último tercio se convierte en una memorable carrera contra el tiempo, en la que un hombre bueno, aunque oscuro, ha de tomar una grave decisión vital.

Qué más da que a estas alturas Bogart nos parezca un actor tan teatral y anticuado, que Bergman crea que está en una película para su propio lucimiento, que Renault sea tan incoherente como personaje. Lo mejor en estos casos en los que el cine va de maravilloso y mentiroso, es dejarse engañar, entrar en su juego una vez más, y dejarles lo sublime de lo real a los Rossellini o De Sica, que para eso están. Ahí están esas frases como “¿son los cañones alemanes, o los latidos de mi corazón?”, que dichas en otra película sería para echarse a reir, pero que aquí, milagrosamente, no desentonan. A veces, está bien soñar sueños románticos.