Hay un selecto grupo de películas cuya importancia es vital en el desarrollo del cine como arte. A todos nos vienen a la mente films como ‘Intolerancia’ (‘Intolerance: Love’s Struggle Throughout the Ages’, 1916, David W. Griffith), ‘El acorazado Potemkin’ (‘Bronenosets Potyomkin’, 1925, Sergei M. Einsentein), ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, 1941, Orson Welles) o ‘La guerra de las galaxia’ (‘Star Wars’, 1977, George Lucas), por citar algunos ejemplos. Hay claramente un antes y después de elllas, cada una en su ramo, aportando al cine elementos que más tarde serían aprovechados por un sinfín de cineastas. ‘Toy Story’ (id, 1995, John Lasseter) pertenece por derecho propio a ese grupo pues se trata del primer largometraje realizado enteramente por ordenador, herramienta con la que hasta ese momento se habían intentando algunas cosillas, como por ejemplo en ‘El secreto de la pirámide’ (‘Young Sherlock Holmes’, 1985, Barry Levinson) en cuya aplicación del CGI intervino John Lasseter, un verdadero visionario cuyo nombre merece estar entre los grandes.

Pasados quince años desde su realización ‘Toy Story’ no ha perdido ni un ápice de su frescura aunque si comparamos sus efectos visuales con los realizados hoy día en Pixar --en breve llegará a nuestros cines la tan aclamada tercera y última entrega de estos maravillosos juguetes-- es evidente que sale perdiendo en algunas cosas. Sin embargo y tal y como señaló el propio Lasseter en su momento, la película no sería recordada en el futuro por representar un avance tecnológico, sino por sus entrañables personaje y su sencilla, que no simple, trama llena de fuerza destinada a niños de todas las edades. Es increíble presenciar cómo esta película va dirigida a todo el mundo demostrando una vez más que el cine de animación no es sólo para los más pequeños. Y presenciando demoledores comienzos como el de ‘Up’ (id, 2009, Peter Docter) ahora menos aún.

La historia de ‘Toy Story’ nos lleva al universo que existe en la habitación de Andy. Allí siempre le esperan serviciales sus juguetes encabezados por Woody, un vaquero, que es el predilecto y para eso su lugar está encima de la cama. Con motivo del cumpleaños de Andy, los juguetes se ponen nerviosos ante la llegada de nuevos compañeros temiendo ser desplazados por su amo en pos de la novedad. Buzz Lightyear es un juguete de última generación, un guardián del espacio que puede volar y lanzar rayo láser es la nueva adquisición de Andy quien está maravillado con su nuevo entretenimiento. Muy pronto, en dicho universo surgirán enfrentamientos debido a los celos.

John Lasseter ha demostrado sobradamente, sobre todo en esta película y su genial secuela, una endiablada capacidad para la narración sabiendo mezclar con genialidad elementos del cine de animación y del de imagen real. Con esto me refiero a que todos los personajes en ‘Toy Story’ son perfectamente reconocibles dentro del mundo de Disney, existe un ambiente de película familiar en la que se ensalzan valores como la amistad, algo que lleva haciendo la mítica productora desde ‘Blancanieves y los 7 enanitos’ (‘Snow White and the Seven Dwarfs’, 1937, David Hand), resultando más que evidente su mensaje. A ello hay que sumar la habilidad del director para crear todo un mundo paralelo --el de los juguetes-- al real, con entidad propia y que resulta totalmente creíble, mucho más que un buen número de películas no animadas. ‘Toy Story’ nos habla de las alegrías y pesares de un montón de juguetes y el espectador se cree lo que está viendo. Si eso no es la magia del cine no sé entonces lo que es.

Por supuesto el causante del milagro, por así llamarlo, no es otro que John Lasseter que se la jugó por completo al demostrar a todos que la animación por ordenador era el futuro. Vemos que no se equivocó, es más, es muy probable que nadie haya demostrado jamás el tener las ideas tan claras como Lasseter en querer demostrar algo totalmente revolucionario. Pero la genialidad del director no sólo se palpa únicamente en el lado técnico del film, ‘Toy Story’ no es grande por sus efectos, que en su momento nos dejó a todos con la boca abierta, sino por la puesta en escena de Lasseter, su sentido del ritmo y el dibujo de unos personajes llenos de carisma, desde Woody, el vaquero algo miedica, envidioso y temeroso de ser rechazado --un miedo habitual en el ser humano por lo que la identificación es total--, hasta Buzz Lightyear, el arrogante y fanfarrón héroe que tarda en tomar conciencia de sí mismo --otro elemento más para la identificación: la identidad--, pasando por toda una galería de personajes secundarios a cada cual más entrañable.

‘Toy Story’ es desde su inicio, con la llegada de Buzz al cuarto de Andy, hasta su clímax en en una impresionante persecución, un continuo no dar respiro al espectador, set piece tras set piece llenas de emoción y perfectamente hilvanadas para dar coherencia al conjunto. Llama la atención que dos de las mejores escenas sean aquellas en las que se apartan un poco del tono del film y se codean con el género de terror, siguiendo el esquema clásico de ciertas películas de horror tomando como principal referencia ‘Freaks’ (id, 1932, Tod Browning). Me refiero, cómo no, al instante dentro de la habitación de Sid --un tormento de crío que se divierte destrozando juguetes-- en el que Woody y Buzz descubren toda una manada de juguetes monstruos, producto de la mente retorcida del niño. Y el otro es la venganza de Woody y las víctimas de Sid contra éste, más serio de lo que cabría esperar en una película de estas características.

Una obra maestra en definitiva, que no sólo revolucionó técnicamente al sector, sino que además logró superponerse a ese progreso técnico con una historia inmortal. Las crítica fueron espléndidas, la taquilla impresionante y la Academia de Hollywood reconoció la calidad de John Lasseter entregándole un premio especial. Cuatro años más tarde propició una continuación que supo estar a la altura de las circunstancias, incluso las superó.

Quedaos con este título: ‘Margin Call’. El actor Jeremy Irons, siempre una buena razón para acercarse al cine, es la última y lujosa incorporación del drama ‘Margin Call’, actualmente en su tercera semana de rodaje. Irons, que interpretará al director de la importante entidad financiera sobre la que gira el film, encabezará un estupendo reparto en el que también figuran Zachary Quinto, Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Stanley Tucci, Simon Baker y Mary McDonnell (a quien nunca olvidarán los fans de ‘Battlestar Galactica’). No está nada mal, ¿eh?

‘Margin Call’ es el primer largometraje que dirige J.C. Chandor, autor también del guión. La historia de la película transcurre en un banco de inversiones de Nueva York durante unas frenéticas veinticuatro horas, en medio del colapso de Wall Street en 2008. La premisa suena interesante, y si hay tantos actores conocidos en el reparto es de suponer que el guión es bueno… O eso espero. Por el momento no hay fecha para el estreno, pero debería estar lista para principios de 2011. O finales de este año, si aspiran a colarse en los Oscars.

PD: Si os lo estáis preguntando, ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’ se estrena en España (¡por fin!) el próximo 8 de octubre.

Como si de una pausa temporal se tratase, el Top de Blogdecine no presenta demasiadas novedades. Si acaso ligeros movimientos dentro de una ya sostenida igualdad, a la espera que de que el final del mundial vuelve de nuevo a animar la cartelera y seguro que los títulos que lleguen lograrán movilizar los puestos actuales. Al menos esa es nuestra esperanza. Pero como nos tenemos que conformar con lo que tenemos, aquí está el top de esta semana:

Cuando, a principios de año, todos los redactores elaboramos nuestra personal lista de lo mejor de la década pasada, se me quedó en el tintero una lista en la que sólo figurasen filmes de nacionalidad española. Ahora os la presento aquí para que me digáis cuáles son las vuestras y qué opináis de mi selección. No creo mucho en nacionalidades, aunque lo más justo sería decir que no suelo fijarme en ellas, pero de vez en cuando es saludable hacer reflexión sobre las más importantes aportaciones españolas, un cine siempre propenso a la crisis, tanto comercial como creativa, y cuya industria, mal que nos pese, no deja de ser muchas veces una industria de colegueo y sectarismo, pero que de vez en cuando demuestra que aquí también sabemos hacer buenos trabajos.

Que no espere el lector en esta selección ningún título de los proverbiales Amenábar, Almodóvar o de la Iglesia, grandes nombres que a mí no me aportan nada. El último de ellos firmó una obra magistral en los noventa, y nunca ha vuelto a ser el mismo. Por contra, sí existen en esta lista algunos caprichos personales (para eso es una lista subjetiva) y otras, como la primera citada, que son grandes películas incontestables, que no podían faltar en esta lista. Sin más, os animo a que le echéis un vistazo:

‘La caja 507’

Si hubiera más directores como Enrique Urbizu en el cine español (en el que, al parecer, sólo existen “don nadies” o “super-estrellas”) otro gallo nos cantaría. Con este peliculón confirma su inmenso talento para el policiaco, la atmósfera y la acción. Dos actores en estado de gracia: un soberbio Antonio Resines y un imperial José Coronado. Un guión magnífico, en el que nada sobra y nada falta, que nos intruduce en los corruptos meandros de Marbella. Una dirección solidísima, seca, concisa, sin el menor divismo, correosa, convulsa. ¿Se puede pedir más? Yo creo que no.

‘Te doy mis ojos’

Hasta esta película, me parece que ninguna otra había tratado con tanta inteligencia, sensatez y ausencia de maniqueísmo, la tragedia que representa (en España y en cualquier otro país “civilizado”, porque en los no civilizados se trata simplemente de genocidio) la violencia doméstica, particularmente contra las mujeres. Icíar Bollaín, responsable de la inolvidable ‘Hola, ¿estás sola?’ firma la que sin duda es su mejor película, un perturbador drama, con una gran interpretación de Laia Marull y otra inmensa de Luis Tosar, quien interpreta un dificilísimo papel, pero no hace de villano, como suele suceder en este tipo de relatos, sino de víctima de sí mismo. Sentimos compasión por él, a pesar de lo estúpido, ignorante y violento que llega a ser. Imprescindible.

‘Celda 211’

No podía faltar, ¿verdad? Siempre me asombrará que directores que hasta entonces han llevado una trayectoria cuestionable, por decir algo suave, de pronto irrumpen con un título tan contundente, tan bien hecho, tan emocionante, que te queda estupefacto. Daniel Monzón sin duda pertenece a estos directores, que demuestran que no todo el mundo es un genio en su primera película, que ni John Ford era John Ford cuando empezaba. Apasionante película, con un Luis Tosar, de nuevo, inmenso, y con un guión y una dirección que le hacen a uno frotarse los ojos de estar viendo una producción española.

‘El bola’

Compleja película, debut en la dirección de Achero Mañas (interesante actor que luego no ha dirigido nada tan importante) que indaga con insólita lucidez en las miserias de la violencia y el infierno familiares, interpretada con pasmosa frescura y profundidad por un Juan José Ballesta estupendo, actor que según ha ido creciendo y madurando, ha ido empeorando como intérprete, lo que son las cosas. Merece, y mucho, la pena, acercarse a este título esencial del cine español

‘Smoking room’

Dicen que esta es una de esas películas que son ‘Dogma’ sin pretenderlo. Una cosa está clara: dada la precariedad de sus medios, los directores J. D. Wallovits y Roger Gual sacaron todo el provecho posible de un guión muy certero, y de un grupo de actores, a falta de otra palabra mejor, perfecto. 88 minutos de puro cine, de imágenes tensas, eléctricas, que no dan un respiro al espectador, en las que sentimos la opresión de la autoridad, la búsqueda de la libertad personal, la lucha por tomas las propias decisiones. Muy notable.

‘En construcción’

Jose Luis Guerín andaba coqueteando con la genialidad en anteriores trabajos suyos, como la hipnótica ‘Tren de sombras’ o la fascinante ‘Innisfree’. Y por fin la alcanzó con uno de los más bellos documentales de los últimos tiempos, que rebosa poesía por cada uno de sus fotogramas. De un material previo de 120 horas de rodaje, Guerín deduce una metáfora universal, a partir de la construcción de un edificio, de temas tan importantes como el recuerdo, el valor de los objetos, la vejez, y sobre todo el paso del tiempo. Una obra maestra muy superior a la que se llevó el Goya a mejor película (de ficción) de aquel año.

‘Los lunes al sol’

Probablemente sea esta la película más redonda de Fernando León de Aranoa, que a día de hoy (con tanto parado) quizá sería incluso más impactante de lo que fue entonces. Aranoa dirige con su habitual contención, pero esta vez dirigiendo mucho mejor a sus actores que en anteriores trabajos. De entre todos ellos sobresale, como es natural, esa bestia parda de Javier Bardem, en la que quizá sea su mejor interpretación en un filme español, la menos agradecida y la más compleja. Cine social, pero sobre todo humano.

‘Mi vida sin mí’

Confieso que he visto hace pocos días (de una maldita vez) esta película de una directora siempre inteligente pero no siempre cabal, como lo es Isabel Coixet. Y que a pesar de su estilo habitualmente publicitario, en algunas secuencias, y de cierta automplacencia autoral, es la mejor historia que jamás ha escrito esta cineasta, la más emotiva, la más sencilla y la más sincera. Nos creemos completamente el demoledor drama de esta chica de 24 años y somos más conscientes de nuestra propia mortalidad. Nada menos.

‘La vida mancha’

No podía faltar una segunda película de Enrique Urbizu en esta personal lista, por mucho que a algunos quizá les sorprenda, pero este drama de un hombre bueno y solitario que va a ver puesto a prueba su amor por su hermano, sin duda lo merece. Urbizu dirige muy bien a un elenco de actores magníficamente escogidos, entre los que sobresale, como no podía ser de otra manera, un Coronado que siempre ha sido un gran actor, y que con Urbizu alcanzó por fin la madurez y el reconocimiento que tanto merecía. Historia de pasiones convulsas y secretas, de reencuentros, de silencios.

‘Lugares comunes’

Al igual que con ‘Mi vida sin mí’, muchos lectores podrían salirme con algo como: “Massanet, ¿para qué la incluyes? ¡no es española!”. Coproducción argentino-española, me da lo mismo que no sea cien por cien española, porque esta película es una de mis debilidades confesas. Maravillosa historia, tan verborreica como ‘Martín (Hache)’, pero mucho más melancólica, si cabe, más otoñal, más desesperada. Un enorme Federico Luppi y una extraordinaria Mercedes Sampietro, para la última gran película de Adolfo Aristaráin. Otra historia de padres e hijos, del dolor de la lucidez, de literatura, de amistad. Una joya.

Cierto, ninguna de ellas es una obra maestra (término al que le estoy cogiendo una manía espantosa…) como ‘El espíritu de la colmena’, pero buen cine ha habido, de eso no hay duda.

Tres años después de ‘Carretera perdida’, David Lynch presentaba en Cannes una nueva película, de pequeñísimo presupuesto (que fue comprada para su distribución por la Disney, nombre al que nunca hubiéramos unido con el director de ‘Corazón salvaje’, ¿no es cierto?) y basada en la historia real del ya por entonces fallecido Alvin Straight. De hecho, el título original de la película es ‘La historia de Straight’, pero una vez más los distribuidores españoles demuestran su escaso tino en el uso de los títulos, y nos dan ‘Una historia verdadera’, sosa y extraña elección para esta insólita “road-movie”, en la que un anciano de 73 años, conduciendo un cortacésped a lo largo de cuatrocientos kilómetros, acude, en el ocaso de su vida, a ver al hermano con el que no se habla desde una década.

Excepcional obra maestra de David Lynch, probablemente el más bello y conmovedor relato por él dirigido, superando incluso a ‘El hombre elefante’ o por lo menos igual de grandioso que aquel inolvidable drama. Tras su tenebrosa trilogía formada por ‘Terciopelo azul’, ‘Corazón salvaje’ y ‘Carretera perdida’, Lynch nos da un respiro, regresando a la luz de sus primeras realizaciones, despojándose de toda retórica visual, entregándose con pasión a la historia de un hombre común embarcado en un indescriptible viaje físico, moral y espiritual.

Creo que los que aducen, con la falta de argumentos habitual, que esta película es una maravilla precisamente porque se aleja del estilo Lynch, o que simplemente no tiene nada que ver con su filmografía anterior, no han reflexionado lo suficiente, ni han prestado atención a la trayectoria del director oriundo de Montana. En mi opinión, ‘The Straight Story’ (abandonemos, por favor, el título español) es tan Lynch como cualquier otra de las suyas, está unida por los mismos elementos y la misma mirada, y el propio Alvin, en su testadurez, en su singularidad, no se aleja demasiado del Jeffrey de ‘Terciopelo azul’ o del Fred de ‘Carretera perdida’, seres extraviados, solitarios, que crean su propia realidad (como el propio Lynch) gracias a su imaginación y su coraje, perdiendo así el contacto con la falsa realidad que les rodea y que ha dejado de importarles.

Caín y Abel se reencuentran

Este largometraje se filmó cuatro años después de que el verdadero Alvin Straight ejecutara su loca idea de visitar a su hermano conduciendo su cortacésped, y dos años después de su muerte. Richard Fansworth (veterano actor de 80 años, que había participado en numerosos westerns, tanto de cine como de televisión, y nominado al Oscar al mejor secundario por ‘Llega un jinete libre y salvaje’ (Pakula, 1978)), interpretó a Straight después de que se le diagnosticara un cáncer de huesos terminal, y sufrió fuertes dolores durante todo el rodaje, lo que convierte en hazaña un trabajo que ya de por sí es extraordinario, el papel de su vida. A su lado, la formidable Sissy Spacek borda otro precioso papel como la hija tartamuda de Alvin. Hace pocas películas esta magnífica actriz, pero siempre aporta su gran talento.

Rodando en orden cronológico, el equipo de rodaje trazó el mismo recorrido que el de Straight, punto por punto, y llegó a conocer a muchos de los que se encontraron con Alvin durante su trayecto. El diseñador de producción Jack Fisk (que ha participado en pocas películas, pero es una leyenda de su oficio, pues entre ellas se cuenta la filmografía completa de Terrence Malick) y el no menos legendario operador Freddie Francis (fallecido hace tres años, que aquí firmó su último trabajo como director de fotografía) parecen impregnarse de la ascética voluntad de estilo de Lynch, y ponen sus mejores esfuerzos en la extrema sencillez y verdad conmocionadora que encuentra el director en cada secuencia.

A su vez, Angelo Badalamenti, nos regala una joya de banda sonora, cuya placidez y elegancia resultan indescriptibles e imprescindibles para seguir la ruta de redención total de un personaje fascinante, un antiguamente orgulloso veterano de la II Guerra Mundial convertido ahora en despojo humano, en un anciano terminal incapaz de tenerse en pie dos minutos sin la ayuda de dos muletas, en un hombre acosado por los recuerdos fantasmales de la guerra y de la relación con un hermano al que amaba, pero al que la vanidad, la ira, el alcohol y los miles de obstáculos sentimentales que se sitúan muchas veces entre dos hermanos, ha alejado de sí. Ahora que ambos están en el final de sus respectivas vidas, Alvin toma la decisión, íntima y para muchos incomprensible, de visitarle él solo, que no puede conducir un coche, porque ese viaje significa muchas cosas.

Significa, para empezar, tragarse su orgullo y asumir de una vez que el cuerpo se le cae a pedazos y que la muerte llama a la puerta. Significa un acto de humildad que su hermano reconocerá como tal y por el que, espera y desea, le perdone y comparta con él sus últimos días. Además, por la lentitud del vehículo, puede prepararse anímicamente para el reencuentro, y tratándose de un hombre que ha viajado toda su vida, es el último viaje y con él, vuelve a sentirse parte del hombre que fue. El modo en que Lynch narra, sin desfallecer jamás de ritmo, una historia que en otras manos podría haber resultado aburrida o reiterativa, es uno de los vuelos líricos más importantes de las últimas décadas, y certifica a un gran cineasta con un gran corazón.

Conclusiones

En su octava película, Lynch toca el techo de los maestros. Cierra así una década apasionante, en la que conoció la fama internacional, el prestigio con el que muchos cineastas sólo pueden soñar, un masivo éxito televisivo, pero también el fracaso más doloroso (para olvidar su ‘Fuego camina conmigo’). Todo ello desde la libertad creativa y personal absoluta, sin la menor concesión, convirtiéndose así en un gigante de su oficio, en un hombre admirado y cuestionado a partes iguales. En la siguiente década sólo filmaría dos largometrajes, que son, respectivamente, dos enormes pasos hacia la anarquía narrativa total, en una lucha consigo mismo para liberarse de todas las ataduras formales existentes. Pero de eso ya hablaremos.

Post Data Inevitable: Un año después de presentar la película, harto de los dolores extremos de su enfermedad, Richard Fansworth, en su rancho de New Mexico) se pegó un tiro. Tristísimo final para un gran intérprete. Descanse en paz.

Especial David Lynch en Blogdecine

Mañana, 9 de julio, se estrena la opera prima de la holandesa de origen polaco Urszula Antoniak, ‘Nothing personal’. Esta película, interpretada por Lotte Verbeek y Stephen Rea, obtuvo galardones a diferentes categorías en Locarno, en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y en el Festival de Cine Holandés.

Una mujer holandesa, vagabunda por elección, recorre los caminos de Connemara (Irlanda), haciendo autostop y sacando comida de los contenedores. Llega a una casa apartada, en una isla maravillosa, de la que se queda prendada hasta que descubre que su dueño es un hombre maduro que vive solo allí. Él le ofrece comida a cambio de que trabaje en el jardín. Ella se queda, con la condición de que no se trate nada personal, de que no haya preguntas.

Como se comprueba en las fotografías que acompañan esta opinión, el film de Antoniak nos regala preciosos planos paisajísticos y bellas composiciones, creadas con elementos mínimos, como son el cabello de la protagonista y los enseres del hogar al que la dirigen sus pasos. Por lo tanto, como film contemplativo, puede ser una opción más que recomendable.