Santanico Pandemonium: Te voy a secar por completo. Te vas a morir por mí. Vas a ser mi esclavo. Vas a vivir para mí. Vas a comer bichos si te lo mando. ¿Por qué? Porque no creo que te merezcas sangre humana. Te alimentarás con la sangre de perros callejeros. Serás el taburete para mis pies. Y a una orden mía, lamerás la mierda de perro del tacón de mis botas. Cuando te conviertas en mi perro te llamaré Spot. Bienvenido a la esclavitud.

Seth: No gracias. Ya estuve casado.

Con el reciente estreno de ‘Machete’ (id, 2010), se confirma lo que llevo pensando mucho tiempo: que el mexicano Robert Rodríguez, quien hace bastantes años era una especie de promesa del cine de acción y aventuras con un cierto toque chicano y desvergonzado, se ha revelado como una decepción completa de cineasta. Cuando presentó la divertida y vibrante ‘El mariachi’ (id, 1992) fue inmediatamente fichado por las majors de Hollywood, y tras un par de trabajos televisivos, realizó la secuela/remake de su primera película (muy inferior), dirigió el mejor episodio (absolutamente delirante e inolvidable) de ‘Four Rooms’ (id, 1995), y a continuación ‘Abierto hasta el amanecer’ (‘From Dusk Till Dawn’, 1996), sobre guión de su ya amigo (al parecer son como hermanos) Quentin Tarantino, que se reservó un papel bastante importante en la cinta. Y creo que con esa dirigió su mejor película, muy superior a prácticamente todo lo que ha hecho después, en una carrera que actualmente va en caída libre.

‘Abierto hasta el amanecer’, al menos, es una más que divertida y estimulante aventura, con momentos realmente muy buenos, en los cuales la habilidad de Rodríguez para el dinamismo y la energía visual aún era notable, no como ahora en la que sus películas de acción son farragosas y sin la menor fuerza. Un filme con mucha acción, mucha sangre, buena violencia, mucho humor vulgar y completamente disfrutable, algunos intérpretes estupendos (aunque en registros menores) y sin el menor complejo, sabiendo perfectamente en todo momento qué clase de producto es. Es decir, totalmente autoconsciente. Una hora y cuarenta y ocho minutos de salvajismo y carcajadas que no engañan a nadie, a pesar de que la recta final de la película quede tan floja.

Por supuesto que este largometraje está incrustado en plena época de fervor inicial con el cine tarantiniano, ya que dos años después de ‘Pulp Fiction’ (id, 1994) todavía se sentía su estela con fuerza. Tanto es así que muchos están seguros de que los mejores momentos de la película los dirigió el propio Tarantino. Yo no sé si es cierto, pero sí que el guión que escribió es bastante inferior a otros suyos, y que aún así es capaz de dibujar dos buenos personajes como lo son Seth Gecko (George Clooney) y Jacob Fuller (Harvey Keitel) y algunos buenos diálogos (otros bastante alargados y sin sentido). Un guión en el que lo más interesante sucede en la primera parte, mientras que la segunda deja poco espacio para la inventiva y la narración, como finalmente sucedió. El contraste entre la brillantez polvorienta de la primera parte, y la barrabasada guiñolesca de la segunda es enorme. Muchos espectadores se sentían estafados por semejante cambio genérico a mitad de metraje. No es de extrañar. Otros disfrutaban con esta enorme broma gore.

El arranque está muy bien, es lo suficientemente irónico y salvaje. Le sigue la secuencia de la violación y asesinato en off de la mujer secuestrada por parte de Richard Gecko, luego descubierto por su hermano Seth Gecko y mostrado con una muy buena solución de montaje directamente plagiada (y a mucha honra) de ‘El graduado’ (‘The Graduate’, Mike Nichols, 1967). Hay buena tensión y oscuridad en toda esta parte, y nos creemos perfectamente a la familia Fuller, con el atormentado Jacob renegando de Dios por la muerte de su mujer, y sus dos hijos, siendo todos secuestrados por los Gecko para poder cruzar la frontera mexicana. Hasta aquí todo perfecto. Rodríguez no deja caer el ritmo en ningún momento y la película se sigue más que bien. Creo que Tarantino está francamente horrible como el hermano pirado de Clooney, que a su vez está fantástico como anti-héroe de acción. Clooney es la película: físicamente pletórico, con una mirada y una voz que se comen a todos los compañeros de reparto con facilidad, incluso a un apocado Keitel o a una como siempre sensual e interesante Juliette Lewis.

Pero, desde luego, empieza otra película una vez llegan al ‘Titty Twister’, y sensiblemente inferior a pesar de algunos buenos momentos, pues a partir de entonces, sobre todo, Rodríguez empieza a perder el ritmo de lo que está contando, y los altibajos son fortísimos. Desaparecida la tensión de que los Gecko sean apresados por los federales o de que asesinen a los Fuller, tardamos demasiado en recuperar algo de la fuerza narrativa del primer tercio de la película. Al menos, dirán algunos, tenemos el baile erótico de Salma Hayek, pero creo que hay poco erotismo en esa mujer y hasta agradezco que la liquiden pronto. Por supuesto, se inicia una escalada de sangre, vísceras y órganos desparramados. Caos total, en el que Rodríguez se supone da lo mejor de sí mismo, y sin embargo hay poca inventiva visual, los vampiros dan más asco que miedo, y la situación desesperada de los personajes protagonistas, aunque bastante conseguida, es previsible, y todo se va diluyendo a gran velocidad.

En cuanto a la atmósfera del local, lo cierto es que está bastante bien. Mérito de la diseñadora de producción Cecilia Montiel y del director artístico Mayne Berke, el aspecto meramente visual, con la cámara del buen operador Guillermo Navarro, se regocija en detalles luctuosos y siniestros realmente conseguidos. Entre ellos y George Clooney, salvan el tercio final de un desastre de puesta en escena y planificación bastante notorio, así como de una vagancia manifiesta a la hora de indagar un poco lo que el último plano sugiere de vampiros aztecas, que hubiera sido muy estimulante desarrollar o profundizar siquiera unos minutos. Una pena, porque creo que esta historia podría haber dado mucho más de sí a pesar de lo ajustado de su presupuesto y de la gamberrada que significa su mera concepción. Porque gamberrada es poner en tantos papeles al colega Cheech Marin (con uno de los monólogos más disparatados de la historia), o los cutres efectos visuales, o los chistes en plan comic juvenil.

Conclusión

Digna película de aventuras y de humor grueso, que en comparación con los desastres que hace actualmente Rodríguez, contiene hasta buen cine. Con ella, Clooney se la jugaba después de cautivar en la estupenda serie ‘Urgencias’ (‘ER’, 1994-2009), pero salió triunfante y se hizo un hueco rápidamente en Hollywood. No es para menos, pues él es el verdadero motor de la historia y la presencia más enérgica y notable de la película. A menudo se le tacha de actor limitado, lo que creo que es bastante injusto. A Tarantino, sin embargo, le dieron lo suyo por un papel exagerado e insoportable hasta la médula. Rodríguez, por su parte, aún haría una película muy disfrutable con ‘The Faculty’ (id, 1998) antes de echar a perder su carrera de director de acción. A ver si el tiempo demuestra lo equivocado que estoy.

Se acabó Sitges 2010, pero yo os seguiré comentando todas las películas que pude ver durante los nueve días que pasé allí, ahora con más tranquilidad y más tiempo. Os venía diciendo que el nivel general de las películas estaba siendo flojo, decepcionante, pero siempre conservé la esperanza de que todo mejoraría al final, con algunos de los títulos que se habían reservado para las últimas jornadas del certamen. El pasado viernes pudimos ver la esperada ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves y ‘El perfecto anfitrión’ de Nick Tomnay, incluido en la sección oficial competitiva. Inesperadamente, quedé más satisfecho con el segundo film.

‘Déjame entrar (Let Me In)’, una versión más cálida y comercial

Sin duda, uno de los platos fuertes de la 43ª edición de Sitges era el preestreno de ‘Déjame entrar (Let Me In)’, una semana antes de su llegada a los cines de toda España (se estrena el próximo día 22). La esperada nueva película de Matt Reeves, que en Estados Unidos se ha saldado con estupendas críticas y un llamativo fracaso en taquilla, es como ya sabéis un remake de habla inglesa, producido por la renovada Hammer y ambientado en los Estados Unidos de la era Reagan, del film sueco ‘Déjame entrar’ (‘Låt den rätte komma in’, 2008), que sorprendió a todos con una historia de vampiros fuera de lo corriente. Reeves (‘Monstruoso’) firma el guión y aunque insiste que se trata de una nueva adaptación del libro de John Ajvide Lindqvist, no es cierto, hay cambios pero básicamente ha repetido la película que ya hizo Tomas Alfredson.

El personaje principal es Owen, un chico solitario cuyos padres se acaban de separar y que es maltratado en el colegio por unos agresivos compañeros. Una noche, mientras espía desde la tranquilidad de su dormitorio, asiste a la llegada de sus nuevos vecinos, la adolescente Abby y un hombre mayor que parece ser su padre. Pronto conoce a la chica, que resulta ser más extraña que él; se caen bien, se ven a menudo y salen de paseo como si fueran una joven pareja, mientras comienzan a sucederse misteriosos crímenes en la localidad, donde nunca pasaba nada.

Sin margen para la sorpresa (lo novedad más destacable es la inclusión del detective al que da vida el siempre grande Elias Koteas, pero no aporta gran cosa argumentalmente), queda más expuesta la puesta en escena de Reeves, su capacidad para atrapar al espectador, para mantener la atención en todo momento y seguir narrando con interés y pasión una historia que ya nos sabemos (no esperéis un final diferente). Y el balance no es positivo. Acierta montando un film al estilo de la original, más europeo que norteamericano, sin montaje acelerado ni rutinario plano-contraplano, pero no puede evitar cargarse la oscuridad y la sequedad del relato de Alfredson. Su ‘Déjame entrar’ es más cálida, humana y cercana.

Por otro lado, los pocos cambios que se hacen (con la intención de animar la trama), la inclusión de efectos visuales para dar vida a Abby en un par de escenas (un rotundo error, le quita realismo) y el radical cambio de imagen de la chica (Chloë Moretz es rubia, guapa y siempre va perfectamente peinada y maquillada, nada que ver la chica del film sueco) buscan darle un barniz más comercial a la película, pero el tiro les ha salido por la culata. No me extraña que se hable bien de ella, los actores están estupendos (aparte de los mencionados destacan Kodi Smit-McPhee, que está fantástico, y Richard Jenkins, quizá algo desaprovechado), la música de Michael Giacchino entusiasma a cualquiera, pero no conviene perder la perspectiva ni olvidar que hace dos años se estrenó una versión superior de la misma historia. Os puede entretener, pero se olvidará.

‘El perfecto anfitrión’, un encantador perturbado

Ya os comenté que la labor de Patrick Fabian en ‘El último exorcismo’ era impecable, así que no discuto que le hayan dado el premio al mejor actor del certamen, pero mi favorito era David Hyde Pierce por ‘El perfecto anfitrión’ (‘The Perfect Host’). El actor, famoso por su papel de Niles Crane en la serie ‘Frasier’, está fantástico interpretando al sofisticado Warwick Wilson, la peor pesadilla de un ladrón muy confiado. La película se basa en un corto titulado ‘The Host’, escrito y dirigido por Nick Tomnay en 2001; él mismo se ha encargado de convertirlo a largometraje, siendo su primer trabajo en el cine.

‘El perfecto anfitrión’ nos presenta a John, un joven que acaba de asaltar un banco. El atraco no ha salido como esperaba, está herido y la policía le pisa los talones. Desesperado, y desarmado, decide intentar engañar al propietario de alguna de las lujosas casas de un barrio residencial, ocultarse, descansar y buscar alguna solución al día siguiente. Así es como conoce a Warwick, un encantador, amanerado y solitario individuo que prepara una cena para sus mejores amigos. Warwick se traga las mentiras de John y parece la presa ideal, pero a veces las apariencias engañan…

Sin ser gran cine, es de esas películas que se ven agradablemente de principio a fin, y de la que guardas buen recuerdo. Está filmada con elegancia (con los cortes justos y dejando a los actores moverse con libertad por el escenario), el guión está lleno de sorpresas (con lo cual te mantiene pendiente a la espera del siguiente giro) y está centrado en un duelo interpretativo muy tenso y divertido. Gana la partida (hablo de interpretación, no estoy reventando la trama) Pierce, pero Clayne Crawford se defiende con soltura, tampoco es lo que parece al principio y siempre resulta verosímil. Por supuesto, ‘El perfecto anfitrión’ no es ‘La huella’ de Mankiewicz, pero tiene momentos gloriosos. No sé qué hacía en Sitges, no es terror ni hay elementos fantásticos, pero me alegró verla.

Mi compañero Adrián Massanet especulaba hace poco sobre una de las grandes obviedades que visten al séptimo arte, la supervivencia o muerte del medio. Es evidente que si se mira desde un punto de vista económico, ‘Resident Evil: Ultratumba’ (‘Resident Evil: Afterlife’, Paul W.S. Anderson, 2010) garantiza la supervivencia del cine debido a su éxito. Ahora bien, si se mira desde una perspectiva artística, el engendro dirigido por el señor Anderson --por Dios, no me lo confundan con el excelente director de ‘Magnolia’ (id, Paul Thomas Anderson, 1999)-- sería un indicio de que el cine se convierte en un zombie, un muerto moribundo. Si dejo de lado el cabreo que me ha producido el visionado de tremenda majadería, frenaría mis palabras y diría que productos como éste hacen mucho daño al cine, y en concreto al injustamente infravalorado cine de acción, terror y ciencia ficción.

Por otro lado, ‘Resident Evil: Ultratumba’ ha sido lanzada en 3-D utilizando el sistema creado por James Cameron, director que va por ahí quejándose de lo mal que se está usando el 3-D en otras películas, proclamando a los cuatro vientos que el suyo es el único sistema válido. Está claro que lo único que le interesa a Cameron es ganar pasta, algo totalmente respetable, porque si hubiera echado un vistazo al uso de su sistema en el presente film, se echaría las manos a la cabeza. ‘Resident Evil: Ultratumba’ tiene su única razón de existencia en el famoso nuevo formato. De ahí a que se use con inteligencia hay todo un trecho.

El argumento no existe, simplemente es una excusa para ofrecer lo mismo que en las anteriores lamentables secuelas --esta saga compite directamente con la de ‘Crepúsculo’ (‘Twilight’) en ser la peor de la historia--, y está ofrecida como si de un videojuego se tratase, algo lógico por otro lado debido a la procedencia del material. Alice (Milla Jovovich) y un ejército de clones a su imagen y semejanza --que enlaza el film con la tercera entrega, la mejor de todas-- intentando destruir una de las bases secretas de la Corporación Umbrella, la verdadera responsable de que el mundo se haya sumido en un apocalipsis en el que los muertos caminan ansiosos de carne humana, viva, of course.

A partir de ahí, la llamada progresión dramática que suele poseer todo film, es triturada por el señor Anderson en beneficio de una falsa espectacularidad en la que sobresalen los detalles de una estética vacía que nada comunica. Gotas de agua, ropa, gafas de sol lanzadas a la pantalla --más que un ejercicio de complicidad con el público parece un insulto directo--, y mil elementos más son resaltados para que la 3-D luzca en todo su esplendor. El espectador va de pantalla en pantalla acompañando a Alice y sus amigos, que van pasando pruebas mientras se enfrentan a todo un ejército de zombies, que esta vez tienen menos protagonismo que en anteriores entregas. Sólo se le da algo de relevancia a cierto tipo grandote con un martillo hacha que quita el hipo, a una variante de zombie que es capaz de hacer túneles por el suelo, y a unos doberman con malas pulgas, mascotas del villano de la función, una versión chulesca y barriobajera del agente Smith de ‘Matrix’. Todo ello evidentemente desaprovechado.

El hecho de que Paul W.S. Anderson haya regresado a la franquicia en el cuarto título --es productor de la segunda y tercera, dejando el testigo en directores mejores que él-- parece responder a una necesidad imperiosa de demostrar que el cine del nuevo milenio se mueve en otra onda, y es ahí donde volvemos a lo comentado al inicio del post. La imagen de Alice en una avioneta que sobrevuela el letrero destrozado de Hollywood no puede ser mas clara en intenciones. Se está apostando con fuerza por nuevas formas de entender el séptimo arte en estos tiempos en los que el facebook, los videojuegos, los Ipod y los teléfonos móviles superavanzados van camino de convertirse en la esencia de nuestra existencia. Triste, cuanto menos.

De nada vale que Milla Jovovich --esposa del director, y madre de un hijo de ambos-- parezca querer ofrecer una cara de heroína cansada, intentando poner otra voz más profunda --por cierto ¿alguien se ha fijado que al inicio le quitan sus poderes pero sigue siendo una espectacular luchadora y guerrera?--; o que veamos a una siempre preciosa Ali Larter robando en carisma los planos a la Jovovich; o a Sergio Peris-Mecheta pronunciando un perfecto inglés; o a Wentworth Miller pretendiendo resultar misterioso; o que el film termine con un bochornoso cliffhanger más propio de una serie de televisión. ‘Resident Evil: Ultratumba’ es una pérdida absoluta de tiempo. Sí, es a lo que olía, pero no se puede decir hasta comprobarlo. Aclaración esta última para los que les gusta que les expliquen obviedades.

Quizás el arte sea una broma.

-Banksy.

El título de este estupendo ¿documental? ‘Exit through the gift shop’ (‘Salida por la tienda de regalos’) ya es una declaración de principios. Hace referencia a que la mayoría de los museos están estructurados de tal forma que la única manera de abandonarlos es atravesando su tienda. Ya tenemos los dos bandos enfrentados antes incluso de que comience el film: arte versus capitalismo.

Aún hay más antes del inicio: la imagen precréditos representa un logo prácticamente idéntico al de la Paramount (concretamente pone “Paranoid”) mientras es tiroteado. La película del artista callejero Banksy será un viaje en el que nos responderán por qué la Paramount no sólo no se habrá negado a que tiroteen su logo, sino que estará encantada de ello, aunque ya aviso que las preguntas serán más numerosas que las respuestas. ¿Vamos?

Mi conocimiento sobre el mundo del graffiti y el street art se limitaba a saber de la existencia de un tal ‘muelle’ que inundó los muros de Madrid con su firma a principios de los 80 y a observar y comentar con amigos los graffitis especialmente divertidos y/o inspirados que nos vamos encontrando por la calle.

Al que sí conocía era a Banksy. Los graffitis, serigrafías y happenings varios de este provocador nato, poseen un marcado carácter político (de izquierdas, para entendernos) y su marca de la casa consiste en la perversión de lugares comunes y situaciones cotidianas. Recuerdan sobre todo a los dibujos de Terry Gilliam para la serie ‘Monty Phyton’s flying circus’. Pero el objetivo siempre es el ataque al establishment, al poder. Sus combativas creaciones son conocidas y copiadas en las calles de todo el planeta. Banksy es un personaje muy sugerente también por su anonimato. Nadie sabe quién es. Nadie le ha visto el rostro. Últimamente ha vuelto a copar los medios por su creación de una “intro” de ‘Los Simpsons’ que, a mi entender, es una obra maestra de la provocación, y chapeau para los productores de la serie por atreverse a emitir algo así:

La primera sorpresa que nos depara la película es que el protagonista no es Banksy, sino Thierry Guetta, un francés bigotudo y con pocas luces, que va a todas partes con su inseparable videocámara. Lo graba absolutamente todo, sin un objetivo concreto. Para entendernos, es una especie de ‘mocito feliz’... hasta que cae en el mundo de los artistas callejeros. Por la pantalla comienzan a desfilar una extraña galería de personajes como ‘Space invader’ con sus mosaicos de marcianitos, o Shepard Fairey, que inunda los muros de los edificios con el inquietante rostro de ‘André the Giant’ (antiguo luchador de ‘Pressing catch’) con la leyenda ‘obedece’. Es ésta la parte más vibrante del film. La grabación por parte de Guetta de las incursiones nocturnas de los graffiteros provoca una sensación de fantasmagoría que me hace pensar en el ejército de los ‘12 monos’ (‘Twelve monkeys’, 1995), Gilliam again. Y una cosa queda clara: el arte callejero es el nuevo “punk”.

Entonces aparece Banksy. Thierry Guetta cae rendido a sus pies y se ofrece como chico para todo. Banksy le acepta y así conoceremos de primera mano los métodos de guerrilla del artista y alguna de sus acciones más logradas, como una megaexposición al borde de la clandestinidad en la que la estrella es un elefante pintado de rosa. A partir de esa exposición, Banksy se convierte en objeto de deseo de las casas de subastas de medio mundo, y lo que empezó en las calles de Londres como arte radical y de protesta, acaba tristemente colgado en casas de pijos adinerados al lado de Picassos o Monets.

Mientras tanto, Guetta ha montado una película con todo el material rodado durante los años que ha convivido con los artistas callejeros. La sorpresa es que no es la película que estamos viendo. Sólo alcanzamos a ver un extracto, un bodrio de imágenes inconexas que bombardean sin piedad al espectador. Entonces, en un extraño giro, Banksy le aconseja a Thierry Guetta que deje el material grabado en sus manos e intentará remontarlo él mismo. Pero tampoco va a ser la película que estamos viendo, ya que ahora va a ser Banksy el que siga los pasos de un Thierry Guetta que ha decidido convertirse en un artista de talla mundial. El cazador cazado.

A partir de ese momento, asistimos a la fulgurante ascensión a los Olimpos de este peculiar individuo, rebautizado como Mr. Brainwash, que recuerda poderosamente al protagonista de ‘Bienvenido Mr. Chance’ (‘Being there’, 1979), de Hal Ashby. En él queda reflejado todo lo de vacío, estúpido y arbitrario del mundo del arte. Un advenedizo que jamás ha tenido nada remotamente parecido a una carrera artística, con la ayuda de un ejército de colaboradores crea una apabullante exposición multidisciplinar. El éxito es total y las ganancias superan el millón de dólares.

Finalizada la película, todo son dudas. ¿Hay manera de escapar al mercantilismo del arte? ¿De quién habla Banksy, de Thierry Guetta o de sí mismo? ¿Existe realmente Thierry Guetta? ¿Existe realmente Banksy? ¿No será todo una enorme broma? Da igual, yo me lo he pasado en grande. La edad de oro del documental continúa.

Más información | Página oficial de Banksy

Quizás el arte sea una broma.

-Banksy.

El título de este estupendo ¿documental? 'Exit through the gift shop' ('Salida por la tienda de regalos') ya es una declaración de principios. Hace referencia a que la mayoría de los museos están estructurados de tal forma que la única manera de abandonarlos es atravesando su tienda. Ya tenemos los dos bandos enfrentados antes incluso de que comience el film: arte versus capitalismo.

Aún hay más antes del inicio: la imagen precréditos representa un logo prácticamente idéntico al de la Paramount (concretamente pone "Paranoid") mientras es tiroteado. La película del artista callejero Banksy será un viaje en el que nos responderán por qué la Paramount no sólo no se habrá negado a que tiroteen su logo, sino que estará encantada de ello, aunque ya aviso que las preguntas serán más numerosas que las respuestas. ¿Vamos?

Mi conocimiento sobre el mundo del graffiti y el street art se limitaba a saber de la existencia de un tal 'muelle' que inundó los muros de Madrid con su firma a principios de los 80 y a observar y comentar con amigos los graffitis especialmente divertidos y/o inspirados que nos vamos encontrando por la calle.

Al que sí conocía era a Banksy. Los graffitis, serigrafías y happenings varios de este provocador nato, poseen un marcado carácter político (de izquierdas, para entendernos) y su marca de la casa consiste en la perversión de lugares comunes y situaciones cotidianas. Recuerdan sobre todo a los dibujos de Terry Gilliam para la serie 'Monty Phyton's flying circus'. Pero el objetivo siempre es el ataque al establishment, al poder. Sus combativas creaciones son conocidas y copiadas en las calles de todo el planeta. Banksy es un personaje muy sugerente también por su anonimato. Nadie sabe quién es. Nadie le ha visto el rostro. Últimamente ha vuelto a copar los medios por su creación de una "intro" de 'Los Simpsons' que, a mi entender, es una obra maestra de la provocación, y chapeau para los directivos de la Fox por atreverse a emitir algo así:

La primera sorpresa que nos depara la película es que el protagonista no es Banksy, sino Thierry Guetta, un francés bigotudo y con pocas luces, que va a todas partes con su inseparable videocámara. Lo graba absolutamente todo, sin un objetivo concreto. Para entendernos, es una especie de 'mocito feliz'... hasta que cae en el mundo de los artistas callejeros. Por la pantalla comienzan a desfilar una extraña galería de personajes como 'Space invader' con sus mosaicos de marcianitos, o Shepard Fairey, que inunda los muros de los edificios con el inquietante rostro de 'André the Giant' (antiguo luchador de 'Pressing catch') con la leyenda 'obedece'. Es ésta la parte más vibrante del film. La grabación por parte de Guetta de las incursiones nocturnas de los graffiteros provoca una sensación de fantasmagoría que me hace pensar en el ejército de los '12 monos' ('Twelve monkeys', 1995), Gilliam again. Y una cosa queda clara: el arte callejero es el nuevo "punk".

Entonces aparece Banksy. Thierry Guetta cae rendido a sus pies y se ofrece como chico para todo. Banksy le acepta y así conoceremos de primera mano los métodos de guerrilla del artista y alguna de sus acciones más logradas, como una megaexposición al borde de la clandestinidad en la que la estrella es un elefante pintado de rosa. A partir de esa exposición, Banksy se convierte en objeto de deseo de las casas de subastas de medio mundo, y lo que empezó en las calles de Londres como arte radical y de protesta, acaba tristemente colgado en casas de pijos adinerados al lado de Picassos o Monets.

Mientras tanto, Guetta ha montado una película con todo el material rodado durante los años que ha convivido con los artistas callejeros. La sorpresa es que no es la película que estamos viendo. Sólo alcanzamos a ver un extracto, un bodrio de imágenes inconexas que bombardean sin piedad al espectador. Entonces, en un extraño giro, Banksy le aconseja a Thierry Guetta que deje el material grabado en sus manos e intentará remontarlo él mismo. Pero tampoco va a ser la película que estamos viendo, ya que ahora va a ser Banksy el que siga los pasos de un Thierry Guetta que ha decidido convertirse en un artista de talla mundial. El cazador cazado.

A partir de ese momento, asistimos a la fulgurante ascensión a los Olimpos de este peculiar individuo, rebautizado como Mr. Brainwash, que recuerda poderosamente al protagonista de 'Bienvenido Mr. Chance' ('Being there', 1979), de Hal Ashby. En él queda reflejado todo lo de vacío, estúpido y arbitrario que tiene el mundo del arte. Un advenedizo que jamás ha tenido nada remotamente parecido a una carrera artística, con la ayuda de un ejército de colaboradores crea una apabullante exposición multidisciplinar. El éxito es total y las ganancias superan el millón de dólares.

Finalizada la película, todo son dudas. ¿Hay manera de escapar al mercantilismo del arte? ¿De quién habla Banksy, de Thierry Guetta o de sí mismo? ¿Existe realmente Thierry Guetta? ¿Existe realmente Banksy? ¿No será todo una enorme broma? Da igual, yo me lo he pasado en grande. La edad de oro del documental continúa.

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No hay en el planeta un ser humano más cualificado que Peter Jackson para dirigir estas películas.

(Alan Horn)

Tras marear la perdiz de manera increíble, por fin se confirma una noticia que ya no interesaba a nadie, excepto a los fanáticos de todo lo que huela a Tolkien. Toby Emmerich (New Line Cinema), Alan Horn (Warner Bros.) y Steve Cooper (Metro-Goldwyn-Mayer) han anunciado oficialmente que se ha dado luz verde al rodaje de ‘El hobbit’. Los detalles más importantes, aunque ya los conocíamos o eran rumores tan serios que nadie los ponía en duda: serán dos películas, la filmación comenzará el próximo mes de febrero bajo la dirección de Peter Jackson, y se utilizarán las modernas cámaras 3D. ¿Por qué en dos partes y en 3D? Porque da más dinero.

El guión de ‘El hobbit’ (‘The Hobbit’) lo han escrito Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens (los tres que adaptaron la trilogía de ‘El señor de los anillos’) y Guillermo del Toro, el elegido inicialmente para dirigir las películas. Ian McKellen confirmó que estaría en el film para volver a dar vida a Gandalf, y también se sabe que Andy Serkis participará activamente gracias a la tecnología de la captura del movimiento. En cuanto a Bilbo, el principal protagonista, siguen los rumores sobre varios nombres (hace poco se habló de Martin Freeman) pero aún no hay nada confirmado. Se supone que la primera parte de ‘El hobbit’ se estrenará en diciembre de 2012, y que la segunda estará en los cines un año más tarde.

PD: La trilogía del anillo logró en torno a 3.000 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo.

Vía | ComingSoon

Había pasado la moda de los falsos tráilers, pero éstos no se han dejado de montar. En esta ocasión, os presentamos uno que vende ‘Origen’ (‘Inception’), de Christopher Nolan, como si se tratase de un film de terror de los años cincuenta.

Utilizando los códigos de entonces, como el tono de voz del locutor, que además sufre diferencias de pitch y una mezcla de audio no muy bien ajustada... las frases grandilocuentes y los enormes carteles, convierten ‘Origen’ en una curiosa serie B de terror o un film de Alfred Htichcock de los cuarenta o cincuenta. Lo que no son capaces de disimular --ni siquiera rompiendo la imagen con el film mode y el flou y con el blanco y negro-- es el enorme presupuesto de la cinta de Nolan, del que nunca habría dispuesto una película como la que se anuncia.

La música está extraída de ‘La ventana indiscreta’ (‘Rear Window’), ‘Encadenados’ (‘Spellbound’) y ‘Vértigo: de entre los muertos’ (‘Vertigo’) y de sus tráilers.

Lo cierto es que no le queda nada mal. Sigue resultando tan apetecible como con el tráiler real, que vendía unos mundos increíbles y despertaba una gran curiosidad.

Vía | Cinematic Jackass.