Con motivo de su reciente cumpleaños, Woody Allen ha tenido un poco de espacio en los medios, y ha vuelto a hablar sobre su (según él) inmerecida fama de intelectual. Dice que es por las gafas…

No ando leyendo a novelistas rusos. Los he leído para estar a la altura de mis novias, pero en realidad mi corazón siempre ha estado en los campos de fútbol americano.

Un caso curioso. En Nueva Zelanda se está realizando un casting para ‘El hobbit’, y una mujer de origen paquistaní fue rechazada por tener la piel demasiado oscura. El director de la audición fue despedido tras ser acusado de racista. He aquí su versión:

Estábamos buscando personas con piel clara. Son los requisitos. Tienes que parecer un hobbit.

Federico Luppi, sobre su modo de interpretar:

A mí no me gusta si, por ejemplo, hago un enfermo de algo, ir al hospital a observarlo, porque eso es una documentación verista que impide que funcione la imaginación. Hay un enfermo, hay un loco que está dentro de uno, no hay que buscarlo fuera. Copiar es una lamentable pérdida de tiempo porque se desaprovecha el material que es uno mismo.

Christopher Nolan estuvo buscando un director para la nueva película de Superman. Al parecer, Ben Affleck estuvo entre los candidatos, pero rechazó la oferta:

Me encantaría hacer algo como ‘Blade Runner’, pero una lección que he aprendido es que no tienes que mirar las películas por su presupuesto, cuánto se gastarán en efectos, o dónde se va a rodar. La historia es lo que importa.

20th Century Fox pide 15 millones de dólares a una mujer por subir a la red, sin autorización, unos cien guiones. En la demanda puede leerse esto:

Sus acciones dañan a los fans que no quieren que su disfrute de una película o un show televisivo sea arruinado por conocer la historia antes de que sea posible verla.

Eli Roth cree que hay mucha hipocresía en la crítica cuando se trata de cine de terror, y en concreto piensa que fueron muy duros con su ‘Hostel 2’:

Muy pocos críticos te dirán su verdadera opinión sobre un film de terror. Temen que si les gusta serán asociados a la violencia que hay en ella. [...] Dicen “creo que es mala porque está mal torturar a las mujeres”. No jodas. ¿Quién dice lo contrario? Pero el hecho de que haya logrado una fuerte reacción en ti significa que en algún momento te has implicado. Que te has preocupado y te ha impactado lo que has visto.

Tom Shadyac dirigió algunas comedias de éxito pero desde 2007 ya no trabaja para Hollywood. Vendió su mansión y ahora vive en una caravana, no usa móvil y está repartiendo sus pertenencias…

Todavía tengo mucho dinero que no siento como mío, porque viene de un sistema competitivo que está contribuyendo a destruir el mundo. Así que mi manera de huir de la economía es tomar solo lo que necesito para vivir.

Vía | Worstpreviews, elmundo

Visionar una película como ‘El ansia’ (‘The Hunger’, Tony Scott, 1983) es como contemplar uno de esos aburridos cuadros en los que la perfección plástica ahoga el alma de la obra, sin que ésta llegue a transmitir absolutamente nada. Creo que un artista, pertenezca a la rama que pertenezca debe dejar algo de sí mismo en su trabajo, dejarse un trozo de corazón, demostrar que por sus venas corre sangre insuflada de pasión, de vida. Que su arte no sea una mera utilización de medios --la cámara, el pincel, la voz, un instrumento, etc.--, porque entonces nunca pasará de ser un simple reproductor formal, con una técnica impecable, pero muerto por dentro. En esos casos --más de los que creemos--, han perdido su valioso tiempo, y lo que es peor, nos han hecho perder el nuestro.

Pero en el caso que hoy nos ocupa, el del director del film, no el del anodino cuadro, sabemos que no siempre ha sido así. Tony Scott --actualmente podemos ver en cartelera ‘Imparable’ (‘Unstoppable’, 2010)-- ha demostrado alguna que otra vez que puede ser algo más que mediocre. Sin embargo, sus inicios no pueden compararse a los de su hermano, pues se encuentra totalmente en las antípodas. La ópera prima de Tony Scott es un despropósito visual de una envergadura tal, que se hace insufrible por momentos. ¿Por qué entonces su inclusión en este especial sobre vampirismo? Muy sencillo, además de pensar en el hecho de que determinada cinta sea buena o mala, tengo en cuenta sobre todo la figura vampírica que sale en ella. Y el vampiro de ‘El ansia’ merece estar en esta selección.

El argumento de la película es mínimo. Miriam Blaylock y John (Catherine Deneuve y David Bowie) son una pareja de amantes vampiros que viven en la ciudad de New York, alimentándose de jóvenes y lozanas víctimas. Un día y sin aparente explicación, John empezará a envejecer rápidamente, y antes de rendirse a su destino, intentará contactar con una importante doctora, Sarah Roberts (Susan Sarandon) que está investigando sobre el envejecimiento. Lo que ocurre a partir de ese instante parece una mera excusa para llegar hasta la escena más famosa de la película, aquella en la que las dos pedazo de actrices --en todos los sentidos-- que son Catherine Deneuve y Susan Sarandon tienen una relación lésbica, y que elevó la temperatura de los espectadores de la época. Además, ambas actrices estaban muy cerca de los 40, que lucen en pantalla de maravilla, demostrando la verdad del famoso dicho “quien tuvo, retuvo”.

De esta forma, Scott retoma el carácter lésbico de las mujeres vampiro, ya ahondado en míticas cintas de la Hammer. Pero se queda en un mero apunte, adornado con el a ratos insoportable estilo visual de Tony Scott, quien parece haber sacado los descartes malos de ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982) para incluirlos aquí. La primera opción para dirigir la adaptación de la novela de Whitley Strieber por parte del productor Richard Shepherd --productor de film imprescindibles como ‘El árbol del ahorcado’ (‘The Hanging Tree’, Delmer Daves, 1959) o ‘Desayuno con diamantes’ (‘Breakfast at Tiffany´s’, Blake Edwards, 1961)-- fue el realizador Alan Parker, por éste recomendó a Scott tras ver varios de sus spots publicitarios. Nunca sabremos si fue para evitar dirigir una película del género de terror, o una broma de la que aún debe estar riéndose.

Porque si hay una película que deja en evidencia a un realizador como Tony Scott, preocupado únicamente por los filtros y la iluminación, olvidándose de que puesta en escena no significa eso, es precisamente ésta. Ya sé que posteriormente ha hecho algún que otro film de interés aun más nulo que el que nos ocupa --‘Top Gun’ (id, 1986) o Días de trueno’ (‘Days of Thunder, 1990), curiosamente los dos con Tom Cruise--, pero si atendemos a la relación intenciones/resultados, ‘El ansia’ es aquella en la que ambos puntos quedan muy lejanos el uno del otro. Lo que prometía ser una nueva mirada sobre el vampirismo --el inicio en la discoteca donde se interpreta el tema ‘Bela Lugosi is dead’ es toda una declaración de que los tiros irán por un camino muy distinto al de las clásicas historia de vampiros-- se queda en un anuncio de cortinas, sábanas y demás utensilios de decoración, con no pocos golpes de efecto, donde destaca el soberbio, aunque desaprovechado, trabajo de maquillaje de Dick Smith, entre otros.

Todas las obsesiones visuales del señor Scott ahogan en gran medida lo más atractivo de la cinta: la figura vampírica representada en Miriam, una mujer milenaria de procedencia egipcia, que vive de la sangre de sus amantes --la clásica relación entre maestro y alumno, creador y creado, sigue manteniéndose--, con los cuales vive tiempos indeterminados hasta que, sin saber la razón, el alumno empieza a envejecer rápidamente cayendo en el lado más temible de la maldición: ser viejo eternamente, un ser decrépito que sufre una larga agonía dentro de uno de los muchos ataúdes que Miriam guarda en su ático. Y en lugar de colmillos, el acierto de utilizar un Ankh, una afilada cruz egipcia con la que herir a su víctimas para beber la sangre que le dará el poder de la ansiada juventud.

Al menos podemos disfrutar de la labor de sus tres intérpretes centrales, desde un acertado David Bowie, entre atractivo e inquietante, hasta la siempre profesional Susan Sarandon, pasando, cómo no por una brillante Catherine Deneuve, que realiza una de las composiciones más elegantes, sensuales, atrayentes y fascinantes figuras vampíricas que el cine ha dado. Algo es algo.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• 'Nosferatu'
• 'Dracula' de Tod Browning
• 'Sombras trágicas, ¿vampiros?'
• 'Drácula', de George Melford
• 'Vampyr' de Carl Theodor Dreyer
• 'La marca del vampiro' de Tod Browning
• 'El regreso del vampiro' de Lew Landers
• 'Drácula' de Terence Fisher
• 'Las novias de Drácula' de Terence Fisher
• 'Planeta sangriento' de Curtis Harrington
• 'I Vampiri' de Riccardo Freda
• 'La sangre del vampiro' de Henry Cass
• 'El beso del vampiro' de Don Sharp
• 'Drácula, príncipe de las tinieblas' de Terence Fisher
• 'Drácula vuelve de la tumba' de Freddie Francis
• 'El baile de los vampiros' de Roman Polanski
• 'Las amantes del vampiro' de Roy Ward Baker
• 'Lust for a Vampire' de Jimmy Sangster

• 'Drácula y las mellizas' de John Hough

• 'La mansión de los crímenes' de Peter Duffell

• 'El vampiro sangriento' de Miguel Morayta

• 'Drácula' de John Badham

• ‘The Night Stalker’ de John Llewellyn Moxey

Martin Scorsese, una vez hecho realidad su sueño de filmar ‘Gangs of New York’ (id, 2002), que se saldó con un éxito bastante notable a pesar de lo enorme de la producción y de problemas ya comentados con el montaje final, leyó entusiasmado el guión de John Logan, que ya había escrito los guiones de ‘Gladiator’ (id, Ridley Scott, 2000) y de ‘El último samurái’ (‘The Last Samurai’, Edward Zwick, 2003), y accedió a filmarlo casi de inmediato, sin apenas cambiar una coma del libreto, algo bastante inusual en él. Como resultado obtenemos un filme por momentos apasionante, pero también con zonas muy grises. Que se ve muy bien, divierte y crea tensión, pero que carece de la densidad del gran cine de Scorsese, y que, mal que nos pese a los scorsesianos más irredentos, inicia la desvaída, desigual y aguada zona final (de momento) de la carrera del maestro italoamericano.

El ingeniero aeronáutico, productor de cine, aviador y vividor Howard Hughes, en un principio, parece el tipo de personaje ideal para excitar la fantasía creativa de Martin Scorsese. En todas las facetas de su vida, incluso en la de empresario o conquistador, su actitud estuvo presidida por una compulsión profunda, incontrolable, que le lanzó siempre hacia el futuro o el pasado, y le impedía disfrutar de su quizá deslumbrante presente. Su constante frustración, su infinita capacidad autodestructiva, sus complejos y culpas, le hermanan irremediablemente con otros antihéroes scorsesianos que creo no necesitan volver a ser nombrados aquí. Su transtorno obsesivo compulsivo fue tomado, en sus tiempos, como una más de sus muchas excentricidades, que le han convertido en una de las personalidades norteamericanas más famosas del siglo XX. El ambicioso fresco histórico (uno más…) que propone el director de ‘El aviador’ (‘The Aviator’, 2004) retrata con precisión solamente tangencial a este hombre tan impredecible, y es que me parece imposible percibirla como una película redonda, pues la superficialidad o el lugar común se instalan demasiado a menudo en su relato.

Un reparto de nuevo irregular

Para dar vida a Howard Hughes, Scorsese confió en Leonardo DiCaprio, con quien ya había trabajado, previa recomendación efusiva de su amigo De Niro, en la notable ‘Gangs of New York’. En esta ocasión, la superestrella (y a veces buen actor), llevaría un peso mayor en la nueva película de su admirado maestro, y tendría que salir vivo de la hazaña. Por una parte, nadie puede negarle a DiCaprio los redaños y la pasión a la hora de enfrentarse a este reto. Por otro, bajo mi punto de vista, y aunque el intérprete se deja la piel, el resultado no es del todo satisfactorio. DiCaprio está sólido como Hughes, pero en ningún momento se tiene la sensación de estar viendo al personaje, sino a un actor haciendo de un personaje. En pocas palabras: en la pantalla no está Hughes, “sólo” existe un buen actor haciendo de Hughes. La identificación, la transformación, nunca es total, y esto acaba pesando bastante. La estrella, como es lógico, se tiñó el pelo de negro y copió y asumió los gestos y actitudes de Hughes, pero jamás se convirtió en él. Scorsese le dirige con suma habilidad, pero en su partitura siempre hay una nota falsa.

El resto del reparto también adolece de fallas. Cate Blanchett está perfecta como Katherine Hepburn, hasta el punto de que en esta ocasión sí dejamos de ver a una famosa actriz haciendo de una leyenda, y siempre sentimos que estamos viendo a Hepburn. Pero Kate Beckinsale me parece un error total como Ava Gardner. Nadie duda de la fotogenia de Beckinsale, pero me parece una actriz muy limitada, y sin un diez por ciento de la presencia enigmática y arrolladora de la Gardner. Gwen Stefani como Jean Harlow o Jude Law como Errol Flynn están igualmente epidérmicos, pero se perdona mucho más porque aparecen muy poco. En una secuencia aparece una impresionante Josie Maran (supermodelo que ya había hecho una breve aparición en ‘Van Helsing’), que hubiera dado más garantías como Ava Gardner que la protagonista de ‘Pearl Harbor’ (id, Michael Bay, 2001), pero excelentes veteranos como Alan Alda, John C. Reilly, Ian Holm, Frances Conroy o Alec Baldwin mejoran bastante la función.

El primer tercio de la película emula los colores de la película bipack comercializada en los años veinte, basada en dos bobinas de película, cada una sensibilizada a un color primario, como la combinación de rojo y azul que se observa en el filme de Scorsese. Es una decisión formal bastante audaz, como lo es que a partir de los acontecimientos de 1935 se alternan bloques que simulan los procesos de technicolor que se desarrollaban en los años treinta, además de imágenes posteriormente coloreadas. Pero en general me parece más un capricho visual que una verdadera necesidad narrativa o emocional. Es decir, no aporta gran cosa. El operador volvió a ser Robert Richardson, que ya había hecho un trabajo de primera magnitud en ‘Casino’ (id, 1995) para Scorsese, y que aquí logró el segundo Oscar de su carrera tras el merecidísimo de ‘J.F.K., caso abierto’ (‘J.F.K.’, Oliver Stone, 1991), y que filma con extremo buen gusto en los encuadres, y con un exceso de grano que puede apreciarse en las imágenes que acompañan este análisis. A su lado, el gran Dante Ferretti vuelve a confirmar su gran sabiduría escenográfica, y Thelma Schoonmaker propone otro deslumbrante ejercicio de montaje.

Pero no veo yo la sinfonía trágica del Scorsese de ‘Casino’, el coraje ilimitado de ‘Gangs of New York’ o el dolor de ‘La edad de la inocencia’ (‘The Age of Innocence’, 1993). Hay secuencias formidables, como el accidente de avión que casi le cuesta la vida a Hughes, que está muy bien filmado, con una planificación, un ritmo y una fuerza dramática literalmente sobrecogedores. U otros como la secuencia del despegue final, emocionante en cada segundo. Pero bloques como el del interrogatorio o la eterna lucha con Pan American Arilines, quedan farragosos, interminables, demasiado largos, reiterativos hasta la extenuación. Scorsese lo filma todo como el viejo zorro que es, claro. Se las sabe todas, pero no lo narra todo con la misma convicción o comprensión. Lo más destacado, quizá, es la tortuosa relación entre Hepburn y Hughes, pero ahí entra la diferencia de nivel entre Blanchett y DiCaprio, que no es enorme pero sí obvia, y que resquebraja gran parte de la puesta en escena de Scorsese. Por lo demás, la simplista explicación de los males psicológicos de Hughes termina por convertir esta ambiciosa producción en uno de los filmes menos interesantes de su director.

Conclusión a un filme casi fallido

Sin ser ni por asomo un mal filme, ‘El aviador’ sí me parece una propuesta demasiado irregular y casi fallida de Scorsese, que una vez más volvía a luchar por hacer realidad uno de sus sueños de infancia: ganar el Oscar. Sin embargo, era 2004, y no tenía nada que hacer contra la hermosa ‘Million Dollar Baby’ (id, Clint Eastwood), que tampoco me parece la mejor película del año. Se alzó, eso sí, con cinco Oscar de sus once posibles (montaje, fotografía, dirección artística, vestuario y actriz secundaria), por lo que fue una derrota menos dolorosa que el año de ‘Gangs of New York’, que de diez nominaciones se llevó cero premios. Su segunda colaboración con DiCaprio se saldaba con el inicio de la época menos personal de su carrera, aunque aún filmaría un portentoso documental del que daremos cuenta próximamente.

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El primer fin de semana de diciembre llega cargado de llamativos y variados estrenos de cine. Una buena cantidad de ofertas que le va a venir bien a la cartelera, dominada aún por las numerosas copias de (la estupenda) ‘Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 1’. Entre las novedades, destaca el nuevo trabajo del mexicano Alejandro González Iñárritu, con Javier Bardem, la tercera parte de ‘Las Crónicas de Narnia’ y un nuevo film animado protagonizado por un supervillano que resulta tener buen corazón. Pero como digo, hay más, para todos los gustos, echad un vistazo:

‘Biutiful’

Dirección: Alejandro G. Iñárritu. Países: México y España. Año: 2010. Duración: 148 min. Género: Drama. Interpretación: Javier Bardem (Uxbal), Maricel Álvarez (Marambra), Eduard Fernández (Tito), Diaryatou Daff (Igé), Cheng Tai Shen (Hai), Luo Jin (Liwei), Rubén Ochandiano (Zanc), Hanaa Bouchaib (Ana), Guillermo Estrella (Mateo), Cheick Ndiaye (Ekweme), Karra Elejalde (Mendoza). Guión: Alejandro G. Iñárritu, Armando Bo y Nicolás Giacobone; basado en un argumento de Alejandro G. Iñárritu. Producción: Alejandro G. Iñárritu, Fernando Bovaira y Jon Kilik. Música: Gustavo Santaolalla. Fotografía: Rodrigo Prieto. Montaje: Stephen Mirrione. Diseño de producción: Brigitte Broch. Vestuario: Paco Delgado. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Estreno en México: 22 Octubre 2010. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: “Biutiful” es la historia de un hombre en caída libre. En viaje a la redención, la oscuridad ilumina su camino. Conectado al otro mundo, Uxbal es un héroe trágico y padre de dos niños que, al sentir el peligro de la muerte, batalla contra una dura realidad y un destino que va en su contra para poder perdonar, perdonarse, por amor y para siempre.

¿Qué podemos esperar? Dicen que Bardem está sensacional y siempre hay que esperar algo bueno del director de ‘Amores perros’, aunque con ‘Babel’ no estuvo muy afortunado. Primer largometraje de Iñárritu sin contar con la ayuda del guionista Guillermo Arriaga, que ya sabéis que se ha puesto a dirigir sus propios escritos (dejando claro que no se le da tan bien). A pesar de sagas fantásticas, supervillanos en 3D y jóvenes guapos, la película de la semana.

‘Megamind’

Dirección: Tom McGrath. País: USA. Año: 2010. Duración: 95 min. Género: Animación, comedia, familiar. Doblaje original: Will Ferrell (Megamind/Papá espacial), Brad Pitt (Metro Man), Tina Fey (Roxanne Ritchi), Jonah Hill (Hal/Titán), David Cross (Esbirro). Guión: Alan Schoolcraft y Brent Simons. Producción: Lara Breay y Denise Nolan Cascino. Música: Hans Zimmer y Lorne Balfe. Montaje: Michael Andrews. Diseño de producción: David James. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en USA: 5 Noviembre 2010. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Megamind es el supervillano más brillante que el mundo haya conocido. Y el que menos éxito tiene. Durante años, ha estado intentando conquistar Metro City de cualquier manera que se pueda imaginar. Cada intento, un fracaso, por culpa del superhéroe con capa llamado Metro Man, un héroe invencible hasta el día en que Megamind le mata de verdad en el curso de uno de sus malvados y enrevesados planes. De repente, Megamind se queda sin objetivos. Es un supervillano sin un superhéroe. Se da cuenta de que haber cumplido el sueño de su vida es lo peor que le ha podido pasar. Megamind decide que la única forma de salir de su estancamiento es crear un nuevo héroe llamado Titán, que promete ser más grande, mejor y más fuerte de lo que Metro Man fue nunca. Rápidamente, Titán empieza a pensar que es mucho más divertido ser uno de los malos que uno de los buenos. Sólo que Titán no quiere conquistar el mundo, quiere destruirlo.

¿Qué podemos esperar? Un producto similar a ‘Gru, mi villano favorito’, con mejor acción y menos cursiladas, espero. En Estados Unidos ha funcionado muy bien, pero allí podían oír las voces de Pitt, Ferrell, Fey, Hill y Cross, entre otros, lo cual tiene su gancho. En cualquier caso, es animada, está en todas partes y es en 3D. El taquillazo de la semana, probablemente.

‘3 metros sobre el cielo’

Dirección: Fernando González Molina. País: España. Año: 2010. Duración: 118 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Mario Casas (Hache), María Valverde (Babi), Álvaro Cervantes (Pollo), Marina Salas (Katina), Diego Martín (Alejandro), Luis Fernández (Chino), Andrea Duro (Mara), Nerea Camacho (Dani), Pablo Rivero (Gustavo), Cristina Plazas (Rafaela), Clara Segura (Forga). Guión: Ramón Salazar; basado en la novela de Federico Moccia. Producción: Francisco Ramos, Mercedes Gamero y Daniel Écija. Música: Manel Santiesteban. Fotografía: Daniel Aranyó. Montaje: Irene Blecua y Verónica Callon. Dirección artística: Patrick Salvador. Vestuario: Loles García. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. No recomendada para menores de 12 años.

Sinopsis: Un drama romántico adolescente que narra la historia de dos jóvenes que pertenecen a mundos opuestos. Es la crónica de una relación improbable, casi imposible, pero inevitable, que terminará arrastrando a la pareja a un frenético viaje iniciático en donde juntos descubrirán el primer gran amor. Ella (María Valverde) es una chica de clase media-alta que está educada en la bondad, en la inocencia y en las normas. Él (Mario Casas) es un chico rebelde, impulsivo, inconsciente, aficionado al riesgo y al peligro enzarzado en un sinfín de peleas y carreras ilegales de motos, al límite del sentido común.

¿Qué podemos esperar? María Valverde y Mario Casas en una adaptación de una novela romántica de Federico Moccia. El cartel lo deja bien claro, esas son las armas con las que cuenta la película. Si quieres verlos, cómo se lían y tal, pues ya tienes plan. Producto honesto, desde luego, destinado al sector adolescente y veinteañero que passsssa de todo, y que solo quiere divertirse durante dos largas noches para olvidar el aburrimiento que supone el resto de la semana. Nos espera un radiante futuro.

‘Las crónicas de Narnia: La travesía del Viajero del Alba’

Título original: The chronicles of Narnia: The voyage of the Dawn Treader. Dirección: Michael Apted. País: USA. Año: 2010. Duración: 115 min. Género: Aventuras, familiar, fantasía. Interpretación: Ben Barnes (rey Caspian), Skandar Keynes (Edmund Pevensie), Georgie Henley (Lucy Pevensie), Will Poulter (Eustace Scrubb), Tilda Swinton (La Bruja Blanca). Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely y Michael Petroni; basado en el libro de C.S. Lewis. Producción: Mark Johnson, Andrew Adamson y Philip Steuer. Música: David Arnold. Fotografía: Dante Spinotti. Montaje: Rick Shaine. Diseño de producción: Barry Robinson. Vestuario: Isis Mussenden. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Estreno en USA: 10 Diciembre 2010. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Lucy y Edmund Pevensie vuelven a Narnia con su primo Eustace, donde se reencontrarán con el antiguo príncipe Caspian, ahora rey. Juntos se embarcarán en la búsqueda de los 7 desaparecidos señores de Narnia, tal y como le prometieron a Aslan. Este será un viaje que les llevará a cruzar los mares a bordo de la embarcación "El Viajero Del Alba". En el camino se encontrarán con dragones, enanos, islas mágicas y una banda de guerreros perdidos, antes de llegar al fin del mundo…

¿Qué podemos esperar? Una entrega de aventuras para toda la familia, lo cual viene a significar “para niños y padres que no tengan más opción”. Imagino que la saga tendrá muchos fans que estarían deseando el estreno de la tercera parte, dos años después de ‘El Príncipe Caspian’, así que igual le arrebata a Potter el mando de la taquilla, si Megamind no consigue atraer lo suficiente. Solo vi la primera de Narnia y no me llama nada esta tercera, pero si decís que vale mucho la pena… me lo pensaré.

‘NEDS (No educados y delincuentes)’

Dirección y guión: Peter Mullan. Países: Reino Unido, Francia e Italia. Año: 2010. Duración: 124 min. Género: Drama. Interpretación: Conor McCarron (John), Gregg Forrest (John de niño), Joe Szula (Benny), Mhairi Anderson (Elizabeth), Gary Milligan (Canta), John Joe Hay (Fergie). Producción: Alain De La Mata, Marc Missonnier y Olivier Delbosc. Música: Craig Armstrong. Fotografía: Roman Osin. Montaje: Colin Monie. Diseño de producción: Mark Leese. Vestuario: Rhona Russell. Distribuidora: Golem. Estreno en Reino Unido: 21 Enero 2011. Estreno en España: 3 Diciembre 2010.

Sinopsis: "NEDS (No educados y delincuentes)" es la historia del recorrido de un joven que pasa de ser un niño premiado en el colegio a un navajero adolescente. John McGill, en su lucha por extirparse de un entorno con pocas expectativas, pasa de víctima a verdugo, de buen alumno a NED, de monaguillo a esnifador de pegamento. Y cuando intenta volver a ser como antes, la nueva realidad y el pasado reciente le impiden que se conforme dando lugar a una casi inevitable autoconfrontación violenta.

¿Qué podemos esperar? Teniendo en cuenta que Mullan logró la Concha de Oro y el chico protagonista fue elegido el mejor actor en la pasada edición del festival de San Sebastián (aunque parece que no hubo una gran selección), yo creo que estamos ante la segunda oferta más interesante de la semana. Sobre todo si estás deseando un tipo de cine que no huela a dólar estadounidense.

‘Fake orgasm’

Dirección y guión: Jo Sol. País: España. Año: 2010. Duración: 81 min. Género: Documental. Intervenciones: Lazlo Pearlman, Verónika Arauzo, Lydia Lunch, Jango Edwards, Judith Butler, Beatriz Preciado, Nina Braunsteiner, María Llopis. Producción: Jordi Rediu y Norbert Llaràs. Música: Carles Cases. Fotografía: Aitor Echeverría, Bruno Amaral y Xavi Sivecas. Montaje: Afra Rigamonti. Distribuidora: Zip Films. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. No recomendada para menores de 18 años.

Sinopsis: Lazlo Pearlman es un artista conceptual, un prestigiador de los clichés, un activista capaz de dinamitar nuestros prejuicios y dogmas sobre sexo e identidad. Lo que en apariencia es una divertida reflexión sobre las mentiras en nuestra vida sexual, se convierte de pronto en un punzante discurso sobre la teoría de género y la permanente construcción de nuestra identidad.

¿Qué podemos esperar? Con “artista conceptual”, “prestigiador”, “activista”, “dogmas”, “nuestra vida sexual” (¿qué narices sabrá este tipo?) y “punzante discurso” en la sinopsis, yo creo que está bastante claro. Cansados de la vida, aquí tenéis vuestra mejor opción.

‘Valentino y el Clan del Can’

Dirección: David Bisbano. País: Perú. Año: 2008. Duración: 80 min. Género: Animación, aventuras. Guión: Wendy Ramos; basado en un argumento de Marcos Rujel. Producción: Jaime Carbajal. Música: Vali Cáceres. Fotografía: Lucho Díaz. Dirección artística: David Bisbano. Distribuidora: Pirámide Films. Estreno en Perú: 28 Febrero 2008. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. Apta para todos los públicos.

Sinopsis: Narra la vida de Valentino, un pequeño perro que después de perder a su familia tiene la suerte de encontrarse con Bones, el líder del Clan del Can, un grupo de perros que forman una entrañable y divertida hermandad. Valentino vivirá muchas aventuras, será parte del grupo, conocerá nuevos amigos y se enamorará de Blanca, una perrita de la alta sociedad.

¿Qué podemos esperar? Un film para niños con un trabajo de animación aparantemente mediocre. Con Harry Potter, Narnia y Megamind en cartelera, ¿a qué viene estrenar ahora esta cosa?

‘Mystikal’

Dirección: Ángel Alonso García. País: España. Año: 2010. Duración: 90 min. Género: Aventuras, fantástico. Interpretación: Iban Garate (Eldyn), Savitri Ceballos (Fira), Maite Agirre (Morka), Kiko Jauregi (Evaristo), Ramón Agirre (Ambroxius), David Errasti (Befomar), Kandido Uranga (Herio). Guión: Joan Álvarez. Producción: Pedro Castillo Arteta. Música: Joseba Beristain. Fotografía: Ricardo Ramón. Distribuidora: Barton Films. Estreno en España: 3 Diciembre 2010. No recomendada para menores de 7 años.

Sinopsis: En una época pasada en un mundo dominado por las sombras, tres magos consiguen vencer al mal e introducirlo en tres cajas. Cada mago deberá guardar y proteger con su vida cada una de las cajas: la guerra, la peste y el hambre. Si los espectros lograran liberarse, se abrirían las puertas del infierno que conducen a la muerte. Un acto de torpeza de Eldyn libera al señor de la guerra, que avanza sobre la Tierra para unirse a sus hermanos: la peste y el hambre. La desesperación y el horror se apodera de sus habitantes. El final de los tiempos está cerca. Eldyn, un aprendiz de mago; Fira, una hada descarada; y Evaristo, el dragón, deberán salvar al mundo.

¿Qué podemos esperar? La foto y la sinopsis me han dejado de piedra. “La primera cinta española íntegramente filmada sin decorados…”, leo por ahí. Como si eso importara. Echad un ojo al tráiler, no tiene desperdicio:

Vía | LaButaca