Esta dura aproximación al holocausto nazi filmado por Spielberg nos anunciaba cono textura y forma documental el argumento. Escenas importantes, personajes pero sin enlazar, sin relacionarlos, dejando al espectador sólo con la sensación de que la película puede (y consigue) erizar los bellos del más frío. Lógicamente aquí la música también juega un papel esencial para completar un tráiler simplemente magistral.
‘El resplandor’
Nueva muestra de cómo puede llegar a inquietar un tráiler de una cinta de terror. Aquí hay que considerar que Kubrick tuvo mucho que ver a la hora de presentar su historia en este tráiler contundente. Aquí apuesta por la máxima sencillez. Acompañamiento musical inquietante para un único plano que lo dice todo en unos segundos.
‘Independence Day’
Aquí se utiliza un viejo recurso como es la de una narrador en off que nos sitúa en el contexto y luego nos acompaña, en un crescendo emocionante imágenes espectaculares y, aunque casi cuenta la película completa, no se puede negar que está bien construido (aunque había otras ediciones como suele ser habitual en la actualidad). Todo funciona como un buen engranaje, en su justa media y lo suficientemente intenso como para, a pesar de conocer la trama casi al dedillo, nos entren ganas de sumarnos a Will Smith en su cruzada para defender la Tierra.
‘Anatomía de un asesinato’
Pero el tráiler es un recurso tan antiguo como el cine y algunos clásicosincuestionables cuentan con avances potentes, hábiles y tan bien narrados y montados que son verdaderas piezas independientes de enorme valor. Un tráiler extenso, casi convertido en un verdadero cortometraje (y es solo una muestra de como grandes títulos del cine clásico también tienen avances a su misma altura).
‘Misión imposible’
Aunque es uno de los tráilers que sigue las directrices del cine de acción más reciente, donde se cuenta, al menos visualmente, demasiado, no se puede negar que posee un ritmo y una presentación hábilmente emocionante, donde la espectacularidad es el protagonismo absoluto. Deudor de los tráilers de James Bond, lo cierto es que funciona perfectamente. Nadie quiere perderse a Ethan Hunt en esta trepidante historia.
‘Eyes Wide Shut’
Última obra de Kubrick, también controvertida, adorada por muchos, repudiada por otros, contaba con este avance que jugaba al despiste. A sacarle punta a sus dos estrellas protagonistas y ese juego psicológico y erótico al ritmo del tema ‘Baby Did a Bad Bad Thing’ de Chris Isaak.
‘Regreso al futuro’
Este año recordamos con su 25 aniversario esta estupenda película de Zemeckis que recurría al tópico de los viajes en el tiempo. El tráiler es simplemente un aperitivo, aunque evidencia el tono que la película posee en todo momento. Simple pero a la vez arriesgado, por aquello de salirse (un poco) de lo habitual en la época.
‘The Descent’
Este es un ejemplo de que un buen trabajo en el tráiler nos puede arrastrar a ver una película inevitablemente. Para luego descubrir que el tráiler era lo mejor. Aquí la historia la conocemos, se cuenta lo más interesante y supone una síntesis perfecta de lo lo mejor que tenía la película. Además de la fuerza e interés que ofrece el montaje.
‘Buried (Enterrado)’
La productora Lionsgate suele cuidar sus tráilers para ofrecer verdaderas joyas y muy originales. El anterior título de terror es un ejemplo y esta película aún reciente en nuestra memoria tiene un tráiler de diez. Asombroso la excelente combinación de recursos gráficos, de imágenes estáticas, de la música, el sonido y diálogos insertados en un montaje tan intrigante como de exquisito gusto. De los mejores del año, sino el mejor.
‘300’
¿Hay alguien que no fuera a ver esta película tras quedar embelesado por el tráiler? Fueron dos ediciones, pero la primera es de una fuerza visual que uno acaba levantado cual espartano preparado para la batalla.
Es vuestro turno. Seguro que recordáis alguno grandioso que no os cansáis de ver.
Como se indica en el título, la película gira en torno a Brian Cohen, nacido el mismo día y prácticamente en el mismo sitio (la casa de al lado) que Jesús de Nazaret. Treinta y tres años después, Brian se une a una organización contraria a la ocupación romana de Judea (podría hacerse un remake ambientado en Iraq) y tras una serie de acontecimientos llega a ser tomado por equivocación como el salvador del pueblo judío, lo que le ocasiona, digamos, un pequeño problema con las autoridades. Según cuentan, la primera idea de los Python era narrar a su manera la historia del propio Jesús, presentándolo como un magnífico carpintero cuya mayor desgracia es ser castigado en una cruz mal construida. En su lugar optaron por desviar el foco de atención a un tipo cualquiera, totalmente mediocre e irrelevante, algo que no impidió las típicas polémicas provocadas por el fanatismo, pero que sin duda fue todo un acierto. Sátira de las fervientes creencias religiosas, los movimientos políticos revolucionarios y las grandes películas bíblicas, ‘La vida de Brian’ es una opción ideal para echar unas risas en buena compañía durante las fiestas navideñas que ya están a la vuelta de la esquina.
Escrita por Terry Jones, Terry Gilliam, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin y Graham Chapman, esto es, los Monty Python, la película fue dirigida por Jones, si bien Gilliam tomó la batuta en varias escenas, además de diseñar los escenarios. Su mano se nota en la escena con la que arranca ‘La vida de Brian’, no encaja con el resto de la película, parece sacada de una de las populares superproducciones de Hollywood, con la silueta de los tres Reyes Magos recortando el horizonte y un solemne acompañamiento musical. Con la visita de los reyes de Oriente comienza a gestarse el paródico relato de Brian, a quien da vida Chapman. El prólogo es muy divertido, enfrentando la visión realista con la narración clásica de la historia, y presenta la primera confusión en la que se ve implicado el protagonista, a cuya madre (encarnada por Jones) le entregan en un principio las bolsas de oro, incienso y mirra destinadas al hijo de Dios.
Tras los créditos (que recuerdan a la saga 007), se nos aclara que estamos en el año 33 después de Cristo. Una multitud se reúne en el monte para oír el sermón del mesías, y como sucedería en la vida real (a diferencia del cine, como en las escenas previas a las batallas, donde el orador parece disponer de altavoces que extienden el mensaje a todos los soldados), los que han llegado tarde y están más lejos no se enteran de casi nada, lo que se agrava cuando alguien hace algún comentario, perdiéndose totalmente el hilo del discurso. Allí está Brian, pero tras una (tronchante) disputa originada por el tamaño de la nariz de uno de los asistentes, su madre le convence para marcharse y presenciar una lapidación. De camino al lugar, descubrimos que las mujeres no tienen permitido acudir a las lapidaciones, pero una simple barba postiza basta para camuflarse y poder lanzar piedras al desgraciado de turno; lo más absurdo (y genial) de la situación es que resulta evidente que solo hay mujeres, pero se cubren torpemente entre ellas para poder participar.
Después de un par de escenas igualmente ingeniosas relacionadas con el poder curativo de Jesús (el antiguo leproso) y el supuesto origen romano de Brian (su padre fue un tal Traviesus Maximus, según su madre), asistimos al primer encuentro del protagonista (en un coliseo donde tiene lugar la lucha de gladiadores más patética, y posiblemente también una de las más realistas, de la historia del cine) con los miembros del Frente Popular de Judea, un grupo radical (en teoría) que conspira contra los romanos; cabe destacar a dos integrantes del movimiento, el hipócrita y cobarde líder, Jeg (al que da vida Cleese), y uno de sus principales consejeros, Stan (Idle), que decide cambiarse de sexo y empezar a ser conocido como Loretta. Convencido de la necesidad de la lucha y enamorado de Judith (Sue Jones-Davies), la única verdadera mujer del grupo, Brian pasa con éxito (y con inesperada ayuda romana) una primera prueba y se mete de lleno en la lucha del Frente Popular, cuyo mayor plan es secuestrar a la mujer de Poncio Pilatos (Palin), quien protagoniza, con su peculiar acento, otros de los momentos más recordados del film al hablar de su buen amigo Pijus Magníficus.
Gracias al apoyo financiero del ex-beatle George Harrison (hace un cameo como el Sr. Papadopoulos), que salvó el proyecto cuando los productores iniciales se echaron atrás debido a las posibles controversias que podría causar el guión, los Monty Python pudieron llevar a cabo su tercer largometraje, tras ‘Se armó la gorda’ (‘And Now for Something Completely Different’, 1971) y ‘Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores’ (‘Monty Python and the Holy Grail’, 1975), filmando en las localizaciones y con los extras de ‘Jesus de Nazaret’ (1977) de Franco Zeffirelli. ‘La vida de Brian’ se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo, y tuvo el honor de ser la producción británica más taquillera de aquel año en Estados Unidos. Su estructura de “sketches” más propia de la televisión que del cine, hace que se note mucho el paso de los minutos, no hay preocupación por el ritmo ni una verdadera trama, es un encadenado de situaciones humorísticas, absurdas, unas (por fortuna, la mayoría) más inspiradas que otras. En conjunto, no creo que pueda considerarse una de las mejores comedias de la historia del cine, pero como dije, para verla entre amigos, y más en las fechas que están por llegar, es una fantástica opción.
Un día después del teaser de ‘Transformers 3’ ya podemos echar un vistazo al primer tráiler de ‘Real Steel’, una especie de drama de acción pugilístico con enormes robots de la que habíamos visto un par de imágenes. La película está protagonizada por Hugh Jackman (en su faceta de simple humano muy cachas) y se basa en un relato conocido aquí como ‘Hierro’, escrito por Richard Matheson. El film, sin embargo, se estrenará en España con el título de ‘Acero puro’.
Dirigida por Shawn Levy (‘La pantera rosa’, ‘Noche en el museo’), la película está ambientada en un futuro cercano y gira en torno a Charlie Kenton, un veterano boxeador que perdió la oportunidad de ganar un título cuando máquinas de una tonelada y dos metros y medio de altura se apoderaron del ring; Charlie trata de sobrevivir en el nuevo mundo del boxeo construyendo robots a base de chatarra, hasta que tiene la oportunidad de entrenar a uno con verdaderas opciones de lograr el campeonato. Evangeline Lilly, Dakota Goyo, Anthony Mackie, Hope Davis, Kevin Durand y James Rebhorn acompañan a Jackman en el reparto. ‘Acero puro’ llegará a nuestras pantallas en diciembre del año que viene, un mes después que en Estados Unidos.
PD: Gracias a todos los lectores que nos habéis avisado.
Si el cine es arte, y muchas veces estoy poco seguro de ello, lo es por tipos como Anderson y por películas como ‘There Will Be Blood’. Hablamos de un tipo que con 27 años hacía ‘Boogie Nights’ (id, 1997), y con 29 hacía ‘Magnolia’ (id, 1999) y se llevaba el Oso de Oro en Berlín. En otras palabras: bajo mi punto de vista negar a Anderson es negar el cine. Cinco años después de la sorprendente e incomprendida ‘Punch-Drunk Love’ (id, 2002), volvía con este extraño, épico y metafísico drama, tan físico como abstracto, que no gira en torno a la perversidad o la avaricia, como muchos han dicho, más bien lo hace alrededor de las únicas chispas de humanidad y amor de un ser tan abyecto y demencial como Daniel Plainview, en otra antológica interpretación del que es, probablemente, el mejor actor vivo, y en un descenso hacia una malignidad como creo que jamás se ha visto en una pantalla de cine.
“Veo lo peor en la gente. No me hace falta ver más allá para conseguir lo que necesito. He construido mis odios a lo largo de los años, poco a poco, Henry…tenerte aquí me da un soplo de aire. No puedo continuar haciendo esto por mí mismo, con esta…gente…”
- Daniel Plainview
La soledad del monstruo
El argumento aparente de este filme es tremendamente sencillo: un experto buscador de petróleo, que luego irá perfeccionando la forma de extraerlo, irá construyendo un vasto imperio petrolífero a lo largo de treinta años, y en la obtención de ese imperio no dudará en hacer lo que haga falta para vencer a todos sus competidores y para alejarse de un mundo que odia con todas sus fuerzas, hasta quedarse completamente solo. Como un tren imparable, pasará por encima de cualquier cosa, especialmente sobre sus propios sentimientos. Daniel Plainview, en su ceñuda aspereza, en sus modales torvos, no es sin embargo un ser carente de sentimientos. Su vida en la película queda marcada por su relación con tres personajes fundamentales: con su hijo, con su hermano y con el cura Eli Sunday. La hazaña más importante de Anderson es la de embarcarse en la observación directa de un tipo tan infame, otorgándole todo protagonismo, narrando con una capacidad de abstracción y de fascinación que no empaña en nada su extraña, casi enajenada compasión por Plainview.
En la pantalla, la presencia femenina queda desterrada casi por completo, salvo la hija de los Sunday y alguna anciana que observamos en la iglesia. Si ‘Punch-Drunk Love’ era casi un relato sobre el vampirismo de las mujeres, ‘There Will Be Blood’ directamente las ignora. Nada sabemos de la verdadera madre de H.W. (así como no sabemos qué esconden esas siglas…), y Daniel se vuelve casi demoníaco cuando le preguntan por ella. De nuevo, el tema principal en el cine de Anderson reaparece aquí, con más fuerza que nunca: la orfandad y la figura del padre como una energía destructiva. El guión sólo está basado muy tangencialmente en la novela ‘Oil!’, de Upton Sinclair, y su resultado final poco tiene que ver. En realidad es una novela de Paul Thomas Anderson, que llevada a la pantalla por él mismo congrega toda la sabiduría y los logros de su cine anterior, hasta convertirse en un director completamente nuevo.
Habiendo adoptado en secreto al bebé de su compañero muerto, ya de niño se referirá a él como su socio, y la relación entre ambos será el corazón del filme. Por mucho que Daniel nos parezca un arribista sin salvación, siente amor por su falso hijo, y se siente terriblemente culpable por el accidente que le deja sordo, y por tener que abandonarle para que otros cuiden de él. Es decir: Plainview ama y sufre, a su manera. Y si le hace daño a su hijo, y es tremendamente cruel al final, lo hace seguramente por un enorme sufrimiento que, según él, le justifica. El bellísimo inserto en el que un anciano Daniel baja por las escaleras y recuerda (o simplemente Anderson recuerda) un momento de felicidad con su hijo de muchos años atrás, es la plena demostración de ese sufrimiento. Otra cosa muy distinta es lo que siente por Eli (un Paul Dano magnífico), un hipócrita sacerdote que tratará de enfrentarse y de humillar a Daniel constantemente. Su rivalidad es algo más que la rivalidad luz-oscuridad, pues si Daniel es la oscuridad, Eli es un mequetrefe, un falso profeta, aún peor que él, pues esconde una codicia semejante envuelta en graves palabras religiosas.
Daniel por fin se sentirá un poco más comprendido cuando llegue su hermano Henry (un excelente Kevin J. O’Connor, siempre un gran secundario con una admirable carrera a sus espaldas), a quien él considera como una parte de él, al tener su misma sangre. Pero cuando descubra que le ha mentido, y que no es realmenten su hermano, a la ira que le produce volver a quedarse solo, se une la culpabilidad de que él también es un falso padre con H.W., y es tremendamente poético que le entierre en un agujero en la tierra que supura petróleo. De hecho, este es un filme eminentemente poético, antes que narrativo: la primera imagen de Daniel es en un pozo oscuro golpeando la roca con su pico, y la extraordinaria música de Jonny Greenwood (mítico guitarrista de Radiohead) sugiere algo diabólico que nace de la tierra, que vive en ella. Cuando sufre una caída que casi lo mata, su agónico “¡no!” es un regreso de la muerte, como si por algún pacto se hubiera hecho inmortal.
Anderson lo filma todo sin prisas, con un soberbio sentido de la atmósfera, más preocupado por investigar el corazón de sus personajes, que por ofrecer una narración entretenida. A pesar de eso, el dinamismo de la puesta en escena, la amplitud de la mirada y la observación de Anderson, son muy notables. Los planos muy largos, las tomas elaboradas, la audacia y belleza de sus secuencias, le certifican como uno de los más profundos y exquisitos directores vivos. Empleando un scope extremo (un aspect ratio de 2.39:1), en perfecta connivencia con su habitual operador Robert Elswitt, extraen una enorme fuerza expresiva de los escenarios naturales de California y Texas, y no me parece descabellado intuir no sólo una gran influencia del trabajo de Néstor Almendros para ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, Terrence Malick, 1978), también una enorme influencia del propio Malick, del que probablemente sea el alumno más aventajado.
El diseño de producción, además, es obra del casi legendario Jack Fisk, que en cuarenta años de carrera ha hecho una docena de películas, entre las que se cuentan todas las de Malick, unas pocas de Lynch y algún remake desastroso. Su recreación de finales del siglo XIX y primeras tres décadas del XX es un prodigio de documentación histórica, de verismo, de detallismo, y debió haber ganado el Oscar mucho antes que el ‘Sweeney Todd’ de Tim Burton. Basándose en documentos y fotografías de la época, en numerosa bibliografía y en artistas de aquel entonces, Fisk da vida con su talento a este post-western, que es una crónica de la desaparición de las grandes praderas, de la sustitución de la naturaleza por bosques de metal y grandes mansiones, de cómo el petróleo ha cambiado la faz del mundo y la sociedad del hombre. Y lo hace sin gigantismos (su presupuesto es realmente irrisorio, comparado con otras películas importantes actuales), insinuando más que retratando.
Conclusión a una lírica obra de arte
Decir que ‘There Will Be Blood’ es única es quedarse corto, quizá. Aquel año compitió en los Oscar, y de ocho premios sólo se alzó con dos (mejor actor para Day-Lewis y mejor dirección de fotografía), mientras que la triunfadora fue la insulsa ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, Joel y Ethan Coen), pero como suele suceder con estos premios, poco importa. De hecho, el Oscar ya es poca cosa, y lo hubiera sido para Anderson, que de cinco nominaciones, tiene cero premios, y sigue siendo un director esencial del cine norteamericano. No resulta nada fácil acercarse a las afiladas imágenes de este filme imperecedero, al que se acercarán, estoy seguro de ello, generaciones futuras de cinéfilos, fascinados por su atroz verdad.
c2punts - Especialistes en Internet
English 
Català
Castellano
Français
|
0 
(1 vots)
| 
