Sólo el prólogo de esta película, que el lector puede revisar en el vídeo de arriba del todo, es una pieza audiovisual de una audacia y de una fuerza narrativa inigualables. Estos primeros minutos la sitúan ya muy por encima de otros musicales famosos, como los muy académicos de Vincente Minnelli, o algunos posteriores como ‘My Fair Lady’ (id, 1964), de George Cukor, o ‘Sonrisas y lágrimas’ (‘The Sound of Music’, 1965) también de Robert Wise. Ni siquiera las aportaciones de Stanley Donen, que durante un tiempo fueron lo más vigoroso y vibrante, se acercan a esto. La vida que late en ‘West Side Story’, su aliento trágico, su profunda verdad, convierte en algo falso, bonito pero superficial, a las fórmulas clásicas del musical, elevándose mucho más allá de sus encorsetamientos, erigiéndose en una obra maestra de rasgos casi abstractos, pues la música parece crear las imágenes y dictar el destino de los personajes.

Adaptación homónima, como quizá sepa el lector, de un célebre musical de Broadway, que a su vez es una versión actualizada del mito de ‘Romeo & Julieta’, que escribiera William Shakespeare a finales del siglo XVI. El musical fue escrito por Arthur Laurents, con música de Leonard Bernstein y letras de Stephen Sondheim, coreografiado y dirigido por Jerome Robbins. Cuando se designó al ya veterano Robert Wise para dirigir la película, principalmente por su experiencia filmando en la ciudad de Nueva York, se le ofreció a Robbins la oportunidad de colaborar en la dirección, ya que Wise jamás había hecho un musical. Lo cierto es que, aunque no se llevaron nada bien durante el rodaje, y Robbins fue finalmente despedido por su difícil carácter y su perfeccionismo extremo, que encarecía bastante la producción, Wise insistió en compartir créditos de dirección con él. Habían vaciado los teatros y las escuelas de los mejores bailarines, y habían creado algunos de los más absorbentes decorados de cine de la mano de Boris Leven, y ambos directores crearon un milagro cinemático.

Intolerancia, fatalidad

No creo exagerar un pelo cuando afirmo que ‘West Side Story’ es narrativa abstracta. Valga como ejemplo el clip de encima de estas líneas. El color y la música se funden en otra cosa, profundamente cinematográfica, y crean un poema en el que poco importa la trama en sí, y mucho más la forma en que está contada. Cuando Tony sale hechizado del gimnasio, pensando sólo en María, y empieza a cantar la celebérrima canción, la primera vez que pronuncia “María”, el escenario desaparece y se funde con las calles de Nueva York. La escenografía se convierte en expresión exacta, anímica, del personaje, y las furiosas avenidas de la ciudad se transforman en un ambiente bucólico, casi paradisíaco. Pero ya en la larga secuencia del gimnasio, los grupos se enfrentan entre sí valiéndose de su diferente forma de bailar, primero de izquierda a derecha y viceversa, y luego cortando el mismo espacio en diagonal, para terminar apartándose, porque Tony y María sólo se ven el uno al otro, y todo lo de alrededor no les importa nada, y hasta la luz y la música se supedita a sus sentimientos.

No solamente la profunda sensibilidad, y la asombrosa verosimilitud de todos los elementos, eleva ‘West Side Story’ a lo sublime. También una partitura musical insuperable de Leonard Bernstein, que es una de las más famosas de la historia del cine, la cual ya contiene toda la lírica y toda la violencia de la película. Esta historia de pandilleros hartos de la miseria en la que viven, hijos de proletarios sin un duro o de inmigrantes con menos dinero aún, fue reescrita admirablemente por Ernest Lehman, uno de los más prestigiosos guionistas de su tiempo, y se llevaron a cabo algunas reestructuraciones o ligeros cambios respecto al original teatral. De manera impecable, la película progresa desde un drama juvenil hasta una verdadera tragedia racial (en el original, la intención era enfrentar judíos contra cristianos, sustituidos luego por norteamericanos contra inmigrantes sudamericanos), en la que nadie gana, todos pierden, los jóvenes enamorados ven truncadas sus vidas, los violentos comprenden que es imposible vivir siempre odiando al diferente (qué hermoso y qué triste el plano final), y la música de Bernstein se convierte en un lamento mientras la cámara recorre las pintadas callejeras que son los créditos finales.

La innovadora danza de Robbins, que mezcla estilos clásicos con otros casi impensables, rebosantes de furia y vehemencia, fue un verdadero reto para el fenomenal grupo de intérpretes, cantantes y bailarines. Al frente del reparto, la pareja protagonista, que apenas baila y que vieron sus voces de canto dobladas (como otros intérpretes en alguna canción especialmente difícil): Natalie Wood y Richard Beymer (con las voces, en las canciones, de Marni Nixon y Jimmy Bryant, respectivamente), que están excelentes. Pero la otra pareja, George Chakiris y Rita Moreno (ambos ganadores del Oscar a mejores secundarios por estos papeles), no se queda atrás. Por cierto que Beymer y Russ Tamblyn, que interpreta a Riff, se encontrarían años después en ‘Twin Peaks’, la famosa serie de David Lynch de los primeros años noventa. Todos los intérpretes gozan de un gran carisma en pantalla, y es imposible no comprender a sus personajes y sentir compasión e identificación con ellos.

Mención aparte merecen el diseño de vestuario de Irene Sharaff y los decorados de Victor Gangeling (quien, por cierto, ya diseñara los decorados para ‘Centauros del desierto’ (‘The Searchers’, John Ford, 1956), entre otras muchas). Es maravilloso el empleo de códigos de color para diferenciar a las bandas rivales, así como para el abigarrado Nueva York (que después de las primeras escenas está casi todo filmado en estudio, y que es un personaje más, como una moderna Verona) para el que las luces y la paleta de color están particularmente inspiradas, con el objetivo de escalar hacia el sombrío climax, sin dar tregua al exhausto espectador, que va a terminar saciado y agotado de tanto dolor, de tanta fatalidad. Robert Wise sabe aunar los números musicales de Robbins, y el tono de desdicha del libreto, para filmar algo tan fresco, tan verdadero, que se queda en la memoria para siempre.

Impacto e imagen favorita

Se cumplen cincuenta años, nada menos, de esta maravilla, y no lo parece. Se alzó con diez Oscar en 1962 (película, directores, actor de reparto, actriz de reparto, dirección artística en color, fotografía en color, vestuario en color, montaje, banda sonora y sonido), convirtiéndose en el musical más premiado de Hollywood, conociendo un grandioso éxito en taquilla, y numerosas reposiciones en todo el mundo a lo largo de las décadas. Mi momento preferido no es el del número ‘América’, como es de tanta gente, sino la larga y ya comentada secuencia del gimnasio, que tantas cosas dice sin apenas diálogos, y que tanto me emociona.

Vamos con otra primera imagen de otro próximo estreno, a ver si esto os entusiasma más. La que tenéis ahí arriba es la nueva fotografía oficial de ‘La piel que habito’, el último trabajo de Pedro Almodóvar, y en ella podemos ver a los dos protagonistas principales, Antonio Banderas y Elena Anaya. Como ya sabréis, la película se basa en la novela ‘Tarántula’ (‘Mygale’) de Thierry Jonquet, y por las declaraciones de Almodóvar, da la impresión que la mezcla de géneros puede interesar a un público que no suele sentirse atraído por las propuestas del cineasta manchego. Habrá que esperar a que salga el tráiler para tener una idea más aproximada de lo que podemos esperar.

‘La piel que habito’ gira en torno a un cirujano plástico que está decidido a crear una piel artificial que habría salvado la vida de su mujer; y para lograrlo, no dudará en cruzar todos los límites imaginables. En un principio estaba previsto que la película llegara a nuestros cines el próximo 18 marzo, pero finalmente se ha retrasado la fecha del estreno y no la podremos ver hasta septiembre. Según parece, el motivo ha sido el fracaso de la famosa Ley Sinde, esto es, los distribuidores no quieren arriesgarse a que film pueda estar en la red meses antes de que llegue a otros países, por lo que van a optar por un estreno simultáneo. O quizá es que no confían en lo que han visto, han considerado que ‘Torrente 4’ se estrena una semana antes, y les ha dado mieeedooo…

PD: Banderas no trabajaba a las órdenes de Almodóvar desde ‘Átame’ (1990).

Vía | Elseptimoarte

George Clooney no para. Lleva meses preparando su nueva película como director, ‘The Ides of March’, recientemente firmó para encabezar el reparto de ‘Gravity’, lo nuevo de Alfonso Cuarón, y esta semana se ha comprometido con otro proyecto, ‘‘El monstruo de Florencia’ (‘The Monster of Florence’), la adaptación al cine de la novela de Douglas Preston y Mario Spezi. Christopher McQuarrie y Nathan Alexander (escribieron juntos ‘Valkiria’) están trabajando ya en el guión, pero aún no se sabe quién va a dirigir el film.

‘El monstruo de Florencia’ gira en torno a una investigación verdadera iniciada por Preston, novelista estadounidense que, durante su estancia en la Florencia, quedó fascinado por un caso no resuelto, el asesinato de varias parejas entre los años 60 y 80; ante la incompetencia policial, Preston pidió ayuda a Spezi, un periodista italiano experto en el caso, para intentar dar caza al responsable de los crímenes. Clooney dará vida al Preston, y es de suponer que buscarán a un actor italiano para que interprete a Spezi, pero conociendo a los norteamericanos, igual ponen a Javier Bardem, que últimamente está en todas partes. Por el momento no hay fecha para el inicio del rodaje.

PD: Lo próximo que veremos de Clooney es la comedia dramática ‘The Descendants’, dirigida por Alexander Payne; debería estrenarse en los primeros meses de este año.

Vía | ComingSoon

Hace más de un año que os anunciamos que se estaba preparando un remake de ‘Amanecer ojo’ (‘Red Dawn’), y hoy os traemos la primera fotografía oficial de la nueva versión. Como podéis ver, la imagen no pertenece a una escena de la película, sino que nos presenta al nuevo grupo de jóvenes protagonistas que, tras el estallido de la III Guerra Mundial en suelo estadounidense, se enfrentan a las fuerzas invasoras comunistas. El reparto está encabezado por Chris Hemsworth (a quien ya conocen perfectamente los que siguen la prensa del corazón), Josh Hutcherson, Adrianne Palicki, Isabel Lucas, Jeffrey Dean Morgan, Josh Peck, Alyssa Diaz, Edwin Hodge y Connor Cruise, hijo (adoptado) de Tom Cruise y Nicole Kidman.

El remake había caído en el olvido tras los graves problemas financieros de MGM, pero tras la reestructuración del estudio, la nueva ‘Red Dawn’ ha reaparecido y se estrenará en 2011, posiblemente en verano (teniendo a Hemsworth en el reparto, podría venirles bien estrenarla poco después de ‘Thor’, que llega a los cines en mayo). El guion de la nueva versión lo firman Carl Ellsworth y Jeremy Passmore, y de la puesta en escena se ha encargado Dan Bradley, lo que supone su debut como director.

PD: Con la recuperación de MGM vuelve a ver la luz la saga James Bond. Dicen que Sam Mendes sigue al frente de la 23ª entrega y que se empezará a rodar este mismo verano. Ya veremos.

Vía | Worstpreviews

La consabida frase «me he reído, he llorado...» se suele utilizar para describir obras completas a las que no se les puede pedir más. Así ocurre con esta ‘Toy Story 3’, que emociona y divierte a partes iguales. Emociona tanto como la segunda, divierte como la primera y con ello se convierte en el colofón perfecto de la trilogía de Pixar. Si bien abandoné la sala con la certeza de haber pasado un rato a lo grande, no consideré entonces que la cinta se erigiría en lo mejor del año, sin embargo, no ha habido quien supiese arrebatarle la medalla.

2. ‘La cinta blanca’

Michael Haneke demuestra en este film una impresionante capacidad para transmitir sin decir nada claramente. En mi crítica destacaba el reflejo de la austeridad, que está presente no solo en las vidas reprimidas de los aldeanos, sino también en la ausencia de sentimientos en contra de la violencia y de la crueldad. Como estudio de los mecanismos que llevan a perpetrar tales actos, encontré ‘La cinta blanca’ (‘Das Weiße Band’) muy interesante.

3. ‘The Road (la carretera)’

Sé que a muchos espectadores les decepcionó ‘The Road (la carretera)’, pero probablemente sería porque no sabían qué debían esperar de él. Habiendo leído el libro, tenía claro qué me depararía el visionado y no hubo chascos ni sorpresas. Una adaptación muy fiel que funciona, a pesar de que por escrito parecía difícil trasladar a imágenes una historia carente casi por completo de acción. Pero ya se ha demostrado en otras ocasiones --‘No es país para viejos’-- que el austero Cormac McCarthy y su lenguaje depurado valían muy bien para el cine, como señalaba en mi reseña.

4. ‘Un tipo serio’

El protagonista de ‘Un tipo serio’ (‘A Serious Man’) no pone nada de su parte para que las desgracias cesen --lo máximo que llega a hacer es visitar a los rabinos de su comunidad--. Este tipo de personaje pasivo, en principio, podría imposibilitar mi cercanía hacia los sucesos. Sin embargo, en este caso, la película consiste en observar la vida de alguien que permite que todo le ocurra. Hablamos del absurdo, difícil de reflejar y de denunciar, quizá dependiente de meros matices, pero conseguido aquí. Un gran film en el que los hermanos Coen transmiten de forma única la presión a la que vive sometido el protagonista al no poder huir de sus circunstancias.

5. ‘En tierra hostil’

Considero que Kathryn Bigelow consigue crear tensión de forma magistral con ‘En tierra hostil’ (‘The Hurt Locker’), como ya indiqué en mi reseña. La película puede disfrutarse por escenas, como si fuesen episodios sueltos que funcionan individualmente o que se van sumando para crear un efecto acumulativo. Su casi nula presencia de historia y de hilo argumental que una esas secuencias podría parecer un punto en contra de que se considere una de las mejores cintas del año. Sin embargo, esa ausencia de trama me pareció una forma de recalcar, de nuevo, el absurdo del conflicto bélico, una lectura que quizá no estaba en las intenciones de los autores, pero que para mí es lo que le permite entrar en este top.

6. ‘An Education’

El retocadísimo cartel de ‘An Education’ me había echado atrás, haciéndome creer que me esperaba un film cursi sobre un amor imposible. No obstante, descubrí que se trataba de algo mucho más profundo. Si nos atenemos a lo que va ocurriendo, está claro que no hay mucho contenido y que es fácil ir imaginándose los sucesos subsiguientes. Sin embargo, si analizamos el significado que tienen las decisiones de los protagonistas, sí resulta interesante como estudio de unas mentalidades y de la sociedad de una época. En cierto modo, se podría considerar una película muy feminista, por la forma que tiene de mostrar las dos opciones de las que dispone, a partir de un momento, la joven, y de hacernos ver que ninguna de ellas es ideal. Los intérpretes están todos impresionantes, desde Carey Mulligan, la protagonista, a la amiguita que responde al tópico de las rubias.

7. ‘Origen (Inception)’

A partir del momento en el que los protagonistas se introducen en el sueño y dentro de éste surgen otros dos, ‘Origen’ (‘Inception’) me parece una gozada trepidante, tan disfrutable como una atracción de parque que no marea. Ese paralelo entre las diferentes ensoñaciones, cada una proyectada a su velocidad, se me antoja magistral. Antes de llegar hasta ahí, no obstante, el arranque me parece lento y me interesa poco --reclutamiento de miembros para ejecutar un plan, que hemos visto tantas veces--, por lo que creo que la duración podría haber sido menor. Encuentro impresionantes los planos de París formando un cubo --fotografía siguiente-- y otros trucos que aparecían en un tráiler que me deslumbró, pero me habría gustado que estas impactantes imágenes formasen parte de la historia y que no fuesen una simple demostración. Una película muy interesante, con tremendos hallazgos de Christopher Nolan y que puede ser lo más sorprendente del año.

8. ‘Kick-ass’

También diría que ‘Kick-ass’ tarda en arrancar, aunque en este caso por un motivo necesario, así que el metraje difícilmente se podría reducir, como ya comentaba en mi crítica. Cuando todas las historias se conjugan y conocemos la relación entre ellas, sube la temperatura de esta adaptación del cómic de Mark Millar y los planos de la niña dando palizas --kicking ass-- que nos ofrece Matthew Vaughan se convierten en gozosos.

9. ‘El escritor’

Aunque la trama policial no me interesó en absoluto, como ya confesé en mi reseña, reconozco que no se trata más que de un McGuffin con el que impulsar al protagonista a atravesar unas arenas movedizas de las que no es fácil salir. Todo lo que no se refiere a esta cuestión, es decir, lo más polanskiano, sí me pareció muy logrado en ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’) : la atmósfera opresiva, el avance de los personajes, etc... Si el trasfondo de thriller hubiese sido ligeramente más interesante, este trabajo de Roman Polanski se podría haber convertido en el film del año.

10. ‘Louise-Michel’

No voy a negar que se trata de una película peculiar, cuando menos, pero en momentos en los que el cine aporta tan pocas satisfacciones, una se aferra con fuerza a que algo simplemente sea diferente a lo que ofrecen los demás. Además, como dije en mi crítica, la película es muy catártica y perfecta para estos momentos de crisis. De visionado obligatorio para todas aquellas personas que hayan sido víctimas de un ERE. Eso sí: si alguien se anima a ver ‘Louise-Michel’, que no lea las sinopsis que circulan por ahí, que lo desvelan todo.

Otras buenas películas

Incluiría, antes de la segunda película, cualquiera de estos tres títulos orientales, pero uno es un reestreno, otro fue directo al DVD y otra llegará en 2011: ‘Nausicaa del valle del viento’, de Hayao Miyazaki; ‘Dream (Bi-mong)’, de Kim Ki-duk, y ‘Mother’, de Bong Joo Ho.

A partir del puesto decimoprimero, cabrían en la lista ‘Un profeta’, ‘Air Doll’, ‘La chica del tren’, ‘Buried (enterrado)’, ‘La red social’, ‘Sherlock Holmes’, ‘Madres e hijas’, ‘Dos hermanos’ -- la argentina de Daniel Burman --, ‘Exit Through the Gift Shop’, ‘Anvil, el sueño de una banda de rock’, ‘Las vidas posibles de Mr. Nobody’ y varias otras.

Las que no me han convencido tanto

Este año han sido numerosas las películas de las que, debido a que sus directores en otras ocasiones han colmado mis expectativas de sobra, esperaba mucho. Antes de verlas tenía claro que habrían entrado en este ranking y, sin embargo, no encuentran lugar ni entre las veinte mejores: se trata de ‘La vida en tiempos de guerra’, de Todd Solondz; ‘Conocerás al hombre de tus sueños’, de Woody Allen; ‘Up in the Air’, de Jason Reitman; ‘Scott Pilgrim contra el mundo’, de Edgar Wright; ‘Shutter Island’, de Martin Scorsese; ‘The Lovely Bones’, de Peter Jackson; ‘El solista’, de Joe Wright, y ‘Mamut’, de Lukas Moodysoon.

Para evitar a los lectores preguntar por los títulos que han echado de menos en la lista, pensando que, si no se incluyen, será porque no las he visto, hago un pequeño repaso a films bien considerados que a mí no me llenaron: ‘Alicia en el país de las maravillas’, de Tim Burton, autor del que podría haber dicho lo mismo que en el párrafo anterior, pero que ya tiene otras películas que no me convencen; ‘El americano’, de Anton Corbijn; ‘Biutiful’, de Alejandro González Iñárritu; ‘Carancho’, ‘Phillip Morris, te quiero’, ‘Two Lovers’, etc...

Y ahora, vosotros, ¿con qué películas del año pasado os quedáis?