Lo que en un principio iba a protagonizar Julia Roberts, que no pudo convencer a Daniel Day-Lewis para interpretar a Shakespeare, y que iba a ser dirigido por el sosainas de Edward Zwick, fue levantado algunos años más tarde por la ya desaparecida Miramax, que contrató a un director más bien mediocre como John Madden, le dio el papel estelar a Gwyneth Paltrow, fue inteligente agregando media docena de actores británicos en verdad geniales, y ya tenían montada la película de prestigio (con aire europeo, histórica, con historia de amor) del año. Pero lo que es cine, cine de verdad, más bien poco. Un divertimento trivial, con algunos buenos momentos aislados, un reparto espectacular, y una recreación histórica aún más espectacular. Un bombón relleno de aire, de los muchos que nos llegan de Estados Unidos cada año, que eclipsan otras películas muchísimo más importantes. Pero así están las cosas.

Vamos por partes, que diría Jack el destripador: a mí que a los guionistas Marc Norman y Tom Stoppard les de por inventarse los avatares de la escritura de la mítica pieza ‘Romeo y Julieta’, escrita por Shakespeare a finales del siglo XVI, a la vez que convierten al dramaturgo en un hombre bastante atolondrado (quizá lo fuera, antes no existían redes sociales para consignar toda tu vida), y que inventen una historia de amor que sirve de inspiración para el escritor, amén de media docena de decisiones más con las que no estoy de acuerdo, lo cierto es que me da igual. Si el guión no hubiera sido un cúmulo de trampas tan habilidosamente levantado cual montaña de naipes (y por tanto tan susceptible de venirse abajo con el soplido de cualquier argumentación seria), si la puesta en escena de Madden no fuera tan increíblemente impersonal, académica y carente del mínimo riesgo o audacia visual; en pocas palabras, si lo que propusieran, por muy ficticio y delirante que se quiera, hubiera tenido cine dentro, por mí como si convierten a Shakespeare en un travesti y a La Rosa en un burdel. Pero, claro, va ser que no hubo esa suerte.

Un diseño de producción al servicio de la nada

No voy a decir yo eso de que ‘Shakespeare enamorado’ es una basura, o que es mala película. No lo es. Divierte y está hecha con gran profesionalidad. Sólo sirve para un visionado, claro, pero hay muchísimas que ni eso. Lo primero que llama la atención es el cuidado aspecto meramente escenográfico de la historia, responsabilidad del diseñador de producción Martin Childs, de los directores artísticos Steven Lawrence y Mark Raggett, y de la decoradora Jill Quertier. Existe en esta película un gran amor por el detalle y un anhelo por homenajear una época fascinante, en la que los genios literarios emergían poco menos que del barro, la mujer era poco más que una mercancía, y los reyes hacían poco más o menos lo que les venía en gana. Siendo, porque lo es, un cuento de hadas de final triste, se percibe de forma notable un mundo y una cultura ya desaparecidos, y se perciben como algo real, no impostado. A ello hay que sumar el soberbio diseño de vestuario de Sandy Powell (casi nadie, habitual de Neil Jordan, Martin Scorsese o Todd Haynes), que añade un colorido espectacular a este relato.

No son los únicos talentos. Eso sí, creo que Joseph Fiennes es un actor bastante limitado para interpretar a Shakespeare. Pero Paltrow está maravillosa, en un papel que es un regalo para ella. En posteriores años esta actriz ha dado mucho menos de lo que prometía, pero aquí está perfecta. A su lado, formidables secundarios. Nada menos que Colin Firth (que este año suena muy fuerte para llevarse el Oscar a mejor actor por ‘El discurso del rey’ (‘The King’s Speech’, Tom Hooper, 2010)), Judi Dench, Geoffrey Rush, Tom Wilkinson, Imelda Staunton...que se dice pronto. Con gente tan fabulosa, y con alguna estrella resultona como un Ben Affleck, que parece totalmente fuera de lugar, Madden sabía que tenía media película hecha. Y él sabe engatusar bastante bien con rizos y formalizaciones vistosas, pero huecas, contando una historia de amor como millones se han visto ya.

Como comedia funciona bastante bien. Tiene ritmo y algunos diálogos ingeniosos. Nada del otro mundo, comedia de cierto buen gusto. Como historia de amor es bastante ñoña. Y como acercamiento a una figura tan grande como Shakespeare, se queda en una peliculita para adolescentes, porque no sabe ofrecer una visión realmente poderosa, por muy diferente que sea, de un mito así. Durante los primeros quince o veinte minutos, el juego hace gracia, pero en la parte final es bastante poco creíble, cuando ya todo ha quedado fagocitado por una historia de pasión y de pérdida sin el menor interés, más que nada porque Paltrow y Fiennes tienen química cero entre los dos, y porque los relatos de esta clase, filmados además de una forma tan pacata, dejaron de emocionar hace como medio siglo, si es que alguna vez emocionaron de verdad. A veces pareciera que el cine americano (porque esto es americano cien por cien, que nadie se lleve a engaño) se quedó estancado en 1950 y de ahí no hay quien lo mueva.

Conclusión

Para pasar una tarde más o menos llevadera, no está del todo mal. También se puede hacer algo mejor con las tardes, sobre todo ahora que empieza el Abierto de Australia. Siete Oscar para esta comedia son desproporcionados a todas luces. “Venció” a la gran película de Steven Spielberg ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’) y a una obra de arte como ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick), en un año en el que también vimos la magnífica ‘Aflicción’ (‘Affliction’, Paul Schrader) o la conmovedora ‘Dioses y monstruos’ (‘Gods and Monsters’, Bill Condon). Creo que Shakespeare se merecía algo más que esto.

Es normal que un debutante en su ópera prima, en estos tiempos, quiera abarcar cuanto más mejor. La tan alabada puesta en escena de su director en realidad no oculta errores tan graves como bajones de ritmo, cambios arbitrarios de puntos de vista, o una equivocada atmósfera que evita la credibilidad del relato. Personalmente me importan muy poco las andanzas de una familia que tiene su destino grabado a fuego desde hace tiempo, las dudas de J --aburrido y soso James Fecheville-- al cooperar con el agente Leckie --perdido Guy Pearce--, o cómo la abuela de éste, Janine Cody --excelente Jacki Weaver-- maneja en realidad los hilos a su antojo, controlando absolutamente todo.

Es precisamente el trabajo de Weaver --actriz australiana aparecida en alguna cinta de culto de Peter Weir-- lo que sobresale en medio de tanta mediocridad disfrazada de cine de autor, y además lo hace por méritos propios. Esa abuela controladora, perspicaz, instigadora y falsamente dulce es lo más terrible de un relato que impacta menos de lo que promete. Su previsible final, ese cambio de actitud por parte de J que oculta intenciones más poderosas, no impacta ni emociona, y ya no hablemos del dibujo del tío Pope --un frío Ben Mendelsohn--, ese criminal buscado por todos, cuya oculta y salvaje violencia parece a punto de explotar en todo momento, quizá el punto más interesante de la película --aunque pobremente desarrollado-- al lado de la interpretación de Weaver. El resto para olvidar merecidamente.

Es muy pronto para dar saltos de alegría, pero oye, es una noticia esperanzadora. El cineasta Ridley Scott ha cambiado de proyecto, y en lugar de encargarse de la precuela (o precuelas) de ‘Alien’, que era lo próximo en su agenda, se ha puesto manos a la obra con una película de ciencia-ficción totalmente original. O al menos eso es lo que asegura un comunicado oficial de la Fox, que ha revelado el título y la fecha de estreno de lo nuevo de Scott: ‘Prometheus’, 9 de marzo de 2012. Apuntado queda.

También se ha anunciado que Scott ya cuenta con una actriz para su nueva película, Noomi Rapace, la protagonista de las películas suecas que adaptaron la famosa trilogía ‘Millennium’. El estudio está ahora mismo buscando al resto de protagonistas, y se rumorea que Angelina Jolie y Charlize Theron son las dos favoritas, si bien parece complicado que puedan incorporar a las dos. Por otro lado, todavía no se sabe nada del argumento, pero sí que el proyecto surgió cuando el guionista Damon Lindelof (famoso por la serie ‘Lost’) se incorporó al equipo de la precuela de ‘Alien’; al parecer, trabajando con Scott para desarrollar un borrador inicial escrito por Jon Spaihts, llegaron a una idea que a ambos les resultó fascinante, y podía desarrollarse de manera independiente, al margen del universo de ‘Alien’. Seguiremos atentos a esto, a ver de qué se trata.

PD: Scott tiene dos películas de ciencia-ficción: ‘Alien’ (1979) y ‘Blade Runner’ (1982). Y ahora va a hacer otra. No digo más.

Vía | Deadline

Si la segunda mitad de los años sesenta había sido terrible para Tarkovski, por todos los problemas derivados de su ‘Andrei Rublev’ (‘Andrey Rublyov’, 1966), mucho peor fueron los últimos años setenta. Al desastre del rodaje de ‘Stalker’ (id, 1979), que como ya hemos comentado hubo de ser filmada de nuevo casi por entero, se unieron los problemas de la representación de ‘Hamlet’ que estaba llevando a cabo en Moscú, y las presiones del Mosfilm y las autoridades soviéticas para terminar la nueva versión de ‘Stalker’. Como resultado de todo ello, Tarkovski sufrió un ataque al corazón a los cuarenta y seis años que retrasó aún más ese rodaje. Por suerte, ya había conocido al guionista Tonino Guerra (habitual en la filmografía de Antonioni o Fellini) y empezó a rondarle por la cabeza la posibilidad de filmar un documental amateur a través de Italia, país cuyos festivales más importantes le instaban una y otra vez a que presentase allí sus películas. En 1979, con el proyecto sobre ‘El idiota’, de Dostoyevski, finalmente descartado, Tarkovski se fue a Italia con su amigo Guerra, y con una doble idea: filmar una película, pero grabar antes un documental para televisión sobre los preparativos de esa película.

Durante la grabación de ese material, según se sabe por su diario, Tarkovski supo de la excelente acogida de ‘Stalker’ en media Europa, y de la venta de ‘El espejo’ (‘Zerkalo’, 1975) a los distribuidores franceses por una elevadísima suma de dinero. Mientras, los ataques de sus colegas eran inmisericordes: le dijeron que era un enfermo psíquico, que les daba lástima porque debían cuidar de su salud, que no era ningún filósofo y ningún poeta para filmar un cine de esas características. No es de extrañar que, a esas alturas de su vida y con su salud mental y física cada vez más deteriorada, Tarkovski se plantease ya dejar su amada Rusia para siempre, a pesar de que probablemente tendría dificultades para ver a su familia si lo hacía. Pero, inasequible al desaliento, grabó y montó esta suerte de “making of”, que es más bien un diario de localizaciones e inspiraciones, un documental de sesenta y tres minutos lleno de muchas cosas hermosas.

Desde luego, si lo peor que podía pasarle a Tarkovski era marcharse de su país, dada la gran cantidad de vínculos emocionales, culturales y artísticos que le unían a él, Italia era el país idóneo para su sensibilidad, un país al que también le unían vínculos estéticos y en el que él, a pesar del calor extremo de las temporadas de verano, se sentía bastante a gusto, animado por las sombras de Leonardo Da Vinci y por la luz del clima mediterráneo. La RAI le había ofrecido una colaboración con el Mosfilm, que se retiraría a última hora del proyecto, para filmar la película que él quisiera, siempre que la financiación fuera modesta. Otros países le habían ofrecido contratos similares, pero él no podía resistirse a la patria de Dante. El viaje intelectual, físico y creativo que muestra ‘Tempo di viaggio’ es esencial, imprescindible, no solamente para acceder con mayor profundidad en la que creo que es su obra maestra, ‘Nostalgia’ (‘Nostalghia’, 1983), también para entender un poco más a Tarkovski y a su inseparable Tonino Guerra, y para hacerse una idea de lo que supuso para el artista ruso la llegada a un país tan diferente al suyo.

Me parece sumamente interesante observar el modo en que Andrei busca una relación estética muy personal con el arte italiano, no dejándose llevar por academicismos de salón, preguntando y cuestionándolo todo, indagando acerca de cada escalinata, cada cuadro, cada obra arquitectónica, analizando cualquier aspecto que a él pueda ayudarle a establecer puentes entre Rusia e Italia, o lo que es lo mismo, entre lo occidental y lo oriental. Tarkovski y Guerra hablan y hablan, de arte y de cine, bromean, se desesperan, hacen afirmaciones, y luego pierden de nuevo el rumbo. En un momento dado, el director encuentra el cuadro ‘Virgen del parto’, uno de los frescos más importantes del pintor renacentista italiano Piero della Francesca. Por su colorido casi árabe, por su hieratismo, Andrei se sintió muy conmovido por esta obra, e identificado con el propio pintor, que fue un gran maestro en el uso de la perspectiva y estuvo obsesionado con las propiedades del plano y del espacio tridimensional, como el mismo Andrei.

Otros son momentos muy bellos, como cuando Andrei habla sobre cierta habitación descubierta casi por casualidad, en la que la luz de la mañana va entrando con una determinada cadencia y cualidad, lo que al cineasta le hace sentir, según sus propias palabras, muy mal, y que para él fue esencial a la hora de descubrir el estado anímico de su personaje protagonista, el poeta errante que a fin de cuentas es una versión del propio Andrei. Filmando casi todos los episodios gracias a dos cámaras, que a veces resultan serenamente contemplativas y otras no tienen miedo de moverse en veloces panorámicas, Tarkovski, que comparte créditos de dirección con el propio Guerra, parece llevar a cabo un doble ejercicio estético: por un lado, se aleja de las constantes de su propio cine de ficción para filmar a un estilo documental alejado de lo que cabría esperar de él, con un estilo despojado, casi feista o de apariencia tosca que en el fondo esconde una gran estilización; por otro, ensaya las perspectivas, las fugas y los cuidadísimos contracampos (o saltos de eje) que van a funcionar como andamiaje narrativo de su filme ‘Nostalgia’.

Los sesenta y tres minutos que dura ‘Tempo di viaggio’ fueron montados varias veces por el director, que no encontraba la forma de proponer una estructura fluida y orgánica. Le costó, pero consiguió hallarla y los jefes de la RAI vieron un material con el que quedaron muy complacidos. Poco imaginaban, claro, que esta pequeña joya sería la primera parte de una apócrifa trilogía con motivo de la muerte del cineasta. En 1987 su amigo Aleksandr Sokurov presentaría ‘Elegía de Moscú’ (‘Moskovskaya elegiya’), que es un sentido y doloroso homenaje a su amigo Tarkovski, y en el año 2000 Chris Marker presenta ‘Une Journée d’Andrei Arsenevich’, en la que se muestran los últimos días de Tarkovski huyendo de todo sentimentalismo. Las tres películas forman un extraño todo, tres capítulos con un mismo tema, que pueden verse seguidas como una lírica despedida a un autor tan especial.

Especial Andrei Tarkovski:

• La pasión de Andrei Tarkovski

• Andrei Tarkovski y 'Esculpir en el tiempo'

• Andrei Tarkovski: 'La infancia de Iván'

• Andrei Tarkovski: 'Andrei Rublev'

• Andrei Tarkovski: 'Solaris'

• Andrei Tarkovski: 'El espejo'

• Andrei Tarkovski: ‘Stalker’