Que alguien me aclare por favor si Taylor Lautner sale en ‘Abduction’, es que me queda la duda… Es normal que se use el rostro de un actor conocido para promocionar una película, pero que se limite simplemente a eso, a la foto del protagonista, es ridículo. En fin, para deleite de su legión de fanáticas, ahí tenéis el cartel de la primera película de Lautner como protagonista principal, una anodina imagen en blanco y negro (¿se supone que está enfadado?) que intenta recordar aquel póster de ‘El ultimátum de Bourne’ (‘The Bourne Ultimatum’). Esto confirma lo que ya sospechábamos al ver el tráiler, que nos están intentando vender sin reparo alguno una versión de Bourne en el instituto. Una idea muy original.

Escrita por Shawn Christensen y dirigida por John Singleton (‘Los chicos del barrio’, ‘Shaft’, ‘Cuatro hermanos’), ‘Abduction’ es un thriller de acción centrado en un joven que un día descubre una foto suya de cuando era bebé en una web de gente desaparecida, concluyendo que sus padres le secuestraron; desde entonces, el muchacho será perseguido por un misterioso grupo, mientras intenta descubrir su verdadera identidad. Lily Collins, Alfred Molina, Jason Isaacs, Maria Bello, Michael Nyqvist, Sigourney Weaver y Denzel Whitaker también intervienen en la película, aunque no tengan sitio en el póster. La película estará en los cines el 23 de septiembre.

PD: Y el 18 de noviembre se estrena la primera parte de ‘Amanecer’, la adaptación del último libro de la saga ‘Crepúsculo’.

Vía | Aceshowbiz

Leo la reciente noticia de que Pedro Almodóvar regresa, una vez más, a la sección oficial del Festival de Cannes (junto con muchos ya habituales), y vuelvo a escuchar la manoseada expresión (como casi todas las expresiones periodísticas de hoy día) de “director más universal de nuestro cine”. Algunos añaden una oportuna coletilla a ese lugar común: “el más universal de nuestro cine…desde Luis Buñuel”. Sin entrar a considerar la obra del manchego (algún día quizá lo hagamos) tengo muy claro que, a pesar de que Buñuel es considerado como uno de los grandes iconos de nuestro cine, a pesar de su prestigio en el extranjero (o quizá precisamente por él), a pesar de su carrera por EEUU, Francia y México (o quizá precisamente por ella), a pesar de retrospectivas, ciclos, filmotecas, debates en torno a su cine, Buñuel permanece siendo, a día de hoy, un gran incomprendido, y su legado cada día un poquito más olvidado y un poquito más distorsionado por medios de comunicación y aficionados en general.

Como suelo decir, si Rafa Nadal fuera francés o suizo, su leyenda sería todavía más grande de lo que es siendo español. Con Luis Buñuel ocurría y ocurre exactamente lo mismo. Cuando hablo de él entro en fase Arturo Pérez-Reverte, y comienzo a lamentar el olvido sistemático que muchas personas de este país perpetran contra nuestras personalidades más ilustres. Digo yo que algo de esto habrá cuando los franceses (tan majos ellos…, menos mal que gozan de una gran cinematografía) no tienen ningún reparo en hacerse los locos y apropiarse de la nacionalidad de Buñuel siempre que pueden, y eso que era un hombre más castizo que el toro de lidia, y que su cine, ya fuera engendrado pasados los pirineos o en algún país de norteamérica, detentaba unas constantes puramente españolas, ibéricas y sobre todo hispánicas, incontestables en su nitidez, y apasionante en su persistencia, que le vinculan con algunos de los artistas españoles más importantes que han existido, y que le han convertido en uno de los cineastas más originales, valientes y transgresores de la entera historia del cine.

A mi juicio, el genio de Buñuel se sustenta en tres pilares primordiales:

1. Su profunda cultura. Debido a una acomodada posición social y con todas las ventajas que ello comporta, y unido este hecho a su insaciable curiosidad y su falta de complejos, le convirtieron, gracias a su paso por la mítica Residencia de Estudiantes, fundada por la Institución Libre de Enseñanza, y a que casi siempre se hallaba en el lugar y en el momento adecuados, en un hombre muy cultivado (baste leer su maravilloso libro ‘El último suspiro’, escrito en colaboración con el gran guionista Jean-Claude Carrière, para constatar su mordacidad y su clarividencia).

2. Su bestial inconformismo. Porque aunque nació en el seno de una familia de la alta burguesía, y de sus estudios en colegios jesuitas, latía en Buñuel uno de los espíritus más puramente subversivos del siglo XX (del que es piedra cultural angular, aunque sólo sea por haber nacido en 1900 y haber muerto en 1983), que bebió sin empacho de André Breton, Max Ernst, Marqués de Sade o Galdós, y que le llevó a cambiar para siempre conceptos visuales, temáticos y morales del cine.

3. Su radical y personalísima escritura fílmica, que con un coraje ilimitado propicia el más puro surrealismo cinematográfico, el cine documental o neorrealista más descarnado, el melodrama costumbrista bajo el que se esconde una profunda crítica social o humana, el anticlericalismo más bufonesco, y por fin el cine de autor más impredecible y sorprendente que imaginar quepa.

A partir de estos pilares, y bien pertrechado de una buena colección de obsesiones, Buñuel dirigió un total de treinta y dos películas, de las que confieso he visto solamente treinta, y algunas de ellas hace bastante tiempo (y por eso, además de por otras razones, no voy a escribir un especial sobre este director, aunque sí hablaré, de vez en cuando y siempre que pueda, sobre las películas suyas que me parecen más estimulantes e inolvidables). Y aunque no he visto ni ‘Gran Casino’ (1947), un título que él mismo no se privaba de despreciar abiertamente, ni ‘El gran calavera’ (1949), y recuerdo peor de lo que sería conveniente otras como ‘La hija del engaño’ (1951) o ‘La ilusión viaja en tranvía’ (1954), puedo afirmar sin temor a equivocarme que sus tres más grandes películas, ‘Los olvidados’ (1950), ‘Nazarín’ (‘1959’) y ‘El ángel exterminador’ (1962), todas ellas filmadas en México, son un Goya vestido de cura armado con una escopeta cargada de elegante transgresión.

Los curas y los vagabundos, los perros y los burros, los pechos y las piernas femeninos, los zapatos de tacón y lo clerical, el barro y la mierda, la muerte y el sexo reprimido, el deseo y el humor, son estrellas de la constelación Buñuel, peajes imprescindible para entrar en su universo, un universo mucho más preocupado por el hombre de lo que pareciera, pero jamás dispuesto a idealizarlo ni a caer en lugares comunes tales como dividirlos entre buenos y malos, o puros y virtuosos frente a malvados. Por eso su adecuación forzosa a los parámetros del melodrama mexicano en los años cincuenta tiene tanto de insólito y a la vez de fascinante, porque su fiera expresividad era capaz de aceptar los encargos más dispares (obligado a ello por su situación económica y las características de la industria mexicana) y aún así ser capaz de dotar a sus melodramáticas historias de profundidad y de niveles narrativos, y a sus limitadísimos actores de personajes muy vivos y muy verosímiles.

Su insólita carrera comprende diez años de involuntario parón, en los que trabajó como productor asociado del MOMA, como ayudante del embajador en Francia, como supervisor de diálogos para la Warner Brothers, como consejero técnico e histórico para documentales del gobierno de la república, y finalmente, exiliado en México, donde a partir de ‘Los olvidados’ su carrera conoció una rehabilitación que no se tradujo, necesariamente, en mayor libertad o reconocimiento, pero sí en la posibilidad de seguir dirigiendo películas a sus más de cincuenta años. A su plenitud de los años 60, llegaría el prestigio crítico y el respeto de los más grandes directores durante los años setenta, dirigiendo ya películas en Francia, quizá algo inferiores a su etapa mexicana, pero siempre rebosantes de su particular sentido del humor y de su valiente e iconoclasta puesta en escena. Su Palma de Oro por ‘Viridiana’ (1961), su premio al mejor director en Cannes por ‘Los olvidados’, su Oscar a la mejor película extranjera por ‘El discreto encanto de la burguesía’ (‘Le charme discret de la bourgeoisie’, 1972), su León de Oro por ‘Bella de día’ (‘Belle de jour’, 1967), su Premio especial en Venecia por ‘Simón del desierto’ (1965), no son más que el reconocimiento en forma de superficiales premios a una personalidad irrepetible, cuyos valores, imágenes y conquistas todavía no se han analizado en su vasta complejidad.

Pero más allá de reflexiones artísticas y pensamientos expresivos, el cine de Buñuel es un cine muy divertido, que jamás aburre y que siempre sorprende y desafía a la moral y a la inteligencia del espectador. Cualquier espectador.

Hace unas semanas estuvieron en Madrid Duncan Jones y Jake Gyllenhaal presentando su nuevo estreno, ‘Código fuente’ (‘Source Code’, 2011). Sus palabras de ánimo, ante un público juvenil y aficionado --supongo que para la prensa tendrían otro discurso preparado-- fueron que la película que iba a proyectarse a continuación era trepidante y no dejaba un segundo de respiro.

No digo que no tuviesen razón o siquiera que sus apreciaciones fuesen exageradas, pues quizá lo bueno de ‘Código fuente’ es que mantiene un buen ritmo a lo largo de prácticamente todo su metraje, gracias al montaje del veterano Paul Hirsch. Sin embargo, esa emoción sostenida se puede quedar en nada cuando llega el final y se observa la película hacia atrás, como conjunto. Alguien acostumbrado a viajes en el tiempo y juegos similares puede abandonar la sala con ganas de que la premisa se hubiese explotado más.

‘Moon’ supuso una refrescante propuesta con loables ambiciones y grandes ideas detrás, a pesar de que a mí no me dijese tanto como a la mayoría de los espectadores. En el lado opuesto, este siguiente trabajo de Jones cuenta con un desarrollo más extenso y válido para un largometraje, pero se queda en menos en cuanto a su significación y envergadura. Quizá se ha forzado demasiado al británico hacia lo comercial o ha sido el propio autor quien, con esos condicionantes, no ha sabido dar todo de sí mismo. O también es posible que esa frescura se pierda tras la primera vez. Las expectativas con las que dejó entonces sobre el cine que podría llegar a hacer este debutante se han quedado en poco.

Atrapado en 8 minutos de tiempo

Por culpa de la excusa científico ficticia, la estructura de la película no tiene más remedio que ser reiterativa, de forma muy similar a la de ‘Atrapado en el tiempo’ (‘Groundhog Day’, 1993) y, algo menos, a la de ‘El efecto mariposa’ (‘The Butterfly Effect’, 2004) o ‘Déjà Vu’ (2006).

Al igual que en el film protagonizado por Bill Murray, el personaje de Gyllenhaal va aprendiendo de sus previos errores e incorporando sus conocimientos para interactuar con los seres que viven esa experiencia siempre por primera vez. No obstante, lo que allí resultaba jocoso y divertido de ver, en este caso acaba por cansar. Los autores, conscientes de ello, en seguida pasan al montaje resumen. Pero es entonces cuando deben buscar algo diferente que contar y con ello la premisa se pierde y la película comienza a hacer aguas. Sacar más partido a esas repeticiones, con variaciones más profundas, habría resultado más interesante que claudicar ante su inevitable agotamiento para pasar a otra cuestión. Un guionista bastante menos veterano que el montador, Ben Ripley, no ha sido capaz de llegar a eso.

Aspectos estéticos

Con una producción mediana, que cuenta con explosiones y efectos, pero que no es muy espectacular, la película es correcta en lo visual. Algunas de las decisiones de Jones, como un congelado que no os pasará inadvertido a nadie, se podrían discutir. Pero el director sale del paso con una realización competente. La casi total unidad de espacio provoca que el producto no se despegue por completo de esa sensación de amateurismo que en ‘Moon’ favorecía, pero que aquí no acompaña.

En el apartado actoral, Gyllenhaal ofrece el nombre de categoría para que ‘Código fuente’ pueda considerarse como producto de éxito y Vera Farmiga, tras su llamativo papel en ‘Up in the Air’, refuta esa calidad del reparto. Michelle Monaghan y Jeffrey Wright, sin embargo, rebajan este aspecto, no porque sus interpretaciones no sean correctas, que lo son, sino por cuestiones de fama y caché.

Las clásicas pegas

He comprobado a lo largo de años, ya sea charlando sobre las películas con amistades al salir de verlas o leyendo vuestros comentarios y las críticas de otras personas, que las tachas a la verosimilitud que se suelen tener no son comunes ni están generalizadas, salvo excepciones que se darán cuando un fallo clame al cielo. Quizá yo salgo del cine con algo en la cabeza que me ha chirriado tanto que no he podido disfrutar de la historia, pero otros salen protestando por una incongruencia que no he visto, mientras que la mía se les ha pasado por alto.

Así puede ocurrir con ‘Código fuente’ y por ello sé que mis reparos no suponen un argumento suficiente como para desmontar la película, sino que son cuestiones que debo hacer un esfuerzo por dejar pasar para poder entrar en la historia. De todas formas, las detallo a continuación por si alguien más pensó lo mismo. No habría que leer lo que viene a continuación sin haber visto la película, no solo por lo que pueda destripar, sino más que nada porque, yendo con ello pensado de antemano, la pega surgirá con seguridad:

Una de ellas se refiere a la estrategia de los que envían al protagonista a encontrar al artificiero. Si es una persona que, esa misma tarde va a poner una bomba en otro lugar, lo primero que tiene que quedarles claro es que no se trata de un terrorista suicida --vamos, por aquello de que los muertos no pueden poner bombas--. Para no suicidarse, la única opción que le queda al criminal es dejar la bomba y abandonar el tren. Con esta noción, a la cual es fácil llegar, el plan desde el principio debería haber sido buscar a alguien que se baja del tren. Sin embargo, Gyllenhaal por orden de sus superiores, siempre busca entre los pasajeros que permanecen a bordo.

La otra pega --aparte de algunas minucias que no merece la pena detallar-- es más discutible, pues entramos en las teorías físicas de los universos paralelos. Me parece perfecto que al final él tenga su vida alternativa, feliz y maravillosa, pero ¿desde cuándo un universo puede comunicarse con otro vía SMS?, menuda cobertura hay entre dimensiones. Está claro que se trata de una licencia de los autores, pues sin ella no podría haber final, y ya dependerá de cada uno si la dejamos pasar o no (Fin del spoiler).

Conclusión

Como digo, ninguna de estas objeciones desmonta o desacredita la película, pues creo que el relato de ciencia ficción cien por cien verosímil para toda la humanidad --incluidos científicos de distintas vertientes-- no se puede escribir. Pero lo que sí rebaja, desde mi punto de vista, la calidad del conjunto es que se podría haber extraído más del punto de partida, se podría haber ido más allá. En definitiva, ‘Código fuente’ se queda en una propuesta facilona y complaciente, con un final algo forzado. Entretenida es y en su inicio resulta muy sorprendente, pero de ahí en adelante no sube. Producto palomitero para disfrutar en grupo o para alquilar cuando aparezca en formato doméstico.

Mi puntuación:

No sé a vosotros, pero a mí me llamó mucho la atención el revuelo que se montó en la encuesta anterior, motivado por la inclusión de ‘Titanic’ entre las sugerencias a peor película de la historia, junto con cosas como ‘Batman & Robin’, ‘Alone in the Dark’ o ‘Dragonball: Evolution’. Como si hubiera insultado o escupido a alguien. Luego resultó que un 5% de lectores votaron la película de James Cameron, y yo dije que estaba sobrevalorada. Sobrevalorada, ojo, no mala. Pues nuevo lío en los comentarios. ¿Por qué? ¿Acaso muere un gatito cada vez que alguien diga que ‘Titanic’ no es una obra maestra?

En fin, buscando temas para la encuesta XXI, y teniendo en cuenta todas las propuestas que me vais dejando en los comentarios, pensé que podría ser buena idea enfocar el debate precisamente a lo que está más valorado de lo que se merece. A los sobrevalorados. Y sobre eso va el cuestionario de esta semana.

Os propongo votar las películas, los directores, los actores y las actrices que consideréis que tienen demasiado prestigio para lo que realmente son, para lo que aportaron o están aportado a la historia del cine. Espero que el tema os resulte de interés, creo que puede dar juego, y así aclaramos de una vez qué narices está sobrevalorado y qué no. Como siempre, solo os he dejado unas sugerencias, tenéis la opción “otro” para escribir la respuesta que queráis; y no tenéis que contestar todas las preguntas, solo las que os apetezcan. Sin más, os animo a echar un vistazo y participar:

PD: El cine no es lo único que está sobrevalorado. También el cerebro está sobrevalorado:

Ojo a esto. El pasado mes de septiembre hablamos aquí de un peculiar proyecto protagonizado por Will Ferrell titulado ‘Casa de mi padre’ (tal cual, es el título original). Hoy os traigo el primer tráiler de la película, ya en fase de post-producción. Es el avance más raro que he visto en mucho tiempo. Y tiene algunos momentos muy divertidos, aunque una cosa es ver un vídeo de unos dos minutos y otra muy diferente ver una película de una hora y media. Ojalá merezca la pena.

Cabe señalar que ‘Casa de mi padre’ también está protagonizada por Gael García Bernal y Diego Luna, siendo la tercera película en la que éstos coinciden en la gran pantalla, después de ‘Y tu mamá también’ (2001) y ‘Rudo y cursi’ (2008). Génesis Rodríguez, Pedro Armendáriz Jr., Héctor Jiménez y Adrián Martínez completan el reparto de una comedia que parodia las populares telenovelas sudamericanas con grandes dramas, tragedias y romances. Como podéis ver, el estadounidense Ferrell interpreta al mexicano Armando Álvarez, un personaje que solo sabe hablar español, pero salvo algunas palabras, que hace necesarios los subtítulos, parece que se defiende bastante bien. El film ha sido dirigido por Matt Piedmont, que debuta en el cine, y por el momento no tiene fecha de estreno.

PD: Gracias a todos los lectores que nos han avisado.

Finalmente se confirma que veremos ‘Lincoln’. Tras numerosos retrasos, y el abandono de Liam Neeson, cansado de esperar, el ansiado proyecto de Steven Spielberg comenzará a filmarse este próximo otoño, y si todo va bien se estrenará a finales de 2012. Esta semana se ha sabido que Sally Field será una de las protagonistas de la película junto a Daniel Day-Lewis, quien se incorporó al proyecto de la DreamWorks en noviembre. Un dato llamativo es que entre Spielberg, Field y Day-Lewis suman siete Oscars.

La actriz, a la que también podremos ver en el reinicio de Spider-Man (se estrena igualmente en 2012), ha sido contratada para dar vida a Mary Todd, la esposa de Abraham Lincoln, que estará interpretado por Day-Lewis. Curiosamente, el actor es once años más joven que Field, mientras que el verdadero Lincoln era nueve años mayor que su mujer; por daros algo más para comentar. Escrita por Tony Kushner (‘Munich’) a partir del libro ‘Team of Rivals’ de Doris Kearns Goodwin, ‘Lincoln’ se centra en los conflictivos e importantes años en los que se produjo la abolición de la esclavitud (1863) y el final de la guerra civil (1865) en Estados Unidos, con Abraham Lincoln como presidente.

PD: En 2012 también llegará a los cines ‘Abraham Lincoln cazavampiros’, lo nuevo de Timur Bekmambetov.

Vía | Empire

La película, cuya filmación no gozaba del beneplácito de todo el mundo por motivos más que evidentes, fue uno de los éxitos de los años 70, llevando al estrellato definitivo a su actor principal, Al Pacino, que obtenía con ésta su segunda nominación al Oscar --recordemos que después de 7 nominaciones lo consiguió por uno de sus peores interpretaciones, al menos para quien esto firma, de ciego en el peñazo ‘Esencia de mujer’ (‘Scent of a Woman’, Martin Brest, 1992), penoso remake de un clásico italiano con Vittorio Gassman--; y supone también uno de los films más recordados de su realizador, el recientemente fallecido Sidney Lumet. Curiosamente, el paso del tiempo --ese amigo o enemigo, que lo pone todo en su justo lugar-- la revela como uno de los films menores, que no malos, de su director. No entraría en un top five de Lumet, e incluso tengo mis reservas con un top ten. Pero no hay duda de que nos encontramos ante una cinta encomiable por muchos motivos, aunque resulte fallida en ciertos puntos.

‘Serpico’ da comienzo con el personaje central herido de gravedad por un disparo de pistola, y al que compañeros policías trasladan urgentemente al hospital para lo que parece imposible, que salga con vida. En un momento dado, un personaje, al conocer la noticia del tiroteo espeta tranquilamente que conoce a cinco o seis policías que gustosamente hubieran apretado el gatillo. A través de un largo flashback se nos muestra cómo se ha llegado a dicha situación. La denuncia y el perfil psicológico de Serpico son los temas centrales de una película con la que Lumet empezaba a desmarcarse de un cine casi siempre caracterizado por su estilo teatral. Lumet sale con su cámara a la mismísima calle, algo que desarrollaría en películas posteriores, consiguiendo una veracidad que por momentos asusta. También inicia una etapa de clara denuncia hacia el sistema, que iría creciendo en intensidad en sus siguientes trabajos.

Así lo demuestran trabajos como ‘El príncipe de la ciudad’ (‘Prince of the City, 1981) o ‘Distrito 34: Corrupción total’ (‘Q & A’, 1990), en las que en cierto modo se sigue la estela iniciada en ‘Serpico’, y en otro orden de cosas ‘Tarde de perros’ (‘Dog Day Afternoon’, 1975). Sin esos dos films, ambos con Pacino como estrella principal, es más que probable que Lumet no hubiese realizado los films mencionados, u otros de mayor envergadura y que visten una filmografía con alguna que otra mediocridad, pero ejemplar en líneas generales. En el caso de la que nos ocupa son varias sus virtudes. Podríamos empezar por su falta casi total de escenas de acción, algo impensable en los thrillers setenteros, aunque coincide con ellos en su realismo. Para compensar, dibuja un extremo retrato sobre Frank Serpico, y aunque sus imágenes ofrecen menos de lo que prometen, está ciertamente conseguido el ambiente de opresión que recae sobre el personaje, enfrentado solo a la corrupción policial.

Aquí se producen dos elementos que en cierto modo se contraponen. Al centrarse sobre todo en Serpico y su estado anímico ante la agobiante situación, Al Pacino despliega todo un arsenal para su caracterización, más física que otra cosa --al respecto decir que la película se filmó en sentido inverso, empezando por el final--, a lo que no habría nada que objetar, si no fuera porque en ciertos momentos parece más un show de Pacino que una interpretación. La película parece por momentos un vehículo para el exclusivo lucimiento del actor, y al acaparar casi el cien por cien de los planos, el trabajo del resto de sus compañeros --entre los que se encuentran Tony Roberts, actor secundario muy de moda aquellos años, y un F. Murray Abraham no acreditado-- parece empalidecer. En cualquier caso, baste comparar la labor actoral de esta película con la de otras surgidas a su sombra, para comprobar que algo se ha perdido con el paso de los años.

‘Serpico’ gana enteros en su descripción de una ciudad sucia, retratada con poco glamour, filmada en zonas de barrios bajos. Así se respira verdad y autenticidad en cada fotograma, mientras Lumet esgrime su crítica hacia el cuerpo policial, aunque no siempre lo haga con coherencia o sinceridad. Baste recordar la escena en la que Serpico queda con sus compañeros en un parque y donde, una vez más, se niega a formar parte de la red de corrupción que baña el cuerpo; el plano en el que se queda solo mientras sus compañeros se marchan en todas direcciones, no deja de ser algo demagógico. Serpico solo frente al mundo, abandonado a su suerte --ni siquiera aquellos que le creen, pueden ayudarle demasiado--, una imagen demasiado forzada y un poco manipuladora. Afortunadamente, Lumet acierta en su crescendo dramático, Pacino no hace demasiados numeritos, y el film concluye con un claro sabor amargo acorde con su denuncia. Mención especial para la nostálgica banda sonora de Mikis Theodorakis.