Sin embargo, al enterarme de que había aceptado dirigir la versión americana de la novela ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’ me invadió por primera vez una gran duda sobre si estaría ante mi primera gran decepción con una película de David Fincher. Reconozco que ni había leído el libro, ni tampoco me había molestado en ver la adaptación sueca, y es que no tenía especial en volver a encontrar otro ‘El código Da Vinci’, que es a lo que apestaba la novela de Stieg Larsson por mucho que algunas personas quisieran vendérmelo de otra forma. Además, estuve muy lejos de compartir el entusiasmo inicial de la mayoría cuando aparecieron las primeras imágenes y, sobre todo, el primer tráiler, el cual a mí me echó muy para atrás y empecé a pensar que igual no iba a ser sólo una decepción, sino ante algo malo. Y una vez vista me atrevo a decir que ‘Millennium: Los hombres que no amaban las mujeres’ es lo peor que ha hecho su director, pero ¿quiere eso decir que sea una mala película?

¿Es una mala película ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’

Lo primero que quiero aclarar es que no, ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ no es un bodrio, ni tan siquiera una película que merezca ser suspendida y catalogada como una de las muchas tonterías que salen de Hollywood cada año. De hecho, es muy de agradecer que se haya optado por convertirla en un thriller adulto, algo muy poco habitual entre las grandes producciones de USA, las cuales huyen de la calificación R como si se tratase de un loco demente que quiere acabar con ellos. Y es que dicha calificación prohibe explícitamente a los menores de edad ir al cine sin ser acompañados por un adulto, lo cual limita las opciones comerciales de la película.

Es por eso que comento que, por ejemplo, no llegamos a oír decir a John McClane el motherfucker (hijo de puta a la hora de traducirlo al español) con el que remata su archifamosa frase en la versión original de ‘La jungla 4.0’, aunque eso es algo que ignoraron completamente a la hora de doblarla al español. Podría daros más ejemplos, pero creo que ya pilláis que para evitar la R hay que optar por suavizar muchas cosas, en especial todo lo relacionado con el sexo, la violencia y las palabras malsonantes. Y rebajar esos aspectos en algo como ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ sería lo primero que podría condenarla, pero no es el caso, ya que la película es un thriller adulto que no rehuye ser gráfica en situaciones que pueden ser incómodas para el espectador, pero sin abusar de forma gratuita de los elementos más polémicos. Fincher sabe equilibrar muy bien el ser adulto con el no enseñar por enseñar para que el impacto que cause en el espectador sea el que necesita la historia que nos cuenta. Y es que de nada sirve enseñar miles de desnudos y usar un montón de gore si no tiene un efecto positivo en la película.

Uno de los principales logros de ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ es el guión de Steven Zaillian. No sé hasta que punto será un reflejo del libro o no, pero toda la investigación tiene una progresión bien dosificada, sin dejar al espectador con la sensación de emplear falsas pistas o que la importancia de alguna de ellas sea tal que cueste creernos que no resuelvan antes el caso. Sin embargo, todo se ve maximizado por el cuidado diseño de producción, no ya sólo porque optasen por ir a rodar en Suecia para recrear con mayor precisión la ambientación de la historia, sino porque la gelidez de la cabaña (y los alrededores) donde el protagonista lleva a cabo sus pesquisas es algo que realmente siente el espectador, así como la atmósfera opresiva que Fincher dota al relato a través de la puesta en escena. Si hay que poner un gran pero a la película es que el tramo final carece de fuerza y deja con la sensación de estar alargando el cierre historia cuando el punto álgido de la función sucede como media hora antes de que aparezcan los títulos de crédito. Y es una pena, porque el clima in crescendo que se había estado desarrollando con mucho acierto hasta que se cierra una de las tramas centrales, pero luego es un "que se acabe ya" lo que pasa a menudo por la cabeza.

Otro de los puntos que puede preocupar a algunos fans de la obra de David Fincher es el hecho de que ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ apesta a película de encargo para conseguir mayores facilidades a la hora de encontrar financiación para sus futuros proyectos. ¿Es eso algo que se note? Ni mucho menos, Fincher es un gran profesional y eso es algo que uno nota viendo la película, algo que no siempre pasa en casos así, ya que son muchos los que optan por abordar proyectos poco interesantes (salvo por el cheque que se llevan a casa) con un desgana preocupante. No es el caso, ya que sabe convertir una historia que no andaría muy lejos de poder haber formado parte de la teleserie ‘Caso abierto’ en un thriller muy entretenido, con una sabia utilización del suspense y un trabajo técnico de primerísimo nivel, estando todo ello coronado por una banda sonora muy efectiva por parte de Trent Reznor y Atticus Ross. ¿Podría ser mejor dado el material con el que juega? Tengo mis dudas.

Los personajes

Un aspecto esencial de la película son sus dos protagonistas y sobre sus actuaciones no tengo nada particularmente negativo que decir: Si hay una cosa que destaca sobre todo lo demás en Daniel Craig es su rostro, el cual le permite ser un James Bond algo más oscuro de lo habitual, pero también podría haber sido perfectamente un villano más dentro de esa saga. En ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ sabe llevar el peso de la película e implicar al espectador con la investigación que lleva a cabo. Si hay una posible pega que ponerle es que no termina de saber transmitir al espectador el peligro por el que pasa a partir de determinado momento, pero también puede ser que se busque transmitir una confianza total en lo que se está haciendo para no transmitir dudas al villano en la sombra. No termino de tenerlo claro, pero lo que sí tengo claro es que es una de las mejores actuaciones de Craig.

Había oído hablar mucho de Lisbeth Salander, la mayoría de las veces para calificarlo como un grandísimo personaje y que poco menos iba a flipar en cuanto la conociera, pero eso es algo que no termino de ver. Ojo, la actuación de Rooney Mara es muy efectiva, sabiendo transmitir al espectador la problemática y voluble personalidad de Salander, pero tampoco creo que el personaje sea para tanto. De hecho, me viene a la mente Kalinda, de la estupenda teleserie ‘The good wife’, otra investigadora con muchos secretos en su pasado, la cual resulta mucho más fascinante que Salander, la cual, sí, es muy peculiar y despierta el interés del espectador, pero no es ninguna genialidad. Eso sí, agradecí mucho que Zaillian haya preferido no contarnos apenas nada de su pasado, logrando así transmitir la sensación de que ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ es una historia cerrada y no un paso más en la vida de este personaje.

El resto del reparto sabe estar a la altura de lo esperado y no hay nadie que llame la atención negativamente. Me alivió especialmente ver que el poco conocido Yorick van Wageningen salva muy bien el papel de nuevo tutor legal de Lisbeth, ya que era un personaje y una trama con muchas posibilidades de afectar negativamente a la película, pero no es el caso. De los demás me gustaría destacar a Christopher Plummer, cuya interpretación como el hombre que quiere saber qué pasó hace ya 40 años con su querida Harriet consigue ganarse la empatía del público y que se interese por la propia investigación. Los demás, lo dicho, cumplen perfectamente.

Las odiosas comparaciones con la versión sueca

Ya sé que he dicho un poco más arriba que había visto ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ sin haberme leído la novela de Stieg Larsson, ni haber visionado la anterior versión cinematográfica, pero no es obligatorio escribir una crítica del tirón (yo prefiero no hacerlo nunca), y entre medias he aprovechado para ver la película rodada por Niels Arden Oplev. Lo primero que quiero decir es que me ha resultado bastante inferior a la versión de Fincher, sobre todo porque el clima de suspense no está muy logrado en la cinta sueca. ¿Los motivos? Soy consciente de que la frialdad estilística es bastante habitual en el cine de ese país, pero eso es algo que no siempre funciona, y ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ es un buen ejemplo de ello: En ningún momento transmite una sensación de peligro o emoción (la atmósfera de suspense brilla por su ausencia) durante el desarrollo de la investigación, de hecho todo lo relacionado con ir descubriendo pistas, cuyo orden de ser desveladas es diferente al del largometraje de Fincher, resulta un tanto torpe. Hay pistas decisivas que aparecen, pero tardan demasiado en atar los cabos sueltos.

A nivel de aspectos técnicos es donde encontramos una diferencia abismal, ya que la adaptación sueca consigue lucir algo por encima de su propia naturaleza televisiva, pero en la versión americana hay tal atención a temas de ambientación que es como comparar un billete de cinco euros con uno de quinientos. Hay parecido, pero la diferencia es enorme. Un punto en el que falla especialmente la versión sueca es en la banda sonora, donde se muestra incapaz de resaltar la tensión de lo que va sucediendo, ya que la música empleada sí que se acerca peligrosamente a la que podríamos esperar de un telefilm de suspense. Donde mejor parada sale la comparación es en el tema de las actuaciones, ya que es cierto la descripción y relación entre sí de los dos protagonistas tiene ciertas diferencias (en la sueca la conexión entre las tramas de ambos es más estrecha y se añadían otros detalles), pero sobre el trabajo de Noomi Rapace y Michael Nyqvist no hay nada negativo que comentar. Sí que hay ciertos cambios entre las dos Lisbeth (aquí hay más datos sobre su pasado a través unos flashbacks que no terminan de ser muy de mi agrado), pero no creo que nadie pueda decir categóricamente que Rapace o Mara sea la mejor.

En definitiva, ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ es un muy buen thriller en el que se han cuidado mucho los detalles técnicos, cuenta con un guión que desarrolla la investigación con lógica y el trabajo de puesta en escena muestra puede que no muestre al Fincher más personal, pero no por ello deja de ser una muestra de excelente profesionalidad. Por el lado negativo, la duración es excesiva y la película deja con una clara sensación de estar demasiado alargada en su tramo final. Además, la historia no deja de ser muy convencional y sólo los esfuerzos de Steven Zaillian consiguen que eso no se transmita en demasía al espectador. Quizá sea injusto decir que es la peor película de David Fincher (siempre y cuando aceptéis el hecho de que no termine de considerar ‘Alien 3’ como una obra suya), pero cuando admiras profundamente la obra de un director y te encuentras sólo con una cinta suya que apenas llega a estar bastante bien es lo que puede pasar. Y es que la peor película de un gran director puede ser perfectamente una película bastante buena, y ése es el caso ante el que nos encontramos.

Disney no quiere que nos olvidemos de una de sus mayores apuestas (de cara a la taquilla) para este año. Ahí arriba tenéis el nuevo carter de ‘John Cartel’, en concreto el destinado a los cines de nuestro país, el diseño con el que esperan atraer al público español. Ya me diréis qué os parece, a mí me sobran los aburridos recursos del brillo del Sol y el contraste azul-naranja, pero no me parece malo, definitivamente los he visto mucho peores a lo largo de los últimos meses. La película se estrena el 9 de marzo, en salas 2D, IMAX y 3D.

Recordemos que ‘John Carter’ está basada en la influyente obra de Edgar Rice Burroughs, ‘John Carter de Marte’, y ha sido dirigida por Andrew Stanton, ganador del Oscar en dos ocasiones, por ‘Buscando a Nemo’ y ‘WALL·E’. Escrita por Mark Andrews y el propio Stanton, la película nos traslada al devastado planeta Marte, un mundo habitado por tribus guerreras y seres salvajes; John Carter, un veterano de la Guerra Civil americana, se ve inmerso en una misteriosa guerra con el objetivo de ayudar a una bella princesa marciana.

Entre los protagonistas hay que destacar los nombres de Taylor Kitsch, Lynn Collins, Samantha Morton, James Purefoy, Dominic West, Mark Strong, Thomas Hayden Church, Ciarán Hinds, Bryan Cranston y Willem Dafoe. No se puede decir que haya estrellas en este elenco, pero desde luego sí hay excelentes actores; es lo importante, además de un buen guion y, sobre todo, una imaginativa puesta en escena. Quiero pensar que Stanton nos tiene preparada una espectacular aventura de fantasía, a pesar de los flojos avances y que la pareja formada por Kitsch y Collins me parece (a priori) muy mejorable. ¿Qué os parece a vosotros lo que habéis visto de esta película, pensáis ir a verla u os reservaréis para ‘Avatar 2’?

PD: Una simpática curiosidad: tráiler de ‘WALL-E’ tras haber sido “prometheusado”.

Vía | Impawards

Creo que en el tiempo que llevo escribiendo en Blogdecine ha quedado claro que no soy una de esas personas (demasiadas) que desprecia el cine español y aprovecha cualquier ocasión para arremeter las películas que se hacen en nuestro país. Tampoco es que sea uno de esos pocos que se dedican a alabar todo lo que se haga en España y considere salvables películas bochornosas. Recuerdo que hace unos años era la sensación que me quedaba al leer a ciertos críticos nacionales, como pareciendo que quedaba mal criticar el cine español y nunca veía valoraciones por debajo de las tres estrellas aunque luego en la parte escrita nunca me quedase demasiado claro qué es lo que les había gustado. Estos dos tipos de acciones unidas a algunas decisiones absurdas que hay cada año en las nominaciones de los Goya y toda la polémica con el tema de las subvenciones hacen un flaco favor al cine español, pero lo cierto es que eso no tiene nada que ver en qué las películas sean buenas o malas.

No tengo ningún problema en confesar que Álex de la Iglesia es uno de mis directores nacionales favoritos, llegando a ser uno de los dos o tres predilectos si nos ceñimos al cine contemporáneo. ¿Quiere eso decir que todo lo que haga me parezca una genialidad? Ni mucho menos, ya que ‘Los crímenes de Oxford’ fue una decepción tremenda, y aparte. su película más conseguida (la injustamente menospreciada ‘Muertos de risa’) es estupenda, pero tampoco llega a ser una cinta realmente brillante. ¿A dónde voy con esto? Pues a que mañana se estrena ‘La chispa de la vida’, su primera película desde su muy comentada dimisión como presidente de la Academia de cine español, pero también la que más dudas me despertaba sobre su resultado final antes de verla de toda su carrera. Sin embargo, uno ha de enfrentarse a una película intentando ser lo más impacial posible y que ésta justifique por sí misma si merece la pena o no, así que adopté esa postura antes de entrar a verla.

El gran precedente y las diferencias entre ambas

Vais a leer en una infinidad de sitios esta referencia, pero no por previsible voy a dejar de decir que ‘El gran carnaval’ de Billy Wilder es el modelo a seguir que toma ‘La chispa de la vida’. En ambas se produce un desafortunado accidente que deja a un hombre al borde de la muerte, pero hay alguien que, interesado en explotar el interés de los medios y del público por una historia tan morbosa, hace todo lo posible por demorar el rescate de la víctima. Sin embargo, hay algo que da vida propia a la película de Álex de la Iglesia, y es que el personaje que intenta aprovecharse de la tragedia es la propia víctima, lo cual otorga a ‘La chispa de la vida’ una perspectiva bien diferenciada de la obra maestra de Wilder. Eso no quiere decir que el guión de Randy Feldman, que también escribió el libreto de ‘Tango y Cash’, no evite varios lugares comunes con la otra película, ya que no falta la carga crítica contra los medios de comunicación (el Rumore Rumore de la película bien podría ser una mezcla de ‘Sálvame’ y ‘La Noria’), ni tampoco personajes que caen abiertamente en lo odioso en su intento de obtener un beneficio económico.

Es obvio que la parte colateral de la historia iba a guardar necesariamente varios puntos en común con su ejemplo a seguir, pero el eje que vertebra la historia es la tragedia personal de Roberto, un publicista en paro que atraviesa por una pésima racha, y al que se le acaban las opciones para evitar la ruina. El gran acierto de ‘La chispa de la vida’ es que sea él quien vea la necesidad de aprovecharse de la situación por la que pasa, teniendo esto la credibilidad añadida de ser alguien que trabajaba en algo en lo que debía tener en cuenta ese aspecto de las cosas. Y es que la base de la película no es criticar el morbo de los medios de comunicación y de la gente, sino el pequeño drama personal por el que pasa su protagonista. De ahí surgen los aspectos más poderosos de la película, pero también alguna de sus debilidades, ya que la verosimilitud de la historia se le escapa de las manos a Feldman en su tramo final, donde prefiere apostar por un positivismo que no encaja demasiado bien con la parte más cínica de lo que nos estaba contando. También hay cierto peaje a pagar en el primer acto de la película, donde le cuesta unos minutos que el espectador realmente llegue a sentir empatía por el protagonista.

Ojo, es muy fácil relacionar ‘La chispa de la vida’ con el problema actual del paro en España, y en su tráiler es algo en lo que inciden bastante, pero una vez vista la película hay que aclarar que ese es otro de los aspectos colaterales de la historia. Sí que sirve como punto de partida para que el protagonista tome la decisión de hacer negocio con su historia, pero, aunque sin llegar a los muy alarmantes niveles actuales, paro es algo que siempre ha habido en España, y, por desgracia, nunca faltarán pequeños dramas individuales. Además, el hecho de que el guionista sea americano refuerza mi hipótesis, ya que seguramente escribiría el guión hace cierto tiempo, pero sin encontrar la financiación para poder hacerla en su país. Vamos, un caso similar a lo sucedido con la estupenda ‘Buried (Enterrado)’.

No sé si será una decisión premeditada o serían simples imaginacones mías mientras veía la película, pero uno de los aspectos que más me gustó de ‘La chispa de la vida’ es el uso del color, ya que parece que Álex de la Iglesia haya optado por colores más apagados para que los planos de la víctima sean los que transmitan una mayor calidez, sobre todo por los luces que tiene a su alrededor. Lo dicho, quizá sea cosa mía, pero por lo demás veía que se evitaban los colores más vivos, quizá por el dramatismo de lo que se nos está contando, quizá por lo que yo apunto. Además, el director sabe manejar la historia y no caer en el uso innecesario de planos rebuscados cuando la historia no lo requería. Y es que no, en ‘La chispa de la vida’ no veréis virguerías con la cámara, pero sí un director suficientemente equidistante pero trabajada para no transmitir sensación de aburrimiento, controlar el elemento dramático de la historia (grandes aciertos la mayoría de apuntes cómicos que van surgiendo aquí y allá sin caer en la tentación de que corran a cargo de José Mota) y manejar un reparto que a priori despertaba ciertas dudas entre el respetable.

El reparto de ‘La chispa de la vida’

Mi gran temor con ‘La chispa de la vida’ era que la presencia del humorista José Mota sabotease la película, y es que me costaba creer que pudiera despojarse de su faceta de cómica y tener la credibilidad suficiente para un personaje eminentemente dramático. ¿Y qué es lo que ha pasado? Pues que me equivocaba. Sí es cierto que hasta que tiene el accidente hay varias situaciones en las que parece que estemos viendo al cómico intentando hacer un papel serio, pero eso es algo que pronto desaparece y vemos una buena actuación (ojo, buena, no memorable) intentando ser una persona normal en una circunstancia extraordinaria. ¿Merecedor del Goya al que está nominado? Pues ahora ya no veo descabellado ni absurdo que lo ganase. También tenía mis dudas con respecto a Salma Hayek y su interpretación de una esposa corriente. De nuevo, ciertas dificultades al principio, pero luego salva con solvencia su cometido de encargarse de representar a la integridad dentro del circo que se sucede alrededor de su marido.

Una de las cosas que más llamarán la atención de los espectadores que tengan cierto cariño hacia el cine español es que en ‘La chispa de la vida’ encontrará en aparaciones más o menos extensas a una multitud de rostros conocidos. No seré yo el que se dedique a destripar esas apariciones (aunque muchas de ellas ya sean vox populi), pero sí conviene destacar la presencia de Fernando Tejero como un despreciable amoral, que sería el personaje que más se acercaría al que interpretaba Kirk Douglas en ‘El gran carnaval’, al cual da vida de forma harto convincente. El otro que quiero mencionar es Eduardo Casanova (uno de los protagonistas de la serie ‘Aida’), pero en este caso para mal, ya que su actuación no cuadra demasiado con el look que tiene su personaje. Quizá sea algo deliberado con fines cómicos, pero no termina de funcionar demasiado bien.

En definitiva, ‘La chispa de la vida’ es una interesante (aunque muy inferior) variante de ‘El gran carnaval’, en la que el dramatismo de la situación del protagonista se alza sobre el cinismo de todo lo que le rodea. No faltan pequeños problemas (tarda un poco en arrancar y la credibilidad decae sobremanera hacia el final), pero las virtudes de ‘La chispa de la vida’ son suficientes para poder decir que nos encontramos ante una buena película, algo que su campaña promocional no está terminando de hacer creer a los espectadores potenciales. Ya he comentado que está lejos de ser perfectapero espero que no salte nadie diciendo cine español caca, porque no es el caso.

PD: La valoración estaría a mitad de camino entre las tres y las tres estrellas y media.

Como ya sabéis, publiqué la entrada con la encuesta sobre la película animada de 2011 que más os había gustado a los lectores de Blogdecine y también una que desvelaba los resultados de la votación, en los que ‘Rango’ (‘Rango’, 2011) quedaba en el tercer puesto por muy poquito. Por ese motivo y por los efusivos comentarios que dejasteis al respecto, me animé a ver este homenaje de animación a las películas del Oeste, que había dejado pasar cuando se estrenó en salas.

El comienzo de ‘Rango’ es brillante, tanto por su capacidad de sorprender con la actitud del protagonista, como por algunos de los encuadres que plantea Gore Verbinski, por ejemplo el del armadillo medio aplastado en mitad de la carretera. La animación en 3D -no de gafitas, sino de forma de animar- resulta perfecta, con algunas texturas tan conseguidas que podrían colar como efecto en una película de imagen real. No en vano ha colaborado Industrial Light and Magic.

La personalidad del lagarto -al que nunca llaman concretamente camaleón, pero que tiene el aspecto y las capacidades propios de este animal- está lograda gracias a la interpretación de gestos, movimientos y voz de Johnny Depp. Aunque en un principio él mismo se sienta indefinido y vaya adaptándose a los papeles que interpreta, pues es aficionado al teatro, los espectadores en seguida encontramos en él una serie de constantes que nos lo determinan, como las ganas de agradar y la fácil e imaginativa verborrea. Acompaña a Rango un despliegue de personajes inspirados en diferentes alimañas, que no deja de sorprender y que son asimismo carismáticos, más en el lado de los antagonistas que en el de los buenos. La captura de movimientos ha dado lugar a unas interpretaciones muy realistas. Isla Fisher, Abigail Breslin, Ned Beatty, Alfred Molina, Bill Nighy, Harry Dean Stanton o Timothy Olyphant son algunos de los que prestan su voz en la versión original.

Pasada esa genial presentación, sigue habiendo originalidad en el hecho de que sean animales, la película continúa regalándonos momentos divertidos de mucha acción y la espectacularidad de las imágenes nunca decrece. No obstante, lo que se nos cuenta desde que Rango llega al pueblo, se me antoja formulario y no me resulta difícil ir anticipando cada giro o el desenlace final. Puede tener similitudes con la trama de corrupción de ‘Chinatown‘ -alguien está soltando agua en el desierto durante una terrible sequía-, pero ni por asomo se mueve a esa altura, ya que la parte investigativa es secundaria con respecto al tema del héroe, que a mí particularmente, me llega bastante menos. La versión extendida, que es la que se puede encontrar si nos perdimos la de cines, puede resultar excesiva, pues la historia no necesita casi dos horas para ser contada.

Guiños para adultos en un cine infantil

Aprecio las referencias cinéfilas, como la encarnación de Clint Eastwood del Espíritu del Oeste, la persecución de ‘La guerra de las galaxias’ o la cara de Johnny Depp en el coche, sacada de ‘Miedo y asco en Las Vegas’, así como todos los planos que homenajean los más célebres Spaghetti Westerns o el tributo directo a ‘Django’. Pero me resulta más ingenioso el metalenguaje que saca a la luz el absurdo de constantes del lenguaje cinematográfico, en lugar de recrear momentos de películas prexistentes. Por ejemplo, el que señalé que se incluía en ‘Phineas y Ferb’ que, en mi opinión, requiere una observación más cercana de los mecanismos narrativos del cine. En la de los niños inventores el humor es absurdo y la locura se aplica no solo a conceptos visuales, sino también a la forma en la que se desarrolla la trama. ‘Rango’, por el contrario, aunque tenga momentos chiflados, sigue estando muy pegada a la tierra en cuanto a lo que cuenta y esa locura no se permite que afecte al avance argumental.

Agradecemos que el cine pensado principalmente para niños tenga una posible lectura más, que nos guste a los adultos. Lo ideal es que sea eso: una segunda lectura, es decir, que todo lo dedicado a los mayores quede integrado en lo que los niños disfrutan. Aquí, sin poder afirmarlo porque no he observado a ningún pequeño viéndola, me temo que lo introducido como guiño a los adultos pueda descolocar a los infantes. Es decir, que en lugar de funcionar al mismo tiempo para ambos, va dando una a cada una, separadas en diferentes instantes y ya que los menores pierden la atención muy rápido, se corre el riesgo de que se despeguen de la película cuando se está introduciendo una reflexión -la paradoja de que un camaleón no sepa adaptarse- o una parodia a ‘Piratas del Caribe III’. A nosotros no nos importa, pero entre los niños y niñas, ¿habrá funcionado?

Conclusión

No quiero poner mal la película ni extraer una conclusión negativa, a pesar de que he señalado algunos puntos en contra. Mi impresión final con respecto a ‘Rango’ es que es una película muy disfrutable, que cuenta con un potente arranque y con numerosos elementos de gran originalidad. Es admirable la consecución física de las animaciones, tanto en el estilo de diseño de los personajes y fondos, como en los movimientos y texturas. El camaleón resulta tan carismático que me dispondría ya mismo a ver una serie protagonizada por él. Los creadores de esta cinta han demostrado mucha imaginación y se han dejado llevar ligeramente por el humor absurdo, pero permitiendo que esté presente solo en detalles y no que su trama se arrebate por él, lo que habría hecho que para mí resultase perfecta.

Otra crítica en Blogdecine |‘Rango’, por un puñado de agua, por Juan Luis Caviaro.

Es vuestro turno, pueden votar por la película de la siguiente crítica a la carta.

Hemos hablado aquí antes de ‘Red Tails’, un drama bélico producido por George Lucas que se estrena el próximo 20 de enero en Estados Unidos. Personalmente la esperaba con muchas ganas pero me he llevado un pequeño chasco con el vídeo de siete minutos que os traigo en esta entrada, que se supone que incluye escenas muy espectaculares, divertidas y emocionantes. No me lo ha parecido, he visto momentos ya muy manidos que me resultan indiferentes y aburridos.

Recordemos que ‘Red Tails’ está ambientada durante la II Guerra Mundial (otra más, sí) y se centra en unos pilotos negros de EE.UU. que deben librar dos batallas: una contra el enemigo y otra contra los prejuicios raciales. Menospreciados por el color de su piel, les encargan misiones de segunda categoría mientras que sus compañeros blancos se juegan la vida en duras batallas aéreas. Sin embargo, la guerra dura demasiado y los aliados se quedan sin refuerzos, así que el Pentágono aprueba lanzar al combate el primer escuadrón de aviadores negros de la Historia. El tráiler que tenéis arriba cuenta todo esto y ofrece un vistazo a las escenas aéreas. Ya me diréis qué os parece.

El debutante en cine Anthony Hemingway (‘The Wire’, ‘Treme’, ‘CSI: Nueva York’) dirige un guion escrito por John Ridley y Aaron McGruder basado en una historia de Ridley y George Lucas; entre los actores principales hay que destacar los nombres de Terrence Howard, Cuba Gooding Jr., David Oyelowo, Tristan Wilds, Method Man, Lee Tergesen y Bryan Cranston (un gigante resucitado gracias a ‘Breaking Bad’). Recientemente, durante una entrevista televisada, Lucas dijo que ‘Red Tails’ es lo más parecido que veremos jamás a un ‘Episodio VII’ de ‘Star Wars’. Por si alguien lo estaba esperando todavía.

PD: Parece que se están poniendo de moda los avances extensos, ¿queréis ver los primeros 5 minutos de ‘Indomable’ (‘Haywire’) de Soderbergh? Haced click aquí.