Ojo a esto, creo que os va a interesar. ‘Detachment’ es el título del nuevo trabajo de Tony Kaye, el director de la aclamada ‘American History X’ (un hombre de aspecto… digamos peculiar), un drama protagonizado por Adrien Brody que sigue la vida durante tres semanas de varios profesores, empleados y estudiantes de un instituto de Estados Unidos. En este post os he dejado el tráiler de la película (con subtítulos en castellano) y los tres carteles que se han distribuido hasta el momento, todos centrados en el actor principal. Tras pasearse por varios festivales durante 2011, el film se estrena por fin en salas comerciales a principios de este año, el 1 de febrero en Francia; esperemos que no tarde mucho más en llegar a España.

Cabe destacar que Brody, del que dicen que aquí logra su mejor interpretación desde ‘El pianista’ (tampoco era muy complicado…), encabeza un llamativo reparto en el que también encontramos los nombres de James Caan, Marcia Gay Harden, Christina Hendricks, Lucy Liu, Tim Blake Nelson, William Petersen y Bryan Cranston, entre otros. Nada mal, ¿eh?, yo esto no me lo pierdo. El desconocido Carl Lund firma el guion de ‘Detachment’ (“indiferencia”, “imparcialidad”), centrada en el punto de vista de un solitario profesor que llega a un instituto para sustituir a un compañero, con la intención de ayudar a unos problemáticos alumnos. El hombre no desea establecer vínculos personales con nadie, quiere pasar desapercibido, pero dejará de ser la misma persona cuando permita que tres mujeres muy diferentes entren en su vida.

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PD: Os dejo también un vídeo con una tensa escena de la película (subtítulos en francés, lo siento, no hay otra cosa):

¿Cómo entender la película sino como un entreacto? Leí hace un año con notable interés el best seller, sorprendido por la tosquedad de su prosa y por el magnetismo de Lisbeth Salander, ángel vengador de aires goth-punk, hacker invencible, un Holmes para la era del maltrato. En manos de Fincher, desde el primer minuto, Salander es otra perfecta criatura de su universo autoral (y eso que él no ha firmado todavía ningún guión): un Zuckerberg avant la lettre, de ojos altamente expresivos y de andares introspectivos, confortable con su ira.

¡Incluso la historia parece perfecta para Fincher! Tenemos un pasado extraño, nazis, extraños signos bíblicos, asesinos en serie de mujeres, crímenes que se postergan a través del tiempo y también la narrativa de una hacker empeñada en reescribir el aspecto de una sociedad actual con un reconocible aire antiautoritario. Y sin embargo, la película esquiva samplear cualquier hallazgo anterior de Fincher: no hay una atmósfera turbia y envolvente y deliberadamente barroca como en ‘Se7en’ (id, 1995) y desde luego estamos en otro nivel distinto al de ‘Zodiac’ (id, 2007).

La premisa es bastante sencilla: Mikael Blomkvist, un periodista íntegro, está acorralado por un mal movimiento para capturar a un empresario corrupto y acepta el singular encargo del anciano millonario Henrik Vanger, encontrar a su desaparecida sobrina Harriet. Sospechando de los secretos de su familia, entre cuyos miembros hay reconocidos antisemitas, Blomkvist empieza una investigación que requerirá la ayuda de Lisbeth Salander, una investigadora informática, deliberadamente antisocial y brillante, que ya ha trazado su perfil para Vanger y su abogado, Frode.

Los inconvenientes de la novela han sido glosados ya. En la novela el clímax ocurre mucho antes del final de la película, decisión que el guionista Steven Zaillian respeta tranquilamente. Sin embargo, dudo que ahí esté un gran reparo: el clímax final de la película se lee en tiempo real. La información, ahora bancaria, es nuestro gran diamante, ha venido sosteniendo Fincher en sus dos últimas películas. Sin la rotundidad de su anterior obra maestra, Salander sabe todo lo que necesita a través de un portátil.

De hecho, la tensión de la película nace a través de las fotografías. Haciendo un espectacular uso del montaje, Fincher no quiere que sigamos las pistas de los detectives sino que seamos los propios detectives, por eso el guión de Zaillian esquiva en la medida de lo posible diálogos que expliquen el proceso de los susodichos investigadores. Las fotografías, los montajes paralelos, las pistas son microscópicas: la consecución lógica de toda la memoria que puede haber sido destruida, incluso la memoria de un incidente del todo irrelevante, lleva a la solución.

Fincher debe rodar, claro, los problemas de Salander con su guardián legal y su posterior venganza. Dos escenas brutales, pero no demasiado truculentas: la cámara se aparta cuando debe y solamente vuelve para recordarnos que de alguna manera la justicia siempre prevalece. El mundo descrito por la película se ve interrumpido por la lealtad entre Blomkvist y Salander, pero acaso la facilidad impulsiva con la que ella se acuesta con él lastra la relación. Como también lo hace que todo lo que cuente la historia es que la justicia, de alguna manera, prevalece. Sin matices, sin otra catarsis que la espera lógica a que la justicia prevalezca: el relato no atiende a las posibilidades devastadoras de la verdad sino a que su consecución es algo más o menos esperable e inevitable. La historia es bastante más simple, más sensacionalista que sus dos personajes protagonistas: más interesante resulta su epílogo, tras la desaparición del villano, en el que el espíritu 15M/Occupy Wall Street puede verse agradablemente referenciado.: el pequeño hurto y derribo de un empresario corrupto a través de una perversión de ese sistema que le convierte en relevante.

Rooney Mara da una interpretación espectacular, como he dicho ya, de una sutileza asombrosa y matizando siempre los sentimientos de fragilidad y rencor de su personaje. Su frialdad automática, ejemplificada en la manera que recita sus diálogos, contrasta con su mirada: es un recurso que ya Fincher y Eisenberg matizaron con brillantez para construir su Zuckerberg. Daniel Craig da mucha fragilidad y humanidad a Blomkvist: todo lo que ha hecho es ser, curiosamente, el hombre sitiado y opuesto a cualquier superhéroe de toda la película. El final es parecido al de la novela, pero de alguna manera insatisfactorio.

Hay, de hecho, una escena en la que vemos su traslado emocional solamente a través de dos planos (uno horizontal de su rostro y otro en el que Fincher rueda a ambos, frente a frente, en la cama). Es una muestra del talento inmenso de Fincher como cineasta, talento que no ha encontrado aquí una historia lo suficientemente compleja pero sí un interesante entreacto a su trilogía histórica. La tristeza de Salander, una decepción pequeña, provoca una sensación extraña: entendemos que la soledad, algo que siempre rodea a las criaturas de Fincher (y que especialmente sacude a Robert Graysmith, Benjamin Button y Mark Zuckerberg), es inevitable y de alguna manera, incluso en su relato menos complejo, es un sinsabor obligado.

¿Cómo entender la película sino como un entreacto? Leí hace un año con notable interés el best seller, sorprendido por la tosquedad de su prosa y por el magnetismo de Lisbeth Salander, ángel vengador de aires goth-punk, hacker invencible, un Holmes para la era del maltrato. En manos de Fincher, desde el primer minuto, Salander es otra perfecta criatura de su universo autoral (y eso que él no ha firmado todavía ningún guión): un Zuckerberg avant la lettre, de ojos altamente expresivos y de andares introspectivos, confortable con su ira.

¡Incluso la historia parece perfecta para Fincher! Tenemos un pasado extraño, nazis, extraños signos bíblicos, asesinos en serie de mujeres, crímenes que se postergan a través del tiempo y también la narrativa de una hacker empeñada en reescribir el aspecto de una sociedad actual con un reconocible aire antiautoritario. Y sin embargo, la película esquiva samplear cualquier hallazgo anterior de Fincher: no hay una atmósfera turbia y envolvente y deliberadamente barroca como en ‘Se7en’ (id, 1995) y desde luego estamos en otro nivel distinto al de ‘Zodiac’ (id, 2007).

La premisa es bastante sencilla: Mikael Blomkvist, un periodista íntegro, está acorralado por un mal movimiento para capturar a un empresario corrupto y acepta el singular encargo del anciano millonario Henrik Vanger, encontrar a su desaparecida sobrina Harriet. Sospechando de los secretos de su familia, entre cuyos miembros hay reconocidos antisemitas, Blomkvist empieza una investigación que requerirá la ayuda de Lisbeth Salander, una investigadora informática, deliberadamente antisocial y brillante, que ya ha trazado su perfil para Vanger y su abogado, Frode.

Los inconvenientes de la novela han sido glosados ya. En la novela el clímax ocurre mucho antes del final de la película, decisión que el guionista Steven Zaillian respeta tranquilamente. Sin embargo, dudo que ahí esté un gran reparo: el clímax final de la película se lee en tiempo real. La información, ahora bancaria, es nuestro gran diamante, ha venido sosteniendo Fincher en sus dos últimas películas. Sin la rotundidad de su anterior obra maestra, Salander sabe todo lo que necesita a través de un portátil.

De hecho, la tensión de la película nace a través de las fotografías. Haciendo un espectacular uso del montaje, Fincher no quiere que sigamos las pistas de los detectives sino que seamos los propios detectives, por eso el guión de Zaillian esquiva en la medida de lo posible diálogos que expliquen el proceso de los susodichos investigadores. Las fotografías, los montajes paralelos, las pistas son microscópicas: la consecución lógica de toda la memoria que puede haber sido destruida, incluso la memoria de un incidente del todo irrelevante, lleva a la solución.

Fincher debe rodar, claro, los problemas de Salander con su guardián legal y su posterior venganza. Dos escenas brutales, pero no demasiado truculentas: la cámara se aparta cuando debe y solamente vuelve para recordarnos que de alguna manera la justicia siempre prevalece. El mundo descrito por la película se ve interrumpido por la lealtad entre Blomkvist y Salander, pero acaso la facilidad impulsiva con la que ella se acuesta con él lastra la relación. Como también lo hace que todo lo que cuente la historia es que la justicia, de alguna manera, prevalece. Sin matices, sin otra catarsis que la espera lógica a que la justicia prevalezca: el relato no atiende a las posibilidades devastadoras de la verdad sino a que su consecución es algo más o menos esperable e inevitable. La historia es bastante más simple, más sensacionalista que sus dos personajes protagonistas: más interesante resulta su epílogo, tras la desaparición del villano, en el que el espíritu 15M/Occupy Wall Street puede verse agradablemente referenciado.: el pequeño hurto y derribo de un empresario corrupto a través de una perversión de ese sistema que le convierte en relevante.

Rooney Mara da una interpretación espectacular, como he dicho ya, de una sutileza asombrosa y matizando siempre los sentimientos de fragilidad y rencor de su personaje. Su frialdad automática, ejemplificada en la manera que recita sus diálogos, contrasta con su mirada: es un recurso que ya Fincher y Eisenberg matizaron con brillantez para construir su Zuckerberg. Daniel Craig da mucha fragilidad y humanidad a Blomkvist: todo lo que ha hecho es ser, curiosamente, el hombre sitiado y opuesto a cualquier superhéroe de toda la película. El final es parecido al de la novela, pero de alguna manera insatisfactorio.

Hay, de hecho, una escena en la que vemos su traslado emocional solamente a través de dos planos (uno horizontal de su rostro y otro en el que Fincher rueda a ambos, frente a frente, en la cama). Es una muestra del talento inmenso de Fincher como cineasta, talento que no ha encontrado aquí una historia lo suficientemente compleja pero sí un interesante entreacto a su trilogía histórica. La tristeza de Salander, una decepción pequeña, provoca una sensación extraña: entendemos que la soledad, algo que siempre rodea a las criaturas de Fincher (y que especialmente sacude a Robert Graysmith, Benjamin Button y Mark Zuckerberg), es inevitable y de alguna manera, incluso en su relato menos complejo, es un sinsabor obligado.

¿Cómo entender la película sino como un entreacto? Leí hace un año con notable interés el best seller, sorprendido por la tosquedad de su prosa y por el magnetismo de Lisbeth Salander, ángel vengador de aires goth-punk, hacker invencible, un Holmes para la era del maltrato. En manos de Fincher, desde el primer minuto, Salander es otra perfecta criatura de su universo autoral (y eso que él no ha firmado todavía ningún guión): un Zuckerberg avant la lettre, de ojos altamente expresivos y de andares introspectivos, confortable con su ira.

¡Incluso la historia parece perfecta para Fincher! Tenemos un pasado extraño, nazis, extraños signos bíblicos, asesinos en serie de mujeres, crímenes que se postergan a través del tiempo y también la narrativa de una hacker empeñada en reescribir el aspecto de una sociedad actual con un reconocible aire antiautoritario. Y sin embargo, la película esquiva samplear cualquier hallazgo anterior de Fincher: no hay una atmósfera turbia y envolvente y deliberadamente barroca como en ‘Se7en’ (id, 1995) y desde luego estamos en otro nivel distinto al de ‘Zodiac’ (id, 2007).

La premisa es bastante sencilla: Mikael Blomkvist, un periodista íntegro, está acorralado por un mal movimiento para capturar a un empresario corrupto y acepta el singular encargo del anciano millonario Henrik Vanger, encontrar a su desaparecida sobrina Harriet. Sospechando de los secretos de su familia, entre cuyos miembros hay reconocidos antisemitas, Blomkvist empieza una investigación que requerirá la ayuda de Lisbeth Salander, una investigadora informática, deliberadamente antisocial y brillante, que ya ha trazado su perfil para Vanger y su abogado, Frode.

Los inconvenientes de la novela han sido glosados ya. En la novela el clímax ocurre mucho antes del final de la película, decisión que el guionista Steven Zaillian respeta tranquilamente. Sin embargo, dudo que ahí esté un gran reparo: el clímax final de la película se lee en tiempo real. La información, ahora bancaria, es nuestro gran diamante, ha venido sosteniendo Fincher en sus dos últimas películas. Sin la rotundidad de su anterior obra maestra, Salander sabe todo lo que necesita a través de un portátil.

De hecho, la tensión de la película nace a través de las fotografías. Haciendo un espectacular uso del montaje, Fincher no quiere que sigamos las pistas de los detectives sino que seamos los propios detectives, por eso el guión de Zaillian esquiva en la medida de lo posible diálogos que expliquen el proceso de los susodichos investigadores. Las fotografías, los montajes paralelos, las pistas son microscópicas: la consecución lógica de toda la memoria que puede haber sido destruida, incluso la memoria de un incidente del todo irrelevante, lleva a la solución.

Fincher debe rodar, claro, los problemas de Salander con su guardián legal y su posterior venganza. Dos escenas brutales, pero no demasiado truculentas: la cámara se aparta cuando debe y solamente vuelve para recordarnos que de alguna manera la justicia siempre prevalece. El mundo descrito por la película se ve interrumpido por la lealtad entre Blomkvist y Salander, pero acaso la facilidad impulsiva con la que ella se acuesta con él lastra la relación. Como también lo hace que todo lo que cuente la historia es que la justicia, de alguna manera, prevalece. Sin matices, sin otra catarsis que la espera lógica a que la justicia prevalezca: el relato no atiende a las posibilidades devastadoras de la verdad sino a que su consecución es algo más o menos esperable e inevitable. La historia es bastante más simple, más sensacionalista que sus dos personajes protagonistas: más interesante resulta su epílogo, tras la desaparición del villano, en el que el espíritu 15M/Occupy Wall Street puede verse agradablemente referenciado.: el pequeño hurto y derribo de un empresario corrupto a través de una perversión de ese sistema que le convierte en relevante.

Rooney Mara da una interpretación espectacular, como he dicho ya, de una sutileza asombrosa y matizando siempre los sentimientos de fragilidad y rencor de su personaje. Su frialdad automática, ejemplificada en la manera que recita sus diálogos, contrasta con su mirada: es un recurso que ya Fincher y Eisenberg matizaron con brillantez para construir su Zuckerberg. Daniel Craig da mucha fragilidad y humanidad a Blomkvist: todo lo que ha hecho es ser, curiosamente, el hombre sitiado y opuesto a cualquier superhéroe de toda la película. El final es parecido al de la novela, pero de alguna manera insatisfactorio.

Hay, de hecho, una escena en la que vemos su traslado emocional solamente a través de dos planos (uno horizontal de su rostro y otro en el que Fincher rueda a ambos, frente a frente, en la cama). Es una muestra del talento inmenso de Fincher como cineasta, talento que no ha encontrado aquí una historia lo suficientemente compleja pero sí un interesante entreacto a su trilogía histórica. La tristeza de Salander, una decepción pequeña, provoca una sensación extraña: entendemos que la soledad, algo que siempre rodea a las criaturas de Fincher (y que especialmente sacude a Robert Graysmith, Benjamin Button y Mark Zuckerberg), es inevitable y de alguna manera, incluso en su relato menos complejo, es un sinsabor obligado.

¿Cómo entender la película sino como un entreacto? Leí hace un año con notable interés el best seller, sorprendido por la tosquedad de su prosa y por el magnetismo de Lisbeth Salander, ángel vengador de aires goth-punk, hacker invencible, un Holmes para la era del maltrato. En manos de Fincher, desde el primer minuto, Salander es otra perfecta criatura de su universo autoral (y eso que él no ha firmado todavía ningún guión): un Zuckerberg avant la lettre, de ojos altamente expresivos y de andares introspectivos, confortable con su ira.

¡Incluso la historia parece perfecta para Fincher! Tenemos un pasado extraño, nazis, extraños signos bíblicos, asesinos en serie de mujeres, crímenes que se postergan a través del tiempo y también la narrativa de una hacker empeñada en reescribir el aspecto de una sociedad actual con un reconocible aire antiautoritario. Y sin embargo, la película esquiva samplear cualquier hallazgo anterior de Fincher: no hay una atmósfera turbia y envolvente y deliberadamente barroca como en ‘Se7en’ (id, 1995) y desde luego estamos en otro nivel distinto al de ‘Zodiac’ (id, 2007).

La premisa es bastante sencilla: Mikael Blomkvist, un periodista íntegro, está acorralado por un mal movimiento para capturar a un empresario corrupto y acepta el singular encargo del anciano millonario Henrik Vanger, encontrar a su desaparecida sobrina Harriet. Sospechando de los secretos de su familia, entre cuyos miembros hay reconocidos antisemitas, Blomkvist empieza una investigación que requerirá la ayuda de Lisbeth Salander, una investigadora informática, deliberadamente antisocial y brillante, que ya ha trazado su perfil para Vanger y su abogado, Frode.

Los inconvenientes de la novela han sido glosados ya. En la novela el clímax ocurre mucho antes del final de la película, decisión que el guionista Steven Zaillian respeta tranquilamente. Sin embargo, dudo que ahí esté un gran reparo: el clímax final de la película se lee en tiempo real. La información, ahora bancaria, es nuestro gran diamante, ha venido sosteniendo Fincher en sus dos últimas películas. Sin la rotundidad de su anterior obra maestra, Salander sabe todo lo que necesita a través de un portátil.

De hecho, la tensión de la película nace a través de las fotografías. Haciendo un espectacular uso del montaje, Fincher no quiere que sigamos las pistas de los detectives sino que seamos los propios detectives, por eso el guión de Zaillian esquiva en la medida de lo posible diálogos que expliquen el proceso de los susodichos investigadores. Las fotografías, los montajes paralelos, las pistas son microscópicas: la consecución lógica de toda la memoria que puede haber sido destruida, incluso la memoria de un incidente del todo irrelevante, lleva a la solución.

Fincher debe rodar, claro, los problemas de Salander con su guardián legal y su posterior venganza. Dos escenas brutales, pero no demasiado truculentas: la cámara se aparta cuando debe y solamente vuelve para recordarnos que de alguna manera la justicia siempre prevalece. El mundo descrito por la película se ve interrumpido por la lealtad entre Blomkvist y Salander, pero acaso la facilidad impulsiva con la que ella se acuesta con él lastra la relación. Como también lo hace que todo lo que cuente la historia es que la justicia, de alguna manera, prevalece. Sin matices, sin otra catarsis que la espera lógica a que la justicia prevalezca: el relato no atiende a las posibilidades devastadoras de la verdad sino a que su consecución es algo más o menos esperable e inevitable. La historia es bastante más simple, más sensacionalista que sus dos personajes protagonistas: más interesante resulta su epílogo, tras la desaparición del villano, en el que el espíritu 15M/Occupy Wall Street puede verse agradablemente referenciado.: el pequeño hurto y derribo de un empresario corrupto a través de una perversión de ese sistema que le convierte en relevante.

Rooney Mara da una interpretación espectacular, como he dicho ya, de una sutileza asombrosa y matizando siempre los sentimientos de fragilidad y rencor de su personaje. Su frialdad automática, ejemplificada en la manera que recita sus diálogos, contrasta con su mirada: es un recurso que ya Fincher y Eisenberg matizaron con brillantez para construir su Zuckerberg. Daniel Craig da mucha fragilidad y humanidad a Blomkvist: todo lo que ha hecho es ser, curiosamente, el hombre sitiado y opuesto a cualquier superhéroe de toda la película. El final es parecido al de la novela, pero de alguna manera insatisfactorio.

Hay, de hecho, una escena en la que vemos su traslado emocional solamente a través de dos planos (uno horizontal de su rostro y otro en el que Fincher rueda a ambos, frente a frente, en la cama). Es una muestra del talento inmenso de Fincher como cineasta, talento que no ha encontrado aquí una historia lo suficientemente compleja pero sí un interesante entreacto a su trilogía histórica. La tristeza de Salander, una decepción pequeña, provoca una sensación extraña: entendemos que la soledad, algo que siempre rodea a las criaturas de Fincher (y que especialmente sacude a Robert Graysmith, Benjamin Button y Mark Zuckerberg), es inevitable y de alguna manera, incluso en su relato menos complejo, es un sinsabor obligado.

Pese a este absurdo adelanto mi interés por la película permanece intacto, y es que se trata del nuevo trabajo de Sam Mendes, el director de ‘American Beauty’, ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’) y ‘Revolutionay Road’. Con él dirigiendo el cotarro me apunto a ver lo que sea, incluso ‘Transformers 4’. Pero es que además Craig encabeza un reparto en el que también figuran Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw, Helen McCrory, Bérénice Marlohe y Albert Finney, entre otros. Puede que no acabe siendo la mejor entrega de la franquicia, Mendes no tiene experiencia en este tipo de cine (nos puede dejar ciegos y mareados con las secuencias de acción), pero creo que hay razones de sobra para esperar una película emocionante y entretenida. Craig ya está vendiendo que va a ser mejor que ‘Casino Royale’, tras explicar que ‘Quantum of Solace’ fue un cúmulo de circunstancias de la que se arrepiente. A buena hora… ‘Skyfall’ se estrena el 26 de octubre en Reino Unido; el 9 de noviembre en España.

PD: ¿De qué va la historia? De un inglés que mata y da hostias por la paz mundial.

Vía | Empire

Pese a este absurdo adelanto mi interés por la película permanece intacto, y es que se trata del nuevo trabajo de Sam Mendes, el director de ‘American Beauty’, ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’) y ‘Revolutionay Road’. Con él dirigiendo el cotarro me apunto a ver lo que sea, incluso ‘Transformers 4’. Pero es que además Craig encabeza un reparto en el que también figuran Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw, Helen McCrory, Bérénice Marlohe y Albert Finney, entre otros. Puede que no acabe siendo la mejor entrega de la franquicia, Mendes no tiene experiencia en este tipo de cine (nos puede dejar ciegos y mareados con las secuencias de acción), pero creo que hay razones de sobra para esperar una película emocionante y entretenida. Craig ya está vendiendo que va a ser mejor que ‘Casino Royale’, tras explicar que ‘Quantum of Solace’ fue un cúmulo de circunstancias de la que se arrepiente. A buena hora… ‘Skyfall’ se estrena el 26 de octubre en Reino Unido; el 9 de noviembre en España.

PD: ¿De qué va la historia? De un inglés que mata y da hostias por la paz mundial.

Vía | Empire

Pese a este absurdo adelanto mi interés por la película permanece intacto, y es que se trata del nuevo trabajo de Sam Mendes, el director de ‘American Beauty’, ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’) y ‘Revolutionay Road’. Con él dirigiendo el cotarro me apunto a ver lo que sea, incluso ‘Transformers 4’. Pero es que además Craig encabeza un reparto en el que también figuran Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw, Helen McCrory, Bérénice Marlohe y Albert Finney, entre otros. Puede que no acabe siendo la mejor entrega de la franquicia, Mendes no tiene experiencia en este tipo de cine (nos puede dejar ciegos y mareados con las secuencias de acción), pero creo que hay razones de sobra para esperar una película emocionante y entretenida. Craig ya está vendiendo que va a ser mejor que ‘Casino Royale’, tras explicar que ‘Quantum of Solace’ fue un cúmulo de circunstancias de la que se arrepiente. A buena hora… ‘Skyfall’ se estrena el 26 de octubre en Reino Unido; el 9 de noviembre en España.

PD: ¿De qué va la historia? De un inglés que mata y da hostias por la paz mundial.

Vía | Empire

Pese a este absurdo adelanto mi interés por la película permanece intacto, y es que se trata del nuevo trabajo de Sam Mendes, el director de ‘American Beauty’, ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’) y ‘Revolutionay Road’. Con él dirigiendo el cotarro me apunto a ver lo que sea, incluso ‘Transformers 4’. Pero es que además Craig encabeza un reparto en el que también figuran Judi Dench, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw, Helen McCrory, Bérénice Marlohe y Albert Finney, entre otros. Puede que no acabe siendo la mejor entrega de la franquicia, Mendes no tiene experiencia en este tipo de cine (nos puede dejar ciegos y mareados con las secuencias de acción), pero creo que hay razones de sobra para esperar una película emocionante y entretenida. Craig ya está vendiendo que va a ser mejor que ‘Casino Royale’, tras explicar que ‘Quantum of Solace’ fue un cúmulo de circunstancias de la que se arrepiente. A buena hora… ‘Skyfall’ se estrena el 26 de octubre en Reino Unido; el 9 de noviembre en España.

PD: ¿De qué va la historia? De un inglés que mata y da hostias por la paz mundial.

Vía | Empire

‘La chispa de la vida’, de Álex de la Iglesia, se podría considerar como un remake de ‘El gran carnaval’, de Billy Wilder, con la salvedad de que en este caso es el protagonista, interpretado por José Mota, el que quiere sacar provecho de su propia desgracia, como indicaba Míkel Zorrilla o como aclara el propio director y co-guionista, que asegura que su film se parece más a ‘La cabina’, aquella opresiva tv-movie que dirigió Antonio Mercero sobre el guion de Garci. Acompañado en el reparto por Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Antonio Garrido, Carolina Bang y Joaquín Climent, entre muchos otros, el cómico encarna a un publicitario en paro que acude a Cartagena para reservar una habitación en el hotel donde pasó la luna de miel y darle así una sorpresa a su mujer, que tanto lo ha apoyado. Al llegar, descubre que en lugar del alojamiento se ha erigido un museo arqueológico y, por torpeza, sufre una mala caída que lo deja retenido de tal modo que ni los médicos pueden moverlo de allí.

Sin olvidar cuestiones de tono de la narración o de nivel de las interpretaciones, así como otros aspectos en los que se puede aplicar aquello de que las comparaciones son odiosas, aventuraría que existe un argumento extra-cinematográfico que supone la diferencia entre una película y otra. Decía un amigo que es imposible parodiar a la televisión del morbo. Y tenía razón, pues creo que, si ahora nos formásemos una tormenta de ideas para buscar lo más exagerado y desquiciado que pudiese elegirse como tema para un espectáculo, con la idea de parodiarlo y así demostrar su crueldad y absurdo; al día siguiente, haciendo zapping, nos encontraríamos la “promo” de algo todavía más descabellado y dañino. Por lo tanto, lo que en 1951 podía ser una crítica muy efectiva sobre la prensa y los medios, ahora mismo no pasa de suponer una obviedad y de quedarse corto sin remedio. De esta forma, es difícil sentir la indignación que tendría que producirnos la situación.

Un tono poco definido que dificulta el realismo

En algunos retratos, ‘La chispa de la vida’ puede considerarse muy realista. Se nota que de la Iglesia ha trabajado en publicidad y que ciertos tipos de los que aparecen por la película, en forma de cameos, como Nacho Vigalondo, han empezado de creativos publicitarios. Esa recreación del mundillo, en la que Mckenzie es McCann-Erickson -autores del eslogan en 1970-, resulta fidedigna, a pesar de lo estereotipada que pueda aparentar ser, pues algunas agencias se acomodan ellas mismas a lo que se puede esperar de un copy como si ya estuviesen interpretando papeles para el cine o la televisión.

Pero también hay otros aspectos que resultan artificiales y no me refiero solo a esa autopista entre Madrid y Cartagena que no les lleva más que cinco minutos -quizá en guion estaba escrito que fuese todo en la misma ciudad y una tardía inyección de dinero autonómico provocó este desajuste-. Hablo de la caricaturización exagerada de algunos arquetipos -especialmente el dueño de la cadena encarnado por Juanjo Puigcorbé-, que nos aleja del posible realismo. Asimismo de algunas actitudes que responden al tipo de interpretación semihumorística al que acostumbra de la Iglesia y que encaja muy bien en sus comedias negras de humor absurdo, pero que no va con una historia más próxima al naturalismo, como es esta. Así, el tono no termina de ser cómico, pero tampoco se decide por lo dramático y de esa manera, nos separa de la historia. De la Iglesia lleva el guion a su terreno, pero no por completo.

Donde sí detecto realismo es en una faceta de ‘La chispa de la vida’ que normalmente habría pasado por alto y que, a priori, me importaría menos que ninguna otra, pero a la que no por ello le resto importancia, ya que considero que no es nada fácil de reflejar. Me refiero al amor que se tienen los componentes de la familia. Un matrimonio que lleva veinte años casados y sus hijos adolescentes siempre nos harían creer que entre ellos hay hastío y, como mucho, costumbre de estar juntos y afecto. Pero el guion, los intérpretes y la dirección de ‘La chispa de la vida’ sí me hacen creer que estas personas todavía se quieren, quizá más que el día que celebraron esa poco glamourosa luna de miel.

Crítica

La crítica de la película no se dirige tanto a la publicidad, aunque sea este el mundillo donde el protagonista comienza, como a los programas basura de TV, ejemplificados en ese “Rumore, rumore”, en el que Roberto se empeña en aparecer por una mísera cantidad de euros. Pero es que la protesta ataca por tantos frentes que cuando el personaje de Mota llama a los banqueros “hijos de puta” es arduo determinar si se trata de una forma de plasmar como un cínico a ese protagonista o si no es más que una fórmula inmediata y garantizada para conectar con el público aprovechando el cabreo que nos invade por asuntos como el paro, la especulación inmobiliaria, la corrupción en cargos de los ayuntamientos... Al ser tantos los objetivos elegidos para el pataleo, se diluyen todos por igual.

Supongo que sería aventurar demasiado entender el cilindro de hierro que queda introducido en el cráneo del protagonista como símbolo de la lobotomía que ejercen las tertulias entre famosos sobre sus espectadores. E igual de lejano estará considerar que, cuando Roberto se aferra a la voluptuosa estatua femenina para salvar su vida, estamos viendo un paralelismo con el soporte que su espectacular fémina supone para su existencia -muy elocuente con respecto a la elección del reparto, que sonaba a broma, la frase de ella que le indica que no es un fracasado por tener ese pedazo de mujer-. El dedo que señala al personaje de Tejero no deja duda de sus intenciones. Pero no será la primera ni la última vez que se señalan metáforas allá donde los autores no han querido representar nada.

Conclusión

‘La chispa de la vida’ incluye un exceso de personajes y de elementos argumentales encajados dentro de una trama que apenas presenta giros o evolución a partir del momento en el que es planteada. Una situación en la que es imposible el cambio sirve como excusa para introducir ataques a casi todos los estamentos de la vida actual. Con tanta protesta y tanto revuelo se torna complejo aproximarse emocionalmente a lo mostrado, ya sea viviendo la indignación ante los aspectos negativos proyectados o sintiendo de cerca el sufrir de los protagonistas. La historia personal y, más concretamente, de amor marital, es, no obstante, la que mejor funciona y, gracias a ella y al despliegue de rostros célebres, que no dejan de aparecer como sorpresas durante todo el metraje, la película cumple y propicia un rato agradable. Sin embargo, dista de poseer esa chispa y ese gas del refresco que anunciaba el eslogan del título para quedarse en el jarabe dulzón que empezó siendo la bebida más célebre del planeta.

‘La chispa de la vida’, de Álex de la Iglesia, se podría considerar como un remake de ‘El gran carnaval’, de Billy Wilder, con la salvedad de que en este caso es el protagonista, interpretado por José Mota, el que quiere sacar provecho de su propia desgracia, como indicaba Míkel Zorrilla o como aclara el propio director y co-guionista, que asegura que su film se parece más a ‘La cabina’, aquella opresiva tv-movie que dirigió Antonio Mercero sobre el guion de Garci. Acompañado en el reparto por Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Antonio Garrido, Carolina Bang y Joaquín Climent, entre muchos otros, el cómico encarna a un publicitario en paro que acude a Cartagena para reservar una habitación en el hotel donde pasó la luna de miel y darle así una sorpresa a su mujer, que tanto lo ha apoyado. Al llegar, descubre que en lugar del alojamiento se ha erigido un museo arqueológico y, por torpeza, sufre una mala caída que lo deja retenido de tal modo que ni los médicos pueden moverlo de allí.

Sin olvidar cuestiones de tono de la narración o de nivel de las interpretaciones, así como otros aspectos en los que se puede aplicar aquello de que las comparaciones son odiosas, aventuraría que existe un argumento extra-cinematográfico que supone la diferencia entre una película y otra. Decía un amigo que es imposible parodiar a la televisión del morbo. Y tenía razón, pues creo que, si ahora nos formásemos una tormenta de ideas para buscar lo más exagerado y desquiciado que pudiese elegirse como tema para un espectáculo, con la idea de parodiarlo y así demostrar su crueldad y absurdo; al día siguiente, haciendo zapping, nos encontraríamos la “promo” de algo todavía más descabellado y dañino. Por lo tanto, lo que en 1951 podía ser una crítica muy efectiva sobre la prensa y los medios, ahora mismo no pasa de suponer una obviedad y de quedarse corto sin remedio. De esta forma, es difícil sentir la indignación que tendría que producirnos la situación.

Un tono poco definido que dificulta el realismo

En algunos retratos, ‘La chispa de la vida’ puede considerarse muy realista. Se nota que de la Iglesia ha trabajado en publicidad y que ciertos tipos de los que aparecen por la película, en forma de cameos, como Nacho Vigalondo, han empezado de creativos publicitarios. Esa recreación del mundillo, en la que Mckenzie es McCann-Erickson -autores del eslogan en 1970-, resulta fidedigna, a pesar de lo estereotipada que pueda aparentar ser, pues algunas agencias se acomodan ellas mismas a lo que se puede esperar de un copy como si ya estuviesen interpretando papeles para el cine o la televisión.

Pero también hay otros aspectos que resultan artificiales y no me refiero solo a esa autopista entre Madrid y Cartagena que no les lleva más que cinco minutos -quizá en guion estaba escrito que fuese todo en la misma ciudad y una tardía inyección de dinero autonómico provocó este desajuste-. Hablo de la caricaturización exagerada de algunos arquetipos -especialmente el dueño de la cadena encarnado por Juanjo Puigcorbé-, que nos aleja del posible realismo. Asimismo de algunas actitudes que responden al tipo de interpretación semihumorística al que acostumbra de la Iglesia y que encaja muy bien en sus comedias negras de humor absurdo, pero que no va con una historia más próxima al naturalismo, como es esta. Así, el tono no termina de ser cómico, pero tampoco se decide por lo dramático y de esa manera, nos separa de la historia. De la Iglesia lleva el guion a su terreno, pero no por completo.

Donde sí detecto realismo es en una faceta de ‘La chispa de la vida’ que normalmente habría pasado por alto y que, a priori, me importaría menos que ninguna otra, pero a la que no por ello le resto importancia, ya que considero que no es nada fácil de reflejar. Me refiero al amor que se tienen los componentes de la familia. Un matrimonio que lleva veinte años casados y sus hijos adolescentes siempre nos harían creer que entre ellos hay hastío y, como mucho, costumbre de estar juntos y afecto. Pero el guion, los intérpretes y la dirección de ‘La chispa de la vida’ sí me hacen creer que estas personas todavía se quieren, quizá más que el día que celebraron esa poco glamourosa luna de miel.

Crítica

La crítica de la película no se dirige tanto a la publicidad, aunque sea este el mundillo donde el protagonista comienza, como a los programas basura de TV, ejemplificados en ese “Rumore, rumore”, en el que Roberto se empeña en aparecer por una mísera cantidad de euros. Pero es que la protesta ataca por tantos frentes que cuando el personaje de Mota llama a los banqueros “hijos de puta” es arduo determinar si se trata de una forma de plasmar como un cínico a ese protagonista o si no es más que una fórmula inmediata y garantizada para conectar con el público aprovechando el cabreo que nos invade por asuntos como el paro, la especulación inmobiliaria, la corrupción en cargos de los ayuntamientos... Al ser tantos los objetivos elegidos para el pataleo, se diluyen todos por igual.

Supongo que sería aventurar demasiado entender el cilindro de hierro que queda introducido en el cráneo del protagonista como símbolo de la lobotomía que ejercen las tertulias entre famosos sobre sus espectadores. E igual de lejano estará considerar que, cuando Roberto se aferra a la voluptuosa estatua femenina para salvar su vida, estamos viendo un paralelismo con el soporte que su espectacular fémina supone para su existencia -muy elocuente con respecto a la elección del reparto, que sonaba a broma, la frase de ella que le indica que no es un fracasado por tener ese pedazo de mujer-. El dedo que señala al personaje de Tejero no deja duda de sus intenciones. Pero no será la primera ni la última vez que se señalan metáforas allá donde los autores no han querido representar nada.

Conclusión

‘La chispa de la vida’ incluye un exceso de personajes y de elementos argumentales encajados dentro de una trama que apenas presenta giros o evolución a partir del momento en el que es planteada. Una situación en la que es imposible el cambio sirve como excusa para introducir ataques a casi todos los estamentos de la vida actual. Con tanta protesta y tanto revuelo se torna complejo aproximarse emocionalmente a lo mostrado, ya sea viviendo la indignación ante los aspectos negativos proyectados o sintiendo de cerca el sufrir de los protagonistas. La historia personal y, más concretamente, de amor marital, es, no obstante, la que mejor funciona y, gracias a ella y al despliegue de rostros célebres, que no dejan de aparecer como sorpresas durante todo el metraje, la película cumple y propicia un rato agradable. Sin embargo, dista de poseer esa chispa y ese gas del refresco que anunciaba el eslogan del título para quedarse en el jarabe dulzón que empezó siendo la bebida más célebre del planeta.

‘La chispa de la vida’, de Álex de la Iglesia, se podría considerar como un remake de ‘El gran carnaval’, de Billy Wilder, con la salvedad de que en este caso es el protagonista, interpretado por José Mota, el que quiere sacar provecho de su propia desgracia, como indicaba Míkel Zorrilla o como aclara el propio director y co-guionista, que asegura que su film se parece más a ‘La cabina’, aquella opresiva tv-movie que dirigió Antonio Mercero sobre el guion de Garci. Acompañado en el reparto por Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Antonio Garrido, Carolina Bang y Joaquín Climent, entre muchos otros, el cómico encarna a un publicitario en paro que acude a Cartagena para reservar una habitación en el hotel donde pasó la luna de miel y darle así una sorpresa a su mujer, que tanto lo ha apoyado. Al llegar, descubre que en lugar del alojamiento se ha erigido un museo arqueológico y, por torpeza, sufre una mala caída que lo deja retenido de tal modo que ni los médicos pueden moverlo de allí.

Sin olvidar cuestiones de tono de la narración o de nivel de las interpretaciones, así como otros aspectos en los que se puede aplicar aquello de que las comparaciones son odiosas, aventuraría que existe un argumento extra-cinematográfico que supone la diferencia entre una película y otra. Decía un amigo que es imposible parodiar a la televisión del morbo. Y tenía razón, pues creo que, si ahora nos formásemos una tormenta de ideas para buscar lo más exagerado y desquiciado que pudiese elegirse como tema para un espectáculo, con la idea de parodiarlo y así demostrar su crueldad y absurdo; al día siguiente, haciendo zapping, nos encontraríamos la “promo” de algo todavía más descabellado y dañino. Por lo tanto, lo que en 1951 podía ser una crítica muy efectiva sobre la prensa y los medios, ahora mismo no pasa de suponer una obviedad y de quedarse corto sin remedio. De esta forma, es difícil sentir la indignación que tendría que producirnos la situación.

Un tono poco definido que dificulta el realismo

En algunos retratos, ‘La chispa de la vida’ puede considerarse muy realista. Se nota que de la Iglesia ha trabajado en publicidad y que ciertos tipos de los que aparecen por la película, en forma de cameos, como Nacho Vigalondo, han empezado de creativos publicitarios. Esa recreación del mundillo, en la que Mckenzie es McCann-Erickson -autores del eslogan en 1970-, resulta fidedigna, a pesar de lo estereotipada que pueda aparentar ser, pues algunas agencias se acomodan ellas mismas a lo que se puede esperar de un copy como si ya estuviesen interpretando papeles para el cine o la televisión.

Pero también hay otros aspectos que resultan artificiales y no me refiero solo a esa autopista entre Madrid y Cartagena que no les lleva más que cinco minutos -quizá en guion estaba escrito que fuese todo en la misma ciudad y una tardía inyección de dinero autonómico provocó este desajuste-. Hablo de la caricaturización exagerada de algunos arquetipos -especialmente el dueño de la cadena encarnado por Juanjo Puigcorbé-, que nos aleja del posible realismo. Asimismo de algunas actitudes que responden al tipo de interpretación semihumorística al que acostumbra de la Iglesia y que encaja muy bien en sus comedias negras de humor absurdo, pero que no va con una historia más próxima al naturalismo, como es esta. Así, el tono no termina de ser cómico, pero tampoco se decide por lo dramático y de esa manera, nos separa de la historia. De la Iglesia lleva el guion a su terreno, pero no por completo.

Donde sí detecto realismo es en una faceta de ‘La chispa de la vida’ que normalmente habría pasado por alto y que, a priori, me importaría menos que ninguna otra, pero a la que no por ello le resto importancia, ya que considero que no es nada fácil de reflejar. Me refiero al amor que se tienen los componentes de la familia. Un matrimonio que lleva veinte años casados y sus hijos adolescentes siempre nos harían creer que entre ellos hay hastío y, como mucho, costumbre de estar juntos y afecto. Pero el guion, los intérpretes y la dirección de ‘La chispa de la vida’ sí me hacen creer que estas personas todavía se quieren, quizá más que el día que celebraron esa poco glamourosa luna de miel.

Crítica

La crítica de la película no se dirige tanto a la publicidad, aunque sea este el mundillo donde el protagonista comienza, como a los programas basura de TV, ejemplificados en ese “Rumore, rumore”, en el que Roberto se empeña en aparecer por una mísera cantidad de euros. Pero es que la protesta ataca por tantos frentes que cuando el personaje de Mota llama a los banqueros “hijos de puta” es arduo determinar si se trata de una forma de plasmar como un cínico a ese protagonista o si no es más que una fórmula inmediata y garantizada para conectar con el público aprovechando el cabreo que nos invade por asuntos como el paro, la especulación inmobiliaria, la corrupción en cargos de los ayuntamientos... Al ser tantos los objetivos elegidos para el pataleo, se diluyen todos por igual.

Supongo que sería aventurar demasiado entender el cilindro de hierro que queda introducido en el cráneo del protagonista como símbolo de la lobotomía que ejercen las tertulias entre famosos sobre sus espectadores. E igual de lejano estará considerar que, cuando Roberto se aferra a la voluptuosa estatua femenina para salvar su vida, estamos viendo un paralelismo con el soporte que su espectacular fémina supone para su existencia -muy elocuente con respecto a la elección del reparto, que sonaba a broma, la frase de ella que le indica que no es un fracasado por tener ese pedazo de mujer-. El dedo que señala al personaje de Tejero no deja duda de sus intenciones. Pero no será la primera ni la última vez que se señalan metáforas allá donde los autores no han querido representar nada.

Conclusión

‘La chispa de la vida’ incluye un exceso de personajes y de elementos argumentales encajados dentro de una trama que apenas presenta giros o evolución a partir del momento en el que es planteada. Una situación en la que es imposible el cambio sirve como excusa para introducir ataques a casi todos los estamentos de la vida actual. Con tanta protesta y tanto revuelo se torna complejo aproximarse emocionalmente a lo mostrado, ya sea viviendo la indignación ante los aspectos negativos proyectados o sintiendo de cerca el sufrir de los protagonistas. La historia personal y, más concretamente, de amor marital, es, no obstante, la que mejor funciona y, gracias a ella y al despliegue de rostros célebres, que no dejan de aparecer como sorpresas durante todo el metraje, la película cumple y propicia un rato agradable. Sin embargo, dista de poseer esa chispa y ese gas del refresco que anunciaba el eslogan del título para quedarse en el jarabe dulzón que empezó siendo la bebida más célebre del planeta.

‘La chispa de la vida’, de Álex de la Iglesia, se podría considerar como un remake de ‘El gran carnaval’, de Billy Wilder, con la salvedad de que en este caso es el protagonista, interpretado por José Mota, el que quiere sacar provecho de su propia desgracia, como indicaba Míkel Zorrilla o como aclara el propio director y co-guionista, que asegura que su film se parece más a ‘La cabina’, aquella opresiva tv-movie que dirigió Antonio Mercero sobre el guion de Garci. Acompañado en el reparto por Salma Hayek, Blanca Portillo, Juan Luis Galiardo, Fernando Tejero, Manuel Tallafé, Santiago Segura, Antonio Garrido, Carolina Bang y Joaquín Climent, entre muchos otros, el cómico encarna a un publicitario en paro que acude a Cartagena para reservar una habitación en el hotel donde pasó la luna de miel y darle así una sorpresa a su mujer, que tanto lo ha apoyado. Al llegar, descubre que en lugar del alojamiento se ha erigido un museo arqueológico y, por torpeza, sufre una mala caída que lo deja retenido de tal modo que ni los médicos pueden moverlo de allí.

Sin olvidar cuestiones de tono de la narración o de nivel de las interpretaciones, así como otros aspectos en los que se puede aplicar aquello de que las comparaciones son odiosas, aventuraría que existe un argumento extra-cinematográfico que supone la diferencia entre una película y otra. Decía un amigo que es imposible parodiar a la televisión del morbo. Y tenía razón, pues creo que, si ahora nos formásemos una tormenta de ideas para buscar lo más exagerado y desquiciado que pudiese elegirse como tema para un espectáculo, con la idea de parodiarlo y así demostrar su crueldad y absurdo; al día siguiente, haciendo zapping, nos encontraríamos la “promo” de algo todavía más descabellado y dañino. Por lo tanto, lo que en 1951 podía ser una crítica muy efectiva sobre la prensa y los medios, ahora mismo no pasa de suponer una obviedad y de quedarse corto sin remedio. De esta forma, es difícil sentir la indignación que tendría que producirnos la situación.

Un tono poco definido que dificulta el realismo

En algunos retratos, ‘La chispa de la vida’ puede considerarse muy realista. Se nota que de la Iglesia ha trabajado en publicidad y que ciertos tipos de los que aparecen por la película, en forma de cameos, como Nacho Vigalondo, han empezado de creativos publicitarios. Esa recreación del mundillo, en la que Mckenzie es McCann-Erickson -autores del eslogan en 1970-, resulta fidedigna, a pesar de lo estereotipada que pueda aparentar ser, pues algunas agencias se acomodan ellas mismas a lo que se puede esperar de un copy como si ya estuviesen interpretando papeles para el cine o la televisión.

Pero también hay otros aspectos que resultan artificiales y no me refiero solo a esa autopista entre Madrid y Cartagena que no les lleva más que cinco minutos -quizá en guion estaba escrito que fuese todo en la misma ciudad y una tardía inyección de dinero autonómico provocó este desajuste-. Hablo de la caricaturización exagerada de algunos arquetipos -especialmente el dueño de la cadena encarnado por Juanjo Puigcorbé-, que nos aleja del posible realismo. Asimismo de algunas actitudes que responden al tipo de interpretación semihumorística al que acostumbra de la Iglesia y que encaja muy bien en sus comedias negras de humor absurdo, pero que no va con una historia más próxima al naturalismo, como es esta. Así, el tono no termina de ser cómico, pero tampoco se decide por lo dramático y de esa manera, nos separa de la historia. De la Iglesia lleva el guion a su terreno, pero no por completo.

Donde sí detecto realismo es en una faceta de ‘La chispa de la vida’ que normalmente habría pasado por alto y que, a priori, me importaría menos que ninguna otra, pero a la que no por ello le resto importancia, ya que considero que no es nada fácil de reflejar. Me refiero al amor que se tienen los componentes de la familia. Un matrimonio que lleva veinte años casados y sus hijos adolescentes siempre nos harían creer que entre ellos hay hastío y, como mucho, costumbre de estar juntos y afecto. Pero el guion, los intérpretes y la dirección de ‘La chispa de la vida’ sí me hacen creer que estas personas todavía se quieren, quizá más que el día que celebraron esa poco glamourosa luna de miel.

Crítica

La crítica de la película no se dirige tanto a la publicidad, aunque sea este el mundillo donde el protagonista comienza, como a los programas basura de TV, ejemplificados en ese “Rumore, rumore”, en el que Roberto se empeña en aparecer por una mísera cantidad de euros. Pero es que la protesta ataca por tantos frentes que cuando el personaje de Mota llama a los banqueros “hijos de puta” es arduo determinar si se trata de una forma de plasmar como un cínico a ese protagonista o si no es más que una fórmula inmediata y garantizada para conectar con el público aprovechando el cabreo que nos invade por asuntos como el paro, la especulación inmobiliaria, la corrupción en cargos de los ayuntamientos... Al ser tantos los objetivos elegidos para el pataleo, se diluyen todos por igual.

Supongo que sería aventurar demasiado entender el cilindro de hierro que queda introducido en el cráneo del protagonista como símbolo de la lobotomía que ejercen las tertulias entre famosos sobre sus espectadores. E igual de lejano estará considerar que, cuando Roberto se aferra a la voluptuosa estatua femenina para salvar su vida, estamos viendo un paralelismo con el soporte que su espectacular fémina supone para su existencia -muy elocuente con respecto a la elección del reparto, que sonaba a broma, la frase de ella que le indica que no es un fracasado por tener ese pedazo de mujer-. El dedo que señala al personaje de Tejero no deja duda de sus intenciones. Pero no será la primera ni la última vez que se señalan metáforas allá donde los autores no han querido representar nada.

Conclusión

‘La chispa de la vida’ incluye un exceso de personajes y de elementos argumentales encajados dentro de una trama que apenas presenta giros o evolución a partir del momento en el que es planteada. Una situación en la que es imposible el cambio sirve como excusa para introducir ataques a casi todos los estamentos de la vida actual. Con tanta protesta y tanto revuelo se torna complejo aproximarse emocionalmente a lo mostrado, ya sea viviendo la indignación ante los aspectos negativos proyectados o sintiendo de cerca el sufrir de los protagonistas. La historia personal y, más concretamente, de amor marital, es, no obstante, la que mejor funciona y, gracias a ella y al despliegue de rostros célebres, que no dejan de aparecer como sorpresas durante todo el metraje, la película cumple y propicia un rato agradable. Sin embargo, dista de poseer esa chispa y ese gas del refresco que anunciaba el eslogan del título para quedarse en el jarabe dulzón que empezó siendo la bebida más célebre del planeta.