Volvemos en Blogdecine con la sección de “críticas a la carta“, donde como sabéis comentamos las películas que vosotros elegís. La de hoy es particularmente interesante porque supuso el debut en el largometraje del estadounidense Brad Bird, ganador del Oscar por sus dos siguientes trabajos, ambos para el estudio Pixar, ‘Los increíbles’ (‘The Incredibles’) y ‘Ratatouille’, su mejor película hasta la fecha. Bird quiso entonces probar suerte con el cine de acción real, y puso en marcha un épico proyecto titulado ‘1906’; viendo que la pre-producción se alargaba demasiado, el cineasta aceptó encargarse de la puesta en escena de la superproducción ‘Misión: Imposible – Protocolo fantasma’ (‘Mission: Impossible – Ghot Protocol’), que resultó un éxito de público y crítica. Se estrenó el año pasado, doce años después de que llegara a los cines su ópera prima, ‘El gigante de hierro’ (‘The Iron Giant’), en la que ya destacaba su extraordinario talento para contar historias.

‘El gigante de hierro’ es la adaptación a la gran pantalla de un relato infantil escrito por Ted Hughes titulado ‘El hombre de hierro’ (‘The Iron Man’, 1968); Tim McCanlies y Bird se encargaron del guion. La película nos traslada a 1957 y lo primero que vemos (tras el logo de la Warner de los años cincuenta) es el Spotnik 1, el satélite artificial puesto en órbita por los soviéticos que dio comienzo a la carrera espacial. La película refleja la tensión de la guerra fría, el temor de los norteamericanos hacia los inventos de los comunistas y la posibilidad de un conflicto nuclear (el disparatado vídeo educativo que proyectan a los niños es una copia del auténtico ‘Duck and Cover’). Con este miedo irracional hacia todo lo extranjero como telón de fondo, llega a la Tierra, y en concreto a territorio estadounidense (como siempre), una criatura del espacio exterior. Algo gigantesco contra lo que choca un pequeño barco que se rompe en pedazos. Su propietario, un viejo pescador, cuenta a todo el mundo lo que vio, una especie de nave, posiblemente un invasor de Marte, pero nadie se toma en serio sus palabras, claro, que consideran fruto de una borrachera. Excepto un chico, que sueña con ver a un auténtico marciano.

Una vez presentado al monstruo, en una excelente secuencia donde ya queda claro que Bird pretende rendir con su película un sincero homenaje los clásicos de terror y ciencia-ficción (la tormenta, la misteriosa criatura), toca conocer al niño protagonista. Hogarth Hughes es el típico chico imaginativo y aventurero, cautivado con las historias fantásticas y terroríficas que lee en los cómics y ve en la televisión (hay un guiño a ‘Friend Without a Face’), que vive con su madre, una joven viuda, en uno de esos pequeños pueblos tranquilos donde nunca pasa nada… hasta que empieza la película. Una noche que se queda solo en casa, Hogarth sigue un enigmático rastro de destrucción que lo lleva a cruzar el bosque hasta llegar a una subestación eléctrica. Allí es donde su sueño se hace realidad. Hogarth encuentra la cosa que cayó del cielo, un robot gigante. “¡Soy el niño más afortunado de toda América!”, exclama entusiasmado tras descubrir que el extraterrestre es amigable y le hace caso, como si de una colosal mascota se tratase.

Pero la ingenuidad y bondad del niño contrasta con el pánico a lo desconocido y la violencia de los adultos, que ven el robot como una amenaza. A grandes rasgos, el personaje de Hogarth y su aventura guarda bastante similitud con Elliott y su encuentro con el alienígena de ‘E.T.’ (1982), funcionando en cierta manera como un precedente de ‘Super 8’ (2011). Al volver a ver ‘El gigante de hierro’ me ha sorprendido encontrar situaciones (los destrozos que causa el gigante, la pieza que busca a su dueño, el choque del tren) que recuerdan al film de J.J. Abrams, por cierto, inferior a los trabajos de Spielberg y Bird, narradores con mayor talento, a los que no se les nota que fuercen nada en su intento por asombrar y conmover al público, capaces de hacer creíble una historia fantástica de manera prodigiosamente sencilla. En cuanto a la figura y el comportamiento del gigante mecánico, son evidentes las referencias a ‘Frankenstein’ (1931), ‘King Kong’ (1933), ‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, 1951) y ‘La guerra de los mundos’ (‘The War of the Worlds’, 1953).

Un detalle muy interesante del guion que no queda revelado del todo, o al menos no de una forma evidente, es el propósito del viaje a la Tierra de este entrañable “transformer”, una información que se mantiene oculta incluso para el propio robot gracias a una oportuna pérdida de memoria. ¿Por qué llega a nuestro planeta? La clave parece estar en el último tercio de la película, cuando de pronto se arregla la abolladura de la cabeza y se convierte en un arma imparable. Llegó para destruir. Esto lo convertiría en una especie de descendiente de Gort, que viene a castigar a la humanidad por desoír el ultimátum y lanzarse a la conquista del espacio mientras aumentan las armas nucleares. Menos mal que Hogarth le habla de Superman y le muestra el indeseable efecto de las armas. Un detalle anecdótico, en la versión del film en inglés, Vin Diesel presta su voz al robot (sin duda la mejor interpretación de su carrera). Jennifer Aniston, Harry Connick Jr., Christopher McDonald, M. Emmet Walsh y John Mahoney también participan en el doblaje original.

Deliciosamente enriquecida con multitud de referencias culturales, destacando, claro, las cinematográficas (el póster de ‘Planeta prohibido’, el recuerdo a ‘Bambi’…), ‘El gigante de hierro’ es una aventura de fantasía cargada de nostalgia que cumple con todos los requisitos para ser considerada un clásico moderno. Narrada con elegancia y estilo, visualmente impecable (afortunada simbiosis entre animación tradicional y moderna), muy divertida, con un humor infantil que no llega a resultar tontorrón, apuntes críticos muy afortunados que la convierten en un producto ideal para las escuelas, inteligente al no caer en la cursilería habitual del cine para niños, y brillante en cuanto a la progresión dramática, culminando en un emocionante tramo final que eriza la piel (la despedida final es antológica). En definitiva, es una gozada, una hermosa película para todos los públicos. Curiosamente, no funcionó muy bien en taquilla pero con el tiempo ha ido ganando seguidores gracias al mercado doméstico. Al parecer, solo puede comprarse actualmente en DVD, esperemos que pronto salga una edición en Blu-ray que haga justicia a esta joya animada.

Ése es el eslogan de ‘Piraña 3DD’ (‘Piranha 3DD’, 2012), la segunda parte del remake de ‘Piraña 3D’ (‘Piranha 3D’, 2009) que dirigió Alexandre Aja. Se estrena el 23 de noviembre (¿no sería mejor en verano?) y aquí os dejo tanto el tráiler como los dos carteles que ha distribuido hasta la fecha Dimension Films. Por si os interesa. A mí la película de Aja me decepcionó, no la encontré tan divertida y salvaje como me esperaba, pero hay días en los que apetece desconectar de todo y ver una chorrada de estas características, cuya única pretensión es la de hacer reír a un público fácil, y a ser posible, con unas cervezas de más en el cuerpo.

Christopher Lloyd y Ving Rhames (no, no murió en ‘Piraña 3D’) parecen ser los únicos actores que repiten en esta segunda entrega, que ha sido dirigida por John Gulager (‘Feast’). Si en la primera teníamos el cameo estelar de Richard Dreyfuss, por su papel en ‘Tiburón’, en esta ‘Piraña 3DD’ el invitado especial es el protagonista de la serie ‘Los vigilantes de la playa’, David Hasselhoff, que aparece presentado en pantalla como el socorrista más famoso del mundo. Pobrecillo, parece que solo lo llaman para hacer cosas así, recordemos que no hace mucho era también la estrella invitada en ‘Fuga de cerebros 2’. Danielle Panabaker, Katrina Bowden, Matt Bush, Chris Zylka, Meagan Tandy, David Koechner y Gary Busey son otros de los nombres protagonistas de una segunda parte que ha costado 20 millones de dólares y promete ser más gamberra que la anterior. ¿Vais a verla?

PD: La secuela la han escrito Patrick Melton y Marcus Dunstan, guionistas de ‘Atrapados’ (‘Feast’) y ‘Saw VII 3D’, entre otras.

He vuelto a ver ‘Al límite de la verdad’ (‘Changing Lanes’, 2002), de Roger Michell, que cuenta con un importante reparto encabezado por Samuel L. Jackson y Ben Affleck, a quienes acompañan Toni Collette, Sydney Pollack, Richard Jenkins, William Hurt o Amanda Peet, entre otros. Un abogado que acude al juzgado para entregar un documento que indica que un millonario cedió la gestión de una fundación a su bufete choca con el vehículo de un hombre que acude al mismo tribunal para pelear por la custodia de sus dos hijos de corta edad. El segundo, como llegará tarde, perderá la oportunidad de vivir cerca de sus pequeños y el primero, habiendo extraviado el documento, no solo estará a punto de dejar a su empresa sin un gran cliente, sino que además correrá el riesgo de ir a prisión.

La película se inicia con un montaje en paralelo muy bien ejecutado, que confluye en el accidente, donde ambos protagonistas se encuentran. La tensión está servida incluso desde antes de que surja el enfrentamiento, consiguiendo así que las imágenes de sus momentos cotidianos enganchen. La banda sonora de David Arnold contribuye a esta sensación de suspense, con la que el interés se sostiene muchos minutos, a pesar de que el punto de partida sea un incidente tan insignificante en apariencia. La fotografía de Salvatore Totino y los encuadres, con un ligero movimiento de cámara, diez años después siguen de completa actualidad. El conflicto, que se plantea con inmediatez, es férreo y atenazador, pues no parece permitir salida alguna que no suponga cumplir con lo exigido. Ese cumplimiento, sin embargo, se presenta imposible en apariencia. Con ello, antes de que hayan pasado veinte minutos de cinta, ya se ha introducido una intriga notable. Las escenas que se intercalan en este primer acto contagian la indignación y están cargadas de contenido social.

A partir de ese detonante, una espiral de malas decisiones, irá precipitando a los dos personajes a sus diferentes abismos en los que parece que lo están perdiendo todo, pero donde lo más importante que están dejando por el camino es su dignidad. Ellos son personas normales, quizá algo más malas que buenas, que se han visto forzadas a comportarse de manera cuestionable. La concatenación de contrariedades que los empuja está bien establecida y sendos arrebatos se ven plausibles, pues no resultan repentinos, sino fruto de una acumulación de noticias irritantes, sumada a la desesperación ante lo que pueda venírseles encima. Se plantea un misterio adicional antes de llegar a la mitad del metraje y la precipitación de hechos es tan vertiginosa que todo ocurre en un día, sin que parezca que el tiempo está dilatado o trampeado.

Las reacciones de Ben Affleck ante el dictamen de la juez resultan creíbles al ciento por ciento y, si bien el actor no acompaña la transformación de su personaje con una metamorfosis del comportamiento, supone un acierto de cásting, al dar el perfil perfecto del joven adinerado, pero con algún escrúpulo más que los que tiene la familia que le está proporcionando el estatus. Samuel L. Jackson exagera un tanto sus gestos de pena, aunque representa muy bien los ataques de ira y nos hace ver que su personaje no es solamente una víctima, sino un ex alcohólico iracundo que, como le dice su sponsor de AA, está “enganchado al desastre”, lo que elimina cualquier atisbo de maniqueísmo. Encontramos entre ellos dos infinitas diferencias y al mismo tiempo cierta afinidad, pues son quienes les rodean, más en concreto los personajes de Sydney Pollack, Richard Jenkins y Amanda Peet los antagonistas de esta historia, en la que los personajes principales, por muy enfrentados que estén, no se pueden repartir los papeles de bueno y de malo.

El significado profundo de lo ocurrido

Desde de un instante dado, ya no es el documento o la hipoteca lo que cada uno de ellos tendrá que recuperar. No es que la película se transforme y lo que hasta ahora era un thriller se convierta en un asunto moral o psicológico, pues esto estaba presentado desde el principio, en esas primeras secuencias, que ya estaban cargadas de este sentir: la reunión de los alcohólicos anónimos, la anécdota sobre Tiger Woods, comentarios como “agradecido a Dios”, “la recompensa es hacer lo correcto”, etc... A partir de aquí, empiezan a darse secuencias que ya no presentan la tensión y el interés de las del arranque, como el paralelo en el que Affleck acude a la iglesia en viernes santo y Jackson enseña a su ex el piso que iba a comprar. Estas escenas son necesarias para que ellos reflexionen y van a la perfección con la intención de los guionistas Chap Taylor y Michael Tolkin. La narración sigue el camino que tenía previsto, pues ‘Al límite de la verdad’ habla de la justicia más allá de los tribunales. El incidente provoca en el abogado algo de mayor profundidad que la victoria o fracaso en el juicio, que es el replanteamiento de todo lo que contiene su vida, incluida su mujer. Esa congruencia no impide que para mí resulte decepcionante que ese conflicto tan irresoluble en realidad no necesite ser resuelto, pues son otros los asuntos que han de solventarse. La tensión se desinfla sin remedio y en mi opinión es frustrante que de ahora en adelante ya todo se encamine al aprendizaje de una lección.

Siempre me había llamado la atención el cartel de esta película en el que el slogan, “una mala jugada merece respuesta“ estaba más grande y notorio que el título. Volviéndola a ver llego a la conclusión de que no me extraña, ya que esa frase vendedora define con exactitud el contenido, mientras que el título, aunque también alude a un diálogo que tienen los personajes, es tan común que jamás me serviría para acordarme de si he visto o no el film. Ese tagline es una traducción de “one wrong turn deserves another” (un giro mal hecho se merece otro), que tiene un doble sentido, ya que se puede aplicar tanto al tráfico -por algo el título original es “cambiando de carril“-, como a la vida.

Conclusión

Podría decirse, en conclusión, que ‘Al límite de la verdad’ es mucho más interesante como ejercicio de dirección que como historia. Michell extrae del material del que parte resultados excelentes, consiguiendo tensión, suspense, interés... todo ello rodeado de un envoltorio de lucida apariencia. El aparato que acompaña puede ser el de un thriller, pero el fondo supone un aprendizaje, una experiencia que destapará para uno de los protagonistas que la realidad es más fea de lo que la pintan y que le servirá para madurar y darse cuenta de las armas de las que dispone para decidir en qué sentido quiere utilizarlas.