El final dudo que entusiasme a cualquier cinéfilo que haya visto ‘La noche del demonio’ (The night of the demon) de Jacques Tourneur, pero supongo que complacerá al adicto a un tipo de película roma y tosca modelada bajo clichés y con sensación de normalidad, pero desde luego no a cualquier amante del misterio, que observará atónito como Cortés se adapta fielmente a la ideología dominante (la del sofá, por supuesto) complaciendo al espectador respecto a sus sospechas paranormales y sin cuestionar ninguna de sus concepciones.: acaso el mayor riesgo que toma es machacar un discurso procientífico para después anularlo de la manera más mema posible.

El problema, por supuesto, no sería una supuesta aceptación de lo paranormal, sino que Cortés es vulgar, tratando al espectador con la firme idea de que su inteligencia no es superior a la de un programa televisivo medio.: en ese sentido, la audiencia a la que apela ‘Luces Rojas’ es perfectamente contemporánea y saldrá satisfecha. Podéis leer lo que han dicho mis compañeros Mikel Zorrilla o Juan Luis Caviaro, más positivos, por supuesto.

El estúpido cambio en la normativa de los Oscar para permitir que 10 obras pudieran aspirar al galardón de mejor película trajo consigo alguna cosa buena y bastantes malas. En el apartado positivo destaca que al fin el cine de animación ha recibido alguna mención más en esa categoría, haciendo así que lo de ‘La bella y la bestia’ deje de ser una absurda rareza. ¿Cuándo aprenderán que el cine de animación puede ser perfectamente mejor que el de con actores de carne y hueso? Imagino que los prejuicios de la Academia jamás desaparecerán. Y en lo negativo, el primer efecto negativo obvio es que está clara que cinco de las seleccionadas no tienen posibilidades reales de premio (¿Qué sentido tendría ganar el premio a mejor película y que su director ni siquiera hubiese nominado?), sin embargo lo que más nos interesa hoy es el hecho de que así se da más pie a la posibilidad de nominaciones absurdas en la máxima categoría de los, supuestamente, premios más prestigiosos de la industria del cine.
 
No voy a recurrir a fobias personales y arremeter contra Stephen Daldry (lo cierto es que sólo una de sus películas anteriores no me gusta) y la desmesurada acogida que han tenido sus películas en los Oscar, pero lo que sí parecía bastante claro es que ‘Tan fuerte, tan cerca’ iba a ser la cinta que rompiese su 100% de efectividad en cuanto a conseguir una nominación para toda su filmografía. Por encima de lo que uno esperase, la película había recibido una acogida crítica entre fría y negativa, dándose por sentado que, al igual que ‘J. Edgar’, no tenía posibilidades reales, seguramente por eso fue la candidata que más sorpresa causó cuando se leyeron en directa las nominadas. Posteriormente, y esta vez respetando las reglas de lo previsible, ‘The Artist’ se llevó para casa el premio gordo, confirmando así la sensación generalizada de que la presencia de ‘Tan fuerte, tan cerca’ no era más que un mero relleno sin razón de ser allí. ¿El motivo? ‘Tan fuerte, tan cerca’ es, con diferencia, la peor de las diez candidatas.

 
El gran cáncer de ‘Tan fuerte, tan cerca’ es su personaje protagonista, que no necesariamente la interpretación de Thomas Horn. ¿A qué me refiero? Veamos, ya comenté en mi crítica de ‘La invención de Hugo’ que ambas propuestas tenían varios puntos en común, pero si Scorsese conseguía que el Hugo de Asa Butterfield cautivase al espectador, Daldry no logra evitar que Oskar sea visto por el espectador como un niñato repelente con el que el espectador no siente la más mínima empatía en su proceso de maduración interior íntimamente relacionado con la muerte de su padre. Uno podría agarrarse al clavo ardiendo de un mayor realismo en sus acciones, pero lo cierto es que resultan maniqueas, prediseñadas para buscar el llanto fácil del público poco exigente, porque si hay un tipo de espectador completamente vendido ante cualquier superproducción con tiros y explosiones, no es menos cierto que existe su homólogo en lo referente a las películas para llorar.
 
Lo curioso de todo es que la actuación de Horn está lejos de ser mala, y hasta en alguna ocasión consigue dar de una efímera capa de humanidad a las reacciones de Oskar, pero es insuficiente, ya le odiamos y un chispazo de verdad no va a compensarnos por todo lo demás. El que más cerca está de lograrlo es un Max Von Sydow capaz de emocionar al espectador únicamente a través de lo gestual. El problema es que tarda demasiado en aparecer en pantalla y es ya tarde para que pueda canalizar la simpatía del público hacia el protagonista. El resto del reparto está plagado de grandes nombres como Tom Hanks o Sandra Bullock, los cuales se limitan a estar correctos en personajes completamente unidimensionales y muy mal utilizados a lo largo de la trama. El primero para incidir más en el elemento sensiblero y ella para funcionar como sufridora en segundo plano. También sale por ahí Viola Davis, la cual casi gana el Oscar este año, pero es que le toca un personaje tan lamentable que poco importa que ofrezca una buena actuación.
 

El guión de Eric Roth según la novela homónima de Jonathan Safran Foe es otro de los grandes culpables del fracaso artístico. Por una parte, es cierto que no restriega de inicio por la cara la tragedia del 11 de Septiembre al espectador, pero eso es algo que va ganando peso paulatinamente hasta llegar a ser molesto. Ya he apuntado lo pésimamente logrado que está el protagonista, pero es que su aventura vital está plagada de etapas entre irrelevantes e incompensables que sólo ayudan a alargar la agonía de un espectador harto de lo que va viendo en pantalla. Y lo cierto es que Stephen Daldry no sólo no hace nada por matizar las deficiencias del libreto, sino que incide aún más en el elemento sentimentaloide de la historia, siendo la guinda del pastel de la pornografía emocional de la que casi parece alardear ‘Tan fuerte, tan cerca’. Además, en la faceta técnica, sin ser mala, se queda muy lejos del nivel mostrado en ‘Las horas’ (aún su mejor trabajo), con lo que tampoco podemos hablar de redención por ahí. Lo único que evita el desastre absoluto es el acertado score de Alexandre Desplat, todo un desperdicio que haya acabado en una cinta del nivel de ésta.
 
En definitiva, ‘Tan fuerte, tan cerca’ es una mala película que se recrea en exceso, con poco tacto y escaso talento en los aspectos sentimentales de la historia, como gritando al espectador que tiene que emocionarse y llorar a moco tendido con la trágica historia que tiene en pantalla. Los actores y algún otro aspecto suelto (como la banda sonora de Alexandre Desplat) no son suficientes para levantar una cinta de esas que muchos conocemos como hechas para los Oscar, algo en lo que habría mucho problema si luego está todo bien hecho. No es el caso, Daldry ha patinado a lo grande.

‘Luces rojas’ (‘Red Lights’) es el título del esperado nuevo trabajo del español Rodrigo Cortés, quien ha podido contar con un llamativo elenco de actores encabezado por Cillian Murphy, Robert de Niro Sigourney Weaver, Toby Jones, Elizabeth Olsen y Leonardo Sbaraglia, entre otros. Al parecer, ‘Luces rojas’ iba a ser la siguiente película de Cortés después de debutar con la arriesgada y desastrosa ‘Concursante’, pero cayó en sus manos el excelente guion de ‘Buried (Enterrado)’ escrito por Chris Sparling, y decidió trasladarlo a la gran pantalla, dejando aparcado su texto sobre los fenómenos paranormales. Fue la opción acertada, ahora podemos decirlo, ya que ‘Buried’ funcionó muy bien, tuvo éxito e hizo mucho ruido, justo lo que necesitaba el director nacido en Orense para generar mayor interés sobre su siguiente paso, la película más personal y apasionante que se estrenó en los cines españoles el pasado viernes 2 de marzo.

Para la preparación de ‘Luces rojas’, Cortés dispuso de la ayuda del investigador Manuel Carballal, que no solo orientó al realizador en la búsqueda de material bibliográfico para elaborar el guion sino que ayudó a Murphy y De Niro con la ejecución de los trucos que aparecen en la película (no hay retoque informático en la escena de la cuchara). En los interesantes programas radiofónicos donde colabora Carballal, ‘Dimensión limite’ y ‘La rosa de los vientos’, Cortés ha hablado profundamente sobre la creación de su tercera película, y la ha comparado con un truco de magia. Sin pretender repetir sus palabras al pie de la letra, mantiene que, al igual que el mago o ilusionista cuando realiza una de sus actuaciones, el director debe cuidar al máximo la puesta en escena para hacer creíble al público que va a suceder algo fantástico, y debe saber despistarle, hacerle mirar hacia otro lado durante la ejecución del truco, para poder dejarlo asombrado con el resultado. Es una imagen que no vale para todo el cine en general, pero sí que encaja de maravilla con la que nos ocupa, ‘Luces rojas’, un hipnótico relato con alma de thriller político donde casi nada es lo que parece. Cortés comete algunos errores, y cierra la película con torpeza, pero son sus aciertos, mucho más numerosos, los que prevalecen en el recuerdo de esta admirable película que te obliga a reflexionar cada escena. Muchos lo intentan, muy pocos lo consiguen.

La historia de ‘Luces rojas’ comienza centrándose en dos investigadores de fraudes paranormales, la doctora Margaret Matheson (Weaver) y Tom Buckley (Murphy). La primera secuencia del film es una demostración ante el espectador de la inteligencia y la perspicacia de Margaret y Tom, una prueba que es superada con pasmosa sencillez e inusual sentido del humor. Éstas son dos de las mayores virtudes de la película, incuso diría que necesarias en su propósito de simular el efecto del truco de magia; habitualmente los ilusionistas nos hacen creer que todo es muy fácil y evidente, y hacen bromas o cometen divertidos errores, todo planificado hasta el milímetro. Con ello logran que el público se relaje y crea estar sobre suelo seguro, hasta capaz de adivinar lo que va a ocurrir a continuación. Es en ese momento de seguridad cuando el movimiento inesperado del “mago” logra dejar con la boca abierta. Cortés busca el mismo objetivo. Nos presenta a dos individuos brillantes que son capaces de desenmascarar lo que, a simple vista, puede parecer un acontecimiento sobrenatural. Son expertos en encontrar el truco, nadie les engaña, y son tan buenos que se aburren. Todo está controlado…

Pero el famoso psíquico Simon Silver (De Niro, y en imágenes de archivo Eugenio Mira) desestabiliza por completo la vida de Tom. Simon reaparece públicamente tras permanecer oculto durante tres décadas, sus actuaciones son éxitos de público y se permite el lujo de desafiar a la ciencia, lo que pone extremadamente nervioso a Tom, que está convencido que es otro estafador. Todos, incluso Margaret, le piden que deje en paz a Simon, pero Tom está dispuesto a descubrir la verdad, obsesionándose con hallar el truco. Pero, ¿y si no lo hay? ¿Y si ese hombre es capaz de levitar, leer el pensamiento o curar un cáncer en cuestión de segundos? Lector, tendrás que ver la película para conocer la respuesta. Hábilmente, Cortés juega tanto con las herramientas del cine como las expectativas y las certezas del espectador, al que propone un juego fascinante de enigmas, apariencias, engaños y sorpresas. Es un ejercicio ejemplar de suspense, siempre estás intentando anticiparte, ver qué ocurre a continuación, y lo inesperado aguarda tras cada esquina, pero al tocarse temas tan delicados, como la fe en el más allá, quizá requiere de la entrega completa del espectador para poder impactar plenamente. Uno debe dejarse llevar, disfrutar el viaje, y con esto no me refiero a relajarse y apagar el cerebro, al contrario, las imágenes te obligan a estar activo desde el primer minuto, pero conviene no perder la perspectiva y tener claro que se trata de pura ficción, de un thriller, que no se pretende dar una solución definitiva a las profundas cuestiones que se plantean los protagonistas.

Precisamente uno de los mayores aciertos de Cortés es no dar todas las respuestas sino dejar margen al espectador para que rellene los espacios, si quiere. Resulta esencial para la película, y está muy logrado, el retrato de las dos posturas que suelen enfrentarse ante un suceso paranormal o aparentemente inexplicable. Por un lado los escépticos, que dan por hecho que todo tiene una sencilla explicación racional, y por otro los creyentes, que confían ciegamente en lo extraordinario, en la magia; ambos son criticados en la película por su incapacidad para moverse un centímetro del lugar que han escogido voluntariamente. Pero no todos los personajes se sitúan en uno de estos dos bandos, han sido creados con cuidado para resultar verosímiles, cercanos, y por ello tienen dudas, resultan contradictorios, son humanos. Una de las ideas de ‘Luces rojas’ es que hasta el sujeto más incrédulo puede llegar a plantearse la existencia de algo que consideraba imposible, que por naturaleza el ser humano parece necesitar creer, tener fe. Y que es muy vulnerable. Como acertadamente defiende Cortés, se puede engañar al cerebro, jugar con los sentidos, los ilusionistas saben cómo hacerlo, y los timadores que adivinan el futuro o invocan a los espíritus, también.

Por las numerosas entrevistas que ha concedido Rodrigo Cortés (yo mismo he intentado concertar una, sin suerte) y por lo que muestra en pantalla, resulta evidente la pasión del director acerca de los temas que trata ‘Luces rojas’, y creo que esto ha jugado en su contra. Ha querido abarcar más de lo que debía. Hay mucha información que resulta intrascendente y que entorpece la narración, quizá dando la sensación de que no se sabe en qué dirección llevar el relato, como si Cortés titubeara. Me consta que ha trabajado muchísimo en el guion y en el montaje, pero, en cierta manera siguiendo las equivocaciones de sus personajes, no ha sabido mantener la distancia y observar con la mayor objetividad posible el material; quizá por eso ‘Buried’ es más redonda, porque le dio la oportunidad de analizar fríamente el texto de Sparling y sacar el máximo rendimiento.

En cualquier caso, el mayor patinazo de su tercera película (que llega a recordar bastante a ‘El truco final: El prestigio’ de Christopher Nolan) es el tramo final, y concretamente me refiero a lo que podríamos llamar “epílogo”, a partir de que Buckley abandona el escenario tras encarar a Simon. Subraya lo evidente y estropea el impacto logrado con la última secuencia; sobraba. Se levanta uno de la butaca con un ligero sabor agridulce, pero entonces repasa, individual o colectivamente, lo que ha visto. Lo recuerda, lo analiza, lo madura. Y destacan las interpretaciones, en especial el portentoso trabajo de Murphy (capaz de transmitir todo lo necesario con miradas y gestos), la emocionante música de Víctor Reyes, el talento de Cortés para trazar una historia cautivadora y mantener la intriga hasta el desenlace… Y en algún momento te paras y descubres que la película ha logrado el objetivo. Te ha atrapado.

• Otra crítica en Blogdecine: ‘Luces rojas’, ¿fraude o genialidad?

Aunque haya tardado en llegar, ha sido un detalle por parte de la distribuidora acercarnos ‘Los idus de marzo’ (‘The Ides of March ‘, 2011), de George Clooney, a mediados de este mes, época que coincide con los Idus, con los que en EE. UU. se refieren a las elecciones primarias que se reflejan en la película, basada en la obra ‘Farragut North’, de Beau Willimon.

Habrá quien la haya calificado de Shakesperiana, sin embargo, en las tragedias del dramaturgo los conflictos eran colosales, se expandían y se convertían en irresolubles, acabando en debacles tremendas donde corría la sangre por doquier. Aquí, el trance se ataja poco después de plantearse. Acarrea del medio teatral su unidad narrativa, que, por otra parte, queda muy bien disimulada. La anécdota argumental no es extensa, pero se le extrae suficiente partido, al dosificar tanto la información que aún da pie a sorpresas que, si bien el espectador se puede haber imaginado, para el protagonista sí son chocantes. Además, lo que interesa no es conocer nuevos sucesos, sino ver las reacciones que provoca ese hecho y el remolino submarino que se forma bajo unas aguas que desde fuera se perciben por completo apacibles.

La música, cargada de intensidad, de Alexandre Desplat, demuestra y aumenta esta falsa calma -los temas de la banda sonora, con sus elocuentes títulos, van dividiendo el film en capítulos-. Para ser una obra de teatro, está bien aireada, no solo por el cambio de escenarios, sino por la sensación de transcurso de horas y días y la aparente inclusión de diferentes participantes. Qué intervalo tan pujante aquel en el que el senador recibe la llamada del teléfono de la joven y parece que el tiempo queda paralizado. Desde ahí, se repiten en la película fantásticos soplos que mantienen la tensión incluso pasado el momento en el que somos conscientes de que no hay nada que añadir y el final se avecina.

El reto al que se enfrenta Ryan Gosling en ‘Los Idus de marzo’ es el de presentar una evolución fulminante y hacernos creíble la transformación sin que se antoje repentina o injustificada y sin denotar esas maneras ya desde el arranque. Enigmático en cada una de sus conversaciones, va dejándose ver a su pesar y lo que sale a flote al final sospechamos que, más que ser una renovada esencia, obedece a su verdadero temperamento, que tardaba en aflorar. Sabiamente, el film excluye casi por completo a la familia de este joven -se menciona al padre, pero es un engaño- y tampoco se le presentan relaciones antiguas o mediadas. Esto nos hace pensar que para él el partido es su familia, no porque esté casado con la campaña -como dice él mismo-, sino porque la decepción que sufre es la que sentiría un hijo adolescente al darse cuenta de que su padre es un humano falible.

El agregado de nombres célebres, en forma de cartel atrayente, supera la individualidad de la interpretación de cada uno. Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman, que me parecen más sobresalientes que el protagonista, están tratados como si fuesen hermanos que tienen que repartirse por igual el pastel y, si uno dispone de un momento para marcarse un discurso, el otro más adelante disfrutará de un ratito para lucirse. Este apoyo de potentes secundarios refuerza enormemente la película, además de por la posibilidad de contar con estos dos actorazos, porque la trama se solidifica con aparentes construcciones en paralelo y porque a ellos se trasladan casi todos los debates que el guion trata de establecer. Son, asimismo, los personajes más matizados y, aunque no sufran una evolución como la de Gosling, sus tonos grises ya los hacen ricos desde el inicio. Evan Rachel Wood y Marisa Tomei cuentan con papeles casi anecdóticos -en el primer caso como mero detonante-, pues debe de ser que el relato transcurre en un mundo de hombres.

Clooney ha sido demasiado benevolente consigo mismo, quiero decir, con su personaje. El senador aparece siempre de fondo, recitando consignas tan maravillosas como increíbles -no me extraña que hasta su asesor de prensa se mofe de que paree que cantase el Kumbayá-. Su interpretación es buena y su aspecto contribuye a que el candidato parezca el ideal, pero su retrato es tan positivo que no es que cueste creérselo, es que casi carece de interés. El defecto que se le atribuye, por mucho que podría haber aportado vidilla al santurrón, lo que resulta es ajeno a él. Da la impresión de que el actor, director y guionista hubiese querido jugar al rol con las elecciones y hacerse la ilusión de lo que habría pasado si en realidad se hubiese metido en política. Pero, por mucha mierda que la película crea presentar, estoy segura de que el verdadero mundillo sería mucho más despiadado que el retratado.

Que el poder corrompe parece algo que no solo tenemos constatado, sino asumido. Me resulta más interesante observar que en política son necesarias las concesiones incluso cuando se albergan intenciones encomiables. El apoyo a un gobernador con ideas bastante alejadas del programa del candidato, que resulta imprescindible para continuar campaña, ya lo habíamos visto en anteriores propuestas audiovisuales -creo recordar que en la serie ‘Boss’, donde se trata con gran agudeza la corrupción-. Sería una de las renuncias necesarias que tiene que hacer un político, no porque se haya dejado corromper ni debido a su naturaleza ambiciosa y materialista, sino porque se convierte en el único camino posible hacia un triunfo tras el cual aplicar los ideales que con tan loable voluntad se están intentando llevar a cabo. De la película esto me parece más valioso que el trillado desliz del senador, a pesar de que este dé pie a un brillante diálogo culminado en un chiste, que no repetiré para no destriparlo.

Cuando llegan los créditos, nos parece que hemos visto un film muy breve, más aún de lo que en realidad es. Podemos quedarnos con ganas de más o admirarnos de que algo tan mínimo haya dado para tanto. Sí, yo podría haberme esperado más politiqueos, auténtica corrupción y una mayor cantidad de tejemanejes en ‘Los Idus de marzo’. ¿Significa eso que me ha decepcionado? En todo caso, querría decir que he visto algo diferente a lo supuesto, lo que ya de por sí ha de recibirse de forma positiva. Ya vendrá otra película que cumpla con eso que me había figurado.

También en Blogdecine | ‘Los Idus de Marzo’, ¿existen los políticos honrados?.