El próximo domingo, James Cameron podría volver a arrasar en los Oscars. Él, sin embargo, ha declarado que prefiere que el Oscar a la mejor dirección se lo lleve Kathryn Bigelow. El de mejor película ya es otra cuestión:

Yo ya tengo un Oscar. Tengo un par, no necesito otro. Pero sí uno en reconocimiento a los logros de mi equipo, significaría mucho para ellos. Sería un sueño hecho realidad.

Mel Gibson llevaba casi ocho años sin ser el principal protagonista de una película, concretamente desde la magistral ‘Señales’ (‘Signs’, M. Night Shyamalan, 2002). Su presencia fue la clave del éxito de muchas películas de los 80 y 90, desde el inicio de su fama con la saga ‘Mad Max’ hasta su encumbre definitivo con otra saga, ‘Arma letal’. A partir de ahí, Gibson ha demostrado ser un actor muy solvente en pantalla, nunca grande pero creo que jamás ha buscado ser el mejor actor de su generación, si acaso alguien que cumple con la dignidad suficiente haciéndose con papeles en los que se ha encontrado muy cómodo. A principios de los 90 nos sorprendió dirigiendo una nada desdeñable película --‘El hombre sin rostro’ (‘The Man Without a Face’, 1993)-- para después recibir un puñado de Oscars con su excelente ‘Braveheart’ (id, 1995).

Cuando parecía que tendríamos a un Gibson entregado a un trabajo en el que despliega más conocimiento y pasión --existe un proyecto de una película sobre vikingos dirigida por él e interpretada por Leonardo DiCaprio, que es desde ya una de las películas más esperadas por un servidor-- le da por volver al campo de la interpretación. Consciente de que los años no perdonan a nadie, Gibson se hace en ‘Al límite’ (‘Edge of Darkness’, Martin Campbell, 2010) con un papel apropiado para su edad, el de un policía maduro (Thomas Craven) que bien podría ser una versión bastante adulta de su Martin Riggs.

El argumento --tomado de una miniserie de televisión dirigida por el propio Campbell-- de ‘Al límite’ es muy simple, aunque en determinados momentos se revele con algunas contradicciones. Thomas Craven es un Inspector de policía de Boston cuya única hija es asesinada delante de él por un disparo que Craven está convencido iba dirigido a él. Pronto iniciará una investigación personal para descubrir al asesino de su hija; sin importarle absolutamente nada más que la verdad de lo acaecido no se detendrá ante nada ni nadie para esclarecer el asunto. Dicha premisa no se diferencia demasiado de algunas películas típicas de los 70 u 80 en las que cierto justiciero encarnado por el temible Charles Bronson repartía justicia a diestro y siniestro no dejando vivo ni al best boy.

Gibson no disimula para nada que ya es mayor, al igual que actores como Robert Redford o Clint Eastwood, y en menor medida, John Wayne en su últimos tiempos, no esconde sus arrugas esperando la eterna juventud que el cine da. Propone uno de esos personajes ya cansados que casi están por retirarse y que a la hora de la verdad ponen sobre la mesa toda su experiencia y demuestran que son los mejores en su campo. Es por eso que esta película parte de un acto que visto desde cierto punto de vista puede provocar hasta risa, matar a la hija de alguien que no se detendrá ante nadie porque no tiene nada que perder es simplemente la decisión que tomaría un idiota. Por no hablar del hecho de que no necesitaban matarla, una de las incongruencias del argumento a la que habría que sumar varias más.

‘Al límite’ no engaña a nadie en su contexto de film de evasión e incluso ofrece algunas de las mejores secuencias de acción de los últimos años, ver para creer. Martin Campbell parece haber aprendido algo con la realización de ‘Casino Royale’ (id, 2006) en lo que se refiere a filmar acción. Los dos os tres momentos violentos del film, Campbell hace gala de una planificación y un sentido del ritmo envidiables, y Gibson da lo mejor de sí mismo en escenas de una gran violencia física. Es imposible no sobresaltarse con el impacto que recibe la hija de Craven, con el “accidente” del coche y posterior tiroteo, o con la parte final en la que el personaje de Gibson completa su ajuste de cuentas. Escenas viscerales, directas, y que sobresalen como lo mejor de una película que hace aguas en el resto.

No voy a decir que ‘Al límite’ es una película aburrida, pero desde luego no proporciona el mismo entretenimiento durante todo su metraje. Sólo las mencionadas escenas de acción hacen recuperar el aliento de una película que se permite hasta connotaciones de sabor religioso de dudoso gusto, por ejemplo, el deplorable final en el hospital. Campbell parece un director dotado --ahora, porque antes ni eso-- para la acción, pero cuando pretende ser trascendental cae en el más profundo de los ridículos. Al menos nos deja la agradable sensación de una violencia justificada perfectamente plasmada, algo muy raro de ver en el actual cine de acción. Y cómo no, la presencia de un Mel Gibson sin complejos y muy a gusto con su rol, enfrentado a un Ray Winstone que se pasa toda la película imitando a Robert De Niro, no en vano el primer actor que iba a hacer su personaje y que abandonó el proyecto pocos días antes de comenzar el rodaje.

“La primera vez que la vi la consideraban una mujer devastada. Rota, perdida.”

-John Rolfe

No deja de resultar sorprendente, aunque creo que ya he escrito esta afirmación con anterioridad, que tanta gente tache de ñoña, cursi o edulcorada esta película, cuando ahora que he terminado de verla una vez más (el enésimo visionado), la sensación de melancolía arrasadora que transmite, el profundo y descorazonador lirismo que la impregna, son difícilmente soportables. ‘El nuevo mundo’ es mucho más que una truncada historia de amor, aunque también. Pero para Terrence Malick, esa historia de amor es más continente que contenido, más parábola que representación.

Y la parábola viene a constituir un juicio moral en el que el ser humano, en su totalidad, y exceptuando a los jóvenes enamorados cuya buena voluntad termina provocando catástrofes, queda bastante malparado. No es, por tanto, un discurso idílico de la cultura indígena americana, ni una épica acerca de la voluntad exploradora del hombre blanco. Malick no condena a ambos grupos de manera total, pero no se priva de mostrar de manera directa las razones que condujeron a los indígenas a ser derrotados y masacrados, y a los blancos a perder, casi, toda humanidad.

Desaparecida toda vocación narrativa, la hora final de ‘El nuevo mundo’ es un compendio de imágenes, de secuencias, centradas en una sola cosa: la descripción, la indagación, del estado anímico profundo de la muchacha indígena protagonista, encarnada con belleza indescriptible por la actriz de catorce años Q’orianka Kilcher, que se deja caer en los brazos, por así decirlo, del director, se entrega totalmente a él, y regala uno de los instantes de cine más bellos de los últimos años. El abandono, la mentira final de John Smith, que finge su muerte, provoca en ella un estado de hundimiento absoluto. Y la aparición benefactora de John Rolfe (Christian Bale), un compasivo terrateniente que sentirá veneración por ella, provocará un lento y tortuoso camino de recuperación emocional.

Por supuesto que, mientras tanto, asistiremos a la derrota final de los indígenas, a su expulsión humillante de los territorios por ellos ocupados, y a la constatación de que John Smith es un hombre errabundo, perdido, incapaz de comprender sus propios sentimientos. Pero John Smith desaparece casi del todo en este segmento final, y nos quedamos con el dolor de ella, a la que le arrancan de cuajo toda la fe y toda esperanza. Poquísimos artistas cinematográficos tendrían el valor de dedicarse tantos minutos a una empresa tan poco atractiva para el grueso de los espectadores, y el talento de lograr alto tan completamente hermoso y emocionante.

Un nuevo mundo

No queda muy claro, al finalizar esta obra de arte, cuál es realmente el nuevo mundo al que alude el título: si el territorio inexplorado que se encuentran los blancos al llegar a las américas, o quizá la Inglaterra del siglo XVIII con que se topa Pocahontas (nombre que jamás nadie pronuncia en la película) al viajar en busca de un último y definitivo encuentro con John Smith. Pero para la cámara de Malick, todo es extrañeza al desembarcar los indígenas en la isla anglosajona. Por cierto que el diseño de sonido en el mercado del puerto, a la llegada de ella, es sensacional, un verdadero nuevo mundo de sensaciones, sonidos, y casi olores.

La destreza de Malick es tal, que sentimos el desasosiego, las abrumadas sensaciones de la princesa indígena en una urbe tan enorme como Londres. Parece, realmente, el fin del mundo conocido. Y en su audiencia con los reyes, la imagen del halcón enjaulado entronca de manera directa, obvia, con ese cocodrilo atado y humillado en ‘La delgada línea roja’, que significa lo que cada espectador lleve dentro y quiera que signifique, aunque no parece difícil imaginarlo. Malick no juzga el vacío y el absurdo de un mundo decadente. Simplemente…lo muestra.

Pero la hipnótica narración (o anti-narración) continúa sin parar hacia su final, con la entrevista final entre un desorientado John Smith y una misteriosa princesa indígena. La magia ha quedado rota, y la relación no tiene ya el menor sentido. Desencantada de él, como si no le conociera, la princesa vuelve contra todo pronóstico al lado de John Rolfe. Ya no queda nada más por contar. El desolador final, sobre el que me resisto a escribir aquí, es la coda perfecta a un relato demoledor que sólo comentaristas muy superficiales pueden considerar cursi o afectado.

El recut de Malick

Tres años después de su estreno en salas, Terrence Malick acometió un nuevo montaje de esta portentosa obra maestra. Para él, sus obras tienen vida propia, y su forma siempre está en constante evolución. Algún día veremos, quizá, la prometida versión de 5 horas de ‘La delgada línea roja’. Ahora, por lo menos, tenemos una de casi tres de ‘El nuevo mundo’, que es, si cabe, más hermosa que la versión para cines. No se trata, simplemente, de una nueva película, aunque también, si no de una exploración auténtica de los límites de la anterior, y de una ampliación naturalo, orgánica, de los mismos.

Es decir, y para entendernos, el nuevo montaje que Malick ha hecho de ‘El nuevo mundo’ tiene la gran virtud de llevar todavía más allá las propuestas estéticas del primero, demostrando que a pesar de que ya en cines vimos una obra de una talla excepcional, todavía este gran artista tiene mucho que ofrecer, y que su escaso número de películas no es signo de una creatividad o una energía limitadas, si no de una elección personal que nada tiene que ver con la de esos profesionales que fabrican una película por año

Conclusión a un especial

Concluímos aqui un esforzado especial, sobre el que creo es el más grande poeta cinematográfico que existe, por sus acentos líricos, por su mirada asombrosamente limpia de prejuicios o mensajes intelectuales, por su capacidad para investigar las conexiones más íntimas entre la vida y el individuo, entre la muerte y la inmortalidad, entre el dolor y la luz. Ignoro si este especial le habrá servido a mucha gente para descubrir o dar una oportunidad a este artista. Lo que sí sé es que a mí me ha servido para apreciar más su legado.

Un legado que comenzó con las muy notables ‘Badlands’ y ‘Días del cielo’, y que ha continuado con un filme que, en mi opinión, es el mensaje de esperanza, una llama imperecedera, ‘La delgada línea roja’, y finalmente con un filme de infinita melancolía como ‘El nuevo mundo’. Continuará, esperemos, haciendo cine Malick algunos años más, y aún estamos esperando la llegada de ‘The Tree of Life’, que veremos con toda probabilidad a mediados de este año. Qué duda cabe que dará que hablar, y Blogdecine estará ahí para dar testimonio.

Me quedo con una frase del soldado Witt:

“Yo he visto otro mundo. Aunque a veces pienso…que fue sólo…mi imaginación”

Aquí tenemos el nuevo y definitivo tráiler de ‘Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo’ (‘Prince of Persia: The Sands of Time’), la adaptación del popular videojuego producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Mike Newell (‘Cuatro bodas y un funeral’, ‘Harry Potter y el cáliz de fuego’). La película se estrena el próximo 28 de mayo y promete arrasar en taquilla. Si lo hace, vendrán dos secuelas más, para cerrar el negocio.

Jamie Foxx es un detective de Chicago que sigue las normas al pie de la letra mientras trata de mantener su ira controlada. Ashton Kutcher es un poli arrogante y pendenciero. Cuando se ven obligados a colaborar en un caso, el odio florece instantáneamente. Éste podría ser el principio de una gran amistad… o de un gran romance. Algo intermedio entre esos dos sentimientos es lo que une habitualmente a los compañeros de las buddy-movies y lo que sentirán estos dos personajes en ‘Streets On Fire’, una nueva película --o, supongo, saga-- de policías coleguitas.