Lo que hace una nominación al Oscar. A pesar de no haber ganado la estatuilla (otra injusticia más en la historia de estos premios), la inglesa Carey Mulligan se ha convertido en una de las actrices más deseadas del planeta. Terminó hace poco el rodaje de la interesantísima ‘Never Let Me Go’, después de trabajar a las órdenes de Oliver Stone en ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’, y entre los muchos proyectos que circulan a su alrededor se dice que está el remake que prepara David Fincher de la sueca ‘Millennium’ (por lo visto, algo muy esperado). Pero por ahora lo que es seguro es que Mulligan protagonizará un drama para el estudio Fox Searchlight titulado ‘Stoker’, cuya mayor peculiaridad es que el guión lo ha escrito Wentworth Miller (la inexpresiva estrella de la serie ‘Prison Break’). Y no, no va ni de fugas carcelarias ni es un biopic del autor de ‘Drácula’.

No se han dado muchos detalles, pero se sabe que ‘Stoker’ gira en torno a una excéntrica adolescente (Mulligan, rejuveneciendo otra vez) que tras la muerte de su padre recibe la visita de su enigmático tío, quien hasta ese momento se había mantenido alejado de cualquier contacto familiar. Sorprende que esa historia haya salido de la mente de Miller… Todavía no se sabe qué actor encarnará al personaje del misterioso tío, pero sí que Jodie Foster está a punto de incorporarse al reparto, supongo que para interpretar a la madre de la protagonista. La Fox también está negociando con Scott Free, la productora de Ridley y Tony Scott, para financiar el proyecto, y ya se rumorea que en el acuerdo está también la posibilidad de que uno de los dos hermanos se encargue de dirigir el film. Esperemos que sea el más veterano, o que se lo dejen a Foster.

PD: De hecho, el tercer largometraje de Jodie Foster, ‘The Beaver’, está ya en fase de post-producción, y se espera el estreno para antes que acabe el año.

Vía | ComingSoon

Lo dije la semana pasada y los sigo manteniendo aún a pesar de que algunos de vosotros, hombres de poca fe, cuestionasteis mis palabras. ‘Toy Story 3’ sigue invencible en la taquilla americana por segunda semana consecutiva provocando alegrías de todo tipo tanto en la crítica como el público votante. Estos últimos ya la tratan como la sexta mejor película de todos los tiempos. A los juguetitos de Pixar no le han hecho mella los nuevos productos protagonizados por Adam Sandler y Tom Cruise, quien se han hecho acompañar en sus films por actores con cierto tirón taquillero o al menos lo suficientemente conocidos por el público.

‘Niños grandes’ es la nueva gamberrada del señor Sandler, quien para la ocasión echa mano de gente como Chris Rock o Rob Schneider en una historia de varios amigos que se reúnen tras la muerte de su entrenador de baloncesto para pasar un entrañable 4 de julio. Críticas malas y respuesta pobre del público votante. Eso sí, más de 40 millones en su primer fin de semana, nada mal para una comedia sin efectos visuales. Aquí se estrena el 30 de julio.

‘Noche y día’ ha recaudado casi la mitad que la anterior, con lo cual podemos considerarla como un resbalón en la carrera de ese actor tan mediático como Tom Cruise. Él y Cameron Diaz se ponen a las órdenes del impersonal, y todoterreno, James Mangold en una aventura de espionaje con mucha acción, citas a ciegas y baterías que poseen energía infinita. La crítica no la pone bien, y el público votante es bastante más permisivo. Por estos lares se estrena el 16 de julio.

Vía | IMDb

Oh, cago en Dios, ciervas vigilantes… Las odio. Esto es ridículo, ¡es la fábrica de levadura mejor protegida que he visto nunca!

(Brutus)

Según el diccionario de la Real Academia, “raro” significa “extraordinario, poco común o frecuente”, también “escaso en su clase o especie”, o “insigne, sobresaliente o excelente en su línea”. Si os fijáis, en ninguna de esas definiciones hay una connotación negativa, peyorativa, desfavorable. Esto es, para nuestros expertos lingüistas, algo raro no es algo malo; incluso al contrario, es especial, algo que sobresale (algo bueno también, para los que no consideramos una gran idea pertenecer al rebaño de las masas). Sin embargo, como ya demostrara la desternillante ‘Bola de fuego’ (H. Hawks, 1941), ahí fuera, en la calle, la cosa funciona de otra manera, las palabras pueden tener significados muy diferentes, incluso a veces totalmente opuestos a los mantenidos por los académicos.

Cuando alguien llama “raro” a otro, normalmente no está diciendo que es extraordinario o escaso en el sentido que le da la RAE, lo más probable es que lo esté calificando de perturbado, de indeseable, de individuo al que no hay que acercarse o hacerle caso, cuando no simplemente que tiene un rostro poco común o agradable (feo, sin eufemismos). Como sabemos, el cine estadounidense tiene una poderosa influencia en nuestra sociedad, aún estando protagonizada por su propia gente, y destinada a su propio público, con su manera de entender la realidad. Así que cuando en un film tan grande y popular como ‘El caballero oscuro’ (C. Nolan, 2008), un mafioso llama “bicho raro” al Joker, cualquier hijo de vecino, en España, Francia o Perú, entiende que se trata de un insulto, y uno grave. Sin embargo, entre los personajes de la pequeña y minoritaria ‘Gentlemen Broncos’, lo raro es lo normal.

Una película diferente sobre gente diferente

Se supone que ‘Gentlemen Broncos’ (2009), el tercer largometraje del peculiar Jared Hess (suyas son ‘Napoleon Dynamite’ y ‘Nacho Libre’), se estrenó en nuestro país el pasado 14 de mayo (con meses de retraso respecto a EE.UU.), pero no conozco a nadie que la haya visto, ni tenido la oportunidad de verla. Ha pasado por la cartelera como un relámpago, y no sólo es para pedir explicaciones a los distribuidores, es que es una verdadera pena, porque es una película estupenda, diferente y muy ingeniosa. Con lo triste que resulta acercarse a los cines, donde parecen empeñados en espantar a sus clientes, que nos busquemos otro plan cualquiera (el mundial en las teles es demasiado tentador), es increíble que no le hayan ofrecido al público un plato tan fresco y imaginativo como éste.

Escrita, como sus dos anteriores películas, por Jared Hess y su mujer Jerusha Hess, ‘Gentlemen Broncos’ nos presenta a Benjamin Purvis (Michael Angarano), un chico solitario e ingenuo aficionado a la escritura que sólo tiene a su madre (Jennifer Coolidge), una viuda con dos ocupaciones: diseñar extravagantes trajes caros, y crear figuras comestibles con palomitas de maíz. Benjamin empezó a escribir desde que era pequeño, decantándose por las historias de fantasía y ciencia-ficción, como las de su admirado y excéntrico Dr. Ronald Chevalier (Jemaine Clement, componiendo un personaje memorable, sin duda lo mejor de la película).

En un intento por mejorar su estilo, soñando con convertirse en un novelista profesional, el chico asiste a un curso en el que da clases el mismísimo Chevalier, quien además forma parte de un jurado con la facultad de elegir un cuento de entre todos los alumnos para que sea publicado. Benjamin presenta su última obra, ‘El señor de la levadura’, una historia épica protagonizada por el heroico Bronco (Sam Rockwell, pasándoselo en grande), pero no cuenta con la crisis creativa y la falta de escrúpulos de su ídolo, que, desesperado, le robará el trabajo para sacar su nueva novela, convertida enseguida en otro premiado best-seller. Benjamin vuelve a casa como estaba, pero dos de sus nuevos amigos le tienen reservada una gran noticia: gracias a la productora de uno de ellos, el cineasta más prolífico del pueblo, van a adaptar su cuento al cine.

Los leones y las víctimas de la fantasía

Es un absoluto disparate, una ensalada de extravagancias, y por eso resulta tan sorprendente y jugosa. Pero dentro de lo anormal y lo alocado, la película de Jared Hess resulta también extremadamente lúcida, ofreciendo un despiadado retrato del mundo del arte convertido en puro (y despreciable) negocio. En este sentido, ‘Gentlemen Broncos’ es una feroz parodia de todo el fenómeno que rodea al género fantástico; incluso un relato tan absurdo como el del protagonista llega a ser un éxito vendido adecuadamente. Aunque encaja la crítica en todo tipo de creadores (y su correspondiente legión de fans) cuyo trabajo se ha reducido a alimentar una máquina de hacer dinero, como ‘Star Wars’ o cualquier copia de ‘El señor de los anillos’, el Dr. Chevalier tiene su origen en el escritor David Farland, cuyo trabajo más reconocido es la saga ‘The Runelords’ (‘Los señores de las runas’).

Ingeniosa, ácida, descarnada, la película de Hess es al mismo tiempo un homenaje (los preciosos títulos de crédito con las portadas de David Lee Anderson) y un ataque al mercado de la ficción. Los peor parados son los escritores pagados de sí mismos, que sólo “crean” para forrarse, y por otro lado sus babosos, marginados y atontados fanáticos, que lo único que tienen en su vida es su pasión desmedida por una o varias obras fantásticas, en las que se narran mundos diferentes al que viven y del que huyen. El que se salva es Benjamin, el único que cree realmente en la fantasía, el único que realiza un esforzado y honesto trabajo. Hess también aprovecha para poner en evidencia a un sector de la industria audiovisual, de paupérrimo presupuesto, al que los medios locales pueden llegar a prestar tanta atención como si fueran trabajos profesionales.

Puede que algunos vean ensañamiento y burla intelectual (lo he leído en algunas críticas de sitios que prefiero no citar, donde “intelectual” también ha mutado en algo negativo), pero a mi modo de ver el autor sólo está plasmando realidades (de manera hilarante, claro, y menos mal). Que son feas y dan pena, pues sí, pero son verdades. Seguro que todos conocemos a personas que se presentan a sí mismas como escritores, artistas o cineastas, y te pueden citar una buena cantidad de sus trabajos, todos de una calidad directamente bochornosa, de risa. Y sin embargo, en contra de la lógica y el sentido común, ahí siguen, algunos hasta apoyados por subvenciones públicas, apareciendo en los medios e incluso dando conferencias, sin el menor reparo. A todo esto ataca Hess, a ellos, a los que consiguieron escalar, llegando a más público, a los que lo intentan, a los que se lo permiten y a los que los siguen.

No tiene piedad Hess de los pobres seguidores de estos desvergonzados creadores, pero es que tampoco creo que la merezcan. Los que sí se salvan, destacados como nobles individuos, son, repito, los que no alardean, los que trabajan y viven con humildad, con su visión diferente de lo que les rodea, con su perspectiva única, que además entienden que ante todo están las personas, y luego todo lo demás. No es ‘Gentlemen Broncos’ una película redonda, ni de lejos (se cae en subrayados y repeticiones innecesarias, como las bromas con testículos o recrearse en algunos rostros grimosos), pero sus grandes aciertos y ese reflejo de lo absurdo que a veces puede ser nuestro mundo, la convierten en una de las propuestas más interesantes y peculiares del año.

Hace casi treinta años que Gabriel James Byrne (cuyo nombre en gaélico es Gabriel Séamas Ó Broin) participa en películas como actor, aunque no creo que haya muchos lectores que le conozcan. De hecho, dudo mucho que 50 de los lectores de blogdecine, de entre todos los que nos leen, se interesen por su carrera o le sigan con devoción. En realidad, es lo natural. Jamás ha participado en eso que se llama (anglicismo execrable) “blockbuster”, y nunca ha recibido algún importante premio cinematográfico. Pese a ello, es un actor esencial del cine y la televisión de las últimas décadas.

Byrne será reconocido por la mayoría por su sublime papel en ‘Miller’s Crossing’ (no me hagan escribir su penoso título en castellano, por favor) o, quizá, por su estupendo trabajo en la famosa ‘Sospechosos habituales’, y por muy pocas cosas más, porque su carrera en cine, ha sido, a falta de otra palabra mejor, altamente irregular, o incluso decepcionante. Pero pocos actores en la historia del cine han sido tan capaces como él de dar vida a hombres con el alma puesta eternamente a secar.

Byrne, nacido hace sesenta años en un pueblecito llamado Crumlin, hijo de una tonelera y de un soldado, pasó cinco años de su vida en un seminario para ser sacerdote, hasta que se dio cuenta de que no poseía la menor vocación. Durante varios años trabajó como arqueólogo, cocinero y profesor de español en su pueblo natal. A los 29 años, por fin, se convirtió en actor profesional, y comenzó una extraordinaria carrera teatral que le llevó a ser uno de los actores más prominentes de su país. En 1981, debutó en el cine nada menos que con ‘Excalibur’, donde interpretaba a Uther Pendragon. Pero aún tardaría varios años en recalar en Estados Unidos y quedarse a vivir allí. Actualmente reside en Brooklyn y es un ferviente y apasionado activista de derechos humanos.

Nada de todo esto sirve para acercarnos al origen y al misterio del talento de un actor superdotado que en muy pocos papeles, pero muy importantes, ha dado muestras der ser un coloso de su oficio. Productor ejecutivo de la eufórica y emocionante ‘En el nombre del padre’, ex-marido de Ellen Barkin, creador de la primera serie enteramente hablada en gaélico que ha existido en televisión (‘Draiocht’), hombre de variados y destacados talentos, y de rostro de ojos pequeños y oscuros, nariz aguileña, constitución engañosamente frágil.

Los Coen escribieron, expresamente para él, el fascinante y complejo papel de Tom Reagan, alias Bighead (en teoría fue este alias la primera opción como título del proyecto), auténtico motor de toda la trama y corazón de la película con la que ambos hermanos cineastas (que ahora han bajado considerablemente el listón) se consolidaron internacionalmente. Reagan es, quizá, su antihéroe más cínico, solitario, oscuro e inteligente. Irlandés silencioso, alcohólico irredento, fumador infatigable, jugador compulsivo, manipulador casi mefistofélico, Reagan primero engaña a su mejor amigo, Leo, acostándose repetidas con su amante, la morbosa Verna, para luego hacerse pasar por un traidor (a cuenta propia…) y arreglárselas para convencer a los enemigos de Leo de que se maten entre ellos.

Semejante papel sería un Himalaya para el noventa y nueve por ciento de los actores, que se acercarían al trabajo sin duda espoleados pero temerosos. Byrne lo interpreta como si respirase, sin la menor sensación de esfuerzo externo, a pesar de su extrema dificultad. Compuso un rostro casi impertérrito, que sufría golpes, amenazas y peligros de toda clase, pero que jamás se descomponía. El milagro es que bajo ese estoicismo impenetrable, se perciben cargas de profundidad emocionales, como cuando pregunta: “¿Y qué es lo que quiero?”, a lo que Verna responde: “A mí”. Ante el asomo de una derrota emocional, de un atisbo de humanidad, Byrne baja la mirada y se refugia en su soledad.

La tremenda complejidad de interpretar personajes que no dejan ver sus sentimientos, y que precisamente por ello esos sentimientos se dejan ver en el reverso de las imágenes, está al alcance de un Daniel Day-Lewis, un Anthony Hopkins, un Ed Harris y pocos colosos más. Entre ellos, Byrne, que en ‘Sospechosos habituales’, la interesante película de Singer, aunque en un registro inferior a ‘Miller’s Crossing’ (pues el papel es mucho menos rico) repite, como ha repetido en muchos papeles secundarios de películas olvidables, esa búsqueda del rostro impenetrable, traicionado por el poder de la cámara de mostrar lo que no es obvio en las imágenes.

Y ahora, en su madurez, triunfa con la que, al menos para quien esto suscribe, es la serie de televisión más importante de la actualidad, ‘En terapia’, con la que lleva a su máxima expresión esa figura cínica atormentada, pues da vida a un compasivo terapeuta que ha de esconder una y otra vez sus sentimientos por sus pacientes, ya que es la mejor manera de ayudarles. Es la cima de la labor interpretativa de este gran hombre de cine, la que le ha dado más premios y le ha llevado, definitivamente, a ser conocido para un público más amplio.

Y es que la profesión de actor es la del corredor de fondo. Todo lo bueno se hace esperar.

Lo ha confirmado el productor Don Hahn, uno de esos ejecutivos que nunca tienen suficiente dinero. Disney va a estrenar en 2011 la versión en 3D de uno de sus mayores éxitos, ‘La bella y la bestia’, y después vendría la de otro icono del estudio como es ‘El rey león’, en principio, el mismo año. La idea es convertir también ‘Blancanieves y los siete enanitos’, pero al parecer se ha pospuesto el proceso a la espera de ver cómo funcionan las otras dos. Mientras las taquillas se desinflan, en Hollywood siguen desechando ideas originales y apostando por lo que ya nos habían mostrado antes, ya sea en forma de remakes, secuelas, precuelas, reboots, spin-offs o reestrenos. Y la peor noticia es que no están perdiendo tanto dinero como deberían, sino al contrario.

¿Qué sentido tiene volver a llevar a los cines, con la única novedad del 3D, las películas de ‘La Bella y la Bestia’ y ‘El Rey León’? Evidentemente, que han visto lo bien que funciona el nuevo formato, y van a aprovecharlo, van a sacar más dinero de unos productos ya explotados hasta la saciedad. Sencillamente porque pueden, Disney tiene eso. Lo dije no hace mucho en otro artículo, y no soy el único aquí que lo piensa, el 3D es puro marketing, un engañabobos, una idea de negocio para vender más entradas en un momento de crisis; una nueva caja para un mismo producto, que ahora parece más atractivo y especial. James Cameron lo empleó para crear una ‘Avatar’ más espectacular, y sin duda habrá otros como él que lo aprovecharán de la misma manera, con fines artísticos, pero será una minoría. Pudiendo convertir cualquier película a 3D, y viendo que el público no tiene inconveniente en paga el doble por ello, será raro si de aquí a unos años se estrena una superproducción en 2D.

PD: Don Hahn también ha adelantado que la secuela de Roger Rabbit está definitivamente en camino.

Vía | Empire

Como es bien sabido, ‘Donnie Darko’ fue el debut de un joven y entusiasta cineasta Richard Kelly que pasó sin pena ni gloria por la taquilla pero que luego encontró, años después, un resurgir cuanto menos curioso. ‘Donnie Darko’ fue recuperada en su versión doméstica por numerosos fans del cine fantástico que la encumbraron elogiando sus paradojas, sus planteamientos pseudocientíficos y ensalzando sus aparentes múltiples virtudes.

Virtudes que no fueron precisamente apreciadas en su estreno porque no consiguió despertar el interés inusitado que más tarde ha logrado, gracias a Internet, al boca oreja y al formato doméstico que permite revisión en moviola. Un retrato adolescente aderezado de ínfulas de ciencia ficción, intriga y delirios oníricos, que intenta jugar a la confusión como su principal arma para ocultar sus principales defectos. Lo que no quita que, sin ser una película brillante contiene y juega con ingredientes interesantes.

Richard Kelly bebe de muchas influencias, escoge elementos no demasiado originales e incluso imita estilos casi imposibles (se aprecia una clara fascinación por Lynch y ‘Terciopelo azul’ a la que copia visualmente en algún momento). Juega con viajes en el tiempo, para lo que utiliza un joven adolescente con problemas psicológicos y atormentado en un escenario idóneo para buscar salida a un bucle que lo tiene atrapado, como en una espiral. Un barrio burgués de clase media norteamericana, llena de tópicos, con un instituto propicio para dar rienda suelta a la imposición de un modelo educativo, social y familiar americano. Espacio donde se desarrolla el (supuestamente) modélico sistema socioeducativo, pero en el que subyace, por una parte oscuros rincones y, por otro, un deseo de escape. A lo que hay que añadir los problemas típicos de la edad en la que la rebeldía, la inadaptación y la evasión campan a sus anchas.

Un debutante dejando muestras de su escaso oficio

Richard Kelly recoge este escenario para plantear una historia fantástica en la que Donnie Darko, el protagonista parece vivir en un bucle temporal. Donnie vive atormentado por las apariciones de Frank, un conejo turbador que le va guiando en una serie de acciones que Donnie va acometiendo. A la vez que asistimos a cómo se salva de una muerte segura al caer el uno de los motores de un avión en su habitación. Kelly introduce muchos elementos (nada originales) para remarcar esos oscuros rincones que se ocultan a la vista de la sociedad en la que vive el protagonista.

Sin embargo, el debutante realizador demuestra enormes muestras de su falta de oficio, con una narración algo deslavazada, sin integrar con suficiente tino los elementos fantásticos, que aparecen un tanto forzados e incluso algunos aportan bien poco (esa burbuja que brota del pecho si bien es sorprendente para el escueto presupuesto del film no se justifica con rotundidad). Diálogos abruptos, nada naturales, casi impuestos en un plantel de actores que, sin decepcionar en exceso, tampoco resultan brillantes (incluido al joven Jake Gyllenhaal que no logra enriquecer ni terminar de explotar el halo misterioso que lo define) y con escenas estiradas en exceso (la aparición de Drew Barrymore, productora ejecutiva, ralentiza la narración por ser un personaje con escasa importancia entre los secundarios). Quizás aquí Kelly cae con gran debilidad en un ejercicio de autoindulgencia para lucirse y acaba restando fluidez al relato.

Richard Kelly no consigue dotar de la suficiente contundencia y brillantez a los ingredientes que el guión maneja y que puede ofrecer. Desaprovechado para conseguir profundizar o entretener más allá de soltar preguntas, dudas, paradojas que el esforzado espectador debe ir construyendo sin demasiado apoyo. La historia apenas consigue atar cabos porque juega precisamente con la confusión y dejar todo abierto a explicaciones y teorías. Ese es quizás el único aspecto que Kelly consigue transmitir y que, a la postre y visto el éxito posterior, ha logrado alcanzar con algo de acierto. Un final curioso, que intenta cerrar el círculo de la historia, del viaje en el tiempo, de la paranoia con sacrificio en plan mártir, pero que tampoco es que consiga fascinar.

Faltan ritmo y fascinación y le sobran metáforas

Fascinación, eso es precisamente de lo que carece principalmente ‘Donnie Darko’. Ni el tono fantástico, ni las notas de thriller psicológico logran transmitir una fascinación profunda, porque no permite que entremos de lleno en quid de la cuestión, prefiere acumular pistas y detalles para componer el puzzle. Para ello, el realizador impone ingredientes nada originales, un todo inspirado en gustos por el cine de Lynch, del género fantástico y envuelto en una historia de adolescentes a finales de los ochenta que viene subrayada en una banda sonora apropiada, correcta. A lo que hay que unir esa falta de personalidad para llevar más allá el relato, de darle un criterio uniforme, potente que pudiera transmitir incluso terror, pero se queda demasiado en la superficie, en el juego mental, en pistas deslavazadas, en un puzzle de acciones sinsentido que luego va reconstruyendo para dejar al espectador intrigado. Sin embargo, durante todo el metraje se echa en falta un ritmo más intenso.

Es una metáfora sobre lo incierto del futuro, sobre la adolescencia, la confusión, las decisiones, los viajes en el tiempo y, especialmente, esa actitud heroica de rechazar lo impuesto, de romper con lo establecido. No nos olvidemos que ‘Donnie Darko’ es un relato de adolescentes y que va dirigido precisamente a este tipo de público. Aunque quizás el referente más claro de Donnie sea el Holden Caulfield de J.D. Salinger, pero trasladado a una narración cinematográfica con elementos de ciencia ficción que juega con la realidad y la imaginación y lo onírico.

Con todo, no le resto el mérito de haber logrado que esta película fuese apropiada como un ejemplo de película rica en matices que requieren explicaciones, de buscar información complementaria, aunque ni siquiera el propio realizador logra cerrar. Como si diera la impresión de que es más importante plantear el juego que dotarlo de sentido. Lamentablemente Kelly no ha sabido demostrar que poseía talento, si nos atenemos a sus restantes trabajos (y a su ególatra empeño de sacarle el máximo partido a su primera obra con numerosas versiones, ediciones y añadiendo más dudas que respuestas). Así que le queda el único honor de que ‘Donnie Darko’ ha sido acogida como película de culto, con momentos e ingredientes interesantes, pero sin llegar a ser el enorme largometraje que muchos han ensalzado en ríos de páginas webs, blogs y foros.

Concluyendo, si uno elimina el experimento metafísico y ese empeño en valerse de las paradojas, nos queda un relato de adolescente atormentado no especialmente brillante, aunque salvable por algunos momentos y atractivo por su osadía.

P.D: ya pueden disparar los títulos candidatos para la próxima crítica a la carta. Estamos ansiosos. Apunten alto.