5 millones de dólares en manos de un puñado de descerebrados

Así es como Sam Peckinpah se refirió a los responsables de ‘Los aristócratas del crimen’ (‘The Killer Elite’, 1975) cuando James Caan, su protagonista, le preguntó qué le parecía lo que iban a filmar. la cifra mencionada era el presupuesto inicial del que disponía el famoso realizador que necesitaba urgentemente un éxito debido a los fracasos consecutivos de ‘Pat Garret y Billy the Kid’ (‘Pat Garret & Billy the Kid’, 1973) y ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’ (‘Brin Me the Head of Alfredo Garcia’, 1974), curiosamente dos de sus mejores películas. En un principio tenía en manos un proyecto de acción que debía protagonizar Charles Bronson, un actor muy taquillero por aquellos años, pero el intérprete declaró que jamás trabajaría con un borracho debido a la adicción de Peckinpah al alcohol. De esta forma todos perdimos una oportunidad de ver a uno de los más famosos duros del cine a las órdenes de otro duro como Peckinpah. Lo mismo ocurrió con Clint Eastwood a quien el director llamó varias veces para dos de sus películas, pero no puedo ser por estar el actor involucrado en otros rodajes.

La United Artists, que en cinco años se iría a la quiebra gracias a una obra maestra de Michael Cimino, enseguida salió al paso ofreciéndole a Peckinpah ‘Los aristócratas del crimen’, un film lleno de escenas de acción que le podría venir muy bien al director para recuperar su prestigio al menos en taquilla. Con uno de los presupuestos más altos que manejó nunca el realizador, lo cierto es que esta película podría ser sin duda alguna la peor de toda su filmografía. Un extraño y torpe film que sufrió las consecuencias de un rodaje infernal y la desgana de un director que tenía que venderse para conseguir un éxito. El alcohol y la cocaína hicieron el resto.

El argumento de ‘Los aristócratas del crimen’ narra la relación de dos amigos, Mike Locken (James Caan) y George Hansen (Robert Duvall), que pertenecen a una de esas corporaciones secretas conectadas a la CIA y que no existen. Su trabajo consiste en proteger a personas importantes cuya vida corre peligro. En una de esas misiones Locken traiciona a su compañero al que deja mal herido después de asesinar al hombre que custodiaban. Un punto de partida interesante y en el que se reconocen algunos de los elementos característicos del cine de Peckinpah, siendo ese inicio de lejos lo mejor de la película. Sin embargo a partir de ahí el film es un completo despropósito indigno del firmante de ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch, 1969) al que precisamente habían elegido por sus dotes para filmar escenas de acción.

En la productora querían precisamente eso, un producto de evasión puro y duro pero sin pasarse. No dejaron que Peckinpah tuviese decisiones con respecto al guión, algo que era nuevo para el realizador, que tuvo la excusa perfecta para montar follones durante el rodaje. Pero esta vez su rebeldía fue en una camino completamente distinto, su rebeldía no se enfocó en concentrarse en hacer la mejor película posible aunque para ello tuviese que desobedecer algunas órdenes, algo que luego se reflejaba positivamente en el producto final. Esta vez Peckinpah se pasó de rosca no tomándose en serio ni siquiera su propio trabajo, centrándose más en consumir cocaína y beber a todas horas. En aquellos años la coca era el caviar de las drogas, y Peckinpah no podía perdérselo siendo iniciado en el vicio por el propio Caan, cuyo camello visitaba el rodaje asiduamente.

Los problemas con el alcohol y las drogas sumados a un desinterés casi completo por parte de Peckinpah tal vez fueron las razones por las que ahora pasado el tiempo ‘Los aristócratas del crimen’ sea casi insoportable, aún vislumbrando en ella un intento de cambiar algo en su cine, de satirizarlo más, de pasarse incluso un poco de rosca dentro de las convenciones del cine de acción de Hollywood. Detalles presumiblemente graciosos como lo comentarios de Locken durante la pelea final con espadas ninja o la fugaz aparición de un exhibicionista frente a un policía no terminan de encajar en el conjunto que posee un tono demasiado serio, quizá provocado durante el montaje --en el que incomprensiblemente sale acreditado Monte Hellman, a quien Peckinpah admiraba-- final en el que eliminaron gran parte de las ideas del director, así como un rebaje sustancial en la escenas violentas. En relación a esto cabe citar que los productores prohibieron a Peckinpah un final en el que aparecía un personaje volviendo de la muerte --el que interpreta Bo Hopkins-- y que era una completa declaración de estar tomándoselo todo a coña.

En films posteriores de los que hablaremos en su momento, ese interés por exagerar las cosas por parte de Peckinpah, dieron su frutos, aquí se queda en un banal experimento, sucediendo además algo que no ocurre en las demás películas de su director: la trama, y lo que es peor, los personajes, no interesan. Éstos solamente bien descritos en los minutos iniciales --y sólo la pareja protagonista-- carecen de fuerza y terminan perdiéndose en un batiburrillo de traiciones, agentes dobles, explosiones, tiros y peleas donde hay sitio incluso para ninjas, debido al éxito de los films orientales de acción en aquellos años. Uno de los guionistas, Stirling Silliphant, era muy aficionado a ese tipo de cine e introdujo el tema de las artes marciales en la trama. Aún así resulta sorprendente que Silliphant, con sobrada pericia en el cine de acción, participase en esta delirante propuesta filmada sin gusto por un Peckinpah cansado, enfermo sin duda y muy harto de todo.

Ni siquiera un actor de la talla de Robert Duvall es aprovechado para la ocasión. Lo mejor de su personaje queda expuesto en los primeros minutos de metraje en los que su relación con el personaje de Caan muestra sus cartas más interesantes. El respeto, quizá algo más, que siente y demuestra por su compañero con detalles como los del zumo o la cruel broma sobre la infección vaginal de la mujer con la que Locken ha pasado la noche, hacen pensar en algo más que compañerismo. La traición posterior crea un muy interesante conflicto, pero inexplicablemente el film va cuesta abajo hasta resultar tedioso. ‘Los aristócratas del crimen’ fue un éxito pero no tanto como se esperaban o querían sus productores. A nivel profesional supuso la última colaboración entre Peckinpah y el compositor Jerry Fielding, lo que no deja de tener su punto triste. La crítica se dividió entre los que la consideraron una maravilla y los que pensaban que era mala. Me inclino más hacia la segunda tendencia, es más, a cada nuevo visionado es peor. Afortunada mente dos años después Sam Peckinpah se introduciría de lleno en la Segunda Guerra Mundial para desatar toda su furia y dejarnos a todos contentos.

Especial Sam Peckinpah en Blogdecine:

• Un título profético
• ‘Duelo en la alta sierra’
• ‘Mayor Dundee’
• ‘Grupo salvaje’
• ‘La balada de Cable Hogue’
• ‘Perros de paja’
• ‘Junior Bonner’
• ‘La huida’
• ‘Pat Garrett y Billy the Kid’

• ‘Quiero la cabeza de Alfredo García’

Seguimos hablando de remakes, o cuestionables nuevas adaptaciones de novelas. Tras comentar ‘Let Me In’ (‘Déjame entrar’) ahora le toca el turno a ‘El experimento’ (‘Das Experiment’, 2001), aquel estupendo film alemán dirigido por Olivier Hirschbiegel que llevó a la gran pantalla la obra de Marco Giordano, basada en hechos reales. Como podéis comprobar, ya circula por la red el primer cartel de la versión estadounidense, que cuenta con Adrien Brody, Forest Whitaker, Cam Gigandet, Maggie Grace y Clifton Collins Jr., entre otros, al frente del reparto.

‘The Experiment’ ha sido dirigida por Paul Scheuring, el creador de la serie ‘Prison Break’ (en su tarjeta debe poner “especialista en historias carcelarias”), y por el momento no tiene fijada una fecha de estreno. La trama gira en torno a veinte personas que se presentan voluntarios para participar en un peculiar experimento sociológico ambientado en una prisión; los individuos son divididos en dos grupos: prisioneros y carceleros, cuya misión es mantener el orden. Por supuesto, la situación se desmadra cuando los segundos comienzan a tomarse su papel demasiado en serio.

PD: El experimento real sucedió en una cárcel de Stanford, y tuvo que ser cancelado a los seis días, cuando estaba previsto que durara dos semanas. Lo que ocurrió os lo podéis imaginar; los nazis no vinieron de otra dimensión.

Vía | LasHorasPerdidas

Lo primero, espero que el público deje de asistir a “delfinarios” y espectáculos con delfines. Son la punta de lanza de una industria sangrienta. Por otro lado, que investigue sobre lo que está comiendo, sobre cómo nos mienten. Y espero que se detenga la cuenta atrás que se está activando contra los delfines: muchos están muriendo, y no sé qué pasará en un futuro. Me gustaría cambiar la vida de la gente, aunque sea en pequeños aspectos.

Louie Psihoyos

Eso que veis ahí es real. No es una imagen trucada; no se ha coloreado el agua artificialmente, con un programa de ordenador. Eso que veis ahí es lo que ha quedado tras una matanza de delfines. Es la prueba de un crimen vergonzoso, cruel e intolerable, cuya víctima no son solamente miles de animales, también lo es nuestra dignidad como seres humanos, y nuestro propio futuro en un planeta cada día más castigado. Es imposible no preguntarse, mientras se está viendo ‘The Cove’, cómo es posible que haya personas capaces de cometer semejante brutalidad sin inmutarse, cómo pueden reírse y bromear mientras el agua se va tiñendo de sangre a su alrededor, y cómo es posible que aún hoy se siga tapando, ocultando y manipulando, unos hechos tan monstruosos.

Como ya sabréis, ‘The Cove’ (2009) es el título del último ganador del Oscar al mejor documental. En Japón está prohibido, ha sido censurado por las tremendas verdades que desvela (han tenido que sentar como puñetazos en las altas esferas), pero en países como el nuestro se estrenó en salas comerciales (a España llegó el 11 de junio), desgraciadamente con pocas copias y durante poco tiempo, dejando sitio a producciones de mayor presupuesto, muchísimo menor valor, inteligencia y coraje. No sé si aún tendréis la posibilidad de ir a verla, pero si es así, desde aquí os animo a hacerlo, estoy seguro de que no os arrepentiréis. Sencillamente, ‘The Cove’ es una de las películas imprescindibles del año, y de la década.

Un documental que parece un thriller

Richard O´Barry era un conocido entrenador de delfines que colaboró en el famoso show televisivo ‘Flipper’, emitido en los años 60. Sin embargo, tras finalizar la serie y asistir a un triste incidente, O´Barry dio un giro a su vida y se dedicó por completo a luchar por la libertad de estos animales, acabando en prisión constantemente. Sus pasos le llevaron a Taiji, un pequeño pueblo de la provincia de Wakayama, en Japón, aparentemente caracterizado por su devoción tanto a los delfines como otras ballenas. Pronto descubrió que todo esto era una gran farsa, pero le era imposible conseguir pruebas. Gracias a ‘The Cove’, el público podrá descubrir lo que ocultan en Taiji.

Antes de que penséis que esto no os interesa, que nos os van los documentales, que os aburren o que os cuentan cosas que ya sabéis por otros medios, que cuando vais al cine queréis ver algo de ficción, os diré algo muy importante: esto no es un documental corriente. Su director, el estadounidense Louie Psihoyos (fotógrafo y documentalista conocido por colaborar con National Geographic), tuvo en cuenta los prejuicios y los gustos del espectador (también su espíritu y su inteligencia), y cuando se puso manos a la obra con ‘The Cove’ (literalmente, ‘La cala’) lo hizo pensando en una película, con ritmo y tensión cinematográfica, y no sólo en una reproducción de unos hechos, montados con soltura y animados con la música adecuada (que también). Sólo así se aseguraba (o era más probable) que el mensaje tuviera mayor repercusión.

Cuenta Psihoyos que empezó a preparar ‘The Cove’ (su primer film) hace diez años, cuando durante una conferencia sobre temas marinos alguien le contó el origen del lucrativo negocio que gira en torno a los delfines. Se sorprendió al descubrir que no tenía ni idea del asunto, y que los demás que estaban con él tampoco sabían nada. ¿Por qué algo tan escandaloso era tan poco conocido? Es una gran cuestión que el director expone y responde perfectamente en su trabajo, y aunque podáis imaginarlo fácilmente prefiero no decir nada más y que lo veáis con vuestros propios ojos. Porque no es ‘The Cove’ ninguna inofensiva producción ecologista con la intención de soltarte un rollo mecánico y aburrido basado en cifras, enfado y palabrería, para que sueltes un poco de dinero y te vayas tranquilamente a casa. La gran meta era mostrar algo que no quieren que veamos, porque es demasiado terrible como para asumir que está sucediendo.

Psihoyos quiere informar, concienciar, quiere que abramos los ojos y también que actuemos (en la medida de nuestras posibilidades), pero entiende que para lograr eso tiene que llegar al corazón de la gente. Y lo hace, con las armas del cine para dotar a ‘The Cove’ de una potencia irresistible, convirtiéndolo casi en un thriller de imágenes tan contundentes que llegan a provocar todo tipo de emociones; es más, es un relato tan impactante que hace sufrir. Sé que suena exagerado, pero hay que verlo, y no creo que ningún ser humano pueda hacerlo sin sentirse además realmente indignado, alterado en lo más profundo de su ser, de una manera indescriptible. Porque estamos conectados con estos animales, y nuestra naturaleza no puede soportar estas atrocidades. Por supuesto, quedan al margen los que pueden matar, torturar y despedazar animales como el que bebe un vaso de agua. Yo no los llamo seres humanos, supongo que es otra especie.

Para que no parezca esto una entusiasta e irracional defensa del film, sólo por denunciar una atrocidad impropia de un mundo civilizado, creo conveniente añadir que veo algún patinazo y una ligera manipulación melodramática en ‘The Cove’ que no me termina de gustar. Personalmente, habría suprimido cosas indemostrables, como la anécdota del surfista, así como algunos planos entrañables de delfines (o de gente haciendo algo que no tiene que ser necesariamente lo que dice la voz en off), y habría apostado más por los hechos, por la recreación de la aventura, y por incluir más intervenciones de personas claves en esta oscura historia (otros entrenadores, por ejemplo). Pero bueno, seguro que habría quedado algo más frío, no se habría llevado el Oscar y no habría llegado a tanta gente como lo ha hecho. Así que, enhorabuena Louie, a ver si sigues ahí y destapas más injusticias, que nos hace mucha falta.

Otra crítica en Blogdecine:

‘The Cove’, obra maestra

Según un reciente estudio de mercado, en la actualidad te aseguras un éxito de taquilla, mucho más que contratando a estrellas de moda, anunciando una trilogía incluso antes de estrenar la primera película. Es una de las ironías de un circo (el cine, claro) cada vez más enrevesado, dantesco y aburrido. Durante décadas, bastaba el nombre de Gary Cooper, John Wayne, Arnold Schwarzenegger o Keanu Reeves (ay!) para conseguir unos mínimos razonables de ingresos y ventas del mercado doméstico. Eso ya pasó a la historia. Son las modas, dicen, o que la gente hace lo que le da la gana.

Yo estoy por pensar que es el marketing el culpable de todo, pues por fin se ha erigido en Arte Supremo del siglo XXI, siglo que parece va a sufrir las consecuencias irreversibles del capitalismo salvaje y la globalización, pero poco nos importa, porque tenemos cine-basura para entrenernos, ¿no? También dicen que si, además de anunciar una trilogía, está basada en una serie de libros de éxito, por mucho que estén considerados como literatura de segunda (o séptima) fila, te puedes frotar las manos porque el personal acudirá en masa al cine y te hará rico. Para que luego digan que hay que romperse la cabeza para amasar dinero, cuando basta con saber soltar carnaza a un determinado público.

Todo esto me viene al pelo para hacer un repaso general (que no me venga el lector conque falta ésta o aquélla saga, pues escribo sin ánimo de exhaustividad) a varias de las trilogías más famosas que han existido, para hacer un balance (que anticipo negativo) sobre una forma de fabricar cine que se asemeja mucho al trabajo en cadena, al menos por parte de los directores, pues sus colaboradores poca culpa tienen y suelen cumplir el trabajo como buenos artesanos. Trilogías, o sagas, que existen por la sencilla razón de que alguien olió el dinero en caso de probables continuaciones. Aunque también hay excepciones y el arte (esa cosa tan innecesaria) hace acto de aparición.

‘El padrino’

Vamos a empezar con una excepción, por ser majos. A Coppola, bien lo sabe él, jamás le habrían dado el trabajo de director de esta película seis meses después, cuando el libro era todo un “best-seller”. Su grandioso éxito económico propició una segunda parte aún mejor que la primera. Catorce años después, para saldar deudas, Coppola aceptó el encargo de la tercera parte y, cosa extraordinaria, firmó la mejor de la saga, por mucho que la mayoría no lo crea. Resultado: una de las piezas claves del cine norteamericano de los últimos 40 años, que se dice pronto.

Saga Crepúsculo

De lo mejor vamos a pasar a lo peor, soy así de puñetero. Precisamente el ejemplo máximo de lo que comentaba en un principio: cine prefabricado, anunciado como saga incluso antes de estrenarse la primera película, adaptación de una literatura de ínfima calidad. Que este cine arrase causa escalofríos, porque los mismos adolescentes que ahora alucinan con esta memez de películas, son los que dentro de diez o veinte años serán médicos o profesores o fontaneros, y tendremos profesionales de tan importantes empleos que no podrán hacer bien su trabajo, con las neuronas empobrecidas (o inexistentes) por ser capaces de disfrutar con cosas como esta.

La guerra de las galaxias

Dos trilogías, las cuales estamos sometiendo a un repaso en Blogdecine. La primera, venerada por todos, a pesar de su flojo capítulo final. La segunda, aborrecida por la mayoría, aunque como trilogía es más compacta que la primera. Por supuesto, existe porque el capítulo inicial fue un grandioso éxito, y como todos sabemos Lucas no tenía una historia con dos trilogías en mente en 1977. Sin llegar a los horrores de la anterior trilogía mencionada, ni a las excelencias de la primera, hay mucho cine y muchos alicientes en cualquiera de las seis películas. Un mito.

Mad Max

En mi opinión, un capítulo obligado de la historia del cine de aventuras, por mucho que la primera haya envejecido ostensiblemente. Salvajismo y épica a partes iguales. Su éxito fue moderado pero suficiente para alcanzar dos secuelas, y aún se habla de una probable tercera. Personalmente, me divierten todas. Buen cine.

Matrix

Hemos hablado mucho de Matrix en este Blogdecine, y muchos lectores saben mi opinión. A una razonablemente interesante primera parte, le siguieron dos secuelas muy inferiores. Fue todo un éxito de taquilla y lo que viene a llamarse (una expresión que nunca me ha convencido) una saga de culto. Si existe como trilogía (y numerosos productos adyacentes a ella) es, simple y llanamente, para sacar dinero al personal. Saga lamentable.

Indiana Jones

Curiosamente, no creo que esto sea cine fabricado en cadena. Y la razón que voy a dar es que bajo mi punto de vista (personal e intransferible, claro) la mejor, la más sentida y emocionante de las tres, de lejos, es la tercera, que fue un proyecto muy personal y muy querido para Spielberg. Buen cine de aventuras, mayormente, con un cuarto título más que digno, pero muy atacado. Puede que sea cine prefabricado, pero su encanto y su artesanía no se lo discute nadie.

Piratas del Caribe

Ahora dicen que habrá una cuarta. Independientemente de eso, creo que es una buena trilogía, muy comercial, pero muy bien hecha, aunque ya me veo a algunos lectores saltándome a la yugular. Mucho humor, mucha acción, personajes muy bien dibujados (todos), excelentes diálogos. Soy consciente de que no goza de ningún prestigio crítico, y que su condición de blockbuster salvaje lastra mucho. Pero me da igual. Creo que es muy defendible. Cine hecho en cadena, sí, pero disfrutable al cien por cien.

Harry Potter

Curiosa saga, algo floja, aunque muy superior (claro, hasta Chuck Norris hace cosas superiores) a la de ‘Crepúsculo’, con la que comparte el hecho de basarse en libros superventas de fantasía. La mejor, sin ningún género de dudas, la tercera. La cuarta no le gusta a mucha gente, pero creo que tiene momentos magnificos. Las dos primeras muy convencionales y hasta aburridas. Las dos últimas que hemos visto, increíblemente insulsas. Una pena. Quizá el niño mago merecía más.

Terminator

Una pena de saga. Las dos primeras partes magníficas. Las dos siguientes pobrísimas. Es lo que pasa cuando no te tomas en serio un mito. La tercera parte es una especia de parodia. Y la cuarta no tiene nada que ver con el espíritu original del relato, aunque su fracaso, merecido, ha impedido, o eso parece, futuras continuaciones. Crucemos los dedos. Es uno de esos casos en los que el éxito da lugar a más secuelas, claro, pero se podría haber hecho con un poco más de sensatez.

Alien

Otra pena de saga. De nuevo dos primeras películas fabulosas, para luego meter la pata hasta el fondo con historias muy endebles y producciones que nada tienen que ver con el espíritu original, cuarteado y mutilado hasta extremos inconcebibles. Podría haber sido la gran saga de sci-fi, pero para eso hacen falta escritores de talento. Con todo, saga famosa y con grandes momentos.

Rambo

Deleznable saga. A una vigorosa primera parte, de la que hablábamos ayer, le siguen tres locuras, tres disparates, que no han dado excesivas alegrías en taquilla, pero las suficientes como para provocar nuevas intentonas. Tiene sus defensores, claro. También César Vidal los tiene, y eso no significa nada.

Regreso al futuro

Divertida serie, tremendamente comercial, pero hecha con talento. La peor, la segunda. La mejor, de nuevo, la tercera. Esto es cine fabricado en cadena, claro, pero eso no significa que no haya buen cine en él, porque Zemeckis y Gale, al contrario que los Wachowski, sienten un cierto respeto por sus personajes y se preocupan de no tratar al espectador como si fuera imbécil. Para verla una y otra vez, sin cansarse jamás.

Torrente

La saga más famosa de la historia del cine español es…¿es cine? Perdón, me he colado.

Underworld

Sin llegar a los límites de Crepúsculo (saga que, confieso, no he visto más que escenas sueltas, y con eso me vale), las películas de esta saga son un producto para adolescentes que creen ver cine de acción oscuro y siniestro, cuando están pagando por un sub-producto sin el menor ingenio y la menor gracia. Existe porque en el mercado doméstico tienen buenas ventas, nada más que por eso.

Conan

Hay quien defiende la primera parte, por lo menos, mientras ataca con fervor las dos siguientes. Yo, ni eso. La primera parte posee una factura algo más decente que las otras dos, que son cutres a más no poder, pero eso no significa que sea una buena película, ni mucho menos. Aventuras sin chispa, mucho cartón-piedra, y un personaje al que jamás harán justicia en cine. No tienen huevos.

Dracula

Por supuesto, hablamos de las tres obras maestras que Terence Fisher firmó para la Hammer, y cuyo primer título fue recientemente comentado por mi compañero Alberto. La primera fue un éxito de crítica y público, las otras dos mucho menos. Pero son tres joyas imperecederas (‘Drácula’, ‘Las novias de Drácula’, ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’) con un lugar de privilegio en la historia del cine.

Toy Story

Saga fundamental en la historia del cine. De gran éxito, por supuesto, pero más que merecido, además de ser tremendamente visionaria y valiente. Guiones extraordinarios y dirección magistral para todas ellas. Los de Pixar son los números uno.

El señor de los anillos

También hemos hablado a fondo de estas tres películas, cuyos defectos me desagradan cada vez más en nuevos visionados, pero cuyas virtudes son incontestables y también numerosas. No creo que Jackson sea un gran cineasta, pero contó con un equipo fenomenal que le sacó muchas castañas del fuego. Buen cine y mal cine, todo mezclado, sírvase a gusto.

X-Men

Desigual saga. La primera parte muy floja y muy sosa. La segunda algo mejor, pero sin tirar cohetes. La tercera no convenció a casi nadie. La verdad es que los personajes del cómic se merecían películas con algo más de enjundia, pero hubo lo que hubo. Del spin-off de ‘Lobezno’ mejor ni hablamos, ¿no?

¿Queréis comentar alguna saga más?

Dos meses después de que apareciera la primera imagen oficial, ya podemos echar un vistazo al tráiler de ‘Let Me In’, el conocido y temido remake de ‘Déjame entrar’, o quizá la nueva adaptación de la novela de John Ajvide Lindqvist (como se dijo en un principio para calmar a los fans del film sueco). El avance dura poco más de un minuto, y a excepción de la música que le han puesto, que me parece que no encaja nada con el tono de la historia, creo que lo demás está bastante bien, da la impresión de que se han tomado en serio el proyecto. Eso sí, la escena del ataque en el túnel me parece mucho menos inquietante que lo que se mostraba en la anterior película (por no habla de ese saltito al árbol a lo Crepúsculo).

‘Let Me In’ gira en torno a Owen, un chico triste y solitario que es maltratado por sus compañeros de clase; su vida cambiará por completo cuando conozca a una nueva y misteriosa vecina llamada Abby, con quien entablará una particular amistad. Matt Reeves (‘Mi desconocido amigo’, ‘Cloverfield’) ha sido el encargado de dirigir esta nueva versión, que cuenta con un reparto de lo más interesante, con una atractiva mezcla de veteranos y jovencísimos actores; Kodi Smit-McPhee (‘The Road’), Chloe Moretz (‘Kick-Ass’), Richard Jenkins y Elias Koteas protagonizan la película, que se estrena el próximo 1 de octubre en EE.UU.

Gracias a JilL DeLarge por el aviso.

PD: No lo han dicho aún, pero como esto tenga éxito, preparaos para la secuela.

La atmósfera repleta de fútbol por todas partes puede ser una de las causas que están impidiendo que nos lleguen títulos potentes que consigan la máxima estima. Y no, ‘Eclipse’ aún no está puntuada por nuestra parte. Miedo, demasiados fans en las salas,... ya llegará el momento. En cualquier caso descartando a Miyazaki, cuya última película en cartelera reinaba en nuestro top, deja paso a una cierta mediocridad, o al menos una abrumante igualdad sin destacar ningún título con especial fuerza. Aquí nuestro top de esta semana:

• 1. ‘Two Lovers’
• 2. ‘Air Doll’
• 3. ‘Kick-Ass’
• 4. ‘Anvil: El sueño de una banda de rock’
• 5. ‘La vida privada de Pippa Lee’
• 6. ‘Villa Amalia’
• 7. ‘La última estación’
• 8. ‘Mamut’
• 9. ‘The Good Heart’
• 10. ‘Robin Hood’

Más movimiento se aprecia en vuestro top. Votos de última hora que provocan variaciones de puestos, alguna subida entre los diez primeros, aunque también parece que hace falta alguno de los potentes estrenos veraniegos para animar el ambiente (‘Eclipse’ parece que se podría escalar puestos, a pesar de los votos negativos). Aquí os dejo con el top de usuarios:

• 1. ‘Kick-Ass’ (7,5)
• 2. ‘Two Lovers’ (7,4)
• 3. ‘El escritor’ (6,7)
• 4. ‘Robin Hood’ (6,4)
• 5. ‘Air Doll’ (6,3)
• 6. ‘Alicia en el país de las maravillas’ (5,6)
• 7. ‘Prince of Persia: Las Arenas del Tiempo’ (5,5)
• 8. ‘El retrato de Dorian Gray’ (5,3)
• 9. ‘La saga Crepúsculo: Eclipse’ (4)
• 10. ‘Sexo en Nueva York 2’ (3,5)

Peter Parker tiene nuevo rostro. Sony Pictures ya ha anunciado oficialmente al sustituto de Tobey Maguire al frente de las aventuras cinematográficas de Spider-Man. Se trata del estadounidense Andrew Garfield, de 27 años, a quien hemos podido ver en ‘Leones por corderos’ y ‘El imaginario del doctor Parnassus’; igualmente, el actor ha protagonizado dos importantes producciones que se estrenan este año, ‘The Social Network’ (lo nuevo de David Fincher) y ‘Never Let Me Go’ (basada en la novela de Kazuo Ishiguro), algo que sin duda ha tenido que influir a la hora de superar a los otros candidatos que aspiraban a lograr el papel. Si recordáis, a finales de mayo se filtró una lista con los nombres de los cinco actores finalistas que barajaban Sony y el director Marc Webb; de los últimos candidatos, Garfield era el de mayor edad.

No es lo más importante, pero llama la atención que se hayan decantado por un chico que ya ha vivido 27 inviernos para dar vida a un Peter Parker que, en este reinicio de la franquicia, estará aún en el instituto. Ya decíamos que Andrew Garfield aparenta ser más joven, pero bueno, no lo es, ya pasó por esa etapa, y si los otros aspirantes más jóvenes no convencían, creo que lo más acertado habría sido ampliar el casting, aunque llevase más tiempo. Todos sabemos que un chico de 16 o de 18 no mira, no se mueve y no habla como uno que se acerca a los 30. Pero sí, ya sé, qué le importa esto a los de Sony. Y bueno, que nadie me malinterprete, si Garfield ha trabajado para Robert Redord, Terry Gilliam y Fincher, seguro que tiene talento. Ya veremos qué tal encaja como Spider-Man. La nueva película estará en los cines (2D y 3D) el 3 de julio de 2012.

PD: Maguire también tenía 27 cuando interpretó por primera vez a Parker a las órdenes de Sam Raimi.

Vía | ComingSoon

Estaba tentado de deciros que esta semana lo mejor que podéis hacer (como ya va siendo tristemente común) es quedaros en casa disfrutando de un buen libro, de alguna película en DVD, o de alguna serie como ‘The Wire’ (si no la tenéis ya tardáis en compraros la primera temporada), pero al menos hay un estreno esta semana que no va a defraudar a los que paguen unos euros por ir a verlo. Y por supuesto no hablo de la tercera parte de la saga más rentable de los últimos tiempos.

‘Eclipse’

Título original: The Twilight saga: Eclipse. Dirección: David Slade. País: USA. Año: 2010. Duración: 124 min. Género: Fantástico, drama, romance. Interpretación: Kristen Stewart (Bella Swan), Robert Pattinson (Edward Cullen), Taylor Lautner (Jacob Black), Billy Burke (Charlie Swan), Ashley Greene (Alice), Jackson Rathbone (Jasper), Dakota Fanning (Jane), Bryce Dallas Howard (Victoria), Jodelle Ferland (Bree), Nikki Reed (Rosalie), Kellan Lutz (Emmett), Peter Facinelli (Dr. Carlisle Cullen), Xavier Samuel (Riley), Anna Kendrick (Jessica), Kirsten Prout (Lucy), Catalina Sandino Moreno (María), Jack Huston (Royce King), Julia Jones (Leah Clearwater). Guión: Melissa Rosenberg; basado en la novela de Stephenie Meyer. Producción: Wyck Godfrey y Karen Rosenfelt. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Música: Howard Shore. Montaje: Art Jones y Nancy Richardson. Diseño de producción: Paul D. Austerberry. Vestuario: Tish Monaghan. Distribuidora: Aurum.

Sinopsis: Bella Swan vuelve a encontrarse rodeada de peligros, mientras Seattle se ve asolada por una oleada de misteriosos asesinatos y una maliciosa vampira prosigue su búsqueda de venganza. En medio de todo eso, Bella se ve obligada a elegir entre su amor por Edward Cullen y su amistad con Jacob, perfectamente consciente de que su decisión tiene muchas posibilidades de exacerbar la eterna rivalidad entre vampiros y hombres lobo. Con su graduación cada vez más próxima, Bella no tiene más remedio que afrontar la decisión más importante de su vida. Mientras que la mayoría de sus amigos del instituto están recibiendo cartas de aceptación en las distintas universidades y enviando avisos de graduación, Bella se encuentra tomando una decisión que le permitiría estar con su amado Edward para siempre.

¿Qué podemos esperar?: Pues poca cosa. Estrenada el pasado miércoles 30 de junio, puedo jurar que las colas, a las 4 de la tarde, en la calle Gran Vía, eran de impresión, por lo que es probable que la taquilla española suba mucho después del desastroso fin de semana pasado. Vampiros y hombres lobo de baratillo (muy metrosexuales ellos) para una película destinada al público adolescente.

‘El secreto de la última luna’

Título original: The secret of Moonacre. Dirección: Gabor Csupo. Países: Reino Unido, Hungría y Francia. Año: 2008. Duración: 103 min. Género: Aventuras, fantasía, familiar. Interpretación: Ioan Gruffudd (sir Benjamin), Tim Curry, Natascha McElhone (Loveday), Juliet Stevenson (Miss Heliotrope), Dakota Blue Richards (María). Guión: Lucy Shuttleworth y Graham Alborough; basado en la novela "El pequeño caballo blanco", de Elizabeth Goudge. Producción: Jason Piette, Michael L. Cowan, Samuel Hadida, Monica Penders y Meredith Garlick. Música: Christian Henson. Fotografía: David Eggby. Montaje: Julian Rodd. Diseño de producción: Sophie Becher. Vestuario: Beatrix Aruna Pasztor. Distribuidora: New World Films.

Sinopsis: Poco después de cumplir 13 años, la pequeña Maria Merryweather (Dakota Blue Richards) es enviada a la antigua e impresionante mansión de su tío, Sir Benjamin (Ioan Gruffudd). Desde allí contempla la destrucción que poco a poco se cierne sobre el valle de Moonacre. Maria es consciente de que ella es la única capaz de salvar el valle, y para conseguirlo necesitará la ayuda de animales fantásticos. El tiempo es limitado: cuando la última luna desaparezca del firmamento, ya será demasiado tarde para seguir albergando esperanzas.

¿Qué podemos esperar?: Pues una película de aventuras y fantasía que recuerda demasiado a otras propuestas americanas, aunque esté hecha en Europa. Ha tardado más de un año en estrenarse en nuestro país, lo que es síntoma de que la distribuidora no confía mucho en ella.

‘La boda de mi familia’

Título original: Our family wedding. Dirección: Rick Famuyiwa. País: USA. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Forest Whitaker (Brad), America Ferrera (Lucía), Carlos Mencia (Miguel), Regina King (Ángela), Lance Gross (Marcus), Diana Maria Riva (Sonia), Anjelah Johnson (Isabella), Lupe Ontiveros (Cecilia), Charlie Murphy (T.J.), Shannyn Sossamon (Ashley). Guión: Wayne Conley, Malcolm Spellman y Rick Famuyiwa; basado en un argumento de Wayne Conley. Producción: Edward Saxon y Steven J. Wolfe. Música: Transcenders. Fotografía: Julio Macat. Montaje: Dirk Westervelt. Diseño de producción: Linda Burton. Vestuario: Hope Hanafin. Distribuidora: Hispano Foxfilm.

Sinopsis: "Nuestro matrimonio, la boda de ellos", esta es la lección número uno para cualquier pareja recién comprometida, y Lucía y Marcus no son ninguna excepción. Ambos aprenden por las malas que el camino hasta llegar a decir "Sí, quiero" puede estar lleno de problemas con la familia. Con sólo unas semanas para preparar su boda, Lucía y Marcus descubren el verdadero significado del amor y que es muy cierto el dicho de que cuando te casas con alguien te casas con toda su familia.

¿Qué podemos esperar?: Comedieta romántica familiar, ¿hace falta decir más? No entiendo como gente del talento de de Whitaker está metido en cosas como esta, aunque supongo que todos tenemos que comer. Igual me equivoco y es una comedia digna del mejor Billy Wilder. Igual…

‘Madres & hijas’

Título original: Mother & child. Dirección y guión: Rodrigo García. País: USA. Año: 2009. Duración: 125 min. Género: Drama. Interpretación: Naomi Watts (Elizabeth), Annette Bening (Karen), Kerry Washington (Lucy), Jimmy Smits (Paco), Samuel L. Jackson (Paul), S. Epatha Merkerson (Ada), Cherry Jones (Joanne), Eileen Ryan (Nora), David Morse (Tom). Producción: Lisa Falcone y Julie Lynn. Música: Edward Shearmur. Fotografía: Xavier Pérez Grobet. Montaje: Steven Weisberg. Diseño de producción: Christopher Tandon. Vestuario: Susie DeSanto. Distribuidora: Vértice Cine.

Sinopsis: Hace casi cuarenta años, cuando era una adolescente, Karen (Anette Bening) se quedó embarazada. Tuvo una niña llamada Elizabeth a la que entregó en adopción y de la que no ha vuelto a saber nada en todo este tiempo. Elizabeth (Naomi Watts), abogada de profesión, ha crecido fuerte y sana, haciendo gala de un cuerpo espectacular que utiliza cuando es necesario para seducir a su jefe, Paul (Samuel L. Jackson). Paralelamente, Lucy (Kerry Washington), decide acabar de una vez por todas con el problema de la infertilidad recurriendo también a la adopción. Todas estas historias se cruzan en un momento decisivo de la vida de los protagonistas.

¿Qué podemos esperar?: Tuve ocasión de verla en el pasado Festival de San Sebastián, y lo cierto es que me pareció un rama muy potente. Cierto que el final es un poco convencional, pero los actores, todos, están soberbios, sobre todo Naomi Watts, que borda su precioso papel. Esta es la película que recomiendo ir a ver este fin de semana.

‘Mi vida con Carlos’

Dirección: Germán Berger-Hertz. Países: Chile y España. Año: 2009. Duración: 83 min. Género: Documental. Guión: Germán Berger-Hertz, Joaquim Jordà y Roberto Brodsky. Producción: Germán Berger-Hertz. Música: Miranda & Tobar. Fotografía: Miguel Littin Menz. Montaje: Andrea Chignoli y Danielle Fillios. Distribuidora: Todo Por Las Niñas.

Sinopsis: En 1973, el abogado y periodista Carlos Berger fue asesinado por el régimen de Pinochet. En tres días, 75 presos políticos fueron "secuestrados, torturados y ejecutados y, en muchos casos, sus cuerpos desaparecieron; como en el caso de mi padre". Germán Berger, el hijo, no ha sabido mucho de su padre, el cual murió antes de que él cumpliera un año de edad. La familia sólo hablaba de Carlos como un icono político, nunca como persona, como un hermano, un esposo o un humanista. "Mi vida con Carlos" es la búsqueda personal del hijo de la memoria de su padre asesinado, revisando y revalorando la reciente historia y el presente de Chile a través de las vidas de una familia concreta. Es la historia de un drama familiar que refleja el drama de todo un país.

¿Qué podemos esperar?: Un interesante documental, que promete ser de esos que nos cuentan cosas terribles que merecen la pena saber. No creo que goce de un gran éxito, pero seguro que es una apuesta segura para el fin de semana.

‘Mujeres de El Cairo’

Título original: Ehky ya Schahrazad. Dirección: Yousry Nasrallah. País: Egipto. Año: 2009. Duración: 135 min. Género: Drama. Interpretación: Mona Zakki (Hebba), Mahmoud Hemeida (Adham), Hassan El Raddad (Karim), Sawsan Badr (Amany), Rihab El Gamal (Safaa), Nesrine Amin (Wafaa), Nahed El Sebai (Hanaa). Guión: Waheed Hamed. Producción: Kamel Abou Ali. Música: Tamer Karawan. Fotografía: Samir Bahsan. Montaje: Mona Rabi. Vestuario: Dina Nadeem. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: El Cairo en la actualidad. Hebba y Karim están casados y son periodistas de éxito, jóvenes, ricos y guapos. Hebba es la presentadora de un popular programa de debates políticos en televisión y su tenacidad antigubernamental pone en peligro la promoción que desea su marido. Él la presiona y ella acaba prometiéndole que levantará el pie del acelerador. Decide ocuparse de historias femeninas. El éxito es inmediato. Hebba cautiva a millones de espectadores con hechos reales, llenos de sorpresas, de violencia, de giros inesperados, desde los barrios pobres de El Cairo hasta la alta burguesía, implicando de paso a miembros del Gobierno, en un torbellino sensual y de inventiva novelada. Pero ¿dónde acaba la política y dónde empieza la cuestión de la condición femenina? Hebba no tarda en descubrir un terreno minado a base de abusos, engaños religiosos, sexuales y políticos. De entrevistadora, Hebba pasará a ser el tema de una historia.

¿Qué podemos esperar?: Un drama que habla sobre diversos hechos sociales en la capital egipcia. Yo estuve allí hace años y puedo asegurar que es una ciudad con numerosos y complicados problemas. Esperemos que sean capaces de reflejarlos con sinceridad y sin caer en la exageración.

Y esto es todo por esta semana.

Vía | La Butaca

Como ya habréis notado, si seguís con asiduidad este blog o cualquier otra publicación sobre cine, David Cronenberg acumula proyecto tras proyecto, sin que nunca le parezca que son muchas las posibilidades que tiene para el futuro. La noticia más reciente nos dice que desea adaptar la novela de Jonathan Lethem, ‘As She Climbed Across the Table’. Aunque suene fútil ir comunicando tantas novedades sobre posibles films, para que muchos de ellos no se conviertan en realidad, lo cierto es que saborear el potencial de una nueva producción del canadiense siempre resulta suculento.

‘As She Climbed Across the Table’ trata sobre una relación amorosa metafísica entre dos personajes: Alice y Philip. Al principio de la novela, un enamorado Philip sabe que va a perder a Alice, no porque haya otro hombre, sino porque Alice está obsesionada, sencillamente, con un vacío. Alice es una física que, en el laboratorio en el cual trabaja junto a Philip, se ha dedicado a crear un portal hacia la nada. A esta nada le llama «la falta» y Alice termina obsesionándose con esa «falta», de la misma forma en la que Philip está obsesionado con ella.

La película, que sería producida por Steven Zaillian, guarda, en palabras de sus creadores, ciertas similitudes con la famosa ‘Olvídate de mí’. La afinidad entre los universos de Lethen y Cronenberg es tal que, para algunos, el posible éxito de ‘As She Climbed Across the Table’ podría dar pie a futuros proyectos conjuntos de ambos autores. Algunos títulos que se barajan son novelas como ‘Motherless Brooklyn’ - una historia sobre un detective con síndrome de Tourette que Edward Norton ha intentado adaptar durante años - y ‘Fortress of Solitude’.

La espera será tan larga como interesante el resultado. Sobre todo si Viggo Mortensen termina haciendo el papel de Philip.

La novela de Jonathan Lethem es un quinto título que se uniría a otros proyectos que baraja el director y de los cuales hemos hablado ya en Blogdecine: las adaptaciones literarias de ‘London Fields’, de Martin Amis, o de ‘Cosmópolis’, de Don Delillo; la secuela de ‘Promesas del este’ y un desconcertante remake de su propio remake de ‘La mosca’. Probablemente, este última idea sea algo que no se llegue a realizar - me resulta difícil pensar que Cronenberg pueda superar lo que logró, en su momento, de la mano de Jeff Goldblum - y que dicho remake termine corriendo la misma suerte que la adaptación de la novela de Robert Ludlum ‘The Matarese Circle’. Sin embargo, la historia de ‘As She Climbed Across the Table’, sí que aparenta ser ciento por ciento Cronenberg.

Actualmente, Cronenberg está rodando el drama freudiano ‘A Dangerous Method’.

En Blogdecine | Especial David Cronenberg.

Vía | Pajiba.