Clint Eastwood se encontraba en un momento bueno de su carrera a pesar de que sus últimas películas no habían sido un éxito ni de lejos. Pero sí estaba teniendo una buena aceptación crítica como director a nivel mundial, sobre todo gracias a trabajos como ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, 1985) y ‘Bird’ (id, 1988), films que sorprendieron a propios y extraños, algo totalmente incomprensible si tenemos en cuenta que a esas alturas ya había realizado joyas como ‘Escalofrío en la noche’ (‘Play Misty for Me’, 1971), ‘El fuera de la ley’ (‘The Outlaw Josey Wales’, 1976) o ‘El aventurero de medianoche’ (‘Honkytonk Man’, 1982). Y aún así, no sería hasta 1992 cuando todos verían lo que era obvio desde hacía muchos años, aunque ya hablaremos de eso.

‘El principiante’ (‘The Rookie’, Clint Eastwood, 1990) fue la película con la que el famoso actor/director saldaría una especie de cuenta con la Warner por el fracaso comercial de su anterior film, la mucho más íntima y personal ‘Cazador blanco, corazón negro’ (‘White Hunter, Black Heart’). Eligió un guión muy simple, obra de Boaz Yakin y Scott Spiegel, expertos en escribir guiones de terror o fantasía, algo que se nota viendo una película que le sirvió a Eastwood para ser altamente provocativo. Una especie de Harry Callahan a lo bestia.

Clint Eastwood da vida al policía Nick Pulovski, quien pierde a su compañero en el proceso de una investigación sobre un delincuente, Strom (Raul Julia), jefe de una banda que se dedica al robo de coches lujosos. Enseguida le asignan un nuevo y joven compañero, David Ackerman--evidentemente el principiante del título-- que le acompañará a todos lados, con el inconveniente de que el muchacho no está lo suficientemente rodado en la calle, lo cual acarreará graves consecuencias para ambos. Cualquiera podría pensar que estamos ante una nueva entrega de Harry el sucio, pues Pulovski guarda numerosos parecidos con el famoso detective. Ambos utilizan métodos poco ortodoxos, y sus compañeros, siempre más inexpertos que él, acaban malheridos o muertos.

De hecho ‘El principiante’ puede emparejarse en ese aspecto con la tercera entrega de las aventuras de Callahan, ‘Harry el ejecutor’ (‘The Enforcer’, James Fargo, 1976), en la que a Harry le encasquetaban a una mujer policía con muy buenas notas en la academia, pero al igual que Ackerman totalmente torpe. El hecho de que al final, Ackerman, ya todo un experto, tenga una compañera nueva, es otro dato que acerca esta película al trabajo de Fargo. Ahora bien, a diferencia de la saga Callahan, en ‘El principiante’ el compañero de Pulovski va ganando en protagonismo y su relación con el veterano policía se estrecha hasta límites de amistad. Era la época en las que las buddy movies estaban de moda, sobre todo gracias a la saga de ‘Arma letal’ (‘Lethal Weapon’), aunque dicho subgénero fue inaugurado por Walter Hill, tema que ya comentaremos en su momento.

Por otro lado Pulovski está más domesticado por sus jefes y cree más en el sistema que Harry Callahan. Incluso el departamento de policía pone en marcha un espectacular dispositivo para salvar la vida a aquél, que ha sido secuestrado por Strom que pide una recompensa de dos millones de dólares por él. Eso sí, cuando tiene que tomar la iniciativa, Pulovski toma decisiones extremas que ponen en tela de juicio su sentido de la justicia. Eastwood viste todas sus acciones con un claro sentido del humor, pero sin llegar a lo chabacano. Para ello nos presenta varias set pieces a lo largo y ancho de su historia --muy simplona y a ratos ridícula, sobre todo en lo que respecta al retrato de los malvados de la función-- en las que la exageración es la marca de la casa.

Momentos como el del secuestro de Nick, el regreso de Ackerman al bar en el que le dieron una paliza, el salto del coche, el encuentro sexual entre la novia de Strom, Liesl (Sonia Braga) y un Pulovski maniatado --escena que le valió al film la calificación ‘R’ en Estados Unidos--, o el clímax final en el aeropuerto que culmina con lo que son prácticamente dos ejecuciones, son instantes llenos de provocación que llevan al límite, a ratos con una crueldad inesperada, todos los tópicos de los films de acción. Afortunadamente, Eastwood sabe lo que hace y filma con una precisión única, ofreciendo secuencias llenas de ritmo y emoción. Así lo demuestran la extraordinaria persecución nocturna de Pulovski a un tráiler que va soltando coches --Michael Bay haría algo parecido en ‘Dos policías rebeldes II’ (‘Bad Boys II’, 2003) con resultados muy diferentes--, o la intensa persecución final a pie --otro paralelismo con los films de la saga de Harry el sucio, pero por partida doble-- en el aeropuerto, filmadas con un elegante gusto en la planificación y el montaje.

En lo que respecta a lo actores, Clint Easwood parecía estar en el momento en el que más explotaba su sentido del humor, y viste a su Pulovski con cierta socarronería que le aparta de otros papeles similares. Para potenciar entre la juventud la película, el director echó mano de un actor como Charlie Sheen, para un servidor el gran fallo de la cinta. El actor realiza una interpretación muy floja de su rol, desaprovechando por completo las situaciones cómicas y sobre todo por no transmitir nada el sufrimiento que Ackerman padece por culpa de un trauma del pasado. El actor no está a la altura que requiere el drama que provoca un punto de inflexión en su personalidad. Simplemente uno no se cree a Sheen en esa tesitura.

Llama la atención en los secundarios ver a Raul Julia dando vida a un delincuente con acento alemán, un personaje a ratos absurdo sobre todo por sus decisiones. Sonia Braga dota a su personaje de un halo misterioso que la hace fascinante. Tom Skerritt realiza un muy previsible papel de padre de Ackerman, el típico millonario con la típica relación difícil con su hijo. Y una jovencita Lara Flynn Boyle da vida a la esposa de Ackerman, a la que también le salpicará la drástica situación de Pulovski y su compañero. Todos ellos están muy por encima de un Sheen incapaz de transmitir emoción alguna.

‘El principiante’ fue número uno el fin de semana de su estreno pero se quedó por debajo de lo que se esperaba de ella, puede que su calificación tuviese algo que ver pero el caso es que el público no respondió tanto como antaño. Para su siguiente película Clint Eastwood cambiaría totalmente de tercio, y volvería sobre el género que le dio a conocer. Y haría historia.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• 'Por un puñado de dólares'
• 'La muerte tenía un precio'
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• 'El desafío de las águilas'
• 'La leyenda de la ciudad sin nombre'
• 'Dos mulas y una mujer'
• 'Los violentos de Kelly'
• 'El seductor'
• El debut en la dirección
• 'Harry el sucio'
• 'Joe Kidd'
• La influencia de 'Incidente en Ox-Bow'
• El primer western como director
• 'Primavera en otoño'
• 'Harry el fuerte'
• 'Un botín de 500.000 dólares'
• 'Licencia para matar'
• 'El fuera de la ley'
• 'Harry el ejecutor'
• 'Ruta suicida'
• 'Duro de pelar'
• 'Fuga de Alcatraz'
• 'Bronco Billy'
• 'La gran pelea'
• 'Firefox'
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• 'Impacto súbito'
• 'En la cuerda floja' ('Tightrope')
• 'Ciudad muy caliente'
• 'El jinete pálido'
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• 'El sargento de hierro'
• 'Bird'
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

Sigo con el repaso a las películas que pude ver durante la 43ª edición del festival internacional de cine fantástico de Sitges. En esta ocasión os voy a hablar de dos títulos que se proyectaron durante la jornada del día 14, que llevaban la etiqueta de provocadoras y violentas. A las doce de la mañana tuvo lugar el pase de ‘A Serbian Film’, una brutal salvajada dirigida por Srdjan Spasojevic, según él, para dar una imagen de su actual país, y a las seis de la tarde pudimos ver ‘Red Nights’, un peculiar cóctel de cine negro realizado por Julien Carbon y Laurent Courtiaud, que competía en la sección oficial.

‘A Serbian Film’, espectáculo de violencia enfermiza

El arranque de ‘A Serbian Film’ (‘Srpski Film’) es una declaración de intenciones. Una joven en un callejón sucio y mal iluminado; aparece un tipo y la chica se derrite automáticamente a sus pies, empezando una serie de actos sexuales propios de una película porno: felación, sexo por delante, por detrás, etcétera (actos en los cuales el hombre somete, con más o menos dureza, a la mujer, que siempre demuestra gran placer). En realidad, todo eso es una película porno. Se amplía el encuadre y vemos que la acción sucede en una pantalla de televisión, y comprobamos que el espectador es un niño, que devora las imágenes con una mezcla de curiosidad y culpabilidad. Sabe que no debería estar viendo eso, pero no puede evitarlo, tanto el romper la norma como el sentir cierto placer. Así empieza un retorcido relato que busca la provocación y el escándalo toda costa, jugando con los elementos del sexo, la violencia y la inocencia (infantil y adulta).

Enseguida entran los padres en la habitación, apagan la televisión, sacan la cinta de vídeo, y con un tono de ligero reproche le dicen al chaval que hizo mal, que no debería ver las películas de su padre. Y es que su padre era el tipo que estaba “pegando” a la chica en aquel callejón (así lo entiende el niño, y parcialmente tiene razón). Milos (Srdjan Todorovic) fue una estrella de la industria del cine X, el actor más popular y cotizado del género en Serbia. Aunque ahora es un feliz padre de familia, aún mira con nostalgia sus trabajos (incluso en la cama con su mujer, que le pide que la use como a una de esas actrices), tiene la sensación de que ha pasado su mejor época. Además ya se ha dado cuenta que el dinero que ahorró se está agotando antes de lo previsto. Así que cuando le proponen volver al porno, por una gran suma, decide aceptar. Lo que no espera es que está a punto de sumergirse en una auténtica pesadilla, no apta para estómagos sensibles, ni siquiera normales.

El rodaje de una película fuera de lo corriente será la excusa para dar rienda suelta a un festival de escenas brutales. Milos cree que ha sido contratado para hacer lo mismo que hacía antes, sexo con actrices, pero se ha metido en un sádico experimento extremadamente violento (con mujeres y niños como víctimas) que sacará al monstruo que hay en él. Pensad en la escena más desagradable que se os ocurra y acertaréis, está en ‘A Serbian Film’, la película más repugnante y enfermiza que he visto en mi vida. Entiendo la polémica que ha originado (buscada desde el principio por Spasojevic) pero no comparto ninguna de las dos posturas enfrentadas. No estoy en contra de que se filme algo como esto, me parece ridículo, pero tampoco estoy de acuerdo en afirmar que no pasa nada, que la película es inofensiva. No lo es, las imágenes nos afectan, lo queramos o no, sean verdaderas o ficticias. La persona que va a ver ‘A Serbian Film’ no será la misma después de verla. Dicho esto, allá cada uno.

‘Red Nights’, placer y codicia

Después de ver ‘A Serbian Film’, cualquier película parece blanda, y eso es una muestra de lo que os decía, el cine no es inofensivo, puede afectar, transformar y alterar nuestra visión del mundo, puede cambiarnos, más de lo que pensamos. Decimos que no pasa nada, pero si estamos viendo telediarios a la hora de comer, es que ya hemos pasado una importante barrera. Hay en ‘Red Nights’ una escena muy violenta que recuerda mucho a la siniestra ‘Audition’ (Takashi Miike, 1999); ya en la segunda mitad del film, una de las protagonistas es inmovilizada gracias a una poderosa droga, y empieza a ser torturada, cortan y mutilan su cuerpo, lentamente, como un juego. Es un momento diseñado para desagradar, para impactar, y está muy bien hecho, parece que ocurre de verdad, pero os aseguro que lo estaba viendo y me resultaba indiferente. Como si estuviera viendo a alguien preparar el desayuno.

‘Red Nights’ (‘Nuits rouges du bourreau de jade’) es el debut en la dirección de Carbon y Courtiaud, escritores y críticos de cine franceses que han trabajado como guionistas en Hong Kong. Su ópera prima está fabricada con múltiples ingredientes e intenta moverse entre el cine negro y el terror, el erotismo y la perversidad, acertando sólo parcialmente. Intachable y muy atractiva en lo estético (estupenda fotografía de Ng Man-ching), con algunos momentos de gran belleza (el prólogo es impresionante, y la escena de la tortura tiene un comienzo filmado de manera exquisita), a la película le falta ritmo, agilidad, se hace lenta a pesar de durar poco más de una hora y media.

La historia gira en torno a tres mujeres (dos “femme fatales” y una pobre ingenua) cuyas vidas se cruzan por un misterioso tesoro. Engaño, robo, asesinato, todo vale en un peligroso juego de codicia y placer. Catherine (Frédérique Bel) mata a su amante antes de que éste se libre de ella, e intenta hacerse rica vendiendo la preciada reliquia; Carrie (Carrie Ng) hará lo que sea por conseguirla, siendo la única que parece saber para qué sirve, o para qué puede ser empleada. Un relato algo frío, animado no obstante por chispazos de acción y algunas situaciones inquietantes, siempre de la mano (con garras) de una villana que podría protagonizar su propia saga en Hollywood.

Dr. Frederick Frankenstein: ¿Sabe? No quisiera ser impertinente, pero soy bastante buen cirujano. Quizá podría ayudarle con esa joroba.

Igor: ¿Qué joroba?

Hay películas, lo sabemos todos, perfectas para una tarde sombría o una noche apática. Más aún: para esos estados de ánimo existencialistas que nos hacen ver la vida gris y sin sentido. Los médicos o los psiquiatras deberían dejarse de recetar píldoras o de montar terapias, y mandar al afligido a casa a ver ‘El jovencito Frankenstein’ (‘Young Frankenstein’, Mel Brooks, 1974), una de las comedias más disparatadas, delirantes, ingeniosas y divertidas, me atrevo a decir, de toda la historia del cine, pues es uno de esos milagros en los que todo funciona, y además funciona con un encanto especial, con una fortuna quizás irrepetible. Viendo la hora y tres cuartos de ‘El jovencito Frankenstein’ se le olvidan a cualquiera los problemas o las esclavitudes de la vida como por arte de magia, cautivados además por un vendaval de gran cine de comedia, ese que precisamente no abunda, pues la comedia la han controlado unos pocos y la han pervertido muchos. Entre estos últimos, el propio Mel Brooks.

Pero Brooks hizo aquí, y creo que en esto estaremos todos de acuerdo, su mejor película. De lejos, de muy lejos. Un precepto: la diversión sin complejos. Pero con una gran ventaja: el formidable guión que armaron él y Gene Wilder. Así, un desprejuiciado homenaje/parodia/revisión del mito cinematográfico de Frankenstein, filmado con la intención de demoler todos los arquetipos y todos los lugares comunes de las diversas películas sobre la legendaria creación de Mary Shelley (1797-1851), se convierte, a fuerza de talento y de ingenio, en una de las más importantes películas sobre el monstruo, sin que las bromas y los gags visuales estorben a los momentos de suspense y horror, que también los hay y muy buenos, y sin que el tono manifiestamente gamberro diluya lo más mínimo la gótica atmósfera centroeuropea de clásico cuento de miedo. Un milagro, y de los grandes.

Cuando, durante el rodaje de ‘Sillas de montar calientes’ (‘Blazing Saddles’, Brooks, 1974), Gene Wilder le propuso a su amigo Brooks una parodia de ‘Frankenstein’, lo que más le divertía al director era imaginar que, después de tantas versiones, y tantos hijos de Frankenstein siguiendo los pasos del famoso padre, sería el nieto del genio loco el protagonista de la historia, y que aunque también sería un científico prominente, no le haría ninguna gracia que le relacionaran con resurrecciones ni experimentos radicales, ni mucho menos nada concerniente al trabajo de su abuelo. Con ese punto de partida, empezaron a escribir la historia, y no creo exagerar si digo que contiene los mejores diálogos, personajes y situaciones que han escrito esta pareja de amigos, en compañía o en solitario. Tanto es así que cuando Brooks se encontró con la negativa de Columbia de filmar en blanco y negro, enseguida la Fox acogió el proyecto, esperando un éxito que finalmente se produjo, y que fue contundente.

Humor gótico

Los elegantes títulos de crédito, completamente desfasados ya en 1974, nos avisan ya de dos cosas: que por mucha comedia de Mel Brooks que sea, se la han tomado muy en serio, y que no solamente es un homenaje al cine de terror de los años treinta, sobre todo es un homenaje a una cierta forma de elaborar el cine en general que en los revolucionarios años setenta era casi un anatema. En estos créditos también podemos oír la preciosa música (con ese violín legendario) que el gran John Morris escribió para este proyecto. Una música que no habría quedado nada mal en ninguna película de James Whale. Y en la primera escena ya podemos apreciar la excelente fotografía, estilizadamente trasnochada, de Gerald Hirschfeld (aprende, Robert Rodríguez), con el uso (y abuso) de vetustos efectos de luz simulando una tormenta eléctrica.

El primer plano, tras los títulos de crédito, es un prodigio de uso de la cámara y de iluminación, y nos muestra a un Brooks increíblemente inspirado y hábil: una suave panorámica que se convierte en un lento travelling en retroceso, de un reloj a una chimenea encendida, y de ahí a un ataúd, sobre cuya tapa están inscritas las palabras: Baron Von Frankenstein. En su interior, claro, el esqueleto aferrando una importante cajita. Una secuencia resuelta en un solo plano, y corte a negro con el anticuado recurso del iris que se cierra y que se abre, de nuevo, a la caja. Hay muchas secuencias resueltas con esta pericia, pericia que nunca volvió a repetir un director siempre divertido pero pocas veces cabal, que se ha entregado a una vulgaridad extrema y que quizá podía haber dado más de sí. La limpieza y la convicción de su puesta en escena y su dirección de actores en ‘El jovencito Frankenstein’ es muy notable: realmente parece una película escapada de otro tiempo…y dirigida por otro.

La presentación del protagonista es así mismo ejemplar. Por supuesto que el doctor Frederick Frankenstein (un espléndido Gene Wilder) preferiría que su nombre se pronunciara “Fronkonsteen”, para distanciarse de su abuelo. Engreído e iracundo, Fronkonsteen se verá primero provocado por un alumno insidioso, y luego tendrá que viajar a Transilvania (provincia que nada tiene que ver con el mito de Shelley, pero ¿a quién le importa?) a donde llega desde Estados Unidos en tren…tranquilamente. Y nada más bajar la legendaria aparición de Igor, o Aigor, interpretado por el genial cómico británico Marty Feldman, cuyos saltones ojos estrábicos, vocecilla atiplada y andares simiescos son lo más recordado de la película. Su surrealista conversación sólo es el epílogo a la presentación de Inga (la maravillosa Teri Garr) o de la luctuosa Frau Blücher (impresionante Cloris Leachman), cuyo mismo nombre pronunciado en voz alta provoca rayos y truenos y el relinchar de caballos aterrorizados…

Gran parte del atrezzo del laboratorio es el original creado por Kenneth Strickfaden para ‘El doctor Frankenstein’ (‘Frankenstein’, James Whale, 1931), pero ya el diseño de producción de Dale Hennesy y los decorados de Bob de Vestel crean con gran talento lo que se espera de un ambiente al mismo tiempo lúgubre y cómico. Sólo así la creación del monstruo (inmenso Peter Boyle) pudo ser tan espectacular y al mismo tiempo tan coñera, y sólo así podemos reirnos mientras nos emocionamos con la lucha de Frankenstein, ya contagiado del espíritu visionario y bastante alucinado de su abuelo, preparándonos para el estupendo final de la historia, tan perturbador como eufórico. Hasta entonces no menos de dos docenas de gags visuales y de diálogos descabellados, con los que es imposible no pasarlo en grande.

Conclusión y secuencia favorita

No solamente no ha envejecido nada, sino que está más joven que nunca. Brooks ha dicho repetidamente, y no hacía mucha falta, que es la mejor de todas sus películas. Una pequeña joya que nunca nos cansaremos de ver. Y mi escena favorita: Inga y Frederick encontrando cabezas en diferente estado de descomposición (muerto hace tres años, un año…) hasta encontrar la cabeza de Igor, que se pone a cantar, para desesperación de Frederick, que grita: “¡Aigor!”, a lo que Igor responde “¡Frodorick!”.

M. Night Shyamalan tiene un nueva película entre manos. El pasado verano se habló de un misterioso guión que contaba con el compromiso de Bruce Willis, Gwyneth Paltrow y Bradley Cooper (que luego se desvinculó por otros rodajes), pero el director de ‘El sexto sentido’ no logró convencer a ningún estudio y por ahora el proyecto se ha descartado, a la espera de un momento más propicio. Recordemos que con su último film, ‘Airbender: El último guerrero’ (‘The Last Airbender’) quedó muy clara la mala relación entre Shyamalan y la crítica norteamericana, aunque la película logró una estupenda recaudación en todo el mundo (costó 150 millones de dólares y recaudó más del doble, si bien en Estados Unidos “sólo” logró 130). Se suponía que iba a rodar la segunda parte, pero parece que no está el horno para bollos, como suele decirse.

Lo más sorprendente del nuevo proyecto de Shyamalan es que no lo ha escrito él. Aunque ‘Airbender’ partía de una historia ajena, él se encargó de adaptar la serie original a un guión. Esta vez se dedicará únicamente a las labores de dirección, quizá por cansancio, o porque esté buscando la fórmula que le devuelva el favor de la crítica (lo dudo, pero se le vio realmente molesto con la situación). Al parecer, su próxima película se titulará ‘One Thousand A. E.’, la ha escrito Gary Whitta (‘El libro de Eli’), y estará producida por Overbrook, la compañía de Will Smith. Por ahora no se sabe mucho del proyecto, pero sí se ha confirmado que narrará una historia de ciencia-ficción y que estará protagonizada por Jaden Smith (‘The Karate Kid’). Imagino que esto habrá sentado como un puñetazo en el estómago a algunos de vosotros. Lo lamento.

PD: Ya os conté en mi crítica que ‘Airbender’ no me pareció tan mala como la calificaban en Estados Unidos. A ratos atropellada, cursi, bobalicona, de acuerdo, pero también con momentos espectaculares y muy emocionantes. ‘Furia de titanes’, ‘Alicia en el país de las maravillas’, ‘Prince of Persia’ o ‘Robin Hood’, por poner ejemplos de superproducciones de este año, son peores.

Vía | HollywoodReporter

Tres meses después del estreno de ‘Toy Story 3’ (en España) ya podemos echar un vistazo al primer tráiler de ‘Cars 2’, la nueva película de Pixar y Disney. Se trata de un teaser, así que como podéis suponer es un vídeo muy breve que sólo presenta la futura llegada del film, no se ha incluido ni una escena.

Además del tráiler, se ha revelado la sinopsis oficial de la película: Todo el mundo es una pista de carreras en el regreso a la acción de la superestrella de la velocidad Rayo McQueen (voz de Owen Wilson), acompañado por su mejor amigo Mater el remolque (Larry the Cable Guy), en esta nueva y emocionante entrega de la saga ‘Cars’. Mater y McQueen necesitarán sus pasaportes al encontrarse en un nuevo mundo de intriga, aventuras y divertidas escapadas alrededor del globo.

La secuela de ‘Cars’ (John Lasseter, 2006), posiblemente el film menos valorado de la factoría Pixar, ha sido dirigida por el debutante Brad Lewis y estará en los cines el 24 de junio de 2011, en salas 2D, 3D e IMAX.

PD: Recientemente se ha sabido que Brenda Chapman, la que iba a ser la primera directora de Pixar, ha sido sustituida al frente de ‘Brave’ (antes conocida como ‘The Bear and the Bow’) por Mark Andrews. El estreno está fijado para junio de 2012.

Difícil papeleta la que nuestros queridos lectores y usuarios me han colocado con su elección mayoritaria en esta sección de Críticas a la carta en Blogdecine. Y difícil porque mi percepción de ‘El protegido’ dista mucho de los elogios que ha ido acumulando desde su estreno hace ya una década. Un título que de nuevo ponía a prueba a todos, espectadores y crítica, sobre el valor, el talento y la destreza de M. Night Shyamalan. Y como de costumbre, consigue polarizar opiniones como pocos. Lo sigue logrando a día de hoy, pero me confieso, para ser completamente sincero, que intento huir de opiniones estandarizadas, aunque en este caso el término “decepción” defina, sólo en parte, lo que ‘El protegido’ me transmitió en su estreno.

Y como buen cinéfilo, a pesar de residir en mi interior una opinión deplorable enquistada e inolvidable del film desde hace ya una década, he decidido revisarla e intentar verla con nuevos ojos. No tanto para intentar corroborar o cambiar mi primera impresión, pero sí para comprobar si el paso del tiempo conseguía sorprenderme. Lamentablemente no lo ha hecho. ‘El protegido’ tampoco me ha convencido diez años después.

Antes de afilar los cuchillos (de diseccionar en el quirófano, no de asesinar) hay que aclarar que Shyamalan me parece un director superdotado para la puesta en escena. Es su virtud más valorada y no será quien esto suscribe el que lo contradiga. En ‘El protegido’ asistimos a su minuciosidad y sobriedad a la hora de componer cada escena, buena prueba de ello son dos momentos de buen cine, justo en el planteamiento: la escena del tren, donde el diálogo entre David Dunn (un Bruce Willis comedido, nada brillante pero tampoco desentona con su papel) con la joven y el posterior momento clave oculto en una sensacional elipsis. Y otro momento sublime, justo después, cuando David recibe la visita de un doctor que le descubre ser el único superviviente del accidente ferroviario.

El arranque de ‘El protegido’: un castillo de naipes

Pero lamentablemente, este arranque sobresaliente es sólo un castillo de naipes. El resto del film, apoyado en un guión que alarga en exceso una historia débil (bastante más que la de ‘El sexto sentido’, con la que guarda muchas similitudes estéticas y narrativas), no saca partido a los caminos que plantea al comienzo y esa tensión comedida que domina la narración se dilata de forma ostensible y demasiado manipulada. Aquí Shyamalan marca su trazo de narrador con demasiada fuerza, algo que será tónica habitual en su cine. Se atisba su halo de pretenciosidad, de imponer un estilo aunque ello suponga no resolver con ingenio sino con forma sin fondo, las situaciones planteadas.

No se puede negar que su particular homenaje al mundo del cómic y de los superhéroes (y también supervillanos) resulta cuanto menos original y estimulante. Al menos en su planteamiento. Dos personajes antagónicos que se encuentran, se cruzan, aunque ya en el cara a cara, a la hora de dibujar sus perfiles, se denota falta de acierto en uno más que en otro. De Elijah Price (un valiente y arriesgado Samuel L. Jackson) tenemos referencia sobre su fragilidad. De David Dunn no de su poder, aunque Shyamalan nos la va descubriendo con cuentagotas. Con pequeños esbozos que deberían aumentar el interés, pero sin conseguirlo plenamente.

Y es que ese descubrimiento repentino del inquebrantable (y el “protector” que es más correcto que el título español mal elegido), inconsciente de su rol, no termina de resultar completamente convincente. Su cierta desidia parece alterarse cuando se cruza con el excéntrico Elijah y sus proféticos monólogos, pero la forma en que el realizador nos muestra esta fase no termina de resultar creíble. Dos escenas que rozan el ridículo (por innecesarias y mal planteadas) y con las que se quiere afirmar la presencia de sus supuestos superpoderes: el vigilante levantando pesas ante la atónita mirada de su hijo (a través del que quiere el director que veamos al personaje, algo similar cómo sucedía ‘El sexto sentido’ pero mucho menos brillante) y el momento familiar con arma cargada, una prueba de fuego para corroborar lo que el chico intuye con fe ciega.

Las ideas que germinan de la estupenda puesta en marcha de la historia no terminan de encajar, no se resuelven acertadamente, a pesar de su enorme potencial. El descubrimiento paralelo que hace el espectador, de la mano de un atónito Bruce Willis, de su pasado y de su currículum limpio de sangre a base de momentos, que destilan ese tono sobrenatural que sobrevuela todo el metraje, no termina de romper en ningún momento, de convencer.

Todo está envuelto con enorme frialdad, lo que acentúa más el interés del director por demostrar sus teorías narrativas, su imposición como autor “alejado” del común denominador, más que ayudar a resolver con inteligencia y más sinceridad la transformación del protagonista. También ridículo es el momento “chubasquero” en plena estación con flashazos de superpoderes mentales que nos traslada a casi la única escena de acción física del film (porque sí que hay acción, más bien tensión, en los diálogos del héroe que no lo parece y el villano que lo demuestra). Aquí Shyamalan se desata, se salta sus principios de sutileza, de contención para dejarnos una escena demasiado impuesta, algo forzada y que no tiene entidad suficiente en la historia. Sólo sirve para acentuar, para llevarnos a donde quería, a la conversión del héroe. O al menos a su autoconvencimiento.

El bluf final

Y desde ese momento (y obviando la también lamentable escena de la librería con Elijah de morros, cual niño que ha perdido su juguete) y hacia el clímax final, todo empieza a fluir con cierta celeridad, intentando arrastrarnos a una conclusión sorprendente que nos deje con la mandíbula descolgada. Pero, a pesar de seguir el esquema de ‘El sexto sentido’, no consigue ni por asomo lograr esa traca final. Y no por la sorpresa en sí (que deja bastante frío) sino porque el camino recorrido hasta allí que no está tan bien encarrilado y bien definido para ello.

Lo que sucede realmente es que ‘El protegido’ no es un thriller, no dispone de suspense dosificado, se mueve más como drama con tintes sobrenaturales. Con demasiadas escenas contemplativas que subrayan el tono sombrío y a la vez triste del film, pero en absoluto con un suspense que justifique ese giro final. Y ese final es que el que subraya y confirma la decepción que me provocó el film en su estreno y el que ha vuelto a conseguir.

Ya pueden plantear su siguiente petición de Críticas a la carta en los comentarios. Estamos impacientes por descubrir el siguiente plato.

La presencia en el cartel de ‘Stone’ de los nombres y rostros de Robert De Niro, Edward Norton y Milla Jovovich, hará correr a muchas personas hacia las salas de cine a partir de este fin de semana. Pero me gustaría pedirles que se diesen algo menos de prisa. Esta adaptación de John Curran (‘El velo pintado’) de una obra de teatro de Angus Maclachlan, lejos de ser el thriller carcelario que se ha vendido con los tráilers, es un intento fallido de realizar un análisis psicológico y de ubicar a los personajes ante una situación que hará temblar los cimientos de sus ideales, así como sus relaciones y conciencias.

Si el guión es torpe, la dirección de Curran no lo redime. No me refiero únicamente a la realización, sino a todas sus labores como director --veremos más adelante la dirección de actores--. El cineasta hace un empleo abusivo de la música con la intención convertir en intensos momentos anodinos a los que debería haber sacado partido narrativamente, no engañando con el volumen de los acordes. Por el contrario, las escasas ocasiones en las que dispone de secuencias con auténtico potencial, desaprovecha las posibilidades y deja planos o «anticlimáticos» estos instantes. Esta dirección, absolutamente vacía y equivocada, demuestra que o bien Curran no ha entendido lo que había que extraer de la historia o ha tratado de sacarlo infructuosamente.

La mencionada realización se presenta, asimismo, pobre y apagada, más adecuada a un telefilm que a una película cinematográfica. Debido a su herencia teatral y a una indulgente adaptación, escrita por el propio dramaturgo, el film adolece de una escasez de escenarios y mantiene una sensación de vuelta al mismo lugar muy poco agradable. Si lo único que supo aportar Curran a ‘El velo pintado’ fueron escenas preciosas, aquí no tiene oportunidad de lucirse en absoluto. Únicamente los exteriores de la cárcel se ruedan con una bonita fotografía. Sin embargo, los interiores parecen no ser el fuerte de Curran, quien reitera hasta el cansancio unos travellings por detrás de la cabeza de De Niro para ver aparecer a Norton que no eran acertados ni para un único uso.

De la obviedad a la simplicidad

La película se muestra de manera tan obvia que se convierte en simple. La historia se cuenta sin matices, sin aristas, sin dejar al espectador que sea quien llegue a las conclusiones que se ofrecen masticadas y digeridas.

Percibo poco creíble que, hacia el inicio, el personaje de De Niro aguante que Norton le espete todo tipo de impertinencias sobre su vida personal o sobre sus cargos de conciencia. No obstante, el problema de estos diálogos no lo encuentro tanto en la ausencia de verosimilitud como en su empeño burdamente expositivo. El personaje de Norton podría haber cambiado la culpa de lugar y dado la vuelta a la situación para hacer al de De Niro sentirse mal sin mostrarse tan evidente. Stone funciona como la voz del autor, que juzga a los demás personajes, expresando en voz alta lo que deberíamos colegir los espectadores a raíz de las acciones.

La principal contrapartida de esta forma fácil y cómoda de transmitir ideas a los espectadores no es que dé mala impresión, sino que no resulta necesariamente más efectiva que la sutileza y el subtexto. Se intenta inculcar un juicio de valor ya realizado sobre los personajes, pero el espectador puede elegir creerlo o no, mientras que si la conclusión es suya, no tendrá dudas sobre su autenticidad. Así se redondea un esfuerzo nulo por profundizar en los personajes y, por ello, cuando llegamos al final, la actitud paranoica de Jack y las acciones del matrimonio se perciben forzadas y fuera del tono de lo que se venía mostrando hasta entonces.

El tema religioso tiene una presencia constante para, de nuevo, no permitir al público que llegue a su conclusión personal, sino forzarle una reflexión ya manipulada.

Curran hace un simulacro de sutileza cuando (spoiler) deja sin cerrar la historia del primer flashback, pero considero que es el peor momento de ponerse esquivo cuando los diálogos han sido tan extremadamente explícitos (fin del spoiler) .

‘Stone’ podría haber sido un thriller erótico. Con ello no aludo a una película que despliega una trama por un lado y se beneficia un alto componente sexual como ardid comercial por otro, sino a un relato en el que el sexo se utiliza para conseguir propósitos y sirve para jugar con la mente de los personajes y hacer que sus ideas se tambaleen. Paul Verhoeven habría extraído un gran film de la presente premisa explotando esa vertiente perversa y manipuladora, pero se alejaría tanto de la película que nos ocupa que esas reminiscencias no se pueden hallar aquí ni realizando un enorme esfuerzo.

El protagonismo

Se ha hablado confusión en el tono o indefinición de género. Pero encuentro, más que eso, una incorrecta orientación del peso de la historia. Se da una preeminencia a Stone de la que no debería gozar, pues su participación sirve de mero enlace entre quienes deberían haber supuesto el núcleo de la narración. Claro que Norton soporta mejor las escenas que Jovovich y por ese motivo es de agradecer que disponga de más minutos en pantalla, pero el enfoque del punto de vista no es el acertado.

Con ‘Stone’ delante, sería muy fácil argüir que Milla Jovovich es una pésima actriz. Ella debería soportar la carga dramática de la situación, obligando al personaje de De Niro a tomar difíciles decisiones y al espectador a observar esos dilemas con cercanía. Jovovich está correcta en el papel, creíble, si acaso; pero ni mucho menos sugiere la perversión y capacidad manipuladora que debería tener su personaje. A pesar de ello, me atrevería a defender a la actriz con el simple argumento de que hay dos grandes intérpretes a su lado y tampoco deslumbran. Por lo tanto, acusaría a la dirección de actores de Curran de que ninguno de los protagonistas sea capaz de transmitir lo buscado.

De Niro repite ese personaje gruñón, harto, viejo y resabidillo que tantas veces encarna últimamente cuando se ve a la legua que le interesa más el cheque que el proyecto. Norton hará las delicias de sus seguidores con su acento barriobajero y sus manierismos. Aunque todo esto funciona más como ejercicio de escuela de arte dramático que como interpretación, pues no veo que haya penetrado auténticamente en su personaje. Es un magnífico actor, pero con un papel equivocado en cuanto a su importancia y cargado de frases que sería mejor no pronunciar, no dispone de la oportunidad sacar a flote la película.

Encuentro más sugerente como planteamiento un drama psicológico con profundización en sus personajes que el posible thriller que se nos ha vendido, es decir, que mi decepción con la película no viene por las expectativas de género no cumplidas. Donde sí hallo la frustración es en que ‘Stone’ --que se estrena mañana, día 22-- no se acerca en absoluto a sus objetivos y aburre en el intento.

Mi puntuación:

La presencia en el cartel de ‘Stone’ de los nombres y rostros de Robert De Niro, Edward Norton y Milla Jovovich hará correr a muchas personas hacia las salas de cine a partir de este fin de semana. Pero me gustaría pedirles que se diesen algo menos de prisa. Esta adaptación de John Curran (‘El velo pintado’) de una obra de teatro de Angus Maclachlan, lejos de ser el thriller carcelario que se ha vendido, supone un intento fallido de efectuar un análisis psicológico y de ubicar a los personajes ante una situación que hará temblar los cimientos de sus ideales, así como sus relaciones y conciencias.

Si el guión es torpe, la dirección de Curran no lo redime. No me refiero únicamente a la realización, sino a todas sus labores como director --veremos más adelante la dirección de actores--. El cineasta hace un empleo abusivo de la música con la intención convertir en intensos momentos anodinos a los que debería haber sacado partido narrativamente, no engañando con el volumen de los acordes. Por el contrario, las escasas ocasiones en las que dispone de secuencias con auténtico potencial, desaprovecha las posibilidades y deja planos o «anticlimáticos» estos instantes. Esta dirección, absolutamente vacía y errada, demuestra que o bien Curran no ha entendido lo que había que extraer de la historia o bien ha tratado de sacarlo infructuosamente.

La mencionada realización se presenta, asimismo, pobre y apagada, más adecuada a un telefilm que a una película cinematográfica. Debido a su herencia teatral y a una indulgente adaptación escrita por el propio dramaturgo, el film adolece de una escasez de escenarios y mantiene una sensación de vuelta al mismo lugar muy poco agradable. Si lo único que supo aportar Curran a ‘El velo pintado’ fueron escenas preciosas, aquí no tiene oportunidad de lucirse en absoluto. Únicamente los exteriores de la cárcel se ruedan con una bonita fotografía. Sin embargo, los interiores parecen no ser el fuerte de Curran, quien reitera hasta el cansancio unos travellings por detrás de la cabeza de De Niro para ver aparecer a Norton que no eran acertados ni para un único uso.

De la obviedad a la simpleza

La película se muestra de manera tan obvia que se convierte en simple. La historia se cuenta sin matices, sin aristas, sin dejar al cada uno que sea quien llegue a las conclusiones que se ofrecen masticadas y digeridas.

Percibo poco creíble que, hacia el inicio, el personaje de De Niro aguante que Norton le espete todo tipo de impertinencias sobre su vida personal o sobre sus cargos de conciencia. No obstante, el problema de estos diálogos no lo encuentro tanto en la ausencia de verosimilitud como en su empeño burdamente expositivo. El personaje de Norton podría haber cambiado la culpa de lugar y dado la vuelta a la situación para hacer al de De Niro sentirse mal sin mostrarse tan evidente, es decir, que el propósito del film se podría haber conseguido con una aproximación menos tosca. Stone funciona como la voz del autor, que juzga a los demás personajes, expresando en voz alta lo que deberíamos colegir los espectadores a raíz de las acciones.

La principal contrapartida de esta forma fácil y cómoda de transmitir ideas no es que dé mala impresión, sino que no resulta necesariamente más efectiva que la sutileza y el subtexto. Se intenta inculcar un juicio de valor ya realizado sobre los personajes, pero el espectador puede elegir creerlo o no, mientras que si la conclusión es suya, no tendrá dudas sobre su autenticidad. Así se redondea un esfuerzo nulo por profundizar en los personajes y, por ello, cuando llegamos al final, la actitud paranoica de Jack y las acciones del matrimonio se perciben forzadas y fuera del tono de lo que se venía mostrando hasta entonces.

El tema religioso tiene una presencia constante para, de nuevo, no permitir al público que llegue a su conclusión personal, sino forzarle una reflexión ya manipulada.

Curran hace un simulacro de sutileza cuando (spoiler) deja sin cerrar la historia del primer flashback, pero considero que es el peor momento de ponerse esquivo cuando los diálogos han sido tan extremadamente explícitos (fin del spoiler) .

De todas las versiones por las que podría haber optado ‘Stone’, la más adecuada probablemente sería la del thriller erótico. Con ello no aludo a una película que despliega una trama por un lado y se beneficia un alto componente sexual como ardid comercial por otro, sino a un relato en el que el sexo se utiliza para conseguir propósitos y sirve para jugar con la mente de los personajes y hacer que sus ideas se tambaleen. Paul Verhoeven habría extraído un gran film de la presente premisa explotando esa vertiente perversa y manipuladora, pero se alejaría tanto de la película que nos ocupa que esas reminiscencias no se pueden hallar aquí ni realizando un enorme esfuerzo.

El protagonismo

Se ha hablado confusión en el tono o indefinición de género. Pero encuentro, más que eso, una incorrecta orientación del peso de la historia. Se da una preeminencia a Stone de la que no debería gozar, pues su participación sirve de mero enlace entre quienes deberían haber supuesto el núcleo de la narración. Claro que Norton soporta mejor las escenas que Jovovich y por ese motivo es de agradecer que disponga de más minutos en pantalla, pero el enfoque del punto de vista no es el acertado.

Con ‘Stone’ delante, sería muy fácil argüir que Milla Jovovich es una pésima actriz. Ella debería soportar la carga dramática de la situación, obligando al personaje de De Niro a tomar difíciles decisiones y arrastrando al espectador a una empatía hacia esos dilemas. Jovovich está correcta en el papel, creíble, si acaso; pero ni mucho menos sugiere la perversión y capacidad manipuladora que debería tener su personaje. A pesar de ello, me atrevería a defender a la actriz con el simple argumento de que hay dos grandes intérpretes a su lado y tampoco deslumbran. Por lo tanto, acusaría a la dirección de actores de Curran de que ninguno de los tres protagonistas sea capaz de transmitir lo buscado.

De Niro repite ese personaje gruñón, harto, viejo y resabidillo que tantas veces encarna últimamente cuando se ve a la legua que le interesa más el cheque que el proyecto. Norton hará las delicias de sus seguidores con su acento barriobajero y sus manierismos. Aunque todo esto funciona más como ejercicio de escuela de arte dramático que como interpretación, pues no veo que haya penetrado auténticamente en su personaje. Es un magnífico actor, pero con un papel equivocado en cuanto a su importancia y cargado de frases que sería mejor no pronunciar, no dispone de la oportunidad de sacar a flote la película.

Encuentro más sugerente el planteamiento de un drama psicológico con profundización en sus personajes que el de el posible thriller del que habla la promoción, es decir, que mi decepción con la película no viene por las expectativas de género no cumplidas. Donde sí hallo la frustración es en que ‘Stone’ no se acerca en absoluto a sus objetivos y aburre en el intento.

Mi puntuación: