Cuando Alberto, creador y coordinador de esta sección de “críticas a la carta“, me escribió para comunicarme la película que habíais votado y de la que tenía que escribir, no me indicó el título, me dijo: “adivina cuál te toca, por lógica”. Tardé un par de segundos en procesar la frase, en entender a qué se refería mi compañero, al que le encanta bromear. Él habló de ‘Scarface’ la semana pasada, así que, claro, ¡me tocaba el remake de ‘Scarface’! O como la conocemos en España, ‘El precio del poder’, un título apropiado y llamativo (si bien me quedo con el original). En cierta manera, también resulta lógico este reparto que se ha producido por casualidad desde una perspectiva más personal; cuando nos conocimos, Alberto era (y sigue siendo, como demuestran algunas de sus últimas críticas) un apasionado del cine clásico, mientras que yo no podía evitar defender películas más actuales, de los 80 y los 90, las que despertaron mi cinefilia. Así que aunque admiro la magistral película de Howard Hawks, porque es una poderosa e influyente obra de arte, debo admitir que me llega más la otra, la más furiosa y demencial, la ochentera, la versión más exagerada e imperfecta, esa explosión de pólvora, sangre, droga, música disco y fucks filmada por Brian de Palma.

Esta oportunidad que me habéis dado para revisar la película, la he aprovechado también para ver, por fin, el contenido extra de la edición especial en DVD de ‘El precio del poder’ que tenía en mi estantería desde hacía años, con el plástico todavía puesto. En el “making of” dividido en tres partes que es lo único que incluye el decepcionante segundo disco, uno accede a esa clase de entrevistas donde todos repiten más o menos la misma cantinela: “hicimos una obra maestra, el equipo era fantástico y estamos muy orgullosos”. En medio de tanto halago empalagoso, hay algunas revelaciones y confesiones muy interesantes sobre cómo se originó esta nueva versión de ‘Scarface’. Cuenta el productor Martin Bregman, que se presenta como el descubridor de Al Pacino, que vio la película de Hawks en una noche de insomnio, y pensó que desde entonces, desde 1932, nadie había hecho nada parecido. Una gran historia criminal norteamericana. Con Pacino convencido, Bregman contrató a De Palma para empezar a trabajar en un guion, pero no funcionó y llamó entonces a su amigo Oliver Stone, que estaba desesperado tras el fracaso de ‘La mano’. Es imposible concebir ‘El precio del poder’ (1983), remake libre de ‘Scarface’, sin el talento ni la enérgica aportación de estos tres hombres de cine: Stone, De Palma y Pacino.

Resulta curioso descubrir que Bregman puso el proyecto en primer lugar en manos de Sidney Lumet, imagino que por la exitosa colaboración del director con Pacino en ‘Serpico’ y ‘Tarde de perros’. Fue Lumet quien sugirió el cambio fundamental en el que se apoyó toda la historia de la nueva ‘Scarface’; planteó trasladar la acción a Miami y cambiar el alcohol por la cocaína. Stone (que admite haber tenido problemas con la cocaína por aquella época) comenzó un intenso proceso de investigación que le llevó incluso a viajar a varios países latinoamericanos para poder hablar con algunos individuos importantes del negocio del narcotráfico (casi le cuesta la vida). A Lumet, sin embargo, no le gustó el guion, pensó que faltaba carga política y no le interesaba el violento ascenso y ocaso de un gánster. Ahí es donde entra De Palma. El director cuenta que le entusiasmó la visión de ‘Scarface’ como una metáfora moderna de ‘El tesoro de Sierra Madre’, sustituyendo el oro por la droga; un extraño sueño capitalista autodestructivo.

Este amargo enfoque de la historia escrita por Stone que interesó a De Palma, esta manera de apreciar el viaje de Tony Montana, aparte de la atracción primitiva y visceral por la violencia, enriquece notablemente la película. Creo que gran parte del valor de ‘El precio del poder’ es que funciona a varios niveles. Hablo de mi caso particular; cuando vi la película por primera vez, me fascinaron secuencias como la de la bañera o el tiroteo final, y las frases de Montana (”Todo lo que tengo son mis pelotas y mi palabra, y no las rompo por nadie“) que hoy sirven para vender camisetas y carteles, algunas de las cuales ya estaban en el film original (basado a su vez en una novela de Armitage Trail). Imagino que mucha gente se quedará con esto, y es perfectamente razonable, los responsables de esta nueva versión querían impactar al público retratando el ambicioso y brutal modo de vida de esta clase de criminal, De Palma es un virtuoso de la puesta en escena (cómo mueve la cámara, cómo planifica la acción y domina el suspense… es una gozada) y Pacino se luce con la excesiva transformación que le permite el inspirado guion de Stone. Cuando la he vuelto a ver, lo que más me ha impresionado es la tragedia del protagonista.

Porque Tony Montana lucha frenéticamente por llegar a lo que considera la cima, y cuando lo hace, se encuentra solo, asqueado, destruido. En la primera ‘Scarface’, es la policía quien derrota al mafioso; en la segunda ‘Scarface’, es el mafioso quien se derrota a sí mismo. Tony llegó a Estados Unidos desde Cuba, era un inmigrante pobre con antecedentes penales y las autoridades lo metieron en una inmensa jaula junto a un montón de compatriotas desamparados. Ayudado por su mejor amigo, Manny Ribera (Steven Bauer), Tony realiza un par de trabajos sucios para un traficante de Miami, Frank Lopez (Robert Loggia), que los incluye en su organización. Pero Tony está hambriento, necesita seguir ascendiendo, y cuando descubre la debilidad de su jefe, lo desprecia y fuerza el conflicto, donde sale vencedor. Nadie puede con él, es una bestia imparable. Cuando Manny le pregunta qué quiere, Tony responde: “El mundo, y todo lo que hay en él“. Se convierte en su propio jefe, gana una inmensa fortuna, consigue a la mujer que deseaba (Michelle Pfeiffer en su primer papel relevante) y es temido por todos. Alcanza su sueño. Está en lo más alto. Y cuando no puedes llegar más alto, solo puedes caer…

Destaca Pacino algo fundamental de Montana (construido sin ánimo de autenticidad, como una fuente donde puede reflejarse cualquier gánster) y es el humor; sin eso, el personaje resultaría demasiado desagradable. Tony es un salvaje, paranoico, avaricioso, arrogante y machista (las mujeres vienen cuando tienes dinero y poder, explica), pero también es inteligente, agudo, bromista, carismático y tiene su propio código moral, uno muy básico pero que sirve para que el público simpatice con él, en lugar de desearle el peor de los castigos. Al contrario, acabas esperando que las balas no le hagan daño, que sea inmortal, que nadie pueda con él… La crítica del momento rechazó el film y la MPAA estuvo a punto de condenarlo comercialmente a causa de su violencia (y eso que se sugiere más de lo que se muestra) pero ‘El precio del poder’ terminó triunfando. Se ha consolidado como una película de culto, una de las mejores del cine criminal y uno de los mejores remakes jamás filmados. Dura casi tres horas (170 minutos) y se devora con facilidad, con placer. Es admirable que no haya puntos flacos, bajones de intensidad en una historia tan extensa, siempre hay algo esperando, alguna escena, alguna imagen, algún diálogo, y no puedes dejar de mirar. Es la magia de esta historia sobre un “bad guy” que quiso poner el mundo a sus pies.

A lo largo y ancho de la historia del cine podemos encontrar en la mayoría de las filmografías de grandes directores algún que otro film maldito, expresión que no tiene por qué ir unida a la calidad del mismo. En el caso de James Whale --para el que suscribe merece un lugar de honor dentro del séptimo arte por ‘El doctor Frankenstein’ (‘Frankenstein’, 1931), ‘El hombre invisible’ (‘The Invisible Man’, 1933), ‘La novia de Frankenstein’ (‘Bride of Frankenstein’, 1935) y sobre todo ‘El caserón de las sombras’ (‘The Old Dark House’, 1932)-- tendríamos que referirnos a ‘Green Hell’ (1939), film extraño donde los haya, y que el director realizó con todo despliegue de medios y gran reparto. Un film que fue maldito desde incluso antes de su estreno, provocando rechazo en casi todo el mundo, estando a día de hoy prácticamente olvidado.

Uno de los actores secundarios que aparecen en la película, el gran Vincent Price --era su quinta aparición cinematográfica--, confesaba años después en la cima de su carrera, que ‘Green Hell’ era probablemente la película más estúpida en la que había trabajado no entendiendo como no formaba parte de las listas de los peores films de la historia. Algo de razón no le faltaba a Price, ya que el film es una muy loca mezcla de géneros y tonos con situaciones dramáticas delirantes algunas de ellas, pero sinceramente tampoco creo que nos encontremos ante un film totalmente desdeñable y es justo rescatarlo del olvido para descatar algunos de sus curiosos aciertos, que son tantos como fallos.

El film se construyó como un producto al servicio de Douglas Fairbanks Jr. quien siguió los pases de su padre --Douglas Fairbanks, una de las grandes estrellas del cine mudo-- aunque sin conseguir el prestigio de su progenitor. En ‘Green Hell’ se rodeó de un elenco realmente espectacular, la siempre fascinante Joan Bennett --inolvidable en varios títulos de Fritz Lang--, las grandes presencias de George Sanders y Vincet Price, más George Bancroft, Alan Hale y John Howard. Casi nada para una película que se pierde un poco en su arriesgada propuesta suponiendo uno de los primeros casos de película de aventuras con drama insertado, camino por el cual recorrería el género en años siguientes. El problema en el film de Whale --y que hace que nos preguntemos en qué estaría pensando Frances Marion, el guionista, cuando escribió la historia-- es que dicho drama está metido a calzador, por lo que el contraste es inmenso.

‘Green Hell’ narra la historia de un aventurero, Keith Brandon (Fairbanks Jr.), que reúne a un equipo de lo más peculiar, amigos personales y amantes de las aventuras, con los que se irá a un país sudamericano para encontrar un templo inca en el que se haya un fabuloso tesoro de oro. A ellos se les unirá el misterioso David Richardson (Price) cuyos motivos para ir a la expedición no terminan de estar claros para el resto. Pronto descubriremos estupefactos que Richardson se había enamorado de dos mujeres y su decisión al respecto es… ¡¡huir a la selva sudamericana!! Tan loco detalle argumental desencadenará toda la parte dramática del film, con la que uno le entra literalmente la risa. Pensemos por un momento en la situación: un grupo de hombres viviendo durante más de un año en el centro de la selva sudamericana se ven desconcertados ante la imponente presencia de una mujer que ha venido en busca de Richardson. Esa mujer además es Joan Bennett --preciosa donde las haya-- y para la ocasión incluso se ha llevado consigo zapatos de tacón. Olé.

Dejando de lado las divertidas situaciones --y digo divertidas, porque hay que tomárselas de ese modo-- que se producen entre un montón de machos ante la presencia de una hembra --y que pasará por celos estúpidos hasta declaraciones de amor ridículas-- los logros de ‘Green Hell’ se encuentran en la puesta en escna de Whale cuando el relato es pura aventura. A pesar de cierto apresuramiento en algunos momentos --encuentran demasiado pronto el templo, y más tarde la sala de tumbas con el oro--, hay brillantez en otros, como todo lo relacionado con la inundación del templo o aquellos que trascurren en una selva de estudio muy bien ambientada y en la que Whale realiza ingeniosos travellings laterales --marca de su estilo-- dotando de tensión esas partes. Instantes como el del acoso a la cabaña en los que Whale filma con un movimiento de cámara lateral de derecha a izquierda los pies de los protagonistas mientras vemos cajas llenas de municiones y tras un leve fundido la cámara vuelve hacia la izquierda y las mencionadas cajas se están quedando vacías, brillan con intensidad en un conjunto a todas luces desconcertante pero a su modo atractivo.

Tampoco se puede negar el cariño que la película desprende hacia los relatos de aventuras, aquellas que llevan a los hombres a arriesgarlo todo por conseguir un objetivo y sin las cuales no serían capaces de vivir. ‘Green Hell’ puede verse como un loco canto, con cierto punto de ingenuidad, a una forma de vida tal y como queda patente en esa simpática escena final en la que los personajes están a las puertas de una nueva aventura, conscientes de lo que harán hasta el último de sus días. Por eso y porque salvo Fairbanks Jr. es una gozada ver al resto de los actores --Sanders haciendo gala de su típica ironía y Hall tan entrañable como siempre-- ‘Green Hell’ no merece el desprecio que obtuvo en su momento, y tampoco el olvido al que ha sido sometida con el paso del tiempo. Como detalle anecdótico decir que los inmensos decorados del templo fueron utilizados en futuras realizaciones de la Universal como ‘The Mummy´s Hand’ (Christy Cabanne, 1940) o ‘El fantasma de la ópera’ (‘Phantom of the Opera’, Arthur Lubin, 1943).

Llevamos varios días con noticias pocos halagüeñas para el cine en España. Lo primero fue la confirmación por parte del Gobierno del PP de un tremendo recorte en la política de subvenciones a las películas españolas, algo para lo que ha habido reacciones de todo tipo, desde los que han presagiado poco menos que la muerte del cine español a los que se han alegrado sobremanera por esa medida (los comentarios en el enlace del texto anterior). Era obvio que se iba a producir tal recorte, ya que si se está reduciendo (o se va a hacer) el gasto de forma considerable en partidas tan importantes como la Educación o la Sanidad, ¿Cómo iba a librarse el mundo del cine cuando encima es un sector que no ha dudado en mostrar su simpatía en masa hacia el PSOE? Lo ideal sería pensar que este último punto da igual, pero todos deberíamos saber ya cómo funciona la política en este aspirante a país democrático que es España.

No obstante, la noticia vino acompañada pocos días después de las cifras de asistencia de los españoles al cine durante el primer trimestre de 2012. Algunos no tuvieron problemas en apresurarse a destacar una resurrección en este aspecto con el cierre de megaupload, pero la mayoría nos mostrábamos más cautos. La realidad nos ha dado la razón a aquellos que no creíamos que el cierre de esa página web fuese a servir de gran cosa: La recaudación se ha reducido en 18,4% respecto al mismo período de tiempo, mientras que el número de entradas vendidas se ha reducido en 17,7%. Obviamente, los habrá que sigan empeñados en los mismos discursos caducos sobre que es la piratería la gran responsable de estas cifras, pero lo cierto es que el cine está herido de gravedad en España. ¿Hay alguna forma de curarlo antes de que acabe muriéndose?

Soy consciente de que aún hay no pocas personas que viven en su mundo de ilusión y brillantina en el que la crisis económica es algo que prácticamente no existe. Incluso no hay problemas en decirle a un mendigo que se vaya a pedir a otra parte porque queda feo hacerlo donde está en ese momento. Sin embargo, es obvio que la creciente tasa de paro (¿alguien se atreve con un pronóstico sobre cuál será su cota máxima? Porque parece difícil que deje de aumentar) y la necesidad de priorizar gastos hacen que ir al cine no deje de ser otro lujo del que poder prescindir. Soy consciente de que eso no hace que haya gente a la que le resulte duro prescindir de la que quizá sea su primera (y gran) afición. Yo mismo me sentía raro en su momento si encadenaba un mes sin ver una película en pantalla grande, pero, y no me odiéis por ello, eso es algo que ya no está peligro desde que puedo acudir a pases de prensa. Sin embargo, sí que estaría bien que al menos alguna gran cadena de cines se arriesgue con algo como que un día por semana se vendiesen entradas a precio especialmente reducido para los que puedan justificar estar en el paro. Obviamente, tendría que ser un día entre semana (¿el martes?), que es cuando la asistencia a las salas se reduce de forma considerable, y quizá los ingresos no fuesen exagerados, pero seguro que hay más de uno que lo agradecería y lo tendría en cuenta en el futuro cuando mejorase su situación económica.

Habrá quien vea mi propuesta anterior como una tontería que no lleva a ninguna parte, pero una de las quejas fundamentales por parte de la gente es que el precio de las entradas se ha disparado, y es algo cierto por muchos peros que algunos quieran. No sé si seréis de los que coleccionan las entradas de las películas que ven en cine, pero yo sí que lo hice durante unos cuantos años siendo una gran forma de calibrar esta evolución en el coste de la entrada. Y, la verdad, nos están timando al igual que en muchos otros campos (El timo ese del déficit tarifario de la electricidad es quizá el mejor ejemplo), llegando un punto en el que mucha gente considera un lujo el poder el último gran estreno cinematográfico en su sala más cercana. A eso hay que unir el hecho de que esa experiencia de ha vulgarizado y mecanizado en los últimos tiempos, y las pocas iniciativas que hay para luchar contra esto son insuficientes. Una buena forma de empezar a demostrar que no nos están estafando de forma deliberada sería ofrecer, tal y como ya se hace en Inglaterra, un abono mensual para ver todas las películas que quieras. Eso sí, de nada sirve una iniciativa así si le pones un precio estafador que anule lo positivo de la iniciativa, y lo digo con motivo, ya que recuerdo la existencia de abonos similares en su día, pero al triple del precio actual del abono inglés. Un timo para luchar contra una estafa no sirve para nada.

No creáis que me olvido del tema de la subvención al cine español, algo de lo que hablaré con más profundidad en breve, ya que estoy preparando un texto analizando los que considero que son los problemas del cine español, pero voy a pararme a hacer un par de puntualizaciones. En mi opinión, el sistema de subvenciones existente tiene varios fallos, y lo ideal sería reformarlo de cabo a rabo. No son pocas las veces que he leído comentarios sobre productores comprando entradas para llegar al menos al mínimo de recaudación exigida para poder recibir determinada subvención, o casos más graves como el de Salomon Shang. Además, también pueden darse casos tan absurdos como que una coproducción (ya revelaré cuál es en el artículo en cuestión) reciba más dinero del Estado que del productor español.

También tengo una propuesta en este aspecto para intentar que las cosas sean más equitativas y se tenga más en cuenta que ese dinero sale de los impuestos de todos los españoles: Los espectadores que hayan pagado su entrada para ver una producción española deberían tener la posibilidad de poder valorar la película en cuestión, y las ¿50? mejor valoradas cada año recibirían cierta cantidad de dinero en función de su situación en el ranking y también del número de votos computados, que si no se podría dar el caso de que una película con un espectador computado (también hay al menos una en los últimos años) se llevase un 10 y se creara una injusticia comparativa. Ya imagino que habrá quien vea mil formas de falsear esto, pero también tengo varias propuestas: Cada persona que vote debería identificarse con su número del DNI (y la entrada en cuestión) para evitar que productores avariciosos compren entradas y voten con 10 a sus trabajos sin ton ni son, y para justificar la molestia que supondría para el espectador se le premiaría con una entrada para ver un filme español cada, no sé, ¿10 votos? Así se fomenta el cine español, se tiene en cuenta la opinión de la gente que va a verlo (que aún lo hay) y se subvenciona, creo yo, de una forma más justa. Por no hablar de lo bueno que sería, y ya no hablo sólo de películas españolas, que las productoras premien con un descuento en la edición en dvd/blu-ray a aquellos que hayan visto el filme en cuestión en cines, así seguro que cesa el aumento de gente que directamente se espera a comprar la película al rentarle más que ir a su sala más cercana a verla cuando se estrena.

No obstante, yo no tengo mucha confianza en que se lleve a cabo ninguna medida que realmente se preocupe por el espectador (aún recuerdo a muchos director españoles diciendo que ellos hacen lo que ellos quieren hacer, sin importar para nada el público), el cual es, a fin de cuentas, el que paga. Es mejor quejarse amargamente y seguir dejando que el cine en nuestro país vaya muriendo, tanto en los estrenos en cine como en el interés de todo el mundo por las producciones españolas. Menos llorar y más luchar por cambios justos (¿Acaso alguien con muchos más datos que yo sobre la industria no podría pensar algo mucho mejor que mis simples propuestas?) que levanten la cosa. Sólo así iremos a mejor, tanto en el cine como en el resto de ámbitos de nuestro país.

Ya tenemos aquí los resultados de la segunda y última encuesta dedicada al cine de ciencia-ficción. Os recuerdo que en la primera se trataba de elegir la mejor película, el mejor director, el mejor guion y el elemento temático más interesante. En la siguiente teníais que decantaros por el mejor intérprete, la mejor criatura del género, la película más adelantada a su tiempo y la obra que más os gustaría ver llevada al cine. Os dejo las respuestas más votadas:

• La mejor interpretación en una película de ciencia-ficción la realizó Rutger Hauer en ‘Blade Runner’. El actor que dio vida al replicante Roy Batty en el mítico film de 1982 fue la opción elegida por el 17% de los lectores, el mismo porcentaje que se decantó por Sigourney Weaver, candidata por su papel de la Teniente Ripley en ‘Alien’ (también dirigida por Ridley Scott, elegido el mejor cineasta del género en la anterior encuesta); solo diez votos de diferencia dieron la victoria a Hauer. Curiosamente, este actor obtuvo un 9% de votos más que Harrison Ford por la misma ‘Blade Runner’, demostrando que los villanos pueden ser más fascinantes que los protagonistas. Malcolm McDowell quedó tercero por su memorable trabajo en ‘La naranja mecánica’ (13%).

• WALL·E es vuestro personaje no humano favorito. El 20% de los lectores eligió al entrañable protagonista de la película del estudio Pixar dirigida por Andrew Stanton, dándole el triunfo en una categoría donde las máquinas han eclipsado a otras criaturas del género. En segunda posición con un 14% de votos ha quedado HAL-9000 (‘2001’) y tercero ha sido el T-800 (‘Terminator’) con un 12%.

• ‘Gattaca’ (1997) es la película de ciencia-ficción más visionaria. El debut como director de Andrew Niccol fue votado por el 16% de los lectores, el mismo porcentaje que eligió ‘Blade Runner’, segunda por solo 7 votos. ‘Matrix’ (1999) de Andy y Lana Wachowski completa el podio con un 13% de votos. Un dato divertido: el 4% de los lectores votó por ‘El planeta de los simios’ (1968). Supongo que hay días en los que parece probable que se llegue a esa situación…

• ‘Akira’ es la obra que os gustaría que trasladaran la gran pantalla (otra vez). El 22% de los lectores ha votado por una nueva adaptación del famoso manga de Katsuhiro Otomo. Curioso resultado tras la aparente cancelación de la película con actores de carne y hueso que se preparaba en Hollywood (dirigida por Jaume Collet-Serra) por desacuerdos con el presupuesto. Dos novelas quedaron en segunda y tercera posición; ‘Fundación’ de Isaac Asimov (16%) y ‘Un mundo feliz’ de Aldous Huxley (14%). ‘Mass Effect’ fue el videojuego más votado pero no pasó del 1%.

Y eso es todo. ¿Qué os parecen los resultados? ¿Razonables, escandalosos? La semana que viene le toca a mi colega Mikel dejaros una nueva encuesta. He intentado que me desvelara el tema ofreciéndole hasta una bolsa de canicas, pero no hubo suerte. Tendremos que esperar.

Quentin Tarantino es uno de los directores del cine moderno con fans más apasionados, los cuales no dudan en ponerle de poco menos que un Dios entre humanos. Tampoco falta gente que discute ese, en su opinión, excesivo ensalzamiento, como mi compañero Alberto, el cual no dudó en publicar una lista con 500 películas mejores que ‘Pulp Fiction’, el título más emblemático de la carrera de Tarantino. Sin embargo, lo que hoy nos ocupa es que al fin hemos podido ver el primer cartel de ‘Django Unchained’, el esperado western que está rodando estos días el director de la infravalorada ‘Jackie Brown’. Lo cierto es que el póster tampoco muestra gran cosa, pero no deja de ser un simple adelanto para ir abriendo boca del aluvión de información que nos espera en los próximos meses.

‘Django Unchained’ cuenta la historia de Django (Jamie Foxx), un esclavo cuya libertad es comprada por un cazarrecompensas alemán (Christoph Waltz) que instruye al protagonista en el oficio. Tras varios encargos para su mentor, Django se pone como objetivo localizar al dueño de la plantación (Leonardo DiCaprio) en la que está esclavizada su esposa. Hace apenas unos días se confirmó que Joseph Gordon Levitt finalmente no va a aparecer en la película, pero el reparto sigue siendo espectacular, ya que, aparte de los nombres ya mencionados, podremos ver a Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Sacha Baron Cohen, Kerry Washington, Anthony LaPaglia, Don Johnson, Walton Goggins y James Remar. Es difícil no tener interés en ver qué puede salir de ‘Django Unchained’, la cual únicamente toma el nombre del personaje protagonista del notable spaghetti western de 1966 dirigido por Sergio Corbucci. Por cierto, hace unos días aparecieron las primeras imágenes del rodaje y creo que, aunque no son nada del otro mundo, es una gran ocasión para echarles un vistazo.

Os recuerdo que ‘Django Unchained’ se estrena el próximo 25 de diciembre en USA y en España apenas tendremos que esperar tres días para poder verla, es decir, el 28 de diciembre. Esperemos que no acabe siendo una broma (mala espina da que en el cartel, que tiene origen español, salga un próximamente en lugar de la fecha concreta). Yo tengo muchísimas ganas de verla, ¿y vosotros?

Vía | Twitter de Sony España

‘De Nicolas a Sarkozy’ (‘La conquête’, 2011), de Xavier Durringer, se estrenará mañana, viernes 13 de abril, solo unos días antes de la primera vuelta de las elecciones presidenciales francesas, en las que el protagonista del film, propuesto a la relección al frente de la Unión por un Movimiento Popular, podría caer derrotado ante el socialista François Hollande.

Independientemente de dónde ocurran o cuánto nos afecten, los movimientos políticos, ya sea dentro de un partido de esta índole, como de una gran empresa o de cualquier tipo de asociación; suelen tener el atractivo del ingenio, del complot, de la treta... Así hemos podido disfrutar de cine que trataba de ascensos políticos ficticios o históricos en numerosas ocasiones. Y no me refiero solo a referentes más inmediatos como ‘El candidato’ (‘The Candidate’, 1972), de Michael Ritchie; ‘Primary Colors’ (1998), de Mike Nichols, o las más recientes, ‘Los idus de marzo’ (‘The Ides of March’, 2011), sino a cine que muestra a personajes habilidosos para urdir planes que les favorezcan y hundan a sus rivales, ya que el politiqueo puede darse tanto en política como en cualquier otro ámbito.

La forma de trepar por las barbas de Jacques Chirac que Sarkozy pone en práctica a lo largo de toda esta película carece de ese halo de fascinación del mal. Puede deberse a que se lo presenta como alguien muy directo y sincero y por ello vemos más de ambición y tesón que de malas prácticas o puede ser que la simplificación de los movimientos haya derivado en la anulación del intríngulis. Quizá hayan sido las responsables las intenciones de aniquilar la imagen de inteligente y maquiavélico de la que goza el presidente.

Denis Podalydès da vida a Nicolas Sarkozy, a través de gestos exagerados y una acusada actitud taimada, que podrían percibirse como la cara íntima del político, aquella que nos estábamos perdiendo hasta que llegó la película, si cuando lo vemos en público supiese reproducir el atractivo que desprende en la vida real su figura pública. Pero el actor en todos los casos queda muy por debajo en magnetismo con respecto al auténtico Sarkozy. Dibujarlo tal cual es no habría supuesto favorecerlo ni ponerse de su parte políticamente, sino que se habría podido entender mejor su meteórica ascensión con una plasmación más realista y menos caricaturesca de sus ademanes y su semblante.

Bernard Le Coq, a quien algunos recordaréis como “el hombre de la tónica”, alcanza un asombroso parecido físico con Jacques Chirac para encarnar a un ser bonachón y pasivo que deja que todo lo que transcurre en la película escape entre sus dedos, no sé si como calco fidedigno de una verdadera actitud del antiguo presidente o por causa de un estampa pobre rubricada en el guion. Samuel Lebarthe como Dominique de Villepin no es ajeno a la imitación guiñolesca y es que no hay que olvidar que en Francia es donde más cuajaron estos monigotes del Plus.

Cine francés para franceses

La progresión argumental existe en ‘De Nicolas a Sarkozy’ y en ella van envueltas las evoluciones de los personajes. Pero el elemento narrativo fundamental que no se encuentra es el del conflicto. Si nuestro protagonista -nuestro punto de vista- es el del candidato, los obstáculos apenas existen, excepto en su vida personal, que compone el elemento más interesante con creces de todo el conjunto. Tomar como perspectiva la de Chirac habría permitido una narración de mayor intensidad por contar con un conflicto muy marcado. De esta forma, con Sarkozy como eje, más que un relato, tenemos entre manos una crónica. Esto no es algo negativo, pero limita el interés a quienes sientan curiosidad por los hechos en sí. Mientras que en un relato, cualquier tipo de espectador, le incumba o no lo contado, encontrará satisfacciones.

Ese teórico espectador no interesado en los años previos a la victoria de Sarkozy también podría disfrutar la película si encontrase que le aporta algo la forma en la que está puesta en imágenes. La predominancia de los diálogos -el director procede del teatro- o la necesidad de conocimientos de política francesa para entender a qué se refieren siglas y nombres -más especificidad en los subtítulos habría ayudado-, convertirían en arduo el visionado, pero nunca supondrían un defecto fílmico o menoscabarían la calidad de una película. Sin embargo, lo que sí empaña el resultado es una realización plana, desprovista de tensión dramática, y un tanto rancia y una dirección de actores que, como ya he dicho, raya la caricatura, especialmente cuando se remata con la banda sonora circense de Nicola Piovani.

En definitiva, las pretensiones de ‘De Nicolas a Sarkozy’ son de farsa y nunca de caricatura, pero no evita caer en esta, no tanto a causa de la concesión al humor de ciertos instantes, sino de la ligereza de la aproximación y de la simplificación en los retratos humanos. Se debate entre el reflejo de una personalidad y la crónica política, sin llegar a cumplir las expectativas en ninguno de los dos frentes.