Que John Carpenter sea capaz de inquietar y atrapar al espectador con una historia tan boba como esta, es la prueba de un talento auténtico, innato (y de que es más importante, siempre, el “cómo” que el “qué”). Es capaz de convertir las enormes limitaciones presupuestarias en una virtud, inoculando una gran claustrofobia y tensión anímica con una puesta en escena ascética y muy precisa, con la cámara como aliada (no pueden decir lo mismo muchos supuestos grandes directores, que sólo saben hacer plano/contraplano, y que cuando salen de ahí se dedican a hacer cosas absurdas con ella) y sin tomarse jamás demasiado en serio a sí mismo. No conozco a ningún otro director capaz de filmar a una pelota de playa y hacerla pasar como un inquietante alienígena. Por lo demás, se advierten guiños poco velados, más que influencias reales, a ‘2001: una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odyssey’, Stanley Kubrick, 1968) y a ‘¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú’ (‘Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love’, Stanley Kubrick, 1964), y una serie de soluciones narrativas que van a reaparecer en algunos títulos relevantes de la sci-fi.

En cierto modo, se puede considerar a esta película un puente entre una cierta concepción de la sci-fi como vehículo para la trascendencia cósmica, que tendría su máximo exponente precisamente en la citada película de Kubrick, y una sci-fi mucho más cotidiana, que potencie las relaciones de los personajes entre ellos mismos y con su entorno, y con una historia con la que podamos conectar a un nivel emocional, además de sensorial. Dan O’Bannon, protagonista, coautor del guión, montador, encargado del diseño de producción y supervisor de los efectos especiales, pasaría a la historia del cine pocos años más tarde por ser el autor del guión de ‘Alien’ (id, Ridley Scott, 1979), en realidad bastante retocado por David Giler y Walter Hill, aunque él supo luchar por permanecer en los créditos como único guionista. Pero realmente ‘Dark Star’ parece un borrador de la futura película de Scott. Además, cuenta con Ron Cobb como encargado de efectos especiales, un hombre que será diseñador o artista conceptual nada menos que de proyectos como ‘Alien’, ‘Aliens’ (id, James Cameron, 1986), ‘The Abyss’ (James Cameron, 1989), ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders at the lost Ark’, Steven Spielberg, 1981) o ‘Desafío total’ (‘Total Recall’, Paul Verhoeven, 1990).

Filmada en 16 mm, posteriormente hinchados a 32 mm, la cinta apenas duraba cuarenta y cinco minutos, hasta que llegó Jack H. Harris y dio el dinero necesario para sus ochenta y tres minutos finales (así como unos cuantos dolores de cabeza a Carpenter, al parecer). En estos ochenta y tres minutos finales de cutrez y diálogos imposibles, Carpenter da una lección en la planificación y en la atmósfera, dominando completamente los espacios y el ritmo, llenando perfectamente su ratio de 1.85 (posteriormente, utilizará el scope siempre que pueda), y llevando a cabo un sorprendente equilibrio entre humor y densidad. Algunos quisieron ver en ella una sátira del género, o incluso una parodia, y no creo que sea nada de eso. En realidad es un meritorio homenaje a un género con el que Carpenter creció y por el que siente un gran cariño y admiración. Tampoco es cuestión de ver en ‘Dark Star’ una gran película. No lo es. Es un filme de factura correcta que presenta el gran talento narrativo de su máximo responsable, que divierte y que es toda una declaración de principios y de coraje.

Especial John Carpenter en Blogdecine:

• John Carpenter, cine en las venas

Resulta curioso que ‘Más allá de la vida’ (‘Hereafter’, 2010), la nueva película de Clint Eastwood, haya llegado a nuestras carteleras poco después que ‘Camino a la libertad’ (‘The Way Back’, 2010), lo último de Peter Weir. Ambos trabajos despertaron una lógica expectación hace tiempo, viniendo firmadas por dos de los mejores cineastas que hay ahora mismo, pero finalmente han provocado poco ruido, cosechando, en general, una triste indiferencia. A mí, sin embargo, me han dejado muy gratas sensaciones; estoy seguro que recibirán mejor trato con el paso de los años, pues me parecen dos películas de gran factura, desbordantes de talento y sensibilidad, con imágenes e interpretaciones de altura, lo que matiza sus defectos (que los tienen). La inmensa mayoría de lo que vemos se olvida enseguida, solo unas pocas obras se quedan en la memoria, y tras repasarla y discutirla, llegamos a la extraña conclusión de que nos gustan incluso más con el paso del tiempo. Me pasó con la nueva de Weir, y poco después con la de Eastwood.

Está funcionando sorprendentemente bien en la taquilla de nuestro país, pero ‘Más allá de la vida’ no tuvo suerte en Estados Unidos, pudiendo hablarse incluso de fracaso (costó unos 50 millones de dólares y apenas recaudó 30). La crítica la recibió con más frialdad que entusiasmo y el público no se sintió cautivado por la propuesta; no ha contado para los Globos de Oro y parece claro que se irá de vacío en los Oscars (solo aspira a una estatuilla). Esto último da absolutamente igual (además, ya vimos los numerosos y clamorosos olvidos en la historia de los premios más importantes del cine norteamericano) pero que el nuevo trabajo de una auténtica leyenda del séptimo arte, con 80 años a sus espaldas, sea recibida con tibieza y cinismo, sí que causa cierto estupor. Es que no es uno de sus mejores trabajos. Y ya está, dos horas de cine tirados a la basura. Resulta escandaloso el menosprecio general, por diferentes causas (desconocimiento en unos casos y ganas de llamar la atención en otros), con el que se ha tratado la última película de un cineasta del talento de Clint Eastwood, que solo en la última década nos ha dejado ‘Mystic River’ (2003), ‘Million Dollar Baby’ (2004), ‘Cartas desde Iwo Jima’ (‘Letters from Iwo Jima’, 2006), ‘El intercambio’ (‘Changeling’, 2008) o ‘Gran Torino’ (2008), entre otras.

Quizá lo que debería hacer es retirarse, vivir de las rentas, descansar y pasear, ver la tele, lo que suele hacer la gente a su edad. O, si quiere seguir en activo, también podría filmar otra entrega de ‘Harry el sucio’, seguro que así obtendría mayor atención por parte de todos. A lo mejor una ‘Harry 3D’, con un furioso Clint Eastwood apuntando una pistola directamente al cráneo del espectador, sería un gran éxito. Por fortuna, en lugar de eso, el veterano cineasta sigue queriendo aprender buscando nuevos retos, relatos que le permitan probarse a sí mismo en otros terrenos. Y es que este mito viviente ya no necesita demostrar nada, ni tiene que seguir las tendencias actuales, lo que le interesa es contar historias, y hacerlo a su manera; con la coherencia, exigencia, elegancia y pasión de siempre. Incluso en sus películas menores se nota su mano, decir lo contrario es una demostración de ignorancia o mera provocación. Y creo que nosotros, ante todo, deberíamos estar agradecidos con cada nuevo trabajo, porque algún día no muy lejano su luz se apagará, y no volveremos a leer en un cine esa frase tan reconfortante: “Directed by Clint Eastwood“.

A partir de un guion del inglés Peter Morgan (escribió ‘El último rey de Escocia’, ‘The Queen’ o ‘Frost contra Nixon’), y apoyado desde la producción por Steven Spielberg (más experimentado en lo fantástico), Eastwood nos narra la historia de tres personajes de distintos países cuyas vidas están o estarán relacionadas con lo que llamamos el más allá, teniendo algún tipo de contacto con una dimensión a la que solo se accede tras la muerte. Este contacto ha convertido a George (interpretado por un formidable Matt Damon) en un ser solitario. Estadounidense, tras superar una complicada operación en su infancia, que lo mantuvo entre la vida y la muerte, adquirió una sensibilidad extraordinaria, lo que le permite comunicarse con personas fallecidas que siguen todavía presentes, de alguna manera. Gracias al ánimo emprendedor de su hermano Billy (Jay Mohr), George empezó a ganarse la vida como parapsicólogo, pero lo abandonó para dedicarse a una profesión más corriente, intentando pasar desapercibido, deseando una tranquila existencia completamente alejada de la muerte.

Marie (Cécile De France) es una exitosa periodista francesa que sobrevive milagrosamente al tsunami que barrió Indonesia en 2004, pero se ve incapaz de regresar a la vida que llevaba antes del trágico suceso; convertida inevitablemente en una mujer diferente, con una nueva mentalidad, intentará descubrir más sobre la muerte, al haber tenido durante unos instantes lo que ella considera una visión del más allá, lo que pondrá en peligro su credibilidad, su empleo y su conveniente relación con Didier (Thierry Neuvic). Por último, los ingleses Marcus y Jacob (George y Frankie McLaren) son los hijos gemelos de una madre drogadicta que no puede hacerse cargo de su hogar; un desafortunado accidente acabará con la vida de uno de los pequeños, pero la muerte no llegará a separar del todo a estos hermanos. Como es habitual en este tipo de relatos fragmentados, los caminos de los tres personajes están destinados a cruzarse, lo que les ayudará a resolver sus particulares conflictos. Es un acierto que no se pretenda sorprender con este recurso, sino que se opte por ir acercando poco a poco a los protagonistas, por hacer más posible un encuentro cuya casualidad podría resultar difícil de aceptar.

Se ha tachado la película de superficial, y el desenlace de empalagoso, como poco; personalmente, lo que creo que ocurre es que cuesta entrar en el relato, y no se quiere, o no se puede, hacer el esfuerzo de intentarlo, prefiriendo culpar al cineasta de no haber podido conectar con el drama de los personajes. Y es que no estamos ante una película fácil, digerible, aunque desde luego puede hacerse una lectura fácil. Puede uno concluir que todo va de Clint Eastwood tratando torpemente de dar respuestas profundas a un tema que no sabe cómo abordar, y quedarse tan ancho. Por el contrario, puede uno rascar en las apariencias, sumergirse por completo en la narración, dejarse llevar por las imágenes y la música (compuesta por el octogenario realizador), y encontrar mucho más, hallar que la película no va realmente, pese al título, de la vida más allá de la muerte, sino de la soledad, de aceptar lo que somos, de la dificultad de afrontar los golpes de la vida, de la sensibilidad, la fe, el perdón, y el amor. ‘Más allá de la vida’ es un relato cargado de tristeza, de amargura, pero también de romanticismo y esperanza.

Ante todo, y esto la une con la obra de M. Night Shyamalan, pienso que esta película gira en torno al amor, a la terrible pérdida y el maravilloso hallazgo del amor, siendo esto lo único que merece la pena en esta breve, azarosa y agridulce existencia nuestra. Lo veo así por el personaje de Marie, que tras el accidente se distancia de su novio, pues no hay entre ellos una verdadera conexión, por el amigo de Billy que ha perdido a su esposa (Richard Kind), y sobre todo por George, cuya rutina entre penumbras y silencios, cuya automarginación por temor al contacto y el rechazo (como ocurre con el personaje de Bryce Dallas Howard), solo puede acabar al conocer a la persona que ha estado esperando toda su vida. Suena cursi, supongo, en especial para los que no han sentido nunca nada así, para los que solo creen en lo que se puede ver y tocar; pasa lo mismo con lo sobrenatural, tal como queda reflejado en el film, genera rechazo, menosprecio e incomprensión. En definitiva, me parece acertado concluir que ‘Más allá de la vida’ no es uno de los trabajos más inspirados de su director, que recurre a algunas soluciones muy manidas y que el guion flojea en ocasiones, pero haciendo balance, me parece indudable que es una película seria, arriesgada, estupenda.

Aunque haga ya unos meses de su estreno, todavía puede encontrarse en cartel ‘Copia certificada’ (‘Copie conforme’, 2010), de Abbas Kiarostami, el film que tantos premios y aclamaciones internacionales ha logrado.

Podríamos denominar «cine de tesis» a aquellas películas cuyo propósito es plantear una discusión filosófica, artística o de otra índole para que los espectadores reflexionen al respecto. Esta pretensión nos retrotrae, quizá, a los años ’60 del pasado siglo, época en la que, según parece, la intelectualidad no tenía otras conversaciones más que las que trataban de llegar a alguna conclusión sobre un asunto muy elevado. El interés, obviamente, radicaba en que esas conclusiones no existían, por lo menos no de forma dogmática y académica, pues se trataba en general de temas subjetivos, y así, los debates podían durar eternamente e incluso podían retomarse tantas veces como se quisiera.

Por mucho que suene demodé, encuentro atrayente la noción de ver un film que me haga pensar, ya que no logro encontrar muchos que cumplan el otro servicio que podrían desempeñar: hacerme pasar un rato de evasión. Con esto quiero decir que mis quejas acerca de ‘Copia certificada’ no se refieren al hecho en sí de tratarse de un cine de ensayo, sino a otras cuestiones.

Para empezar, la discusión sobre el valor de la copia está más que superada, poco más queda que añadir sobre el tema. Y menos aún en el cine, medio en el que solo cuentan las copias, que son lo que se visiona, y en el que los originales guardan la única función de poder ser reproducidos de nuevo y no tienen ningún valor como objeto.

Claro que, a pesar de que elija el formato cinematográfico, Kiarostami no habla de cine. Habla de artes como la escultura y la pintura, donde se puede aplicar el concepto de original de forma estricta. Habla de imitaciones, de reproducciones, de copias exactas que tratan de hacerse colar por el original, como queda claro en la exposición que el escritor hace en la primera escena. No habla de revisiones o versiones actualizadas, como podrían ser los remakes cinematográficos, que serían fruto de toda otra reflexión, más interesante, si me apuráis. Que haya reminiscencias de ‘Te querré siempre’, de Rossellini no apunta a esta idea, sino que viene a sumarse a la mezcla de conceptos que está realizando Kiarostami.

Por otra parte, que se trate de película de tesis no tendría por qué significar, automáticamente, que el film consista en reproducir uno de esos debates mantenidos por dos personas. Si estamos en un film, la forma de argumentar los distintos puntos de vista tendría que ser más cinematográfica que la de una conversación. Así, la primera parte de ‘Copia certificada’ resulta artificiosa cuando menos, al tratar de forzar a dos personajes a que dejen de serlo para convertirse simplemente en emisarios de dos formas de ver una cuestión.

Juegos de rol

A partir de una conversación con una mesonera muy mal observadora que confunde al escritor con el marido de la protagonista --en la que podría ser la mejor secuencia de la cinta--, ésta decide jugar a que, en efecto, este hombre al que acaba de conocer, lleva quince años casado con ella y tiene un hijo común. Él se presta a la charada y las conversaciones casuales se tornan en discusiones, como correspondería a un matrimonio de larga duración. Incómodo, pero sin valor para renunciar a ello, el escritor va buscando argumentos para fingirse reprochado y para pedir disculpas por omisiones de las que no ha sido autor.

O quizás ocurre lo contrario: el matrimonio, cansado, ha fingido no conocerse para tener una cita como antaño, pero no puede evitar dejar salir las rencillas ni en su aniversario. O podría ser que se tratase de un recurso de elipsis descomunal o de proyección de un posible futuro. La lectura queda abierta.

Este recurso, que da pie a una nueva indagación por parte de Kiarostami, es muy interesante como punto de partida. Sin embargo, una vez se plantea, no se desarrolla ni se explora, sino que se queda en lo mismo durante el resto de película, convirtiéndose en repetitivo e incapaz de suscitar la reflexión ni de aportar más material para la obtención de conclusiones. De hecho, el planteamiento de la idea está tan mal engranado con la tesis principal del original y la copia que más parecería una forma de estudiar el hastío generalizado entre las parejas casadas --debido a lo fácil que resulta saber o inventarse sobre qué van a discutir a continuación-- que sobre los falsos duplicados.

Las interpetaciones

El barítono William Shimell interpreta aquí su primer papel para el cine, lo que por un lado resulta refrescante y agradecido, pues muchas veces se pierde la sensación de estar viendo a un actor y parece que nos encontrásemos con una verdadera celebridad charlando con una fan tras una de sus presentaciones. Pero cuando le toca hacer algo más complicado, es fácil apreciar que le faltan cualidades interpretativas. Sus reacciones, por lo tanto, a la hora de representar el papel que no es el suyo resultan confusas.

No le faltan esas cualidades a Juliette Binoche, quien está impresionante, constituyendo, sin lugar alguno a dudas, lo mejor de la película. Realiza de forma perfecta el paso de un papel a otro y distingue claramente las diferentes actitudes que su personaje muestra según se encuentre con su hijo, con el escritor o con la posadera. Se presenta misteriosa desde el principio, con esas constantes alusiones a su hermana, que nunca se llega a saber si en realidad hacen referencia a una «copia» de ella y con sus insinuaciones nunca del todo obvias hacia el escritor.

Si acaso, se podría decir que está más convencida que el propio Kiarostami de lo que su papel intenta transmitir y que su esfuerzo por hacerlo ver es un tanto exagerado. A causa de esto, el personaje, tan cargado de significaciones y de posibles interpretaciones, resulta precisamente eso: cargante. Por ello, la película no puede disfrutarse a un nivel que no sea el intelectual. La emoción por el peligro que sufre el matrimonio no puede contagiarse, debido a que ninguno de ellos cae bien o resulta real, cercano o humano, sino que son figuras que un autor ha creado para transportar sus ideas. Donde más se logra esa sensación de copia es en estos seres tan irreales que son, tanto en el papel inicial, como en la simulación de la segunda parte, puros sucedáneos de personajes.

Los escenarios

La película transcurre en Arezzo, un pueblecito de la Toscana en el que los protagonistas pasean, mientras ella lleva al hombre de turismo. Repleto de museos y obras al aire libre, este escenario es el ideal para que el debate continúe a lo largo de toda la película, introduciendo incluso algunas disquisiciones no tan relacionadas con la central, como el motivo por el que las distintas personas aprecian las piezas artísticas que, de nuevo, podría revestir más interés, si se hubiese continuado, que lo que ocupa al film en general.

Como si Kiarostami quisiera explorar todos los aspectos que atañen a la cuestión de la copia o introduciendo por primera vez un elemento auténticamente cinematográfico en una película demasiado conversacional, el iraní rueda algunos de los diálogos ayudado del reflejo en espejos y otras superficies. También sitúa a sus personajes observando a otros a través de ventanales o escaparates. Reseñado en todas las críticas como un inteligente acierto, me parece el recurso más obvio con el que podría dar cualquiera que se plantease estas cuestiones de duplicidad durante el rodaje de una película.

Título mal traducido

La traducción del título que se ha ofrecido en España --quizá procedente de la traducción al inglés-- no es exacta, ya que la expresión francesa «copie conforme» se refiere a un duplicado calcado del original, lo que aquí llamaríamos «clavadito». En uno de los diálogos, la protagonista habla con su hijo y, posteriormente, se queja de que es «el vivo retrato de su padre». Para ello, utiliza la frase «copie conforme». Aunque los subtítulos han hecho una buena traducción de este diálogo, el título de la película no sigue este conocimiento y más o menos se inventa la versión española. Lo que en español se conoce como «certificada» o «compulsada» en francés sería «certifiée». El título ‘Copia fiel’, que se ha dado en algunos países de habla hispana, es mucho más correcto.

Conclusión

Mi conclusión, por supuesto particular, es que se trata de una película sobre las que es mucho más fascinante reflexionar a posteriori que visionar. Cualquier cuestión que se diga al respecto, cualquier escrito que se encuentre sobre el film supera con creces en interés a lo que éste de verdad dice o concluye. Entiendo y celebro que sus intenciones no sean concluir nada, sino simplemente plantear y dar pie a todos estos estudios posteriores. Pero incluso con esas ambiciones, considero que ‘Copia certificada’ no acierta a llegar a todo lo que comienza, que explora las cuestiones solo a medias y que no suscita ninguna discusión que no sea la de su propia interpretación y de su propia validez.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Copia certificada’, a propósito del remake, de Javier G. Trigales.

Mi puntuación:

Joseph Gordon-Levitt también estará en ‘The Dark Knight Rises’, la continuación de ‘El caballero oscuro’ (‘The Dark Knight’). Tras incorporar a Tom Hardy, Christopher Nolan ha convencido a otro de los protagonistas de ‘Origen’ (‘Inception’) para que se sume al elenco de la nueva película de Batman. De esta manera se cumple uno de los grandes deseos de los fans, que a lo largo de los últimos meses han fantaseado en la red con la idea de que Gordon-Levitt ocupase el lugar de Heath Ledger como el Joker (debido a su evidente parecido físico) o que diese vida a Enigma (The Riddler), uno de los villanos que más sonaron para esta tercera entrega.

Todavía no se ha hecho oficial por parte de Warner Bros. la contratación del joven actor (si bien se da por segura) y por tanto no sabemos aún que personaje interpretará. Por lo pronto, sí que podemos descartar las dos opciones más rumoreadas en Internet, pues Nolan ha confirmado en más de una ocasión que ni el Joker ni Enigma están en ‘The Dark Knight Rises’, y puesto que es él quien ha escrito el guion (junto a su hermano Jonathan Nolan), creo que debemos aceptar su palabra. Lo que más suena ahora, por lo que he estado leyendo, es la posibilidad de que Gordon-Levitt dé vida a Dick Grayson, alias Robin; no es del todo descartable, pero hace tiempo Christian Bale rechazó esta idea, llegando a decir que si metían a Robin en alguna película, él dejaría de ser Batman. Bueno, ya veremos. El rodaje comienza en mayo y el estreno está fijado para julio de 2012.

PD: A los intérpretes mencionados hay que sumar Michael Caine, Morgan Freeman, Gary Oldman y Anne Hathaway (como Catwoman). Por ahora.

Vía | TotalFilm

Uno tiene, casi siempre, la misma sensación con cada nueva película de Tim Burton: este hombre puede hacerlo mejor. Mucho mejor. La solitaria excepción, y rotunda, en su labor artística es ‘Ed Wood’ (id, 1994), el único largometraje realmente magistral que ha hecho en toda su vida. Quizá no, quizá Burton no tiene tanto talento, y esa película maravillosa fue un azar de los que de vez en cuando tienen lugar en el cine. Aunque a juzgar por las bondades de la estimable ‘Eduardo Manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’, 1990) y las notables trazas de género de la intensa ‘Sleepy Hollow’ (id, 1999), yo seguiré pensando que posee más talento del que la mayoría de sus películas demuestran, por mucho que sea uno de los directores más célebres y seguidos de la actualidad. Ahora bien, con el remake (ahora lo llaman reinicio o nuevo comienzo…) de ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’, 2001), el cineasta de Burbank metió la pata hasta el fondo.

Diré, para los que todavía no lo sepan, que a mí los remakes no me molestan lo más mínimo. No creo, como algunos dicen de cuando en cuando, que estropeen el original en absoluto, como si el remake fuera una carga de ácido que destruyera la otra película. Ahora bien, si propones un remake, te la juegas, porque a menudo se hacen de filmes míticos, y el personal va a compararlos de manera inevitable. Versionar nuevamente una historia se ha hecho desde los comienzos del cine, pero versionarla con desgana, con un ímpetu descaradamente comercial, con un guión paupérrimo, eso se está haciendo ahora más que nunca. Porque la película número nueve de Burton es algo así como una amorfa propuesta de sci-fi, que no consigue ni un mínimo porcentaje de los objetivos que se propone, y que hasta resulta aburrida y grotesca, como una parodia del filme precedente, y que aunque hizo buenos números en taquilla (gracias, como es habitual en Burton, a una bestial campaña de promoción) inicia la época más gris en el cine de su director, con ‘La novia cadáver’ (‘The Corpse Bride’, 2005) como último aliciente.

La película de 1968, dirigida por el artesano Franklin J. Schaffner (y por Arthur P. Jacobs, no acreditado) tampoco era, a mi juicio, la obra gigantesca que tanto se ha dicho. Sí poseía, en cambio, algunas imágenes muy potentes y duraderas, así como una genial música de Jerry Goldsmith, y se constituía en una lúcida parábola sobre la sociedad. Con esta historia, podíamos vernos tal cual somos: fanáticos, extremistas, altivos, orgullosos, belicistas. Todo esto, creo, fue la razón de la importancia de aquella película. Pero nada de ello interesaba a Burton ni a los productores, porque nada de ello está en la nueva película. Lo que sí hay es un interés grandilocuente en crear los simios más perfectos jamás vistos en una pantalla, una sociedad de simios mucho más matizada y elaborada, y una búsqueda de una mitología que se viene abajo con un breve soplido. Porque Burton siempre procura que sus historias y ambientes gocen de credibilidad, y por eso se esfuerza en creerse lo que está contando, por muy fantasioso o delirante que sea, como si hablase de la vida real. Eso tiene su mérito, pero en esta ocasión es una carcasa escenográfica completamente vacía.

El astronauta, la mona y la rubia

Dos años antes lo habíamos pasado muy bien con ‘Sleepy Hollow’, y entré al cine, lo recuerdo bien, con bastantes expectativas, que se me cayeron a los quince minutos. Durante el visionado de la película pasé de la expectación a la duda, de la duda a la incredulidad, y de ahí a la desesperación y al tedio más absolutos. Va a tener mucha razón Roger Ebert (un crítico que, por lo demás, me causa indiferencia) cuando dijo hace poco que no todo el mundo sabe emplear cien o doscientos millones de dólares. Otro crítico español, cuyo nombre ahora no recuerdo, dijo que de tanto ir a la fuente, el cántaro se rompe. Se refería, claro, a ese empeño de Burton de hacer cine de autor en el seno más conservador de Hollywood. Pocas veces le ha salido bien, y aquí la peor de todas. Es como asistir a un conjunto que pide a gritos que no te pongas a pensar en lo que tienes de cena, porque no tiene mucha fe en sí mismo, mientras Burton, agazapado en el maquillaje y los decorados, se olvida de que tiene que dirigir la película y se permite un capricho sin el menor interés, sabiéndose niño mimado de una industria para la que sólo cuenta el dinero.

A grandes rasgos, la historia sigue los pasos de la anterior, con involuntario viaje temporal incluido, pero de consecuencias mucho más enrevesadas y complicadas. Tanto, que terminan por importar poco, o nada, las razones por las que surgió esa raza de simios, y menos aún si el astronauta Leo (el Mark Wahlberg más anodino que imaginar quepa) consigue regresar a casa o revertir el proceso, con una imagen final que pretende competir, de manera risible, con la última, y famosísima, de la anterior película. Pero da la impresión de que todo eso es lo de menos, pues nos arrastran a una batalla final, como en la flojísima ‘Alicia en el país de las maravillas’ (‘Alice in Wonderland’, 2010), increíblemente mal filmada y con un sentido de la épica nulo. Hasta entonces, el astronauta ha trabado amistad con la mona Ari (inaguantable Helena Bonham Carter), mientras huye con la rubia humana (la maciza y pésima actriz Estella Warren, que no se sabe muy bien qué hace ahí, salvo lucir cuerpo y atraer al espectador masculino…) y se enfrenta al cruel Thade (un buen Tim Roth, cuyo personaje está completamente desaprovechado) y a un salvaje Attar (bestial Michael Clarke Duncan, ídem de ídem).

De productos calculados y pobres como este, empezamos a estar mal acostumbrados respecto a lo que nos llega del otro lado del Atlántico. Lo malo es que seguimos respaldándolos con nuestra presencia en pantalla. La jugada era muy parecida a la que luego sufrimos con ‘Alicia en el país de las maravillas’, y aún así su éxito fue enorme. Está claro que no aprendemos, por mucho que luego la mayoría estemos de acuerdo en que no merecieron la pena el tiempo y el dinero malgastados. Puede que la enorme pérdida de espectadores que sufren las salas cada año sea debido a la piratería o a las descargas o a la calidad de las series en contraste con la calidad de las películas. Yo creo, sin embargo, que es debido a que ir al cine, salvo en contadísimas ocasiones, significa aburrimiento. No sólo porque sepamos casi como acaban muchas películas “mainstream”, no sólo porque no hay nada en ellas realmente original o personal, sobre todo porque si a los directores no les importan sus propias películas, a mí menos todavía.

Conclusión: ¿Algo bueno?

Ni siquiera la esforzada música de Danny Elfman, que no puede faltar en cada nuevo trabajo de Burton, ofrece algo interesante (ni compararla con la sublime creación de Goldmith). Los kilos de maquillaje, muy logrados. Los decorados, muy bonitos. Sonido y efectos, de última generación. Aventuras, ni con lupa. Cine, de eso ya no se lleva.